Mélodie et harmonie : similitudes et différences

L'art musical comprend trois éléments clés : les lignes mélodiques, l'accompagnement harmonique et la structure rythmique. Dans le cas des compositions vocales, un autre élément leur est ajouté : le contenu lyrique. La mélodie et l'harmonie sont créées grâce à différentes combinaisons de hauteurs musicales. Malgré l’interaction étroite entre mélodie et harmonie, il est important de ne pas confondre ces concepts, car chacun d’eux joue un rôle unique dans un morceau de musique.

Qu'est-ce qu'une mélodie ?

Une mélodie est une séquence de sons musicaux combinés en un tout harmonieux. De nombreux morceaux de musique sont basés sur une combinaison de différentes mélodies qui interagissent les unes avec les autres. Dans un groupe de rock, chaque membre, qu'il soit chanteur, guitariste, claviériste ou bassiste, contribue au son mélodique global en jouant des mélodies sur ses instruments. Même les instruments à percussion derrière lesquels le batteur est assis ont une fonction mélodique.

La mélodie d'un morceau de musique se compose de deux éléments principaux :

Étape

Cela fait référence aux ondes acoustiques réelles générées par l’instrument de musique. Ces fréquences audio sont disposées en série, désignées par des noms tels que C4 ou D#5.

Durée

La description de la mélodie couvre également la durée du son de chacune des composantes de la hauteur. Ces intervalles de temps sont classés en différentes durées, notamment les notes entières, blanches et noires, ainsi que les triolets et autres.

Qu'est-ce que l'harmonie ?

L'harmonie naît du son combiné de diverses lignes musicales, formant une image audiovisuelle holistique. Prenons l'exemple d'un orchestre : un flûtiste peut produire un son d'une hauteur, un violoniste d'une autre et un tromboniste d'une troisième. Leur son crée séparément des lignes mélodiques distinctes, mais au moment de leur exécution simultanée, l'harmonie naît.

Les combinaisons harmoniques sont souvent une séquence d'accords. Dans notre orchestre conventionnel, disons que le flûtiste joue la note sol aigu, le violoniste joue la note B et le tromboniste apporte la note E dans la composition. Ensemble, ces notes forment un accord de mi mineur. Ainsi, bien que chaque musicien ne produise qu’une seule note, ils créent ensemble le son harmonique de l’accord de mi mineur.

Mélodie et harmonie : quelle est la différence ?

Malgré leur étroite collaboration, la mélodie et l'harmonie présentent de nettes différences. Dans la tradition de la musique occidentale, la mélodie et l’harmonie se développent à partir d’un ensemble commun de 12 tons. La grande majorité de la musique, des classiques aux succès modernes, est créée dans certaines tonalités musicales, en utilisant seulement sept de ces douze sons.

Prenons comme exemple la tonalité de do majeur :

Il comprend les sons C, D, E, F, G, A et B.

Ainsi, toute mélodie dans la tonalité de do majeur sera composée exclusivement de ces notes.

L'harmonie dans la tonalité de do majeur est formée sur la base d'accords assemblés à partir de notes de la gamme de do majeur. Par exemple, une harmonie en do majeur peut contenir un accord en ré mineur car tous ses composants (DFA) se trouvent dans la gamme de do majeur. Dans le même temps, il n'y a pas de place pour l'accord de ré majeur, car il se compose de DF#-A, et F# n'est pas inclus dans la gamme de la gamme de do majeur.

Consonance et dissonance

Les compositions en do majeur utilisent-elles exclusivement des notes de la gamme de do majeur ? La réponse semble négative. Souvent, dans la musique, il y a des éléments qui dépassent la gamme de base, nous conduisant aux concepts de consonance et de dissonance, activement présents dans la musique moderne.

Les mélodies et harmonies consonantiques sont construites directement sur la base de gammes, tandis que les moments dissonants incluent des sons qui dépassent la tonalité principale.

Prenez par exemple la chanson « Be My Baby » des Ronettes.

Son couplet comporte 16 mesures, dont la première moitié est complètement consonantique, avec des mélodies et des harmonies basées sur les notes de la gamme principale de la chanson (mi majeur), et se compose de trois accords (mi majeur, fa mineur, si majeur) de cette échelle. Cependant, les mesures suivantes introduisent des accords G# majeur, C# majeur et F#7, qui contiennent tous des notes qui n'appartiennent pas à la gamme de mi majeur.

Ainsi, la seconde moitié du vers est modérément dissonante. Les accords G# majeur, C# majeur et F#7 ne contribuent qu'à une seule note chacun en dehors de la gamme de mi majeur, ce qui rend la dissonance tolérable pour l'auditeur.

Un exemple de dissonance mineure dans une chanson est celui des accords qui, bien que légèrement dissonants, incluent des mélodies qui correspondent aux sons de ces accords. Par exemple, un accord G# majeur comprend une note B# qui n'appartient pas à la gamme Mi majeur. La ligne vocale de la chanson utilise cette note B# en conjonction avec l'accord, soulignant et approfondissant ainsi la dissonance.

CONSEILS AUX COMPOSITEURS. Lorsque vous créez des mélodies, essayez de vous assurer qu’elles mettent l’accent sur l’harmonie des accords principaux, car cela est plus important pour renforcer l’harmonie globale de la pièce.

Exemples de mélodie en musique

Les lignes mélodiques en musique peuvent prendre deux formes principales : des performances vocales et des fragments instrumentaux. Voici des exemples de leur manifestation dans des œuvres musicales :

Voix principale

Au centre de la composition musicale se trouve la ligne mélodique principale, interprétée par le chanteur principal. Il peut s'agir d'un air interprété par une soprano d'opéra tiré d'œuvres de Mozart, ou de la voix forte d'un morceau de heavy metal interprétée par un chanteur de rock. Dans les deux cas, leur rôle est similaire.

Choeurs

Les choristes améliorent généralement la richesse mélodique d’une composition en y ajoutant des harmonies. Par exemple, si le chanteur principal joue la note A (comme troisième élément d'un accord de fa majeur), le choriste peut ajouter une note C (comme cinquième élément du même accord), en le faisant avec une intonation plus douce.

Ainsi, le choriste met non seulement l'accent sur l'harmonie en fa majeur, mais contribue également à la mélodie, avec sa ligne conçue pour compléter principalement le rôle du chanteur principal.

Riffs instrumentaux

Les instruments de musique créent également des mélodies. Il pourrait s'agir de Jimmy Page interprétant magistralement la section d'ouverture de « The Immigrant Song » sur une guitare Les Paul, ou de Glen Gould jouant magistralement un prélude de Bach sur un piano à queue Steinway. Les mélodies instrumentales sont tout aussi importantes pour la musique que les lignes vocales.

Solo

Qu’est-ce qu’un solo de guitare ou de saxophone sinon une ligne mélodique ? Lorsque John Coltrane joue une séquence de notes prédéterminée au début de « Giant Steps », il crée une mélodie. Et quand il déroule un flot de notes au cours de son vaste solo, c'est aussi une mélodie. Il est important de comprendre que les mélodies ne doivent pas toujours être strictement écrites. Ils peuvent surgir de la même manière au cours du processus d’improvisation.

Exemples d'harmonie en musique

Tout comme les mélodies, les harmonies apparaissent dans la musique sous diverses formes. Ceux-ci inclus:

Accords statiques

Lorsqu'un pianiste tient des accords basés sur des quartes, ou lorsqu'un guitariste maintient le son d'un accord pendant une ou deux mesures, on parle d'accords statiques ; ils restent inchangés, sans lignes mélodiques ajoutées par-dessus – du moins par ledit pianiste ou guitariste. Cette approche représente l’une des formes d’harmonie les plus fondamentales, commune à tous les styles musicaux.

Accords entrecoupés de lignes mélodiques

Il n’existe aucune loi stipulant que l’harmonie et la mélodie doivent être strictement séparées et ne peuvent être liées. De nombreux interprètes, en particulier ceux qui possèdent un haut niveau d’art de la performance, sont capables de passer de manière transparente de l’harmonie à la mélodie et vice-versa, parfois même au sein du même morceau de musique.

Jimi Hendrix illustre la maîtrise dans ce domaine. Notez sa capacité à basculer sans effort entre les accords et les notes individuelles sur des chansons comme « Castles Made of Sand » et « Little Wing ». Le piano, en raison de sa capacité naturelle à polyphonie, est également excellent pour jouer simultanément des éléments mélodiques et harmoniques.

Lignes de basse

Les lignes de basse se caractérisent souvent par le fait qu'elles sont jouées une seule note à la fois, mais ces sons individuels peuvent représenter des accords entiers. Par exemple, lorsqu'une basse s'harmonise dans la gamme de ré mineur en utilisant sept notes de la gamme de ré mineur correspondante et que le bassiste joue la note F, l'auditeur l'associe automatiquement à un accord de fa majeur. En effet, l'accord de fa majeur est un élément de la gamme de ré mineur, par opposition à l'accord de fa mineur.

Extraits choraux

Le chœur est un groupe d'interprètes uniques unis par l'utilisation d'instruments similaires. Par exemple, un chœur vocal se compose d'une variété de voix, des sopranos aiguës aux basses profondes, avec certains interprètes dont les voix sonnent à des hauteurs intermédiaires.

En divisant les parties musicales entre les différentes voix d'un chœur, les compositeurs peuvent créer des harmonies complexes. Le compositeur peut spécifier Eb pour les basses, Db pour les ténors, Bb pour les altos et Gb pour les sopranos. Ces sons forment ensemble un accord en mi mineur, la mélodie portant la troisième note (sol). Il est à noter que le chœur peut être formé de n'importe quel groupe d'instruments, qu'il s'agisse de cordes, de saxophones, de guitares, etc.

Contrepoint

Les éléments d’un accord ne doivent pas nécessairement résonner simultanément dans la même partie de la mesure. De nombreux auteurs musicaux développent des lignes mélodiques indépendantes qui peuvent se croiser sans nécessairement coïncider dans le temps. Cette interaction de notes crée des accords qui ne sont pas présentés comme une seule unité, mais sont intuitivement reconnus par le public.

Cette méthode, appelée contrepoint et démontrée le plus clairement dans les fugues de Jean-Sébastien Bach, est l'une des formes de créativité musicale les plus complexes et les plus raffinées.