शुरुआती लोगों के लिए संगीत का निर्माण

हर कोई कहीं न कहीं शुरू होता है - और पहला कदम यह पता लगा रहा है कि आप वास्तव में क्या करना चाहते हैं। हो सकता है कि आप बीट्स बनाने में हों, हो सकता है कि आप स्क्रैच से पूर्ण ट्रैक बनाना चाहते हों, या हो सकता है कि आपका फोकस मिश्रण और माहिर हो। वह विकल्प इस प्रकार की हर चीज के लिए दिशा निर्धारित करता है।

एक बार जब यह स्पष्ट हो जाता है, तो मूल बातें सीखने का समय आ गया है। समझें कि एक ट्रैक एक साथ कैसे आता है, लय और मेलोडी कैसे बातचीत करते हैं, और तत्वों के बीच संतुलन क्यों होता है। आप इसके बिना दूर नहीं पहुंचेंगे। सीखने के सबसे अच्छे तरीकों में से एक वास्तव में संगीत सुनना है - लापरवाही से नहीं, बल्कि उद्देश्य के साथ। चीजों को तोड़ दें और यह पता लगाएं कि उन्हें क्या काम करता है।

इस विचार को भूल जाओ कि आपको अच्छा संगीत बनाने के लिए एक फैंसी स्टूडियो की आवश्यकता है। आप सिर्फ एक माइक, एक ऑडियो इंटरफ़ेस, हेडफ़ोन की एक ठोस जोड़ी और कुछ बुनियादी उत्पादन सॉफ़्टवेयर के साथ जा सकते हैं। बाकी सब समय और अभ्यास के साथ आता है।

संगीत उत्पादन का वास्तव में क्या मतलब है

संगीत उत्पादन एक ट्रैक बनाने की पूरी यात्रा है - पहले विचार से अंतिम ध्वनि तक। इसमें संगीत लिखना, व्यवस्था को आकार देना, रिकॉर्डिंग करना, मिश्रण करना और रिलीज के लिए ट्रैक तैयार करना शामिल है। प्रक्रिया का प्रत्येक भाग ध्यान केंद्रित करता है और तकनीकी जानकारी का थोड़ा सा हिस्सा लेता है। लेकिन गियर से अधिक, जो वास्तव में मायने रखता है वह इसके साथ चिपका हुआ है, जैसे आप जाते हैं, सीखते हैं, और जो आप शुरू करते हैं उसे खत्म करते हैं।

संगीत उत्पादन के मूल सिद्धांत

एक संगीत निर्माता वास्तव में क्या करता है

संगीत उत्पादन केवल तकनीकी पक्ष के बारे में नहीं है - यह शुरू से अंत तक एक ट्रैक बनाने की पूरी प्रक्रिया की देखरेख के बारे में है। एक निर्माता वह व्यक्ति है जो ध्यान में बड़ी तस्वीर रखता है, एक विचार की पहली चिंगारी से एक परियोजना का मार्गदर्शन करता है, जो रिलीज के लिए तैयार अंतिम संस्करण तक है। सेटअप के आधार पर, वे खुद संगीत लिख सकते हैं, एक कलाकार की किसी न किसी सामग्री को आकार देने में मदद कर सकते हैं, या संगीतकारों और इंजीनियरों की एक टीम को एक साथ लाने के लिए समन्वय कर सकते हैं।

निर्माता की मुख्य जिम्मेदारियों में से एक यह सुनिश्चित कर रहा है कि ट्रैक सामंजस्यपूर्ण लगता है। इसका मतलब है कि विभिन्न तत्वों के साथ काम करना, संरचना का निर्माण करना, और यह सुनिश्चित करना कि संगीत का विचार पूरी तरह से महसूस करता है। रिकॉर्डिंग के दौरान, एक निर्माता व्यवस्था में बदलाव का सुझाव दे सकता है, कलाकार को प्रदर्शन में अधिक भावनाएं लाने में मदद कर सकता है, या यह तय कर सकता है कि ट्रैक को मजबूत बनाने के लिए क्या सरल या हाइलाइट किया जाना चाहिए।

स्वतंत्र निर्माताओं के लिए, विशेष रूप से घर से काम करने वालों में, भूमिका में अक्सर सब कुछ शामिल होता है - लेखन, व्यवस्था, रिकॉर्डिंग, मिश्रण और यहां तक ​​कि महारत हासिल करना। और इन दिनों, आपको आरंभ करने के लिए एक बड़े स्टूडियो या महंगे गियर की आवश्यकता नहीं है। एक लैपटॉप, ऑडियो इंटरफ़ेस, माइक और कुछ प्लगइन्स एक लंबा रास्ता तय कर सकते हैं। लेकिन यह याद रखना महत्वपूर्ण है: एक निर्माता होने के नाते केवल एक डॉव में बटन दबाने के बारे में नहीं है। यह ऊर्जा, प्रवाह, संतुलन और ध्वनि को इस तरह से आकार देने के बारे में है जो लोगों के साथ जुड़ता है। एक अच्छा निर्माता ध्वनियों के संग्रह को कुछ ऐसा करने में मदद करता है जो जीवित महसूस करता है।

एक संगीत निर्माता के रूप में अपने कान का विकास करना

ध्वनि के साथ आत्मविश्वास से काम करना एक अच्छी तरह से प्रशिक्षित कान के बिना संभव नहीं है। एक निर्माता को पिच को पहचानने की क्षमता से अधिक की आवश्यकता होती है - उन्हें सूक्ष्म विवरणों पर उठाना पड़ता है: इंस्ट्रूमेंट्स कैसे इंटरैक्ट करते हैं, कौन सी आवृत्तियां टकरा रही हैं, जहां मिश्रण में गहराई का अभाव है, या जहां स्टीरियो छवि बंद महसूस होती है। इस तरह की जागरूकता लगातार अभ्यास और जानबूझकर सुनने से आती है।

कान का प्रशिक्षण अनुभव के माध्यम से होता है। केवल अपनी पसंदीदा शैलियों से चिपके मत - संगीत की एक विस्तृत श्रृंखला का पता लगाएं। इस बात पर ध्यान दें कि व्यवस्था कैसे बनाई जाती है, व्यक्तिगत भागों की ध्वनि कैसे होती है, और मिश्रण में स्वर कैसे बैठते हैं। पटरियों की तुलना करना भी सहायक है। एक स्पष्ट और खुला लग सकता है, जबकि दूसरा मैला या अत्यधिक संकुचित महसूस करता है। लक्ष्य यह पता लगाना है कि उन मतभेदों को क्या बनाता है।

जितना अधिक आप अभ्यास करते हैं, उतना ही बेहतर होगा कि आप जो काम नहीं कर रहे हैं उसे स्पॉट करने में। जब गिटार को अधिक स्थान की आवश्यकता होती है, तो आप सुनना शुरू कर देते हैं, जब बास मिश्रण को अभिभूत करता है, या जब एक मुखर मात्रा में असमान लगता है। ये अंतर्दृष्टि आपको अपनी ध्वनि को अधिक सटीक रूप से आकार देने में मदद करती हैं और मिश्रणों का निर्माण करती हैं जो संतुलित और जानबूझकर महसूस करते हैं। एक अच्छा कान कुछ ऐसा नहीं है जिसके साथ आप पैदा हुए हैं - यह कुछ ऐसा है जिसे आप केंद्रित, सुसंगत प्रयास के माध्यम से विकसित करते हैं।

गीत लेखन की मूल बातें सीखना

स्वच्छ उत्पादन महत्वपूर्ण है, लेकिन यह खुद का गीत है जो मूड को सेट करता है और श्रोताओं को खींचता है। इसीलिए एक निर्माता को केवल मिश्रण से अधिक समझने की आवश्यकता होती है - उन्हें यह जानना होगा कि कुछ यादगार बनाने के लिए मेलोडी, सद्भाव और गीत के साथ कैसे काम करना है।

शुरू करने के लिए एक अच्छी जगह संरचना है। अधिकांश गाने एक परिचित प्रारूप का पालन करते हैं: कविता, कोरस, कविता, कोरस, पुल, अंतिम कोरस। इस तरह का लेआउट श्रोता को स्वाभाविक लगता है और ऊर्जा और प्रवाह बनाने में मदद करता है। संरचना ट्रैक की दिशा देती है और इसे शुरू से अंत तक संलग्न रखती है।

हार्मनी अगला टुकड़ा है। यहां तक ​​कि सरल कॉर्ड प्रगति भी सही स्वर सेट कर सकती है यदि वे इरादे के साथ चुने जाते हैं। यह जटिलता के बारे में नहीं है - यह आपके राग के लिए सही भावनात्मक पृष्ठभूमि बनाने के बारे में है। अच्छी तरह से रखे गए कॉर्ड्स के एक जोड़े को तकनीकी रूप से उन्नत लेकिन अनफोकस्ड से अधिक कह सकते हैं।
गीत उतना ही मायने रखता है। उन्हें अत्यधिक काव्यात्मक होने की आवश्यकता नहीं है, लेकिन उन्हें जीवित महसूस करना चाहिए। अच्छे गीत भावनाएं लाते हैं, एक कहानी बताते हैं, या एक स्पष्ट छवि बनाते हैं। उन्हें संगीत का समर्थन करना चाहिए और इसके साथ आगे बढ़ना चाहिए, न कि इसके खिलाफ लड़ना चाहिए। जब शब्द और माधुर्य एक साथ काम करते हैं, तो परिणाम हमेशा मजबूत होता है।

हर कोई गीत लेखन से अलग तरह से संपर्क करता है - कुछ एक गीत के विचार से शुरू करते हैं, अन्य एक माधुर्य के साथ। प्रयोग करने के लिए कुंजी है। बहुत कुछ लिखें, वापस जाएं और सुनें, प्रत्येक प्रयास से सीखें। जितना अधिक आप अभ्यास करते हैं, उतना ही बेहतर आप समझेंगे कि एक गीत क्या कनेक्ट करता है - और उस कनेक्शन को अपने काम में कैसे आकार दें।

एक निर्माता के तकनीकी कौशल विकसित करना

सीखना कॉर्ड, संगीत सिद्धांत और लय

संगीत सिद्धांत का एक ठोस समझ उत्पादकों को अधिक कुशलता से और आत्मविश्वास से काम करने में मदद करता है। यह मूल बातें - chords, लयबद्ध पैटर्न, और समय ग्रिड को समझने के साथ शुरू होता है। यह फाउंडेशन आपको पूरी तरह से परीक्षण और त्रुटि पर भरोसा किए बिना हार्मोनिक और लयबद्ध विचारों का निर्माण करने देता है। आम कॉर्ड प्रगति का अभ्यास करना, विभिन्न लय की कोशिश करना, और आकृतियों के बीच संक्रमण करना सीखना मांसपेशियों की स्मृति और रचनात्मक प्रवाह का निर्माण करता है। मिडी कंट्रोलर्स या ड्रम पैड के साथ काम करना आपके समय और सटीकता को तेज करता है - खासकर यदि आप वास्तविक समय में रिकॉर्डिंग कर रहे हैं। लगातार अभ्यास और कुछ आत्म-प्रतिबिंब के साथ, ये कौशल आपके अपने पटरियों में स्वाभाविक रूप से दिखाना शुरू कर देते हैं।

रिकॉर्डिंग स्वच्छ, उच्च गुणवत्ता वाली ध्वनि

शानदार ध्वनि एक साफ संकेत के साथ शुरू होती है। यह लागू होता है कि क्या आप वोकल्स या लाइव इंस्ट्रूमेंट्स रिकॉर्ड कर रहे हैं। आपकी रिकॉर्डिंग की गुणवत्ता आपके द्वारा उपयोग किए जाने वाले माइक पर निर्भर करती है, आप इसे स्रोत के सापेक्ष और अपने सत्र में आपके द्वारा सेट किए गए सिग्नल पथ को कैसे स्थान देते हैं। कमरे के ध्वनिकी बस के रूप में महत्वपूर्ण हैं - यहां तक ​​कि सभ्य गियर के साथ, प्रतिबिंब और पृष्ठभूमि शोर जैसी चीजें एक टेक को बर्बाद कर सकती हैं। अपने स्थान में शोर स्तर की जाँच करें, समस्या आवृत्तियों से निपटें, और यदि आवश्यक हो तो कुछ बुनियादी ध्वनि उपचार का उपयोग करें। माइक प्लेसमेंट के साथ खेलना और विभिन्न सेटअप की कोशिश करने से आपको यह पता लगाने में मदद मिलेगी कि आप जिस ध्वनि के बाद हैं, उसे कैसे प्राप्त करें।

मिश्रण की कला में महारत हासिल करना

मिश्रण वह जगह है जहां सब कुछ एक साथ आता है। यह वह जगह है जहाँ आप ट्रैक को एक सामंजस्यपूर्ण, तैयार टुकड़े में आकार देते हैं। एक अच्छे मिश्रण का मतलब है कि सब कुछ का स्थान है - उपकरण टकराव नहीं करते हैं, स्वर सही बैठते हैं, और कुछ भी बहुत भारी या बहुत पतला नहीं लगता है। मिश्रण के मूल में संतुलन का स्तर, ईक्यू, संपीड़न और प्रभाव शामिल हैं। आपको यह समझने की आवश्यकता होगी कि किन आवृत्तियों को प्रतिस्पर्धा करने की संभावना है, डायनामिक्स को कैसे नियंत्रित किया जाए, और गहराई जोड़ने के लिए रेवरब या देरी का उपयोग करें। इस स्तर पर सामान्य समस्याओं में मैला लो-एंड, कमजोर स्टीरियो प्रसार, या अत्यधिक संपीड़ित तत्व शामिल हैं। अच्छी तरह से मिश्रण अभ्यास करता है - और गंभीर रूप से सुनने और अन्य पटरियों को संदर्भित करने की आदत।

अंतिम चरण: ट्रैक रिलीज़-रेडी के साथ मास्टरिंग के साथ तैयार होना

रिलीज होने से पहले मास्ट्रिंग अंतिम चरण है। यह वह जगह है जहां अंतिम पॉलिश होती है - जोर, गतिशीलता को समायोजित करना, और यह सुनिश्चित करना कि ट्रैक विभिन्न उपकरणों और प्लेटफार्मों में अच्छी तरह से अनुवाद करता है। आपके मिश्रण में सर्वश्रेष्ठ लाने के लिए लिमिटर्स, ईक्यू और स्टीरियो एन्हांसर्स जैसे टूल का उपयोग सटीकता के साथ किया जाता है। लक्ष्य यह है कि इसे ध्वनि सुसंगत, संतुलित और सार्वजनिक रिलीज के लिए तैयार किया जाए। आप अपने स्वयं के ट्रैक में महारत हासिल कर सकते हैं, लेकिन अक्सर इसे किसी और को सौंपना सबसे अच्छा होता है। कानों का एक ताजा सेट और कुछ बाहरी परिप्रेक्ष्य उन चीजों को पकड़ सकते हैं जिन्हें आप याद कर सकते हैं और अपना ट्रैक अतिरिक्त धक्का दे सकते हैं।

घर पर संगीत रिकॉर्डिंग शुरू करने के लिए आवश्यक गियर

कंप्यूटर

आपका कंप्यूटर आपके होम स्टूडियो का केंद्रीय केंद्र है। चाहे वह एक लैपटॉप हो या डेस्कटॉप उतना मायने नहीं रखता, जितना कि कई ऑडियो ट्रैक, प्लगइन्स और वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स को संभालने की क्षमता को धीमा कर दिया। एक मजबूत सीपीयू और पर्याप्त रैम महत्वपूर्ण हैं। टैबलेट और स्मार्टफोन त्वरित विचारों को कम करने या जाने पर व्यवस्था को कम करने के लिए आसान हो सकते हैं, लेकिन वे इसे गंभीर उत्पादन कार्य के लिए नहीं काटेंगे।

काला कौवा

आपका डिजिटल ऑडियो वर्कस्टेशन (DAW) वह सॉफ्टवेयर है जहां आपका पूरा ट्रैक एक साथ आता है - रिकॉर्डिंग से और मिश्रण और माहिर करने की व्यवस्था। वहाँ बहुत सारे विकल्प हैं: लॉजिक प्रो मैक उपयोगकर्ताओं के लिए एक शानदार पिक है, एब्लेटन लाइव इलेक्ट्रॉनिक उत्पादकों के बीच लोकप्रिय है, एफएल स्टूडियो अपने उपयोगकर्ता के अनुकूल लेआउट के लिए जाना जाता है, क्यूबेस लाइव इंस्ट्रूमेंट वर्क के लिए विश्वसनीय है, और रीपर टन के लचीलेपन के साथ एक शक्तिशाली, हल्का विकल्प है। एक पर बसने से पहले कुछ डेमो संस्करणों को आज़माएं - यह सब आपके वर्कफ़्लो के लिए सही लगता है।

मॉनिटर और हेडफ़ोन

वास्तव में यह समझने के लिए कि आपका संगीत कैसा लगता है, आपको सटीक निगरानी की आवश्यकता है। यह जोर से या "अच्छी" ध्वनि के बारे में नहीं है - यह आपके ट्रैक को सुनने के बारे में ठीक वैसा ही है जैसा कि यह है। स्टूडियो मॉनिटर (स्पीकर, कंप्यूटर स्क्रीन नहीं) को एक फ्लैट, अनियंत्रित आवृत्ति प्रतिक्रिया देने के लिए डिज़ाइन किया गया है ताकि आप आत्मविश्वास के साथ मिश्रण कर सकें। वे बास पर प्रचार नहीं करते हैं या उपभोक्ता वक्ताओं की तरह उच्च को उज्ज्वल करते हैं - और यह एक अच्छी बात है।

लेकिन अगर आपका स्थान वक्ताओं के लिए अनुमति नहीं देता है - शायद खराब ध्वनिकी या पतली दीवारों के कारण - गुड हेडफ़ोन एक ठोस विकल्प हैं। बंद-बैक हेडफ़ोन रिकॉर्डिंग के लिए महान हैं (वे माइक में ध्वनि लीक नहीं करेंगे), जबकि ओपन-बैक या सेमी-ओपन मॉडल मिश्रण के लिए बेहतर अनुकूल हैं। कुंजी स्टूडियो के उपयोग के लिए बनाए गए हेडफ़ोन को चुनना है, न कि आकस्मिक सुनने के लिए।

अपने सेटअप को अपग्रेड करना: अतिरिक्त गियर हर संगीत निर्माता को अंततः चाहिए

सिर्फ एक कंप्यूटर, हेडफ़ोन, और एक डीएडब्ल्यू के साथ शुरू करना पूरी तरह से ठीक है - यह आपके पहले ट्रैक को रिकॉर्ड करने और रस्सियों को सीखना शुरू करने के लिए पर्याप्त से अधिक है। लेकिन एक बार जब आप वोकल्स, लाइव इंस्ट्रूमेंट्स, या अधिक जटिल सत्रों के साथ काम करना शुरू कर देते हैं, तो आपको जल्दी से एहसास होगा कि आपको अपने टूलकिट का विस्तार करने की आवश्यकता है। यह आमतौर पर जब एक ऑडियो इंटरफ़ेस आवश्यक हो जाता है।

ऑडियो इंटरफेस

एक ऑडियो इंटरफ़ेस आपके बाहरी गियर और आपके DAW के बीच पुल के रूप में कार्य करता है। यह एक एमआईसी, इंस्ट्रूमेंट, या सिंथेस से एनालॉग सिग्नल लेता है, इसे डिजिटल ऑडियो में परिवर्तित करता है जिसे आपका कंप्यूटर प्रोसेस कर सकता है, और तैयार ट्रैक को अपने हेडफ़ोन या मॉनिटर को वापस भेजता है। लैपटॉप पर बिल्ट-इन साउंड कार्ड इस तरह के काम के लिए डिज़ाइन नहीं किए गए हैं-वे अक्सर अवांछित शोर का परिचय देते हैं, पर्याप्त विवरण पर कब्जा नहीं कर सकते हैं, और बस उच्च गुणवत्ता वाली रिकॉर्डिंग के लिए नहीं बनाया गया है।

एक अच्छा इंटरफ़ेस न्यूनतम विलंबता के साथ स्वच्छ, विश्वसनीय ऑडियो वितरित करता है - जो कि यदि आप लाइव रिकॉर्ड कर रहे हैं तो महत्वपूर्ण है। यदि आप जो खेलते हैं या गाते हैं और जो आप अपने हेडफ़ोन में सुनते हैं, उसके बीच ध्यान देने योग्य देरी है, तो यह आपके समय को फेंक देता है और प्रदर्शन करना मुश्किल बनाता है।

इंटरफ़ेस चुनते समय, आप इस बात पर ध्यान देना चाहते हैं कि उसके कितने इनपुट हैं। यदि आप सिर्फ वोकल्स और गिटार पर नज़र रख रहे हैं, तो दो चैनल करेंगे। लेकिन अगर आप ड्रम, एक पूर्ण बैंड, या कई हार्डवेयर सिंक रिकॉर्ड कर रहे हैं, तो आपको चार, आठ, या इससे भी अधिक इनपुट की आवश्यकता होगी।

अपने होम स्टूडियो के लिए सही माइक्रोफोन चुनना

यदि आप वोकल्स, ध्वनिक उपकरण, या किसी भी तरह की लाइव ध्वनि रिकॉर्ड करने की योजना बना रहे हैं, तो एक माइक्रोफोन एक होना चाहिए। यह केवल गियर का एक टुकड़ा नहीं है - यह आपकी पूरी रिकॉर्डिंग श्रृंखला का शुरुआती बिंदु है। और अपने सेटअप के लिए सही एक को चुनने से ध्वनि की गुणवत्ता में बहुत अंतर हो सकता है।

संगीत उत्पादन में उपयोग किए जाने वाले दो सबसे सामान्य प्रकार गतिशील और कंडेनसर माइक्रोफोन हैं। डायनेमिक MICs पृष्ठभूमि के शोर के प्रति कम संवेदनशील होते हैं और गिटार एम्प्स या ड्रम जैसे जोर से स्रोतों के लिए महान होते हैं। वे टिकाऊ हैं और विकृत किए बिना उच्च ध्वनि दबाव के स्तर को संभालते हैं। दूसरी ओर कंडेनसर मिक्स, अधिक संवेदनशील हैं और अधिक विस्तार और बारीकियों को उठाते हैं। यह उन्हें रिकॉर्डिंग वोकल्स, ध्वनिक गिटार, तार, या किसी भी प्रदर्शन के लिए आदर्श बनाता है जहां स्पष्टता और टोन बात होती है। बस ध्यान रखें कि कंडेनसर को फैंटम पावर (आमतौर पर +48V लेबल) की आवश्यकता होती है, जो आपके ऑडियो इंटरफ़ेस या मिक्सर आमतौर पर प्रदान करता है।

स्टूडियो MICS XLR केबल के माध्यम से कनेक्ट करें। जबकि USB माइक्रोफोन मौजूद हैं - और सीधे आपके कंप्यूटर में प्लग करते हैं - वे लचीलेपन और समग्र ऑडियो गुणवत्ता में अधिक सीमित होते हैं। यदि आप विश्वसनीय परिणाम और कमरे के बढ़ने के लिए लक्ष्य कर रहे हैं, तो एक उचित इंटरफ़ेस के साथ जोड़ा गया एक XLR माइक होशियार विकल्प है।

आपको तुरंत एक भाग्य खर्च करने की आवश्यकता नहीं है। बहुत सारे बजट के अनुकूल गतिशील और कंडेनसर MIC हैं जो होम स्टूडियो के लिए ठोस परिणाम प्रदान करते हैं। सबसे ज्यादा मायने रखता है कि आप इसका उपयोग कैसे करेंगे। क्या आप मुख्य रूप से वोकल्स रिकॉर्ड कर रहे हैं? क्या आप उपकरणों को भी कैप्चर करना चाहते हैं? क्या आप एक उपचारित कमरे में, या सिर्फ अपने नियमित बेडरूम में रिकॉर्डिंग करेंगे?

होम स्टूडियो में मिडी कंट्रोलर: वे क्या करते हैं और कैसे चुनें

कंप्यूटर संगीत बनाने के लिए अविश्वसनीय रूप से शक्तिशाली उपकरण हैं - वे आपको उपकरणों, प्रभावों और अंतहीन संपादन विकल्पों तक पहुंच प्रदान करते हैं। लेकिन जब यह वास्तव में वास्तविक समय में कुछ खेलने की बात आती है, तो एक माउस और कीबोर्ड का उपयोग करना क्लंकी महसूस कर सकता है। यह वह जगह है जहां मिडी नियंत्रक आते हैं, डिजिटल संगीत उत्पादन को अधिक हाथों में, संगीत के अनुभव में बदल देते हैं।

सबसे आम प्रकार कीबोर्ड नियंत्रक है। यह आपको एक पारंपरिक पियानो या संश्लेषण पर जैसे ही धुन, कॉर्ड और बेसलाइन खेलने देता है। ड्रम और नमूनों के लिए, पैड कंट्रोलर एक गो-टू विकल्प हैं-वे हिट, लूप या वाक्यांशों को ट्रिगर करने के लिए वेग-संवेदनशील और महान हैं। कई नियंत्रकों में फेडर्स, नॉब्स और बटन भी हैं जिन्हें आपके डीएडब्ल्यू में मैप किया जा सकता है, इसलिए आप अपने माउस को छूने के बिना स्तर, ट्वीक प्रभाव या नियंत्रण संश्लेषण मापदंडों को समायोजित कर सकते हैं।

यह समझना महत्वपूर्ण है कि एक नियंत्रक अपने आप ध्वनि का उत्पादन नहीं करता है। इसके बजाय, यह आपके कंप्यूटर पर मिडी डेटा भेजता है - जानकारी के बारे में जानकारी कि आपने कौन से नोट्स खेले हैं, आपने उन्हें कितना मुश्किल से दबाया है, और आपने उन्हें कब तक रखा है। आपका DAW तब उस डेटा का उपयोग वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स से ध्वनियों को ट्रिगर करने के लिए करता है।

यदि आप अभी शुरू कर रहे हैं, तो एक साधारण नियंत्रक काम करेगा - जब तक कि यह आपके DAW के साथ काम करता है और आपके वर्कफ़्लो को फिट करता है। लक्ष्य विचारों को पटरियों में बदलना आसान और तेज़ बनाना है। एक अच्छा नियंत्रक आपको यह महसूस करने में मदद करता है कि आप वास्तव में संगीत बजा रहे हैं, न कि केवल इसे प्रोग्रामिंग करते हैं।

वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स: रियल गियर का एक व्यावहारिक विकल्प

यहां तक ​​कि एक माइक, ऑडियो इंटरफ़ेस और मिडी कंट्रोलर के साथ, आपको वास्तविक ध्वनि उत्पन्न करने के लिए अभी भी कुछ चाहिए। और यदि आपके पास लाइव इंस्ट्रूमेंट्स या उन्हें रिकॉर्ड करने के लिए स्थान तक पहुंच नहीं है, तो वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स एक आसान और शक्तिशाली समाधान हैं।

ये वास्तविक दुनिया के उपकरणों के सॉफ्टवेयर-आधारित संस्करण हैं-पियानो और ड्रम से लेकर कॉम्प्लेक्स सिंक और ऑर्केस्ट्रल लाइब्रेरी तक सब कुछ। वे सीधे आपके DAW के अंदर चलते हैं और एक MIDI नियंत्रक का उपयोग करके खेला जा सकता है या अनुक्रमक में सही प्रोग्राम किया जा सकता है। अधिकांश DAWS वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स के एक मूल संग्रह के साथ बंडल में आते हैं, जो बिल्डिंग ट्रैक शुरू करने के लिए पर्याप्त से अधिक है।

घरेलू उत्पादकों के लिए, यह सेटअप विशेष रूप से सुविधाजनक है। कोई केबल, कोई मिक्स नहीं, कोई कमरा उपचार नहीं - बस एक ध्वनि चुनें, सेटिंग्स को ट्विक करें, और रिकॉर्डिंग शुरू करें। इनमें से कुछ प्लगइन्स गियर का अनुकरण करते हैं, जिसमें वास्तविक जीवन में पहुंचने के लिए हजारों डॉलर खर्च होंगे, और वे इसे प्रभावशाली यथार्थवाद के साथ करते हैं।

नमूने और लूप: एक रचनात्मक शॉर्टकट जो काम करता है

बहुत सारे प्रतिष्ठित निर्माता - डीजे शैडो, द एवलांच, डीजे प्रीमियर, कान्ये वेस्ट - ने नमूनों का उपयोग करके पूरे ट्रैक बनाए हैं। उनका दृष्टिकोण पूरी तरह से नया बनाने के लिए मौजूदा ऑडियो को फिर से काम करने और फिर से शुरू करने पर आधारित है।

नमूना एक ट्रैक बनाने का एक तेज़ तरीका है, खासकर यदि आपके पास खुद की लाइव रिकॉर्डिंग नहीं है। लूप आपको लय को नीचे ले जाने देता है, टोन सेट करता है, और अपने गीत की समग्र संरचना को परिभाषित करता है। यह आपके विचारों को नीचे लाने और तकनीकी सेटअप में फंसने के बजाय संगीत बनाने के रचनात्मक हिस्से पर ध्यान केंद्रित करने का एक कुशल तरीका है।

कैसे एक ट्रैक एक साथ आता है: संगीत निर्माण के प्रमुख चरण

हर उत्पादन के दिल में गीत ही है। यह मूड को आकार देता है, गतिशीलता को नियंत्रित करता है, और पूरे ट्रैक के लिए दिशा निर्धारित करता है। कुछ निर्माता खरोंच से शुरू करते हैं, लेखन के रूप में वे जाते हैं, जबकि अन्य एक मौजूदा राग, कॉर्ड प्रगति या मुखर विचार से काम करते हैं। किसी भी तरह से, बुनियादी गीत लेखन संरचना को समझना पूरी प्रक्रिया में रचनात्मक और तकनीकी निर्णयों का मार्गदर्शन करने में मदद करता है।

एक नया सत्र शुरू करना: अपने कार्यक्षेत्र का निर्माण

इससे पहले कि आप कुछ और करें, अपने DAW में एक नई परियोजना खोलें। यह आपका कार्यक्षेत्र होगा - जहां आप विचारों को रिकॉर्ड करेंगे, व्यवस्था करेंगे, व्यवस्थाओं का निर्माण करेंगे, प्रभाव लागू करेंगे और अंततः ट्रैक को मिलाएंगे। शुरुआत से व्यवस्थित होने से आपको ध्यान केंद्रित रहने और बाद में तकनीकी सिरदर्द से बचने में मदद मिलती है।

टेम्पो और कुंजी: नींव सेट करना

लॉक करने के लिए पहली चीजों में से एक टेम्पो है। यह आपके ट्रैक की गति को परिभाषित करता है और मिडी, लूप्स और लाइव इंस्ट्रूमेंट्स को सिंक करने के लिए आवश्यक है। एक स्थिर टेम्पो हर किसी को समय पर रखता है और लाइन के नीचे बहुत आसान संपादन करता है।

आगे की कुंजी आती है। शुरुआती चरणों में, आपको तुरंत एक के लिए प्रतिबद्ध नहीं होना है - खासकर यदि आप विचारों को स्केच कर रहे हैं। लेकिन जैसे -जैसे धुन और तार आकार लेते हैं, कुंजी स्वाभाविक रूप से जगह में गिर जाएगी। और अगर आपको इसे बदलने की आवश्यकता है, तो उत्पादन में गहरे होने से पहले यह करना सबसे अच्छा है।

ऑडियो सेटअप: अपनी ध्वनि को सही ढंग से रूट करना

यह सुनिश्चित करने के लिए कि सब कुछ रिकॉर्ड करें और सुचारू रूप से वापस खेलें, आपको DAW में अपनी ऑडियो सेटिंग्स को कॉन्फ़िगर करना होगा। यदि आप एक बाहरी ऑडियो इंटरफ़ेस के बिना काम कर रहे हैं, तो आपके कंप्यूटर के अंतर्निहित साउंड कार्ड को आमतौर पर डिफ़ॉल्ट रूप से चुना जाएगा-और ज्यादातर मामलों में, यह बुनियादी कार्यों के लिए ठीक है।

यदि आप एक ऑडियो इंटरफ़ेस का उपयोग कर रहे हैं, तो अपने DAW की ऑडियो सेटिंग्स में जाएं और इसे मुख्य इनपुट और आउटपुट डिवाइस के रूप में सेट करें। फिर, सही इनपुट और आउटपुट असाइन करें। उदाहरण के लिए, यदि आपका माइक इनपुट 1 में प्लग किया गया है, तो एक ऑडियो ट्रैक बनाएं और उस इनपुट को स्रोत के रूप में सेट करें। जब आप रिकॉर्ड हिट करते हैं, तो सिग्नल को उस ट्रैक पर रूट किया जाएगा।

आपके आउटपुट - आमतौर पर 1 और 2 - DAW से अपने हेडफ़ोन या मॉनिटर पर ऑडियो भेजें। यदि सब कुछ सही सेट किया गया है, तो आपको अपने सत्र प्लेबैक को स्पष्ट रूप से उस क्षण को सुनना चाहिए जिसे आप खेलते हैं।

जैसे -जैसे आप आगे बढ़ते हैं, आपका रूटिंग सेटअप अधिक जटिल हो सकता है - बसों, उपसमूहों और समानांतर प्रसंस्करण के साथ। लेकिन शुरुआत में, यह इस सरल पथ को समझने के लिए पर्याप्त है: माइक से ट्रैक तक, और दाऊ से लेकर आपके कानों तक।

वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स के साथ आरंभ करना: वे कैसे काम करते हैं और क्या जानते हैं

वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स आपको अपने कंप्यूटर के अंदर पूरी तरह से संगीत का उत्पादन करने देते हैं - कोई माइक्रोफोन नहीं, कोई बाहरी गियर नहीं, कोई जटिल सेटअप की आवश्यकता नहीं है। आपको बस एक DAW और MIDI नियंत्रक की आवश्यकता है। वास्तव में, आप सिर्फ एक माउस और कीबोर्ड के साथ भी शुरुआत कर सकते हैं। उनके लचीलेपन और उच्च गुणवत्ता वाली ध्वनि के लिए धन्यवाद, वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स आधुनिक उत्पादकों के लिए एक समाधान बन गए हैं।
वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स के दो मुख्य प्रकार हैं। सिंक एल्गोरिदम और ध्वनि इंजन का उपयोग करके खरोंच से ध्वनि उत्पन्न करते हैं। वे मूल स्वर और बनावट बनाने के लिए महान हैं जो भौतिक दुनिया में मौजूद नहीं हैं। अन्य प्रकार नमूना-आधारित उपकरण हैं। ये वास्तविक ऑडियो रिकॉर्डिंग पर बनाए गए हैं - नमूना नोट या कुंजियों या पैड में मैप किए गए ध्वनियों। जब आप एक नोट को ट्रिगर करते हैं, तो यह एक पूर्व-रिकॉर्ड किए गए नमूने को वापस खेलता है, जिससे ड्रम, गिटार, वोकल्स, या बहुत कुछ और की आवाज़ को फिर से बनाना आसान हो जाता है।
अधिकांश वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स प्रीसेट साउंड्स के साथ लोड किए गए हैं। यदि आप सुनिश्चित नहीं हैं कि कहां से शुरू करें, तो बस एक प्रीसेट चुनें और प्रयोग करें - कुछ नोट्स खेलें, सेटिंग्स को ट्विस्ट करें, और इंस्ट्रूमेंट क्या कर सकते हैं, इसके लिए एक महसूस करें। यह अपने चरित्र को समझने और यह पता लगाने का एक त्वरित तरीका है कि यह आपके ट्रैक में कैसे फिट हो सकता है।

प्लगइन प्रारूप: आपके सेटअप के साथ क्या काम करता है

वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स आमतौर पर दो मुख्य प्लगइन प्रारूपों में आते हैं: VSTI और AU। VSTI व्यापक रूप से विंडोज और MacOS दोनों पर समर्थित है, जबकि AU विशेष रूप से MacOS के लिए डिज़ाइन किया गया है और मुख्य रूप से अन्य Apple- आधारित प्लेटफार्मों में उपयोग किया जाता है।

इससे पहले कि आप कुछ भी स्थापित करें, यह जाँचने के लायक है कि प्रारूप आपके DAW और ऑपरेटिंग सिस्टम के साथ संगत है। उदाहरण के लिए, एब्लेटन लाइव मैक और पीसी दोनों पर VSTI के साथ काम करता है, लेकिन लॉजिक प्रो केवल एयू प्लगइन्स का उपयोग करता है। यह सुनिश्चित करना कि समय से पहले सब कुछ लाइनें आपको बाद में कष्टप्रद संगतता मुद्दों से बचाएगी।

बफर आकार और विलंबता: कैसे सेटिंग्स आपके वर्कफ़्लो को प्रभावित करती हैं

जब आप वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स और प्लगइन्स के साथ काम कर रहे हों, तो आपके कंप्यूटर का प्रोसेसर जल्दी से ओवरलोड हो सकता है - खासकर यदि आप एक बार में कई ट्रैक और प्रभाव चला रहे हैं। जब सिस्टम संघर्ष करना शुरू कर देता है, तो आप ऑडियो में क्लिक, ड्रॉपआउट या ग्लिच सुनेंगे। लोड को कम करने के सबसे सरल तरीकों में से एक आपकी DAW सेटिंग्स में ऑडियो बफर आकार को समायोजित करके है।

एक बड़ा बफर आपके सिस्टम को ध्वनि को संसाधित करने के लिए अधिक समय देता है, जिसके परिणामस्वरूप अधिक स्थिर प्लेबैक होता है। लेकिन यह विलंबता को भी बढ़ाता है - जब आप एक नोट खेलते हैं और जब आप वास्तव में इसे सुनते हैं तो देरी। एक छोटा बफर उस देरी को कम करता है, जिससे आपके उपकरण अधिक उत्तरदायी महसूस करते हैं, लेकिन यह आपके सीपीयू पर अधिक दबाव डालता है। कुंजी सही संतुलन खोजने के लिए है: वास्तविक समय के प्रदर्शन को महसूस किए बिना चिकनी प्लेबैक।

बाहरी ऑडियो इंटरफ़ेस का उपयोग करने से यहां बहुत मदद मिल सकती है। अंतर्निहित साउंड कार्ड के विपरीत, इंटरफेस समर्पित ड्राइवरों का उपयोग करते हैं जो ऑडियो को अधिक कुशलता से संभालते हैं। यह आपको कम बफर सेटिंग्स के साथ काम करने और विलंबता को नियंत्रण में रखने की अनुमति देता है। यदि आप वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स का गंभीरता से उपयोग करने की योजना बना रहे हैं-विशेष रूप से लाइव प्लेइंग या रियल-टाइम रिकॉर्डिंग के लिए-एक ऑडियो इंटरफ़ेस एक स्मार्ट निवेश है।

एक मिडी नियंत्रक के साथ वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स खेलना

आभासी उपकरण समृद्ध और अभिव्यंजक लग सकते हैं, लेकिन उनकी पूरी क्षमता को बाहर लाने के लिए, आपको उचित नियंत्रण की आवश्यकता है। अधिकांश DAWS आपको अपने कंप्यूटर कीबोर्ड का उपयोग बुनियादी नोटों को खेलने के लिए करने देता है - और यह विचारों को स्केच करने या जाने पर काम करने के लिए ठीक है। लेकिन वे कुंजियाँ वेग-संवेदनशील नहीं हैं और वास्तविक प्रदर्शन की गतिशीलता को पकड़ नहीं सकती हैं।

यह वह जगह है जहां एक मिडी नियंत्रक आता है। चाहे वह चाबियों, पैड, या स्लाइडर्स का एक सेट हो, एक नियंत्रक को बहुत अधिक प्राकृतिक तरीके से आभासी उपकरणों के साथ बातचीत करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। यह कैप्चर करता है कि आप एक नोट को कितना मुश्किल से मारते हैं, आप इसे कितने समय तक पकड़ते हैं, और आप इसे कैसे खेलते हैं - जो कि ध्वनि प्रतिक्रिया कैसे होती है, इस बारे में बहुत बड़ा अंतर है।

यदि आपका लक्ष्य वास्तव में संगीत बजाना है, तो न केवल एक माउस के साथ प्रोग्राम नोट्स, एक नियंत्रक में निवेश करना इसके लायक है। यह आपको अधिक नियंत्रण देता है, अपने वर्कफ़्लो को गति देता है, और आपको भौतिक स्तर पर अपनी ध्वनि से जुड़ने में मदद करता है।

मिडी क्या है और यह संगीत उत्पादन में क्यों मायने रखता है

मिडी एक सार्वभौमिक प्रोटोकॉल है जो आपके गियर और सॉफ्टवेयर को संगीत विचारों को संप्रेषित करने देता है। ऑडियो फाइलों के विपरीत, मिडी ध्वनि नहीं लेता है - यह सिर्फ निर्देश भेजता है: कौन सा नोट खेला गया था, कितना कठिन, यह कब तक आयोजित किया गया था, और जब यह रुक गया। यह रिकॉर्डिंग, संपादन और संगीत की व्यवस्था के लिए अविश्वसनीय रूप से लचीला बनाता है।

जब आप अपने मिडी कंट्रोलर पर एक कुंजी दबाते हैं, तो आपके DAW को "नोट A2, वेलोसिटी 90, अवधि 0.8 सेकंड" जैसा संदेश मिलता है। यदि आप एक पैड मारते हैं, तो DAW एक नमूना ट्रिगर कर सकता है या एक क्लिप लॉन्च कर सकता है। मिडी आपको एक प्रदर्शन को कैप्चर करने देता है और फिर इंस्ट्रूमेंट को स्वैप करता है, टाइमिंग को ट्विक करता है, या अभिव्यक्ति को समायोजित करता है-सभी को फिर से रिकॉर्ड किए बिना।

अधिकांश वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स कार्य करने के लिए MIDI पर भरोसा करते हैं। यह इस बात की रीढ़ है कि आप अपने DAW के अंदर सिंक, सैंपल और ड्रम मशीनों के साथ कैसे बातचीत करते हैं। आप एक पूरे हिस्से की कुंजी को बदल सकते हैं, व्यक्तिगत नोटों को संपादित कर सकते हैं, वेग को समायोजित कर सकते हैं, और मापदंडों को स्वचालित कर सकते हैं - सभी ध्वनि गुणवत्ता में शून्य हानि के साथ।

परिमाणीकरण: इसका उपयोग कब करना है - और कब नहीं

मिडी के साथ काम करने के बड़े लाभों में से एक यह है कि आप रिकॉर्डिंग के बाद अपने प्रदर्शन को साफ कर सकते हैं। परिमाणीकरण एक ऐसा उपकरण है जो आपके नोट्स को निकटतम बीट या ग्रिड लाइन पर ले जाता है, अगर आपको लगता है कि चीजें बंद हो जाए तो आपको समय कसने में मदद करें।

यह विशेष रूप से ड्रम, बास लाइनों, या कुछ भी ताल-आधारित के लिए आसान है जहां समय महत्वपूर्ण है। परिमाणीकरण चीजों को जगह में लॉक करने में मदद कर सकता है या यहां तक ​​कि अधिक रखी-बैक या धक्का महसूस करने के लिए खांचे को थोड़ा स्थानांतरित कर सकता है-जिस वाइब के लिए आप जा रहे हैं, उसके आधार पर।

लेकिन ओवरबोर्ड जाना आसान है। यदि आप बहुत अधिक मात्रा देते हैं, तो आप सूक्ष्म समय विविधताओं को हटाने का जोखिम उठाते हैं जो एक भाग को मानव महसूस करते हैं। वे छोटी खामियां हैं जो एक प्रदर्शन को अपने प्राकृतिक आंदोलन और ऊर्जा देती हैं। तो इससे पहले कि आप सब कुछ ऑटो-सही करें, सुनने के लिए एक मिनट लें और तय करें कि वास्तव में क्या फिक्सिंग की आवश्यकता है-और क्या आपके ट्रैक चरित्र देता है।

लाइव ऑडियो स्रोतों के साथ काम करना: वोकल्स, इंस्ट्रूमेंट्स और हार्डवेयर

लाइव साउंड एक ट्रैक में एक अनोखा चरित्र लाता है। यहां तक ​​कि एक एकल मुखर ले या एक ध्वनिक गिटार रिकॉर्डिंग पूरी तरह से बदल सकता है कि एक गीत कैसा लगता है। और अच्छी खबर यह है - आपको आरंभ करने के लिए प्रो स्टूडियो की आवश्यकता नहीं है। सिर्फ एक बुनियादी ऑडियो इंटरफ़ेस और एक माइक्रोफोन के साथ, आप अपनी परियोजनाओं में वास्तविक ऑडियो रिकॉर्ड करना शुरू कर सकते हैं। यह गहराई जोड़ने और अत्यधिक क्रमादेशित, स्थैतिक व्यवस्था से दूर जाने का एक सरल तरीका है।

लाइव इंस्ट्रूमेंट्स या हार्डवेयर सिंक को शामिल करना आपके सोनिक पैलेट का विस्तार करता है और कार्बनिक बनावट के साथ डिजिटल उत्पादन को मिश्रण करने में मदद करता है। आप एक माइक के साथ एक भाग को ट्रैक कर सकते हैं, दूसरा एक प्रत्यक्ष इनपुट के माध्यम से, और फिर इसे अपने DAW के अंदर आभासी उपकरणों के साथ परत कर सकता है। यह हाइब्रिड दृष्टिकोण अक्सर फुलर, अधिक गतिशील प्रस्तुतियों की ओर जाता है।

ऑडियो इनपुट और सिग्नल स्तरों को समझना

साफ -सुथरे रिकॉर्ड करने और तकनीकी मुद्दों से बचने के लिए, यह जानना महत्वपूर्ण है कि आपका इंटरफ़ेस विभिन्न सिग्नल प्रकारों को कैसे संभालता है। अधिकांश ऑडियो इंटरफेस में तीन प्रकार के इनपुट होते हैं: माइक, इंस्ट्रूमेंट और लाइन - और प्रत्येक एक विशिष्ट उद्देश्य प्रदान करता है।

माइक इनपुट माइक्रोफोन के लिए डिज़ाइन किए गए हैं, जो बहुत कम-स्तरीय संकेतों को आउटपुट करते हैं। यही कारण है कि माइक इनपुट एक प्रयोग करने योग्य स्तर तक सिग्नल को बढ़ावा देने के लिए preamps के साथ आते हैं। अधिकांश इंटरफेस में अंतर्निहित preamps होते हैं, लेकिन जरूरी नहीं कि हर चैनल पर-रिकॉर्डिंग से पहले डबल-चेक करने के लिए कुछ।

इंस्ट्रूमेंट इनपुट इलेक्ट्रिक गिटार या बास जैसी चीजों के लिए हैं। ये संकेत एमआईसी के स्तर से अधिक मजबूत हैं लेकिन फिर भी कुछ लाभ की आवश्यकता है। इंस्ट्रूमेंट इनपुट्स इसे क्लीन ट्रैकिंग के लिए उचित प्रतिबाधा और लाभ संरचना के साथ संभालते हैं।

लाइन इनपुट उन उपकरणों के लिए होते हैं जो पहले से ही एक मजबूत सिग्नल का उत्पादन करते हैं - जैसे कि सिंक, ड्रम मशीन, या आउटबोर्ड गियर। इन्हें अतिरिक्त लाभ की आवश्यकता नहीं है। वास्तव में, माइक इनपुट में लाइन-लेवल सिग्नल भेजने से गंदे विरूपण हो सकता है या यहां तक ​​कि अधिभार के कारण आपके गियर को नुकसान हो सकता है।

यह जानना कि प्रत्येक इनपुट कैसे काम करता है और इसे सही स्रोत के साथ मिलान करना एक चिकनी रिकॉर्डिंग वर्कफ़्लो के लिए महत्वपूर्ण है। यह केवल एक तकनीकी विवरण नहीं है-यह वास्तविक दुनिया के ऑडियो के साथ काम करते समय शानदार ध्वनि प्राप्त करने की नींव है।

रिकॉर्डिंग के लिए सही इनपुट स्तर कैसे सेट करें

रिकॉर्ड हिट करने से पहले, अपने इनपुट स्तर को ठीक से सेट करना महत्वपूर्ण है - बहुत गर्म नहीं, बहुत शांत नहीं। यह वह जगह है जहां आपके ऑडियो इंटरफ़ेस पर लाभ नॉब आता है। आप आमतौर पर इसे माइक या इंस्ट्रूमेंट इनपुट के ठीक बगल में पाएंगे।

रिकॉर्डिंग शुरू होने से पहले आपको स्तर को समायोजित करना चाहिए। यदि आपका सिग्नल बहुत मजबूत है, तो आपको विरूपण मिलेगा। यदि यह बहुत कमजोर है, तो आप इसे बाद में बढ़ावा देंगे और इसके साथ अवांछित शोर लाएंगे। जांच करने का सबसे आसान तरीका आपके DAW में स्तरीय मीटर देखकर है। आपकी चोटियों को सुरक्षित रेंज में आराम से बैठना चाहिए -आदर्श रूप से -12 डीबी और -6 डीबी के बीच। यह एक छोटा कदम है जो आपके समग्र ध्वनि की गुणवत्ता में एक बड़ा अंतर बनाता है।

रिकॉर्ड करने के लिए सही स्थान चुनना

माइक्रोफोन सब कुछ उठाते हैं - जिन ध्वनियों को आप पहले नोटिस भी नहीं कर सकते हैं। स्ट्रीट शोर, भंगुर इलेक्ट्रॉनिक्स, या रूम इको आपकी रिकॉर्डिंग के साथ गंभीरता से गड़बड़ कर सकता है। इसीलिए आपका रिकॉर्डिंग स्पेस आपके माइक की तरह ही मायने रखता है।

फर्नीचर, पर्दे या कालीन वाला एक कमरा स्वाभाविक रूप से प्रतिबिंबों को अवशोषित करेगा और एक बेहतर रिकॉर्डिंग वातावरण बना देगा। यदि आपके पास एक उपचारित स्थान तक पहुंच नहीं है, तो रचनात्मक हो जाएं - यहां तक ​​कि कपड़े से भरी एक कोठरी भी आश्चर्यजनक रूप से अच्छी तरह से काम कर सकती है। लक्ष्य इको को कम करना और अवांछित पृष्ठभूमि के शोर को अवरुद्ध करना है।

इससे पहले कि आप रिकॉर्डिंग शुरू करें, रिकॉर्ड को हिट करें और कुछ सेकंड के मौन को कैप्चर करें। हेडफ़ोन के माध्यम से वापस सुनें। यदि आप एक प्रशंसक, यातायात, या फ्रिज के हम को सुनते हैं, तो आप स्रोत को खत्म करने या एक शांत स्थान पर जाने के लिए क्या कर सकते हैं। इसमें केवल एक मिनट लगता है और आपको बाद में संपादन के घंटे बचा सकता है।

क्यों आपको वोकल्स के लिए एक पॉप फिल्टर की आवश्यकता है

यदि आप वोकल्स रिकॉर्ड कर रहे हैं, तो गियर का एक टुकड़ा है जिसे आपको निश्चित रूप से नहीं छोड़ना चाहिए: एक पॉप फिल्टर।

जब हम गाते हैं या बोलते हैं, तो स्वाभाविक रूप से हवा के फटने से हमारे मुंह से निकलता है - विशेष रूप से "पी" और "बी" जैसे व्यंजन पर। एक संवेदनशील मुखर माइक उन लोगों को गहरे, अप्रिय थंप्स के रूप में उठाएगा। एक पॉप फिल्टर गायक और माइक के बीच बैठता है और कैप्सूल को हिट करने से पहले उन फटों को तोड़ता है, जो आपके मुखर को साफ और प्रयोग करने योग्य रखते हैं।

कुछ mics एक शामिल के साथ आते हैं, लेकिन यदि आपके पास एक नहीं है, तो इसे बनाना आसान है। एक तार पिछलग्गू को पकड़ो, इसे एक सर्कल में मोड़ें, और उस पर पेंटीहोज की एक परत को फैलाएं। बूम - इंस्टेंट DIY पॉप फिल्टर।

इनपुट स्तर सेट करना: विरूपण से कैसे बचें और स्वच्छ ध्वनि प्राप्त करें

रिकॉर्डिंग शुरू करने से पहले, सुनिश्चित करें कि आपका इनपुट स्तर आपके ऑडियो इंटरफ़ेस पर लाभ नॉब का उपयोग करके ठीक से डायल किया गया है। यदि सिग्नल बहुत गर्म है, तो आपको क्लिपिंग मिल जाएगी। बहुत कम, और आप बाद में अवांछित शोर को बढ़ावा देंगे। अपने दाऊ के मीटर को देखें - चोटियों को लाल से बाहर रहना चाहिए, लेकिन बहुत शांत नहीं होना चाहिए। इस अधिकार को प्राप्त करने से ध्वनि की गुणवत्ता में बहुत अंतर होता है।

कहां रिकॉर्ड करने के लिए: सबसे शांत स्थान आप कर सकते हैं

माइक्रोफोन आपको लगता है कि प्रशंसकों, यातायात, कमरे की इको। सबसे अच्छा स्थान प्रतिबिंबों को अवशोषित करने के लिए कालीन, पर्दे या फर्नीचर के साथ एक कमरा है। यदि आपके पास ऐसा नहीं है, तो कपड़े से भरी एक कोठरी भी आश्चर्यजनक रूप से अच्छी तरह से काम करती है। मौन के कुछ सेकंड रिकॉर्ड करें और हेडफ़ोन में सुनें - आप जल्दी से सुनेंगे कि क्या वहाँ से निपटने के लिए अवांछित पृष्ठभूमि शोर है।

पॉप फ़िल्टर: कठोर व्यंजन के लिए एक सरल फिक्स

वोकल्स को रिकॉर्ड करते समय, एक पॉप फिल्टर कठोर प्लोसिव्स पर कटौती करने में मदद करता है - "पी" और "बी" से हवा के फटने से लगता है कि माइक को ओवरलोड कर सकते हैं। यह एयरफ्लो को नरम करने के लिए गायक और माइक के बीच बैठता है। एक नहीं है? कोई समस्या नहीं है - आप एक तार की अंगूठी और कुछ खिंचाव वाले पेंटीहोज के साथ एक DIY फ़िल्टर बना सकते हैं। यह बस के रूप में अच्छी तरह से काम करता है और कुछ भी नहीं खर्च करता है।

मिक्सिंग और ऑडियो एडिटिंग बेसिक्स: आपको एक पेशेवर ध्वनि बनाने के बारे में क्या जानना चाहिए

ऑडियो एडिटिंग सिर्फ कटिंग और मूविंग क्लिप के बारे में नहीं है - यह आपके ट्रैक को आकार देने के बारे में है, इसलिए यह एकजुट और पॉलिश महसूस करता है। व्यवहार में, दो मुख्य दृष्टिकोण हैं। पहला क्लासिक "स्प्लिट-एंड-स्लिप" विधि है: आप ऑडियो को सेगमेंट में स्लाइस करते हैं और उन्हें मैन्युअल रूप से जगह में स्थानांतरित करते हैं। यह आपको मूल ध्वनि की गुणवत्ता को प्रभावित किए बिना समय पर सटीक नियंत्रण देता है।

दूसरी विधि में समय-स्ट्रेचिंग शामिल है, जहां ट्रैक के कुछ हिस्सों को टेम्पो से मेल खाने के लिए ऊपर या धीमा कर दिया जाता है। यह त्वरित और सुविधाजनक है, लेकिन यह ध्वनि को नीचा कर सकता है - विशेष रूप से स्वर या ध्वनिक उपकरणों पर - अवांछित कलाकृतियों या अप्राकृतिक टन का परिचय।

अधिकांश पेशेवर पहली विधि पसंद करते हैं, भले ही इसमें अधिक समय लगता है। मिक्सिंग और मास्टरिंग सभी प्रदर्शन के प्राकृतिक अनुभव को संरक्षित करने के बारे में हैं। एक पॉलिश ट्रैक में सैकड़ों माइक्रो-एड हो सकते हैं जिन्हें आप कभी नहीं सुनेंगे, लेकिन साथ में वे एक साफ, संतुलित ध्वनि बनाते हैं। ऑडियो एडिटिंग विस्तृत काम है - हर टुकड़े को श्रव्य सीम छोड़ने के बिना फिट होने की आवश्यकता होती है।

मिक्सिंग मैटर्स और यह आपके ट्रैक के लिए क्या करता है

मिक्सिंग वह चरण है जहां आपके ट्रैक के सभी तत्व एकीकृत ध्वनि में एक साथ आते हैं। लक्ष्य पूरे गीत को एक एकल प्रदर्शन की तरह महसूस करना है - न कि केवल अलग -अलग हिस्सों का संग्रह।

इस चरण में वॉल्यूम स्तरों को समायोजित करना, स्टीरियो फील्ड में पैनिंग इंस्ट्रूमेंट्स, ईक्यू को लागू करना और रीवरब या देरी जैसे प्रभावों को जोड़ना शामिल है। लक्ष्य यह सुनिश्चित करना है कि हर ध्वनि का अपना स्थान है और बाकी मिश्रण के साथ सामंजस्य में काम करता है।

जबकि मिश्रण तकनीकी रूप से रिकॉर्डिंग और व्यवस्था से अलग है, वास्तव में, ये चरण अक्सर ओवरलैप होते हैं। एक अच्छा मिश्रण न केवल तकनीकी कौशल पर बल्कि रचनात्मक निर्णय पर भी निर्भर करता है - यह वह जगह है जहां ट्रैक का व्यक्तित्व वास्तव में आता है।

मिक्सिंग बेसिक्स: कैसे एक साफ, संतुलित ट्रैक का निर्माण करें

वॉल्यूम प्रबंधन: अपने मिश्रण में डिजिटल क्लिपिंग को रोकना

मिश्रण में पहला कदम उचित मात्रा का स्तर निर्धारित कर रहा है। वोकल्स को दफनाया नहीं जाना चाहिए, बास को प्रबल नहीं होना चाहिए, और ड्रम को सब कुछ नहीं डूबना चाहिए। जब कोई ध्वनि बहुत जोर से हो जाती है, तो यह क्लिप कर सकता है - और डिजिटल ऑडियो में, यह एक गर्म एनालॉग क्रंच नहीं है, यह कठोर विरूपण है जो आपके ट्रैक को बर्बाद कर देता है।

इसलिए प्रत्येक DAW में स्तर मीटर शामिल हैं। हरे रंग का मतलब है कि आप अच्छे हैं, पीला पास हो रहा है, लाल का मतलब है कि आप सीमा से अधिक हैं। जैसे ही यह लाल हिट करता है, इसे ठुकराने का समय है। स्तरों को ठीक से प्रबंधित करना न केवल आपके मिश्रण को साफ रखता है, बल्कि बाद में महारत हासिल करने के लिए आपको पर्याप्त हेडरूम भी देता है।

स्टीरियो प्लेसमेंट: प्रत्येक ध्वनि को अपना स्थान देना

पैनिंग यह है कि आप स्टीरियो फील्ड में इंस्ट्रूमेंट्स कैसे फैलाते हैं - बाएं से दाएं - एक फ्लैट, भीड़ वाले मिश्रण से बचने के लिए। लीड वोकल्स और बास आमतौर पर ट्रैक को लंगर करने के लिए केंद्रित रहते हैं। अन्य तत्व, जैसे सिंक, गिटार, या टक्कर, को चौड़ाई और स्थान जोड़ने के लिए एक तरफ या दूसरे को थोड़ा धकेल दिया जा सकता है।

स्टीरियो प्लेसमेंट प्रत्येक ध्वनि को सांस लेने में मदद करता है। सरल पैन नियंत्रण के साथ, आप अंतरिक्ष की भावना को आकार दे रहे हैं जो आपके ट्रैक को बड़ा और अधिक जीवित महसूस कराता है। सही किया, यह स्पष्टता और आंदोलन लाता है बिना कुछ भी काट दिया।

शेपिंग टोन: कैसे अपनी ध्वनि को सही चरित्र दें

मिश्रण केवल मात्रा को संतुलित करने के बारे में नहीं है - यह भी आकार देने के बारे में है कि प्रत्येक उपकरण कैसा लगता है। एक एकल ध्वनि गर्म, कठोर, सुस्त या उज्ज्वल के रूप में सामने आ सकती है, यह इस बात पर निर्भर करता है कि यह कैसे संसाधित होता है। टोन को आकार देने के लिए, निर्माता EQ, संपीड़न और संतृप्ति जैसे उपकरणों का उपयोग करते हैं। एक EQ मैला आवृत्तियों को साफ कर सकता है या उन क्षेत्रों को बढ़ावा दे सकता है जो एक भाग को बाहर खड़े होने में मदद करते हैं। संपीड़न वॉल्यूम स्पाइक्स को चिकना करता है और प्रदर्शन को कसता है, जबकि संतृप्ति सूक्ष्म रंग और गहराई जोड़ता है। यहां तक ​​कि अधिकांश DAWS में स्टॉक प्लगइन्स एक ट्रैक को कैसे माना जाता है, इसे बदलने के लिए पर्याप्त लचीलापन प्रदान करता है।

अंतिम निर्यात: अपने मिश्रण के लिए सही प्रारूप चुनना

एक बार मिश्रण समाप्त हो जाने के बाद, अंतिम चरण परियोजना का निर्यात कर रहा है। महारत हासिल करने या आगे के उत्पादन के लिए, WAV या AIFF जैसे असम्पीडित प्रारूप आदर्श हैं - वे आपके ऑडियो के पूर्ण संकल्प को संरक्षित करते हैं। यदि आपको बस अपने फोन पर एक डेमो या त्वरित सुनने की आवश्यकता है, तो एमपी 3 काम करेगा, लेकिन ध्यान रखें कि यह फ़ाइल को संपीड़ित करता है और विस्तार खो देता है। निर्यात केवल एक तकनीकी औपचारिकता नहीं है - यह वह क्षण है जब आपका मिश्रण DAW को छोड़ देता है और एक तैयार उत्पाद बन जाता है, इसलिए सेटिंग्स को सही मायने में वास्तव में मायने रखता है।

द फाइनल टच: माहिर क्या करता है और यह क्यों मायने रखता है

माहिर संगीत उत्पादन में अंतिम चरण है - वह बिंदु जहां फोकस व्यक्तिगत पटरियों से एक पूरे के रूप में मिश्रण में बदल जाता है। आप अब वोकल्स या ड्रम को ट्विकिंग नहीं कर रहे हैं; अब आप ट्रैक को एक पेशेवर मानक तक लाने के लिए पूरी स्टीरियो फ़ाइल के साथ काम कर रहे हैं। लक्ष्य तानवाला संतुलन को परिष्कृत करना, जोर से अनुकूलन करना और मिश्रण चरण से किसी भी बचे हुए खामियों को सुचारू करना है।

मास्टरिंग टूल में EQ, संपीड़न, सीमित और संतृप्ति शामिल हैं - मिश्रण के समान, लेकिन व्यक्तिगत तत्वों के बजाय पूर्ण मिश्रण पर लागू किया गया। यह इंजीनियर को आवृत्तियों को सूक्ष्मता से बढ़ाने, डायनामिक्स को नियंत्रित करने और ट्रैक को सभी प्लेबैक सिस्टम में ठोस लगता है - चाहे वह स्टूडियो मॉनिटर, हेडफ़ोन, कार वक्ताओं, या एक सस्ते ब्लूटूथ स्पीकर को सुनिश्चित करने की अनुमति देता है।

ईपी या एल्बम की तरह पूर्ण रिलीज में महारत हासिल करते समय, स्थिरता महत्वपूर्ण हो जाती है। प्रत्येक ट्रैक को मिलान की मात्रा और तानवाला चरित्र के साथ एक सामंजस्यपूर्ण पूरे के हिस्से की तरह महसूस करने की आवश्यकता होती है। एक अच्छी तरह से महारत हासिल करने वाला ट्रैक सिर्फ जोर से नहीं है-यह पूरा लगता है। मास्टरिंग वह है जो तकनीकी रूप से ध्वनि मिश्रण को रिलीज़-तैयार उत्पाद में बदल देता है।

संगीत निर्माताओं के आकांक्षा के लिए 10 व्यावहारिक सुझाव

जब आप बस शुरू कर रहे हैं, तो यह ट्रैक बनाने और उन्हें तुरंत जारी करने में भाग लेने के लिए लुभावना है। लेकिन बहुत तेजी से आगे बढ़ने से आप छोटे विवरणों को नजरअंदाज कर सकते हैं जो वास्तव में अंतिम परिणाम को प्रभावित करते हैं। अपना समय लें और एक ठोस नींव बनाने पर ध्यान केंद्रित करें। एक DAW चुनकर शुरू करें जो उपयोग करने में सहज महसूस करता है - इसे सबसे महंगा होने की आवश्यकता नहीं है, बस कुछ ऐसा जो आपके वर्कफ़्लो को फिट करता है और आपको रचनात्मक रहने में मदद करता है।

सुधार करने के सर्वोत्तम तरीकों में से एक अपने काम की तुलना वाणिज्यिक पटरियों से करना है। बारीकी से सुनें कि वे कैसे मिश्रित हैं - स्तर, उपकरणों के बीच रिक्ति, स्वर की स्पष्टता। आप अक्सर पाएंगे कि सरल व्यवस्थाएं अव्यवस्थित लोगों की तुलना में बेहतर लगती हैं। अपने मिश्रण में जगह छोड़ने से डरो मत। कुछ बुनियादी संगीत सिद्धांत - विशेष रूप से लय और सद्भाव - सीखना - आपको अधिक आत्मविश्वास से लिखने में मदद करने में एक लंबा रास्ता तय करेगा।

EQ और संपीड़न आवश्यक उपकरण हैं। यह जानने के लिए कि आवृत्तियों को कैसे आकार दिया जाए और डायनेमिक्स को नियंत्रित करें, आपके मिश्रण को ध्वनि और अधिक पॉलिश बना देगा। हमेशा अपने विचारों को रिकॉर्ड करें, भले ही वे खुरदरा महसूस करें - वे बाद में कुछ महान स्पार्क कर सकते हैं।

यदि आपको मौका मिलता है, तो अन्य लोगों की परियोजनाओं में खुदाई करें। अध्ययन करना कि अन्य लोग कैसे काम करते हैं, यह अविश्वसनीय रूप से आंख खोलने वाला हो सकता है। अपनी कुछ तकनीकों को अपने संगीत में लागू करने का प्रयास करें। सुसंगत रहें - यहां तक ​​कि प्रत्येक दिन छोटे सत्र प्रेरणा के सही क्षण के लिए इंतजार करने से बेहतर हैं। और सबसे महत्वपूर्ण बात, अपने संगीत को साझा करें। प्रतिक्रिया - यहां तक ​​कि एक छोटे से दर्शकों से - आपको अपने आप को सब कुछ रखने की तुलना में तेजी से बढ़ने में मदद करेगा।

1। अपने होम स्टूडियो को शुरू करने के लिए आवश्यक गियर

जब आप बस संगीत उत्पादन में हो रहे हैं, तो गियर - आकर्षक प्लगइन्स, नियंत्रक, माइक्रोफोन और अंतहीन सहायक उपकरण में फंसना आसान होता है। लेकिन सच्चाई यह है कि, आपको शुरू करने के लिए एक पेशेवर सेटअप की आवश्यकता नहीं है। वास्तव में क्या मायने रखता है कि आप क्या बनाना चाहते हैं - बीट्स, वोकल्स, फुल ट्रैक - और उस के आसपास अपनी गियर सूची का निर्माण।

आपके स्टूडियो का दिल कंप्यूटर है। यह टॉप-ऑफ-द-लाइन होने की ज़रूरत नहीं है, लेकिन इसमें एक ठोस प्रोसेसर, कम से कम 8 जीबी रैम और एक तेज एसएसडी होना चाहिए। ये चश्मा आपके DAW को सुचारू रूप से चलाने में मदद करते हैं, खासकर जब आप कई ट्रैक और वर्चुअल इंस्ट्रूमेंट्स के साथ काम कर रहे हों। एक दूसरा मॉनिटर आवश्यक नहीं है, लेकिन यह निश्चित रूप से मदद करता है - अपने मिक्सर और व्यवस्था के दृश्य को साइड करके वर्कफ़्लो को गति देता है।

आगे ऑडियो इंटरफ़ेस आता है। एक बुनियादी दो-इन, दो-आउट मॉडल शुरू करने के लिए पर्याप्त है-यह आपको एक माइक, हेडफ़ोन, या एक उपकरण में प्लग करने देगा और कम विलंबता के साथ स्वच्छ रिकॉर्डिंग प्राप्त करेगा। इसे कॉम्पैक्ट 25-कुंजी मिडी कीबोर्ड के साथ पेयर करें। यहां तक ​​कि एक छोटा सा एक माउस के साथ नोट्स में क्लिक करने की तुलना में लेखन धुन और निर्माण व्यवस्था को बहुत तेजी से बना देगा।

निगरानी बस उतनी ही महत्वपूर्ण है। सभ्य हेडफ़ोन और कुछ एंट्री-लेवल स्टूडियो मॉनिटर की एक जोड़ी आपको अपने मिश्रण को अधिक सटीक रूप से सुनने में मदद करेगी और समझेगी कि आपका संगीत विभिन्न सेटिंग्स में कैसे ध्वनि करेगा। और यदि आप रिकॉर्डिंग वोकल्स की योजना बनाते हैं, तो एक बड़ा-डायफ्राम कंडेनसर माइक एक महान शुरुआती बिंदु है। आपको बैंक को तोड़ने की आवश्यकता नहीं है - बहुत सारे किफायती मॉडल स्पष्ट, विस्तृत मुखर ले सकते हैं, खासकर यदि आप एक शांत कमरे में रिकॉर्डिंग कर रहे हैं।

2। क्यों कमरे ध्वनिकी महंगे गियर से अधिक मायने रखते हैं

सबसे आम गलतियों में से एक शुरुआती लोग कमरे के ध्वनिकी को देखते हैं। यहां तक ​​कि महान मॉनिटर और एक ठोस ऑडियो इंटरफ़ेस के साथ, आप अपने मिश्रण को सही ढंग से नहीं सुनेंगे यदि आपका कमरा अनियंत्रित प्रतिबिंबों से भरा है। कुछ बुनियादी ध्वनिक उपचार के बिना, आप वास्तव में अपने संगीत को नहीं सुन रहे हैं - आप अपनी दीवारों से उछलते हुए ध्वनि सुन रहे हैं।

अच्छी खबर यह है कि, आपको फर्क करने के लिए हजारों खर्च करने की आवश्यकता नहीं है। सरल, सस्ती सुधार एक लंबा रास्ता तय कर सकते हैं। मुख्य लक्ष्य प्रतिबिंबों को कम करने के लिए हैं, विशेष रूप से मिडरेंज में, और लो-एंड बिल्डअप को नियंत्रित करने के लिए, जो आमतौर पर कोनों में एकत्र होता है।

खनिज ऊन या फाइबरग्लास से बने बुनियादी दीवार और छत पैनलों से शुरू करें - ये सामग्री सस्ते ध्वनिक फोम की तुलना में कहीं अधिक प्रभावी हैं। यदि संभव हो, तो अपने सुनने की स्थिति के पीछे डिफ्यूज़र को रखें। अवशोषक के विपरीत, डिफ्यूज़र ध्वनि तरंगों को समान रूप से बिखेरते हैं, जिससे आपके कमरे को अधिक खुला और प्राकृतिक महसूस होता है।

बस इसे ओवरडो मत करो। यदि कमरा बहुत "मृत" हो जाता है, तो आप उस स्थान की भावना खो देंगे जो reverb और Stereo चौड़ाई जैसे प्रभावों को मिलाने के लिए महत्वपूर्ण है। लक्ष्य संतुलन है - आपके मिश्रण को स्पष्ट रूप से सुनने के लिए पर्याप्त नियंत्रण, लेकिन इतना नहीं कि कमरा बेजान महसूस करता है। एक अच्छी तरह से उपचारित स्थान में, यहां तक ​​कि मामूली गियर आपको एक स्पष्ट तस्वीर देगा जो वास्तव में आपके मिश्रण में हो रहा है।

3। अपने वर्कफ़्लो के लिए सही संगीत सॉफ्टवेयर कैसे चुनें

इन दिनों, आपको संगीत बनाने के लिए पूर्ण स्टूडियो सेटअप की आवश्यकता नहीं है। सब कुछ - ट्रैकिंग से लेकर अंतिम मिश्रण तक - सॉफ्टवेयर के एक टुकड़े में किया जा सकता है। यह पैसे बचाता है, चीजों को गति देता है, और आपको कभी भी अपनी परियोजनाओं को फिर से देखने देता है।

कुंजी एक ऐसा मंच ढूंढ रही है जो सहज महसूस करता है। कुछ उपकरण इलेक्ट्रॉनिक संगीत और नमूना-आधारित उत्पादन की ओर तैयार किए जाते हैं, जबकि अन्य रिकॉर्डिंग उपकरणों और विस्तृत मिश्रण के लिए बेहतर अनुकूल हैं। एक पर बसने से पहले, कुछ विकल्पों को आज़माएं - कई डेमो संस्करण प्रदान करते हैं ताकि आप वर्कफ़्लो के लिए एक महसूस कर सकें।

"सही" कार्यक्रम का पीछा करने में समय बर्बाद न करें। किसी भी सभ्य सॉफ़्टवेयर को काम मिल जाएगा यदि आप जानते हैं कि इसका उपयोग कैसे करना है। इसे अच्छी तरह से सीखने पर ध्यान केंद्रित करें और कुछ बेहतर खोज में लगातार स्विच करने के बजाय, यह जो कुछ भी प्रदान करता है, उसका सबसे अधिक लाभ उठाएं।

4। अपने कानों पर भरोसा करें: क्यों श्रोता से अधिक मायने रखता है दृश्य से अधिक

एक बार जब आपका सेटअप जगह में हो जाता है और आपका सॉफ़्टवेयर तैयार हो जाता है, तो यह वास्तविक ध्वनि पर ध्यान केंद्रित करने का समय है। इस बिंदु पर, कई शुरुआती एक ही जाल में पड़ जाते हैं - जो वे सुनते हैं, उसके बजाय स्क्रीन पर जो कुछ भी देखते हैं, उस पर बहुत अधिक भरोसा करते हैं।

आधुनिक संगीत सॉफ्टवेयर स्पेक्ट्रम एनालाइज़र, स्तर मीटर और ऑसिलोस्कोप जैसे दृश्य उपकरणों के साथ पैक किया गया है। ये आवृत्ति क्लैश को स्पॉट करने, डायनेमिक्स का प्रबंधन करने या ज़ोर की जाँच करने के लिए अविश्वसनीय रूप से सहायक हो सकते हैं। लेकिन वे सिर्फ उपकरण हैं-उन्हें आपके निर्णय लेने की नींव नहीं होना चाहिए।

आपके कान आपकी सबसे महत्वपूर्ण संपत्ति हैं। वे आपको बताते हैं कि एक ट्रैक वास्तव में कैसा महसूस करता है, जो कि श्रोता जवाब देते हैं। कोई भी ग्राफ संतुलन, स्थान या भावना की आपकी धारणा को बदल नहीं सकता है। कभी -कभी, सबसे अच्छी चाल अपनी आँखें बंद करना और बस सुनना है। दृश्यों की व्याकुलता के बिना, आप सूक्ष्म चीजों को देखेंगे: ऐसे क्षेत्र जो बहुत भीड़ महसूस करते हैं, उन स्थानों पर जहां मिश्रण में स्पष्टता का अभाव होता है, या जब एक मुखर खो जाता है तो क्षण। ये ऐसे विवरण हैं जो वास्तव में मायने रखते हैं - और वे केवल स्पष्ट होते हैं जब आप ध्वनि पर ही ध्यान केंद्रित करते हैं।

5। एक संदर्भ बिंदु के रूप में प्रो ट्रैक का उपयोग करें, एक खाका नहीं

अधिकांश निर्माता एक विशेष शैली से प्रभावित होने लगते हैं - यह आपके स्वाद को आकार देता है और आपके शुरुआती विचारों को प्रेरित करता है। लेकिन एक शैली से प्यार करना और यह समझना कि यह कैसे काम करता है दो अलग -अलग चीजें हैं। यदि आप चाहते हैं कि आपका संगीत उस स्थान पर हो, तो आपको यह अध्ययन करने की आवश्यकता है कि वास्तव में ट्रैक कैसे बनाए जाते हैं।

सबसे मूल्यवान आदतों में से एक जिसे आप विकसित कर सकते हैं, वह सक्रिय रूप से ट्रैक का विश्लेषण कर रहा है, जिसकी आप प्रशंसा करते हैं। बस उनका आनंद न लें - उन्हें तोड़ दें। एक संदर्भ गीत चुनें और यह पता लगाएं कि यह इतना अच्छा क्यों लगता है। उपकरणों के संतुलन, आवृत्ति स्पेक्ट्रम, उपयोग किए गए प्रभावों के प्रकार और समग्र गतिशीलता पर ध्यान दें। BPM, संरचना और मिश्रण तकनीकों पर ध्यान दें - कुछ भी जो उस शैली की ध्वनि को परिभाषित करता है। इन टिप्पणियों को लिखने से आपको अवशोषित करने और उन्हें तेजी से लागू करने में मदद मिल सकती है।

समय के साथ, यह दृष्टिकोण आपके कानों को तेज करेगा और आपको पहचानने में मदद करेगा कि जब आपका अपना ट्रैक "फिट" शैली के भीतर है। इससे भी महत्वपूर्ण बात, आप नकल किए बिना दूसरों से विचारों को अनुकूलित करना सीखेंगे - शैली की अपेक्षाओं के लिए सही रहते हुए अपनी ध्वनि रखते हुए।

6। नकल से अधिक शैली: एक शैली-चालित दुनिया में अपनी खुद की ध्वनि ढूंढना

जैसा कि आप संगीत उत्पादन में गहराई से गोता लगाते हैं और अपनी प्रशंसा करने वाले ट्रैक को संदर्भित करना शुरू करते हैं, जो आप सुनते हैं, उसे कॉपी करने के जाल में गिरना आसान है - खासकर जब कुछ पॉलिश और शक्तिशाली लगता है। लेकिन नकल करना जो किसी और के लिए काम करता है, वह आपको लंबे समय में बाहर खड़े होने में मदद नहीं करेगा।

संदर्भ ट्रैक एक शैली के ढांचे को समझने के लिए महान हैं - संरचना, टेम्पो, टोनल बैलेंस। वे अभिविन्यास के लिए उपकरण हैं, न कि डुप्लिकेट करने के लिए टेम्प्लेट। यदि आप हर कदम का बहुत बारीकी से पालन करते हैं, तो श्रोताओं को मौलिकता की तुलना में पुनरावृत्ति सुनने की अधिक संभावना है। आपका काम यह है कि शैली को परिभाषित करें और उस भाषा को अपने तरीके से बोलें - चाहे वह अप्रत्याशित ध्वनियों के माध्यम से हो, एक अद्वितीय व्यवस्था, या जिस तरह से आप प्रभाव का उपयोग करते हैं। जो कुछ भी आपके व्यक्तिगत विचारों को दर्शाता है वह आपकी ट्रैक ऊर्जा और पहचान देता है।

सिग्नेचर स्टाइल रात भर दिखाई नहीं देता है। यह परीक्षण, त्रुटि और प्रयोग करने की इच्छा का परिणाम है। पहले आप अपने स्वयं के दृष्टिकोण को आकार देना शुरू करते हैं, आपकी ध्वनि जितनी तेजी से होती है, वे कुछ लोगों को पहचानते हैं। और यह सिर्फ कलाकारों के बारे में नहीं है - यहां तक ​​कि मिश्रण इंजीनियरों ने समय के साथ एक ध्वनि फिंगरप्रिंट विकसित किया।

7। अपने ट्रैक को ओवरलोड न करें: कम वास्तव में बेहतर ध्वनि करता है

"कम अधिक है" क्लिच लग सकता है, लेकिन यह संगीत उत्पादन में सबसे विश्वसनीय सत्य में से एक है। नए निर्माता अक्सर एक व्यवस्था में हर अंतर को भरने की कोशिश करते हैं, परतों को जोड़ते हैं जब तक कि ट्रैक में भीड़ न हो और अपनी स्पष्टता खो देता है।

लेखन प्रक्रिया के दौरान, यह गीत को "भरने" के लिए एक और पैड, अधिक टक्कर, या एक अतिरिक्त राग में फेंकने के लिए आकर्षक है। लेकिन आप जितने अधिक तत्व जोड़ते हैं, उतना ही कठिन सांस लेने के लिए हर एक के लिए बन जाता है। पूर्ण लगने के बजाय, मिश्रण मैला और अनफोकस हो जाता है। यह ड्रम लेयरिंग के साथ विशेष रूप से सच है - विभिन्न प्रभावों के साथ कई किक या स्नेयर को स्टैक करना शायद ही कभी मदद करता है जब तक कि आपके पास एक स्पष्ट कारण न हो। एक अच्छी तरह से चुनी गई ध्वनि अक्सर तीन से अधिक अनावश्यक परतें करती है।

वही रिकॉर्डिंग के लिए जाता है। यदि आप केवल अपने अंतिम मिश्रण में दो या तीन का उपयोग करने की योजना बनाते हैं, तो बीस लगभग समान संस्करणों को रिकॉर्ड करने से अव्यवस्था पैदा होती है। आप अधिक समय छँटाई और कम समय वास्तव में ट्रैक बनाने में बिताएंगे।

यहां तक ​​कि मिश्रण और महारत हासिल करने के चरणों में, ओवरप्रोसेसिंग एक समस्या बन सकती है। जब आप इसे काम करने के लिए एक ही ट्रैक पर छह या सात प्लगइन्स को स्टैकिंग कर रहे हैं, तो संभावना है कि यह समस्या स्रोत में निहित है। साउंड डिज़ाइन या रिकॉर्डिंग स्टेज पर वापस जाना और इसे ठीक करना बेहतर होता है और इसे अंतहीन संपीड़न और ईक के साथ पैच करने की तुलना में इसे ठीक करता है।

एक मिश्रण में खाली जगह एक कमजोरी नहीं है - यह वही है जो ट्रैक रूम को सांस लेने के लिए देता है। स्वच्छ, केंद्रित व्यवस्था हमेशा अतिभारित लोगों की तुलना में बेहतर जुड़ती है। यह सिर्फ सिद्धांत नहीं है - यह कुछ ऐसा है जो अधिकांश निर्माता अनुभव के माध्यम से कठिन तरीका सीखते हैं।

8। स्तर तेजी से ऊपर: अनुभवी उत्पादकों को देखना अमूल्य क्यों है

यदि आपको कभी भी एक अनुभवी निर्माता या इंजीनियर के साथ सत्र में बैठने का मौका मिलता है, तो इसे पास न करें। वास्तविक समय में पूरी प्रक्रिया को देखने जैसा कुछ भी नहीं है - एक सत्र स्थापित करने से लेकर अंतिम मिश्रण के निर्यात तक। यहां तक ​​कि एक पेशेवर वातावरण में बस कुछ घंटे आपको अपने दम पर परीक्षण-और-त्रुटि से अधिक सिखा सकते हैं।

उस ने कहा, हर किसी के पास एक स्टूडियो तक पहुंच नहीं है - और यह पूरी तरह से ठीक है। इन दिनों, बड़े पैमाने पर ज्ञान ऑनलाइन उपलब्ध है। YouTube ट्यूटोरियल, संगीत उत्पादन पाठ्यक्रम, लाइवस्ट्रीम, मास्टरक्लास, यहां तक ​​कि मिश्रण और मास्टरिंग पर किताबें - यह सब आपको यह समझने में मदद कर सकता है कि चीजें वास्तव में कैसे काम करती हैं। कुंजी सक्रिय रूप से देखने के लिए है। अपने आप से पूछें: उन्होंने उस प्लगइन को क्यों चुना? उस समायोजन के बाद क्या बदला? उस कदम ने मिश्रण को कैसे तंग किया?

अपनी प्रगति का मूल्यांकन करने का एक शानदार तरीका है कि आप अपने ट्रैक को ऑनलाइन मास्टरिंग सेवा में अपलोड करें और परिणाम को अपने स्वयं के संस्करण से तुलना करें। यह आपको सब कुछ नहीं सिखाएगा, लेकिन यह उजागर करेगा कि आप क्या अच्छा कर रहे हैं - और जहां आपके मिश्रण को अभी भी काम की आवश्यकता है।

फिर भी, कुछ भी नहीं है किसी को वास्तविक समय में काम करते हुए देख रहा है। यहां तक ​​कि सिर्फ यह देखते हुए कि एक स्थानीय निर्माता एक व्यवस्था कैसे बनाता है, प्रभाव सेट करता है, या प्रक्रियाएं वोकल्स आपको उनके वर्कफ़्लो और निर्णय लेने में अंतर्दृष्टि दे सकती हैं। और अगर आप रास्ते में सवाल पूछ सकते हैं? और भी बेहतर।

9। प्रतिक्रिया क्यों मायने रखती है - और यह आपके लिए कैसे काम करता है

संगीत बनाने की प्रक्रिया के कुछ बिंदु पर, आपको किसी और को सुनने की आवश्यकता होगी कि आपने क्या बनाया है। न केवल सत्यापन के लिए, बल्कि यह समझने के लिए कि आपका ट्रैक अपने स्वयं के स्टूडियो के आराम से बाहर है। यहां तक ​​कि एक आकस्मिक श्रोता से प्रतिक्रिया - कोई तकनीकी ज्ञान वाला कोई व्यक्ति - आपको बता सकता है कि क्या आपका संगीत वास्तव में जुड़ता है।

गैर-संगीतकारों को इस बात की परवाह नहीं होगी कि आप ड्रम कैसे करते हैं या क्या आपके स्वर पूरी तरह से मिश्रण में बैठते हैं। वे बस इसे महसूस करेंगे - या नहीं। यदि कोई व्यक्ति सभी तरह से सुनता है, तो इसमें शामिल हो जाता है, या इसे फिर से खेलता है, यह एक अच्छा संकेत है। यदि वे ब्याज आधा खो देते हैं, तो यह भी ध्यान देने योग्य है। यह आपको कुछ याद नहीं करता है - शायद इंट्रो बहुत लंबा है, ऊर्जा डिप्स, या बहुत अधिक चल रही है।

अन्य निर्माताओं या अधिक अनुभवी संगीतकारों से प्रतिक्रिया एक अलग स्तर पर हिट होती है। वे तकनीकी दोषों को देखेंगे: मैला आवृत्तियों, गलत परतें, कमजोर संक्रमण। लेकिन इस तरह की आलोचना व्यक्तिगत नहीं है - यह समर्थन है जो आपको कभी भी अकेले काम नहीं मिलेगा। और जितना अधिक आप इसका स्वागत करते हैं, उतनी ही तेजी से आप बढ़ते हैं।

उस ने कहा, सभी सलाह मददगार नहीं है। कुछ प्रतिक्रिया व्यक्तिगत स्वाद द्वारा आकार लेती है, न कि ट्रैक में वास्तविक समस्याएं। इसलिए फ़िल्टर करना सीखना महत्वपूर्ण है। उन टिप्पणियों में लें जो स्पष्ट रूप से आपके मिश्रण या व्यवस्था में सुधार करती हैं - और अपने रचनात्मक इरादे के साथ क्या झड़पें पीछे छोड़ दें। फीडबैक को आपकी आवाज़ को तेज करना चाहिए, न कि आपको जो आपको बनाता है उससे दूर नहीं है।

10। ब्रेक लेना: अपने कानों की रक्षा कैसे करें और अपने मिश्रण को ईमानदार रखें

थकान सुनना संगीत उत्पादन में सबसे अधिक समस्याओं में से एक है। जब आप बिना कदम के घंटों तक एक ट्रैक पर काम करते हैं, तो आपके कान सुस्त होने लगते हैं, और आपके संतुलन, आवृत्ति और अंतरिक्ष की भावना खिड़की से बाहर हो जाती है। सब कुछ पल में ठीक लग सकता है, लेकिन जब आप अगले दिन वापस आते हैं, तो आप अक्सर अति-संपीड़न, कठोर Eq, या असंतुलन पाएंगे जो एक स्पष्ट सिर से बचा जा सकता था।

यहां तक ​​कि अगर आप ज़ोन में हैं, तो यह हर घंटे एक छोटा ब्रेक लेने के लिए स्मार्ट है - वक्ताओं से सिर्फ 10 मिनट की दूरी पर आपके कानों को रीसेट करने और आपके निर्णयों को तेज रखने में मदद मिल सकती है। और यदि आप एक सत्र पर तीन घंटे या उससे अधिक समय बिता रहे हैं, तो लंबे समय तक ब्रेक के लिए समय बनाएं। बाहर कदम रखें, कुछ ताजा हवा प्राप्त करें, अपने दिमाग को सुनें और रिचार्ज सुनें।

जोर से घटनाओं या पार्टियों के बाद सही मिश्रण या महारत हासिल करने से बचें। यदि आप अपने कानों में थोड़ी सी बजने के साथ घर आते हैं और सीधे एक सत्र में कूदते हैं, तो आपकी धारणा पहले से ही तिरछी है, और आप अपनी सुनवाई पर अतिरिक्त तनाव डाल रहे हैं। न केवल आपका मिश्रण पीड़ित होगा-आप दीर्घकालिक क्षति को भी जोखिम में डाल रहे हैं।

जब आप मिश्रण या महारत हासिल करने में गहरे होते हैं, तो एक ताजा परिप्रेक्ष्य बनाए रखना सब कुछ है। कभी -कभी सबसे चतुर चाल दूर चलना और अगले दिन वापस आना है। यह आपको कम संशोधन और बेहतर परिणामों के साथ लंबे समय में समय बचाएगा।

ब्रेक लेना शिथिलता नहीं है - यह प्रक्रिया का हिस्सा है। यह आपके कानों को सटीक रखता है, आपका ध्यान विस्तार पर तेज करता है, और आपको मिश्रण के हर हिस्से में बेहतर कॉल करने में मदद करता है। यदि एक साधारण आदत है तो प्रत्येक निर्माता को जल्दी निर्माण करना चाहिए, यह एक है।

अपनी खुद की आवाज़ कैसे विकसित करें

रचनात्मक स्वतंत्रता और संगीत कल्पना का विस्तार

संगीत उत्पादन कुछ रचनात्मक स्थानों में से एक है जहां नियमों को तोड़ना अक्सर सबसे अच्छा तरीका है। यदि आप एक ऐसी ध्वनि विकसित करना चाहते हैं जो वास्तव में आपकी हो, तो आपको सुरक्षित सूत्रों को जाने और स्वतंत्र रूप से प्रयोग करने की आवश्यकता है। इसका मतलब यह हो सकता है कि अप्रत्याशित बनावट, पारंपरिक गीत संरचनाओं को झुकना, या अजीब, गैर-संगीत ध्वनियों के आसपास पटरियों को झुकना। इनमें से कुछ विचार काम नहीं करेंगे - और यह बात है। हर असफल प्रयोग आपको कुछ सिखाता है। समय के साथ, आप पहचानना शुरू कर देंगे कि आपके वाइब क्या फिट बैठता है और जानें कि इसे जानबूझकर कैसे आकार दिया जाए।

जितना अधिक आप सीमाओं को धक्का देते हैं, उतना ही स्पष्ट रूप से आपकी कलात्मक पहचान सामने आएगी। दूसरों के लिए जो काम करता है, उसे नकल करने के बजाय, आप अपने स्वयं के परिप्रेक्ष्य के माध्यम से विचारों को फिर से शुरू करेंगे - और यह वह जगह है जहां मौलिकता जड़ लेती है।

सहयोग और एक संगीत समुदाय की शक्ति

अन्य कलाकारों के साथ काम करना रचनात्मक रूप से बढ़ने के सबसे तेज़ तरीकों में से एक है। सहयोग ताजा दृष्टिकोण लाता है और आपको उन विचारों की ओर ले जा सकता है जो आपको अपने दम पर नहीं मिले होंगे। कभी -कभी एक गायक या किसी अन्य निर्माता के साथ एक सहज सत्र की एक ही टिप्पणी पूरी तरह से इस बात को फिर से परिभाषित कर सकती है कि आप एक ट्रैक पर कैसे पहुंचते हैं।

समुदाय उतना ही महत्वपूर्ण है। चाहे वह चुनौतियों में भाग ले रहा हो, ऑनलाइन निर्माता मंचों में घूम रहा हो, या स्थानीय मीटअप में जा रहा हो, दूसरों के साथ जुड़ना आपको तेज रखता है। अपने जुनून को साझा करने वाले लोगों से घिरे होने से आपको सुधार करने के लिए धक्का दिया जाता है - और आपको याद दिलाता है कि गलतियाँ विफलता नहीं हैं, वे आगे बढ़ रहे हैं। विकास अलगाव में नहीं होता है। जितना अधिक आप विचारों का आदान -प्रदान करते हैं, उतनी ही तेजी से आपकी ध्वनि कुछ वास्तविक और व्यक्तिगत रूप से विकसित होती है।

अपनी रचनात्मक क्षमता को कैसे अनलॉक करने के लिए

एक व्यक्तिगत ध्वनि विकसित करना

अपनी खुद की ध्वनि ढूंढना अवलोकन और प्रयोग के साथ शुरू होता है। जितना अधिक संगीत आप सुनते हैं - शैलियों, संस्कृतियों और उत्पादन दृष्टिकोणों में - अधिक स्पष्ट रूप से आप पहचानना शुरू कर देंगे कि आपके साथ क्या प्रतिध्वनित होता है। लक्ष्य कॉपी करने के लिए नहीं है, लेकिन उन प्रभावों को अपने तरीके से फिर से व्याख्या करने के लिए।

अजीब नमूने, अप्रत्याशित संक्रमण, अपरंपरागत प्रसंस्करण - ये चीजें पहली बार में यादृच्छिक महसूस कर सकती हैं, लेकिन समय के साथ वे आपके रचनात्मक फिंगरप्रिंट का हिस्सा बन जाते हैं। पैटर्न स्वाभाविक रूप से उभरेंगे। आप यह सुनना शुरू कर देंगे कि कौन से निर्णय लगातार आपके स्वाद को दर्शाते हैं और आपके संगीत को अलग बनाता है। यह एक क्रमिक प्रक्रिया है, लेकिन यह वही है जो आपकी ध्वनि को व्यक्तिगत और यादगार बनाती है।

संगीत के माध्यम से अपनी आवाज साझा करना

एक ट्रैक बनाना केवल आधी यात्रा है। दूसरा आधा इसे वहां से बाहर कर रहा है और लोगों को इसके साथ जुड़ने दे रहा है। और जब आप केवल ऑडियो से अधिक साझा करते हैं तो वह कनेक्शन मजबूत होता है। प्रक्रिया, प्रेरणा, ट्रैक में एक विशेष क्षण के पीछे की कहानी के बारे में बात करें। उस तरह का खुलापन लोगों को अंदर खींचता है।

जो भी प्लेटफ़ॉर्म उपलब्ध हैं, उसका उपयोग करें - स्ट्रीमिंग सेवाएं, सोशल मीडिया, लाइव शो। यहां तक ​​कि व्यक्तिगत कैप्शन के साथ एक छोटा वीडियो क्लिप या डेमो बिना किसी संदर्भ के जारी पॉलिश ट्रैक की तुलना में अधिक आकर्षक हो सकता है। श्रोता केवल अंतिम उत्पाद नहीं चाहते हैं - वे इसके पीछे के व्यक्ति को जानना चाहते हैं। आप जितने अधिक ईमानदार और प्रत्यक्ष हैं, उतना ही आपका संगीत गूंजता रहेगा। क्योंकि जब आप केवल साउंड का प्रसारण नहीं कर रहे होते हैं, बल्कि वास्तव में कुछ वास्तविक, लोगों को नोटिस करते हैं - और वे चारों ओर चिपक जाते हैं।

नए संगीत निर्माताओं के लिए अंतिम विचार

संगीत उत्पादन केवल तकनीकी कदमों के बारे में नहीं है - यह इस बारे में है कि उन उपकरणों ने आपको एक विचार व्यक्त करने में कैसे मदद की। शुरुआत में, प्लगइन्स, गियर और अंतहीन सलाह से अभिभूत होना आसान है। लेकिन कुंजी एक बार में सब कुछ सीखने के लिए नहीं है। सरल शुरू करें: अपने सेटअप के साथ सहज हो जाएं, अपने कानों को प्रशिक्षित करें, और अपरिचित क्या महसूस करते हैं, यह जानने से डरो मत।

अच्छी खबर यह है, आपको शुरू करने के लिए महंगे गियर या औपचारिक शिक्षा की आवश्यकता नहीं है। सिर्फ एक लैपटॉप, कुछ मुफ्त सॉफ्टवेयर, और सीखने में एक वास्तविक रुचि के साथ, आपके पास पहले से ही आपको क्या चाहिए। बाकी सब समय और अभ्यास के साथ आता है। देखो कि दूसरे कैसे काम करते हैं, विचारों को उधार लेते हैं, उन्हें अपनी शैली को फिट करने के लिए ट्विक करें - और गलतियाँ करने से डरो मत। आप जो कुछ भी काम करता है उससे अधिक गलत हो जाता है, उससे अधिक सीखेंगे।

एक सवाल आपको खुद से पूछना चाहिए: मैं वास्तव में इस ट्रैक के साथ क्या कहना चाह रहा हूं? यहीं से अर्थ रहता है। जब आपका संगीत कुछ वास्तविक, कुछ व्यक्तिगत को दर्शाता है - यह प्रतिध्वनित होता है। यहां तक ​​कि अगर केवल एक व्यक्ति पहली बार में इसके साथ जुड़ता है, तो यह अभी भी एक जीत है। अंत में, यह पूर्णता के बारे में नहीं है। यह कुछ ऐसा बनाने के बारे में है जो ईमानदार लगता है। और जब यह ईमानदार होता है, तो लोग इसे भी महसूस करेंगे।