ミュージカルアレンジメント

音楽のアレンジは長年にわたって存在しており、あらゆる音楽スタイルやジャンルにとって不可欠な特性です。 偉大なミュージシャンの中には、自分の作品の一部をアレンジして他の作品にしたり、他のミュージシャンの作品を翻案したりする人もいます。

バッハ、ベートーベン、コルサコフ、ラヴェル、その他多くのアーティストが音楽編曲の分野に貢献しましたが、現代の音楽制作に関しては、そのプロセスが異なる意味を持つ可能性があることを理解する価値があります。

編曲とは、既存の楽曲を利用して楽曲を制作することです。 これには、たとえば、ポップソング内の特定の楽器のアレンジや、曲のさまざまな部分やセクションを再構成して曲を再配置することが含まれます。

さまざまな音楽スタイルには、ジャズの A/A/B/A 32 小節形式のリズム チェンジや 12 小節のブルース構造など、さまざまなアレンジメント構造があり、その構造内でコード ボイシング、リズミカルな感触、テンポによって音楽アレンジメントが独特になります。 。

独自の高品質なには、3 つのタイプのアレンジメントを考慮する必要があります

1. 構造的とは、音楽のエネルギー、セクション、トランジションの動きを意味します。
2. インストゥルメンタル: 音、コード、メロディーがさまざまな楽器によってどのように演奏されるのかを示します。 トラックの途中で変更される可能性があることに注意してください。 メロディーをボーカルからシンセサイザーに移すと、新しく新鮮に聞こえることがあります。
3. ポジションアレンジメントとは、ミックス内でサウンドがどのように配置されるかを意味します。 ボリューム、パン、深さ、存在感を定義します。

この記事では音楽制作におけるアレンジの重要性について詳しくお伝えしていきます。

ポップのアレンジャーを始めるためのヒント

曲が自動的に流れるようにする

歌いながらピアノやギターだけで曲を弾くと、その曲だけでうまくいきますか? 曲がそれ自体ではまだ「素晴らしい」ものではない場合、いくらアレンジや音楽制作技術を駆使してもそれを解決することはできません。

次の質問について考えてみましょう。

• コーラス力が強いですか？
• 主旋律は決まっていますか？
• 良いメロディーやハーモニーの「フック」はありますか?
• 曲にリズミカルな鼓動があるかどうか（バラードでも強い鼓動がある）。

ピアノ/ギターと声だけを使って、素晴らしい「裸の」サウンドになるまで曲に取り組みます。 この手順に従うことが非常に重要です。 たとえ最高のアレンジやプロデュースを行ったとしても、悪い曲は悪いままです。 良い曲は良い曲のままです。

曲がどのジャンルをカバーしているかを確認する

音楽や曲のアレンジを始める前に、それがどのようなジャンルをカバーしているのかを自問する必要があります。

それが決まったら、いくつかのリファレンス トラックを見つけると非常に役立ちます。 リファレンス トラックは、レコーディングのアレンジ/制作段階とミキシング/マスタリング段階の両方において非常に重要です。 「完全にオリジナルでありたいから、誰の真似もしたくない」という人もいるかもしれません。

しかし真実は、非常に独創的なトップの専門家でさえ、常に他の素材を参照しているということです。 文字通り音符ごと、楽器ごとなどをコピーする場合を除き、他の人をコピーすることを心配する必要はありません。

曲が十分な長さであることを確認してください

このステップは最初のステップと少し似ています。 ただし、編曲者/プロデューサーは、録音のために曲の形状を変更したい場合があります。 場合によっては、パフォーマーがライブで曲を演奏する方法がスタジオバージョンと異なる場合があります。 録音バージョンでは、曲ができるだけ簡潔であることが非常に重要です。

適切なリードボーカルを持っていることを確認してください

リードボーカルを録音しておくと、アレンジ時の判断に役立ちます。 たとえば、リードボーカルが聴こえないと、楽曲のアレンジが緻密になりがちです。 その結果、最終的なレコーディングがあまり快適ではなくなるだけでなく、ミックス中の作業も非常に困難になります。 最も優れた録音曲には、制作密度の完璧なバランスがとれたアレンジが施されています。

アレンジメント/プロダクションのさまざまな要素はすべて、独自の空間と音の範囲を持つ必要があります。

たとえば、ベースがあるラインを演奏し、キーボードが同じ音域で別のラインを演奏することは望ましくありません。

ドラムおよびその他のリズムコンポーネント

リードボーカルに加えて、音楽アレンジの最も重要な部分は、曲のパーカッション/リズミックコンポーネントです。 それらはオーディオ空間の大部分を占め、リスナーに「グルーヴ」を与え、曲の雰囲気を大きく決定します。

トラックに本物のドラマーが関与する場合、アレンジメントはドラマーが演奏すべきものの一般的な方向性を示すだけである必要があります。

ビートを使ってトラックをプログラミングすることに集中しすぎないでください。 優れたドラマーはあなたのためにそれらの決定を下します。

ここで、次の点に移ります。 アコースティックドラムを追加する場合は、すぐに演奏できる本当に優れたドラマーが必要です。 それらは完璧に記録されなければなりません。

ドラムが完璧に録音されていないと、演奏感や曲に大きな影響を与えますし、編集するとセクションを揃えるのが難しくなります。 いつでも、よりラフなサウンドやローファイ スタイルのサウンドにすることができることを覚えておいてください。 最終ミックスに使用するマイクチャンネルの数と、使用する処理の種類を選択するだけです。

Amped Studio オンライン シーケンサーで簡単にドラムをプログラミングしている場合は、ドラマーのように考えて、さまざまな曲セクションのトランジションについて考える必要があります。 コーラスではハイハットからシンバルに乗り、セクションの間に小さなフィルを入れることもあります。 また、プログラミングするときは、曲に適したドラムキットを使用してみてください。 ハード ロックのジャンルでライブ ドラマーをエミュレートしようとする場合、ハード ロック ソングに 808 キットを使用したくないでしょう。

ドラムプログラミングに慣れていない、または経験がない場合は、シンプルにして、ドラムパートが強調され、曲の邪魔にならないようにしてください。

経験豊富なプロデューサーの中には、ドラムの周りをビートより数ミリ秒前にわずかに動かしたり、ハイハットを押し戻したりすることで感触を操作する人もいます。 これは曲によって異なりますので、好みで選択してください。 ドラムのプログラミング中に速度とタイミングを微妙に変更する、MIDI 用の素晴らしい「グルーブ」プラグインがあります。 唯一のルールは実験です！

低音と低音の要素

音楽アレンジでドラムが指定された後、ほとんどの場合、次にベース (またはベース要素) が指定されます。

標準的なポップソングの場合、サビでベースが「開く」ようにする必要があります。つまり、サビが下がったときにベースが高音域で静かに演奏しないようにする必要があります。

あなたのトラックに「本物の」ベーシストがいる場合、ドラムと同様にプロによって録音され、演奏されることが非常に重要です。 トラックにとって、ベースと低周波数の明瞭さの欠如ほど悪いことはありません。 ドラムのキックパートとベースパートが連動していることを確認してください。

トラックに合成ベースが含まれている場合は、サブベースとスタイリッシュなプリセットに注意してください。 サブウーファーがトラック内の唯一の低音である場合、低音周波数が良くないスピーカーを聴いているときに耳が高調波を見つけられるように、中音域に高調波が含まれるようにパッチを設計する必要があります。

たとえば、ラップトップ、iPhone、および一部のヘッドフォンやカー ステレオでは、特定のサブウーファー パッチが聞こえない場合があります。 これは、完成させる前に、さまざまなデバイスで曲のミックスを聴き返すのに常に適した方法です。

優れたローエンド強化システムを備えたスタジオやクラブでは素晴らしいサウンドですが、他のデバイスや場所では「最高に」重く聞こえます。

Amped Studio でお気に入りのシンセの 1 つを操作しているときに、単独では素晴らしく聞こえるものの、アレンジとしては正しくない、または曲を支配しているベース プリセットを見つけることができます。 ハイエンドの周波数を多く含む「ステレオ」ベースやパッチを扱う場合は注意してください。

ほとんどの場合、モノラルで周波数スペクトルが高すぎないベース パッチが必要です。 ただし、例外もあります。 経験は正しい決断を下すのに役立ちます。

この記事はポップソングのアレンジに基づいているため、これらのヒントの一部は特定のジャンル、特にベースとドラムに関しては当てはまりません。

主な駆動高調波成分

音楽アレンジのこの部分は非常にオープンで自由ですが、この点には大きな責任を持って取り組む必要があります。 どの楽器を使用できるかを理解するには、お気に入りのトラックを聴く価値があります。

多くの曲で、リードボーカルを引き立てる主な楽器はギターまたはピアノです。 これらの楽器は曲全体で演奏される可能性が最も高くなります。 この問題を決定したら、選択した素材を使用して配置することができます。

記事を読むだけでこれを行う方法を学ぶのは非常に困難です。 すべては試行錯誤と経験です。 その後、倍音楽器を自由に使用して曲の輪郭を形成することができます。 コードボイシング、コードトランジション、およびリードトーンは、アレンジメントの基本的なコード構造を改善するための優れたツールです。 コードを初めて使用する場合は、Amped Studio の Chord Creator を試して、コードと進行がどのように機能するかを確認し、聞いてください。 これは、調波構造について学び始めるのに最適な場所です。

コーラスセクションなど、ポップスのハーモニックセクションの側面には曲の傾向があり、アレンジをよりタイトにするためにより多くの楽器または密度を使用します。 詩のセクションに関しては、おそらくもっとまばらにするでしょう。

典型的な例としては、コーラスセクションでギターを複製したり（そして左右にパンしたり）、ソースをモノラルからステレオに変換したりすることが挙げられます。

アレンジにホーンセクションやストリングスを使用する場合は、それらのパートが曲に非常によく適合していることを確認する必要があります。 ほとんどの曲には複雑なアレンジができません。 ほとんどの場合、ホルン楽器を使用して、シンプルなラインで隙間を埋めたり、ボーカリストが歌う部分を「補完」したりします。 文字列についても同様です。 ストリングスとホーン用の優れたサンプル ライブラリがいくつかありますが、基本的なコードの関係やストリングスとホーンのアレンジメントを勉強して理解していないと、これらを使用するのは困難です。 運が良ければ、経験豊富なストリングス・アレンジャーと協力して生のストリングス・セクションやホーン・アンサンブルを録音できれば、それを聞いて体験するのは非常に素晴らしいことです。

現代のポップミュージックとEDMのレビュー

音楽アレンジを作成するときは、このスタイルの多くのトラックを聴き、すべての曲がどのように組み合わされているかを理解することが非常に重要です。

EDM にはさまざまなスタイルがたくさんあるため、特定のスタイルで好きなトラックの基本的な特徴を聞いて理解することが重要です。 テンポ、ベースとキックのサウンド、シンセのリズミック パターンとフックについて考えてみましょう。 どのスタイルにも、アレンジのためにスタイルに組み込まれる特定の要素があります。

ほとんどの基本的なポップ ソングには、イントロ、ヴァース、コーラス (リフレインまたはフック)、ブリッジ、アウトロがあります。

効果の補足

音楽や曲のアレンジ方法を学ぶ最後のステップは何ですか? エフェクトを追加します。

アコースティックアレンジメントの場合、これはアレンジメントのさまざまな部分にパーカッションを追加することになる可能性があります。 典型的な例としては、第 2 ヴァースのシェイカー パートとブリッジのタンバリンが挙げられます。

より現代的なスタイルでは、すべての「ホワイト ノイズ」と、ブレイク、ライザー、アップリフター、ダウン リフターなどの効果音になります。

これらのエフェクトを使用するときは、曲にマッチしていることが非常に重要です。

たとえば、すべてのエフェクト バンドルがすべての音楽アレンジで機能するわけではありません。 曲ごとに独自の特殊効果を作成できれば、さらに良いでしょう。 時間はかかりますが、素晴らしい結果が得られる可能性があります。 既製のソリューションを使用している場合 (これはまったく問題ありません)、いくつかのお気に入りだけを使用することに縛られないように、さまざまなライブラリにアクセスできることを確認してください。

レコーディングと制作のプロセスに進む

音楽とボーカルのアレンジが完了したら、録音やミキシングに進む準備が整います。

多くの場合、その段階でトラックがわずかに変更されることがあります。 たとえば、ミキシングのプロセスで、アレンジメントから特定の要素を削除または追加する必要があることが示される場合がありますが、それはまったく問題ありません。 すべての曲の録音プロセスはある程度相互に流れます。 曲全体がどのように聞こえるかに注目してください。 エミュレートしようとしているスタイルでお気に入りのトラックを聞いた後、すぐにそれを聞いてください。

最終製品は、ここで説明するすべての詳細よりもはるかに重要であり、すべての詳細によって混乱するのは非常に簡単です。

良い曲は良い曲なので、音楽をアレンジして作成する過程で、必ずその曲を強化するようにしてください。

どんなに良く作られても、アレンジされても、ミックスされても、悪い曲は悪い曲なので、アレンジが気に入ったら、より良い曲に書き直してください。

クラシック音楽の編曲

音楽を編曲し、適応させる技術は何世紀にもわたって存在します。 ルネッサンス時代には、集計（一種の取り決め）が非常に人気がありました。 ボーカルやアンサンブルの楽曲をソロキーボードやリュートで演奏できるようにアレンジすることがすべてでした。

同じ時期に、さまざまな声部の英語のマドリガーレが出版され、さまざまな方法で演奏できることが示されました。 ただし、これはいくつかの市場で使用するために作成されました。

多くの偉大な音楽家が他の芸術家から借りたり、自分の作品を再編したりしたバロック時代には、音楽を編曲することも人気がありました。 その時代の好例はバッハです。 彼の作品の中には、アントニオ・ヴィヴァルディの作品を編曲したものもあります。 リミックスは新しいものではありません！

ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルやフランチェスコ・ジェミニアーニなどの他の音楽家も、編曲に関してバロック時代に足跡を残しました。 実際、ヘンデルは自分の曲を再加工したことで最もよく知られています。

ベートーベンの作品にはアレンジメントが見られます。 彼はプロメテウスの創造物のテーマのいくつかを英雄交響曲または交響曲第 3 番の結末に合わせて作り直しました。

19世紀にはピアノの人気が高まるにつれ、編曲もかつてないほど人気が​​高まりました。 多くのオーケストラの編曲や室内楽曲がピアノ演奏用に編曲され、出版されました。

偉大な音楽家の間では、編曲は頻繁に行われていました。 今後も強いでしょう。

現代音楽

ポピュラー音楽の録音には、元のソングライターが作曲したものではなく、編曲家によって追加された銅製のホーン、弦楽器、その他の楽器の一部が含まれることがよくあります。 一部のポップス編曲家はフルオーケストラを使用してセクションを追加することもありますが、コストの関係でこれはあまり一般的ではありません。 ポピュラー音楽のアレンジメントには、新しい音楽的処理を施した既存の曲の新しいバージョンを含めることもできます。 これらの変更には、テンポ、サイズ、調性、楽器編成、その他の音楽要素の変更が含まれます。

ロックミュージックのアレンジメントのよく知られた例としては、ビートルズの「ウィズ・ア・リトル・ヘルプ・フロム・マイ・フレンズ」のジョー・コッカー版、クリームの「クロスロード」、クリーデンス・クリアウォーター・リバイバルの「プラウド・メアリー」のアイク＆ティナ・ターナー版などがあります。 アメリカのバンド、ヴァニラ・ファッジとイギリスのバンド、イエスは、初期のキャリアの基礎を現代のヒット曲の根本的な作り直しに基づいていました。 ボニー・ポインターは「Heaven Must Have Sent You」のディスコバージョンとモータウンバージョンを演奏しました。 たとえば、ダンス ミュージックのリミックスもアレンジメントとしてみなされます。

ジャズ

小さなジャズ作品の音楽の編曲は通常、非公式で最小限のものであり、クレジットには記載されませんでした。 大規模なアンサンブルでは、楽譜のアレンジメントに対する要求が高くなる傾向がありましたが、カウント ベイシーの初期のビッグ バンドは、ミュージシャン自身によって開発され、（「ミュージシャンの頭の中で」）暗記されたアレンジメントが数多くあることで知られています。 しかし、ビッグバンドの編曲の大部分は録音され、後のカウント・ベイシーのビッグバンドのためのサミー・ネスティコやニール・ヘフティの作品など、特定の編曲家によるものであると考えられていました。

ドン・レッドマンは、1920 年代にフレッチャー・ヘンダーソン楽団とともにジャズ編曲に革新をもたらしました。 レッドマンの作品では、ビッグバンドのさまざまなパートに、より複雑なメロディーピッチとソロパフォーマンスが導入されました。 ベニー・カーターは 1930 年代初頭にヘンダーソンの主な編曲者となり、演奏者としての才能に加え、現場での能力でも有名になりました。

ビッグバンドアレンジメントは非公式にはチャートと呼ばれます。 スウィング時代には、それらは人気のある曲の再加工か、まったく新しい作曲のいずれかでした。 デューク・エリントンとビリー・ストレイホーンのデューク・エリントンのビッグ・バンドのための編曲は通常新しい作曲であり、ベニー・グッドマンのバンドのためのエディ・ソーターや自身のバンドのためのアーティ・ショーの作品もまた新しい作曲であった。 バップの時代以降、ビッグバンド用に断片的なジャズコンボ作品をアレンジすることがより一般的になりました。

1950年以降、ビッグバンドの数は減少しました。 それにもかかわらず、いくつかのバンドは継続しました。 ギル・エヴァンスは、1950 年代後半から 1960 年代前半にかけて、セッション録音のみを目的としたビッグバンド向けの編曲を数多く書きました。

21 世紀に入ると、ジャズアレンジの音楽がささやかな復活を遂げました。 ゴードン・グッドウィン、ロイ・ハーグローブ、クリスチャン・マクブライドは、オリジナル曲とスタンダード曲の新しいアレンジの両方で新しいビッグバンドを紹介しました。

結論

音楽アレンジは、今日の世界においてトラックを作成および制作するプロセスの重要な部分であり、世界の偉大な作曲家とともに何世紀にもわたって進化してきました。 上記のヒントを活用すれば、今すぐ最初の手配を始めることができます。 特別な知識や特別な設備は必要ありません。 コンピュータのブラウザから直接利用できるオンライン プログラム Amped Studio を使用すると、曲の高品質なアレンジを作成できます。 ここには多数のプラグイン、インストゥルメント、サンプルがあり、数回クリックするだけで友人や同僚と作品を共有できます。