Conception sonore au cinéma

Au cinéma (comme l'a souligné George Lucas dans la citation ci-dessus), où le son joue un rôle majeur aux côtés de l'image et de l'histoire. N'oubliez pas que le premier film sonore, The Jazz Singer, est sorti il ​​y a 90 ans, en 1927, tandis que le premier jeu sonore, Pong, n'est apparu que 45 ans plus tard, en 1972. Alors aujourd'hui, j'ai envie de partager quelques histoires sur la conception sonore dans les films.

Rainbow Spring Slinky a aidé le robot vocal Wall-E

Commençons par un aperçu de la conception sonore des films. L'une de mes chaînes YouTube préférées sur le cinéma, Cinefix, a publié une sélection de 10 films avec un bon sound design. Sur cette liste, ils ont passé en revue des films tels que Star Wars, Stalker, Gravity et Wall-E.

J'ai été particulièrement intrigué par l'histoire de Ben Burtt, l'un des pionniers des nouveaux sons cinématographiques, qui a trouvé un nom pour son métier : concepteur sonore. Cela s'est produit en 1977, lorsqu'il a assumé le rôle d'interprète de Star Wars. Je parlerai davantage de son travail plus tard, mais pour l'instant je mentionnerai seulement qu'à cette époque Ben n'avait pas de synthétiseurs numériques, et donc il créait et enregistrait la plupart des sons à la main ! Pour créer la voix de R2-D2, il est allé plus loin et a enregistré sa propre voix, puis l'a convertie à l'aide d'un synthétiseur analogique ARP 2600.

Après avoir travaillé sur six films de la saga stellaire et 29 ans de travail dessus, Ben a décidé qu'il ne voulait plus faire du doublage pour des robots. Mais à peine une semaine plus tard, Pixar le convainc de les aider avec le film d'animation Wall-E. C'était un défi tout à fait unique : la « voix » de Wally a été créée de toutes pièces, sans l'utilisation d'acteurs ni de sources réelles, et Wally n'a pas prononcé un seul mot (toutes ses émotions devaient être transmises uniquement à travers des sons créés artificiellement). En même temps, Valli était le véritable protagoniste du film avec son propre personnage. Grâce à la conception sonore, Ben a vraiment donné vie à ce personnage à l'écran. Et c'est drôle que lors de la création des sons pour Valli, il ait utilisé le ressort Slinky, avec lequel nous jouions quand nous étions enfants, en montant les escaliers.

La création des sons pour le Star Wars original est détaillée sur la chaîne YouTube de Kaptain Kristian

En 1977, le concepteur sonore Ben Burt a eu un problème technique : les sons de science-fiction n'existaient pas dans le monde réel. Par exemple, quel son choisir pour un faisceau de sabre laser ?

Seulement 15 % de la bande sonore finale du film a été enregistrée sur place pendant le tournage, les 85 % restants ont dû être créés par Ben lui-même. Le film contenait de nombreuses scènes qui auraient été incompréhensibles sans les sons appropriés, notamment des batailles dans l'espace. À l’époque, les salles de cinéma n’avaient même pas de son stéréo, encore moins de son surround dans les années 70.

Grâce au travail habile de Ben, cette tâche a été brillamment résolue. Il a enregistré les sons de deux projecteurs de films oscillants et d'une cathode de télévision à tube à rayons pour créer le son d'un sabre laser. Ce son est devenu canon pour toute la saga Star Wars et est devenu un symbole de science-fiction. À propos, dans la vidéo elle-même, il y a une scène de combat au sabre laser sans son supplémentaire, qui semble naïve et drôle. Ainsi, sans la contribution de Ben, Star Wars aurait perdu son ambiance épique.

Lors de la création de sons pour Godzilla, il a été décidé de renoncer complètement à l'utilisation des sons d'animaux vivants : tous les sons ont été spécialement créés et enregistrés pour le film

Le dernier film Godzilla est comme un jeu de Lara Croft : un son excellent, mais le film lui-même laisse beaucoup à désirer. Cette interview vidéo de Michael Coleman avec les concepteurs sonores Eric Adahl et Ethan Van der Ryn se concentre sur le son dans Godzilla.

Une histoire particulièrement intéressante est celle du doublage du Godzilla japonais original en 1954. Le concepteur sonore Akira Ifukube a voyagé dans tout le Japon pour enregistrer de nombreux sons d'animaux, mais aucun d'entre eux ne correspondait. Au final, pour enregistrer le rugissement du Godzilla original, il a utilisé le son de gants de cuir grinçant contre les cordes d'une contrebasse !

Les sound designers du nouveau film Godzilla ne dévoilent pas tous leurs secrets, mais la vidéo montre comment ils ont exprimé le kaiju dans le film (je recommande de prêter attention à l'extrait de 1h50 à 3h50 environ). Ainsi, le grincement des baskets sur le tambour et le bruit des cintres craquants sont devenus la voix du kaiju volant dans le film. Regardez et écoutez ceci.

Les films actuels de Marvel manquent définitivement de composition musicale accrocheuse

Tony Zhou, dans son essai vidéo, a soigneusement analysé les bandes sonores des films des studios Marvel. Faisons une petite expérience : essayez de vous souvenir de n'importe quel morceau de Star Wars. N'hésitez pas à le fredonner à voix haute. Je suis sûr que vous pouvez facilement penser à la marche impériale ou à l'hymne de la résistance. Passons maintenant à la deuxième partie de l'expérience : essayez de vous souvenir de n'importe quel air des films Marvel. C'est pratiquement impossible, non ? J'ai également rencontré la même difficulté (et j'ai regardé tous les films, y compris le « stupide » Thor). Peut-être que The Avengers a un thème impressionnant, mais ce n'est pas mémorable.

Tony a une théorie intéressante sur les raisons de cette situation. Premièrement, le cinéma moderne s’efforce de faire en sorte que la musique soit discrète et souligne simplement les émotions à l’écran. Cela fonctionne certainement, mais cela rend les films monotones et ennuyeux.

Deuxièmement, cela est dû à la nouvelle tendance consistant à utiliser de la musique temporaire (tempo music) dans le processus de montage. Avec l’avènement de la technologie de montage numérique, il est devenu facile de prendre une piste existante et de l’utiliser comme musique temporaire pour un nouveau matériel. Les cinéastes utilisent massivement les effets sonores de films à succès précédents comme musique temporaire. Ils demandent ensuite aux compositeurs d’écrire quelque chose de très similaire à une bande originale. Pourquoi cela arrive-t-il? Par exemple, une scène peut être montée sur une musique d'un certain tempo avec des accents sur certains moments, et sans une telle bande sonore, la scène peut tout simplement ne pas fonctionner.

C'est difficile à expliquer avec des mots, mais dans la vidéo, Tony donne des exemples précis de scènes de différents films où les mélodies sont presque identiques. J'ai été particulièrement surpris que mon film préféré de la décennie, Mad Max : Fury Road, utilise presque textuellement le thème de Captain America : Civil War. Mais dans « Mad Max », ce thème est devenu plus mémorable, car le compositeur Junkie XL l'a rendu plus agressif, dynamique et perceptible. De plus, toute la bande originale de Mad Max a été spécialement conçue avec des sons bruts et bruts, ce qui la rend plus mémorable (et c'est génial !).

"Baby Driver" d'Edgar Wright est l'un de mes films préférés cet été

Dans son analyse vidéo de la scène d'ouverture du film (que je recommande de regarder dans son intégralité), Thomas Flyte la décompose petit à petit et explique pourquoi elle est si réussie. Le réalisateur Edgar Wright incarne de nombreuses techniques différentes, mais l'une d'elles est à la base de tout le film : le personnage principal, Baby, échappe à la poursuite policière dans sa voiture, et chacune de ces évasions est soigneusement coordonnée avec une chanson spécifique. Wright coupe cette poursuite sur la musique de son choix, ce qui permet à la scène de se mélanger harmonieusement à l'accompagnement musical, rappelant le clip de la chanson. Cette technique rend la musique mémorable et impressionnante. Wright sélectionne consciemment des morceaux étonnants et les intègre au film à plusieurs niveaux.

Le film « Dunkerque » a eu sur moi l’impact émotionnel le plus profond cet été.

Christopher Nolan traduit magistralement le sentiment de menace et de tension qui règne à Dunkerque. Chaque seconde donne l’impression que les personnages se retrouvent dans une situation de plus en plus désespérée. Dans une critique sur la chaîne Vox, Christoph Haubursin explique comment le son des films contribue à cet effet.

Le compositeur Hans Zimmer utilise deux techniques pour atteindre cet objectif. Tout d'abord, le son d'une horloge qui tourne sert de base à la mélodie, qui attire l'attention du spectateur sur la notion de temps, devenue l'ennemi principal des militaires, enfermés sur la plage de Dunkerque. Deuxièmement, Zimmer crée l’illusion d’une tonalité musicale infiniment croissante, symbolisant le danger croissant. La tonalité de la musique monte constamment, comme si le danger montait de plus en plus haut, sans limite.

Pour créer cette illusion, Zimmer utilise l'effet Shepard. Il combine trois pistes audio avec des notes montantes (chaque piste une octave plus haute que la précédente). Progressivement, le compositeur coupe le son de la piste la plus haute et augmente en même temps le volume de la piste la plus basse. Cela crée l'impression que la hauteur de la mélodie augmente constamment, et cet effet affecte considérablement la perception émotionnelle. Auparavant, une technique similaire avait été utilisée par Shigeru Miyamoto dans un jeu Mario pour créer l'illusion d'un escalier sans fin.