自分の曲を作る方法

音楽、歌、楽器の演奏に興味がある人は、「どうやって曲を書くの?」と考えたことがあるかもしれません。ソングライティングは、感情を開き、インスピレーションに没頭し、自己表現への個人的な道を見つけるための素晴らしい方法です。だからこそ、多くの心理学者があらゆる人に創造的な活動を勧めています。創造的な活動は、自分自身を表現し、自分の感情を解放し、安堵感を経験する自由を与えてくれます。

良い曲のアイデアはいつでも思い浮かぶ可能性があるため、準備しておく価値があります。小さなノートとペンをバッグの中に入れておくか、自宅や職場ですぐに手が届くところに置いてください。外出中にアイデアが浮かんだ場合、それが単なる紙のタイトルであっても、保存する方法があります。場合によっては、たった 1 つの単語でも将来のヒット作の基礎を築くことができるため、創造的なひらめきを捉えるチャンスを逃さないでください。

自分の曲を作りたい場合に役立つもう 1 つの習慣は、携帯電話のボイス レコーダーをすばやく開く方法を学ぶことです。場合によっては、書き留めるよりも、メロディーを口ずさんだり、歌詞を話したりする方が簡単な場合があります。こうすることで、後で時間があるときにそのアイデアに戻って、それを基に構築することができます。

ツールの準備ができたら、あとはインスピレーションを見つけることです。私たちは皆、心に跡を残すお気に入りのアーティストや作曲家を持っています。彼らの曲のプレイリストを作成しましょう。感情の輝きを保ち、創造的なゾーンに留まるのに役立ちます。

曲を書き始める方法

曲を作ることは、始まり、過程、終わりが明確な旅のように感じることがあります。どこから始めるかを決めることが最初の大きな選択であり、それによって残りのプロセスがどのように展開するかが決まります。

タイトル、歌詞、テーマから始めることを好むミュージシャンもいれば、コード、メロディー、またはリズムから始めるミュージシャンもいます。普遍的な「正しい」方法はありません。重要なのは、自分にとって最適なアプローチを見つけることです。ある曲ではある方法がうまくいくかもしれませんが、別の曲ではまったく異なるアプローチが適しているかもしれません。実験すればするほど、より多くのアイデアが見つかります。

他のスキルと同様に、作曲も定期的な練習から得られます。頻繁に書くほど、スキルの向上は速くなり、時間が経つにつれて、自慢の曲でコレクションが増えていきます。多くの場合、いくつかの本物の「宝石」を見つけるには、何十もの曲を作成する必要があります。経験豊富なソングライターの多くは、何百もの楽曲を何年にもわたって蓄積したアーカイブを持っています。真剣に曲作りに取り組んでいるなら、今が始めるのに最適な時期です。

もちろん、「とにかく始めましょう」というアドバイスは実際よりも簡単に聞こえますが、どこから始めればよいかという質問は、依然として困難に感じられるかもしれません。自然、ビーチ、繁華街など、インスピレーションを感じやすい場所を見つけてください。アイデアはどこからともなく生まれることもあるので、準備しておくことが重要です。小さなノートを手元に置いて、思いついたことやセリフを書き留めてください。

多くのソングライターは、歌詞であれ、フレーズであれ、メロディーであれ、コード進行であれ、頭に浮かんだものすべてを捉えようとしていると口を揃えています。興味をそそられるものはすべて書き留めて、アイデアをさらに発展させる準備ができたときにこれらのアイデアを再検討できるようにします。

曲の構造を理解する

構造を理解することは、優れた曲を作成するための鍵です。構造は、すべての要素を結び付け、リスナーが音楽をどのように体験するかを形作る基盤として機能します。曲を構成する唯一の公式はありませんが、トラックを完全で一貫性のあるものにするのに役立つ一般的な形式がいくつかあります。ポップ、ロック、カントリー、またはその他のジャンルを書く場合でも、これらの形式を知っておくことは重要です。

ヴァース – コーラス – ヴァース – コーラス – ブリッジ – コーラス

この構造は、ABABCB と表記されることが多く、ポピュラー音楽で最も一般的な構造の 1 つです。ここで、A はバース、B はコーラス、C はブリッジを表します。通常、ヴァースは曲のストーリー、感情、メッセージを設定し、コーラスは中心となるフックやメインのアイデアを記憶に残る繰り返し可能な方法で伝えます。その後、ブリッジが何か新鮮さをもたらし、繰り返しを打ち切り、スムーズに最後のコーラスに戻り、力強い仕上がりとなります。

多くのヒット曲でこの構造が使用されているのは、親しみやすく聴き応えがあり、創造的なひねりの余地も残されているためです。ヴァースとコーラスのパターンが交互に現れることで期待感が高まり、リスナーは繰り返しのリズムを楽しみ、メロディーに没頭することができます。

ヴァース – コーラス – ヴァース – コーラス

この形式 (ABAB) は、ブリッジのない、前の構造のより単純なバージョンです。ここではヴァースとコーラスが交互に繰り返され、ストレートでわかりやすいリズムが生まれます。この構造は、特にコーラスが十分に強力で、追加のバリエーションを必要とせずにメロディーを伝える場合に、短い曲に最適です。多くのポップスやインディーズソングはこの構造に従っており、不必要な余計なものを付けずに曲の核心をストレートに伝えることができます。キャッチーなフックを備えたこのフォーマットでは、コーラスを際立たせることができます。

ヴァース–ヴァース–ブリッジ–ヴァース (AABA)

この構造はジャズや初期のロックで特に人気があり、2 つのヴァースが繰り返され、その後にブリッジがあり、最後に最後のヴァースが続きます。バラードやソフトな曲に適しており、音楽にリラックスしたクラシックな雰囲気をもたらします。ヴァースを繰り返すことで曲のメインテーマが強調され、思い出に残るものになりますが、ブリッジではメロディーや歌詞が簡単に変化し、最後のヴァースに戻る前に爽やかな変化が生まれます。

代替曲の構成

上記の曲の構成は最も人気のあるものの一部ですが、それらに厳密に固執する必要はありません。曲によっては、メインコーラスの前に緊張感を高めるためにプレコーラスを追加することもあれば、印象に残るエンディングを残すアウトロで終わる曲もあります。また、最初の音から雰囲気を決めるイントロで始めて、リスナーをトラックの雰囲気に浸ることもできます。

さまざまな構造要素を組み合わせて、自分のビジョンに最も適したセットアップを作成できます。構造がリスナーをガイドするので、親しみやすさと独創性のバランスを見つけることが重要であることを覚えておいてください。

結局のところ、構造は単なるロードマップであり、それをどのようにナビゲートするかを決めるのはあなた自身です。古典的な ABABCB フォーマットを選択する場合でも、より実験的なフォーマットを選択する場合でも、明確な構造を念頭に置いておくと、曲を魅力的で記憶に残るものにすることができます。始めるときは、基本に慣れるために従来の公式に従うことが役立ちます。その後、自信が持てるようになったら、要素をブレンドしたり、新鮮で予想外のものを追加したりして実験してみてください。

自分の曲を作る方法: 主な手順

1. 音楽を作る

1.1.曲のジャンルを選択してください

各音楽ジャンルには、曲の雰囲気やテーマを設定できる独自の特徴があります。たとえば、カントリー ソングではスライド ギターが使用され、喪失や困難の克服についての歌詞が特徴である一方、ロック ソングではパワー コードが使用され、反逆と自由のテーマに焦点が当てられる場合があります。

1.2.曲に合ったリズムとテンポを選ぶ

リズムとテンポは雰囲気を決めるのに非常に重要です。速いテンポはテクノやパンクロックなどのエネルギッシュなジャンルに適していますが、遅いリズムはポップやカントリーなどの感情的または憂鬱なスタイルに適しています。クラシック ロックでよく見られる適度なテンポは、速いカテゴリーにも遅いカテゴリーにも当てはまらない曲に適しています。

• たとえば、パンクロックは多くの場合、4/4 拍子の速くてドライブ的なリズムを持ち、各ビートは 1 秒続きます。
• レゲエはシンコペーションのリズムを使用して、リラックスしたユニークなサウンドを作成します。
• 目的のジャンルに特有のリズムと拍子記号を調べて、曲に最適なものを見つけてください。

1.3.ピアノまたはギターで基本的なメロディーを作成する

これらの楽器は最終トラックに使用されない場合でも、メロディーをスケッチするのに最適です。 G、A、C、D、E、F などの一般的なキーを使って作業してみてください。曲のテーマを考えて、適切な雰囲気を伝えるキーを選択してください。

1.4.長音階と短音階を試してみる

選択したキーでスケールを使用すると、曲の感情的なトーンに一致するメロディーを見つけるのに役立ちます。一般に長調はより陽気で明るいと見なされますが、短調はより感情的または憂鬱な雰囲気を引き出します。

• たとえば、ニ短調は最も悲しい調であるとよく考えられていますが、ハ長調は楽しい響きを持っています。
• 曲のテーマに応じて、長調と短調を切り替えて、作曲に深みと感情の幅を加えることができます。

1.5。ギターの基本スキルを学ぶ

自分の能力をさらに広げたい場合、ギターの基礎を学ぶことはメロディーを作成するのに非常に役立ちます。プロになる必要はありませんが、基本的なコードとメロディーの構築方法を知っておくと大いに役立ちます。地元の教師からレッスンを受けるか、オンラインで無料のチュートリアルを見つけて始めることができます。

1.6.助けが必要な場合は、共同執筆者を連れてきてください

実現するのに苦労しているアイデアがある場合は、友人や共同ライターと協力することが素晴らしい解決策になる可能性があります。曲のテーマ、雰囲気、歌詞について話し合い、それらのアイデアを一緒に音楽に変換できるようにします。助けてくれる人がいない場合は、オンラインの音楽フォーラムや求人掲示板を通じてパートナーを見つけることを検討してください。

1.7.音楽制作ソフトを試してみる

楽器を演奏しない場合は、音楽ソフトウェアが優れた代替手段になります。これらのプログラムは、ミックスしたりカスタマイズしたりできるドラムビート、ベースライン、コード、メロディーの広範なライブラリを提供します。これらのツールを試してみると、さまざまなエフェクトやフィルターを試して独自の曲を作成できます。

• 多くのプログラムでは、シンセサイザー、ギター エフェクト、その他の幅広いツールを使用できます。
• 追加のプラグインを購入してサウンド ライブラリを拡張し、音楽に新しいテクスチャを追加することもできます。

2. 曲に歌詞を追加する

2.1.曲のタイトルを選択してください

曲のアイデアを開発し始める興味深い方法の 1 つは、タイトル候補のブレインストーミングを行うことです。映画や本、あるいは会話の中で耳にしたフレーズから、キャッチーなタイトルのアイデアが生まれることがあります。これらのフレーズをノートや携帯電話に書き留めて、後でもう一度見直せるようにします。メロディーと歌詞が完成するまで曲に名前を付けるのを待つこともできます。ここには正しいアプローチも間違ったアプローチもありません。最も自然に感じられる方法を採用してください。

2.2.あなたの曲のコーラスを作成する

コーラスは曲を思い出に残るものにする中心的な部分であり、曲のタイトルになることもよくあります。心に残るものが見つかるまで、さまざまなフレーズやメロディーを試してみてください。候補となるタイトルのリストがすでにある場合は、それらを歌ってみて、どれがコーラスとして適しているかを確認してください。さまざまなメロディーを試して、目的の雰囲気を最もよく捉えたものを見つけてください。

2.3.サビの周りにコーラスを構築する

曲によっては、メインのフックフレーズがコーラス全体になることもありますが、他の曲ではコーラスの一部、多くの場合最初か最後にあることもあります。コーラスは通常、曲の主要なテーマを大まかに要約します。詩ほど詳しくなく、聞き手が具体的なことで圧倒されることなくアイデアを理解できるスペースを残すべきです。

2.4.合唱のテーマを拡張する詩を書く

詩はコーラスで導入されたテーマを補完して構築し、詳細とイメージを追加します。彼らは、曲をより感情的で意味のあるものにする鮮やかな例や具体例を使ってアイデアを深く掘り下げています。

3. 曲を仕上げる

3.1.ブリッジを追加するかどうかを決定する

ブリッジは曲の中で一度だけ登場し、メインテーマに新たな次元をもたらすセクションです。新しい歌詞を導入したり、キーを変更したり、同じキー内で異なるコードを使用したりすることで、多様性を加えることができます。

• 新しい詳細を追加せずに、ブリッジ内の歌詞をコーラスと同じくらい一般的なものにしておきます。
• また、ブリッジを楽器ソロに使用して、特定の楽器のスキルを披露することもできます。

3.2.最終的な曲の構成を決める

現在最も人気のある曲の構成は、Verse/Chorus/Verse/Chorus/Bridge/Chorus です。ただし、あなたのビジョンに合わせて自由に調整してください。適切な構造になるまで、セクションを並べ替えたり、パーツを繰り返したり、移動したりしてみてください。

3.3.楽器を追加してより充実したサウンドを実現

歌詞とメロディーが完成したら、ドラム、ベースギター、キーボードなどの楽器を使用してサウンドを豊かにすることを検討してください。これらの追加により、曲に深みとエネルギーを与えることができます。すべての楽器が同じキーと拍子記号で演奏されていることを確認してください。

• 追加の楽器を演奏しない場合は、ベーストラックを録音し、音楽ソフトウェアを使用して追加のサウンドを重ねます。
• YouTube でインストゥルメンタル トラックを見つけて、クリエイターに連絡して作品の使用について話し合うこともできます。

3.4.曲がしっかりするまで練習する

曲をいくつかのパートに分割し、それぞれを個別に練習します。次に、それらを組み合わせてトランジションを作成し、曲全体を迷うことなくスムーズに演奏できるようにします。

3.5.歌を録音する

曲を暗記したら、それを録音します。電話、デジタル レコーダー、またはラップトップ ソフトウェアを使用します。誤って紛失しないように、必ず録画のバックアップを保存するか、クラウドにアップロードしてください。

• より良い視聴体験を得るために、iPhone または Android を水平に持ち、曲を演奏している自分のビデオを撮影することもできます。

創造性を高める作曲テクニック

1. オリジナルのアイデアに気づくスキルを開発します。曲のアイデア専用のノートを常に持ち歩き、思いついたときに書き留めてください。こうすることで、インスピレーションが湧いたときにいつでも手の届くところにあります。
2. 同じ考えを持つ協力者を見つけます。一緒に仕事をしたいミュージシャンやソングライターのリストを作りましょう。アイデアを交換し、新しい曲に一緒に取り組むためのミーティングを設定します。
3. 通常の執筆プロセスを切り替えます。サビから始めたり、逆の順序で歌詞を書いてみたりしてください。こうした小さな変化は、創造的なプロセスについて新たな視点を与えることができます。
4. 他の芸術形式からインスピレーションを得る。美術館を訪れたり、クラシック音楽を聴いたり、短編小説を読んだりしてください。他の芸術形式を通じて経験する感情は、曲に注ぎ込む可能性のある感情を刺激する可能性があります。
5. 意味のある誰かについての歌を書きましょう。親しい友人、家族、歴史上の人物、有名人、さらにはペットに焦点を当てましょう。可能であれば、その人のためにその曲を演奏し、その反応に注意を払ってください。
6. お気に入りのラップソングの新しい歌詞を書きましょう。お気に入りのトラックのインストゥルメンタルを取り上げて、それに自分の歌詞を書き、さまざまな言葉が雰囲気や意味をどのように変えることができるかを探ってください。
7. 自由関連付けを使用します。いくつかの単語を選択し、タイマーをセットして、各単語について数分間でできるだけ多くのことを書きます。次に、これらのアイデアをどのように曲に織り込むことができるかを見てみましょう。
8. メロディーとコード進行を別々に書く練習をします。これにより、各要素に個別に焦点を当てることができ、後でそれらを組み合わせてまとまりのあるサウンドを作ることが容易になります。
9. 著作権保護の基本を学びましょう。知的財産法を理解すると、音楽を保護、公開、ライセンス供与するのに役立ちます。本を読んだり、コースを受講したり、ASCAP、BMI、SESAC などの組織を探索したりしてください。

コラボレーションの力

ソングライティングは非常に個人的なものになる可能性がありますが、必ずしも一人旅である必要はありません。他のソングライターと協力すると、創造的な視野が広がり、新鮮なアイデアや視点が得られます。コラボレーションは、アーティストとして成長し、新しいテクニックを学び、予期せぬ方法でインスピレーションを得る機会を与えてくれます。他の人と協力すると、特に普段一人で執筆している場合は、考えもしなかった道に進む可能性があります。

コラボレーションの利点

共同作曲の最も貴重な側面の 1 つは、お互いから学ぶ機会です。すべてのソングライターは、スタイル、曲の構成、好みのコードに対して独自のアプローチを持っており、コラボレーションすると、他の人の創造的なプロセスを最前列で見ることができます。もしかしたら、あなたの共作者はメロディーに重点を置いているのに、あなたは歌詞に興味がある、あるいは別のジャンルで仕事をしているのかもしれません。これらの強みを組み合わせることで、どちらかが単独で作成できるものよりも大きなものを生み出すことができます。

コラボレーションはまた、あなたを快適ゾーンの外へと押し広げます。特定のジャンルやテーマに固執する傾向がある場合は、新鮮な視点が何か新しいことに挑戦するきっかけになります。あなたの共著者が、あなたが思いつかなかったようなアイデアを提案してくれる可能性があり、この新しいアプローチがあなたの創造的な旅のターニングポイントになる可能性があります。

共同創造性の脆弱性

自分の創造的なプロセスを他の人と共有することは、必ずしも簡単ではありません。未完成の生のアイデア、歌詞、メロディーを明らかにするのは勇気が必要です。自分のアイデアが「十分」ではない、あるいは評価されるのではないかと心配するかもしれません。しかし、脆弱性は創造的なプロセスにおいて不可欠な部分です。それを受け入れることで、長期的には実際により強力なソングライターになれる可能性があります。

同じ部屋で一緒に文章を書くのは緊張するかもしれませんが、刺激的な進歩につながることもあります。リアルタイムでアイデアを共有し、お互いの提案を基にして、あらゆるブロックを一緒に解決していきます。場合によっては、この種のリアルタイムのインタラクションこそが、曲に命を吹き込むために必要なものです。

リモートコラボレーション

対面での作業が苦手な場合は、リモート コラボレーションが最適な選択肢となります。自分で曲を作り始めて、それを共同作者に送って仕上げたり改良したりすることができます。歌詞を修正したり、新しいメロディーを追加したり、さらに深みを与えるために作曲を再構築したりする場合もあります。このアプローチにより、その場でアイデアを思いつくというプレッシャーを感じることなく、自分のペースで作業することができます。リモート コラボレーションにより、両者はよりリラックスした環境で最高の作品を自由に作成できると同時に、創造的な強みを融合することができます。

ソングライターのブロックを克服する方法

すべてのソングライターは、ある時点で創造的なブロックに遭遇します。そのとき、どれだけ頑張ってもアイデアが思い浮かばないときです。順調に進んでいて突然壁にぶつかった場合、これは特にイライラするかもしれません。しかし、創造的なブロックが起こるのはごく普通のことであり、幸いなことに、それを乗り越えてアイデアを再び生み出す方法があるということです。

ソングライターズブロックとは何ですか?

ライターズブロックとは、全力を尽くしているにもかかわらず、新しいアイデアを思いついたり、曲を進められない瞬間のことです。ギターを持って座ったり、コンピューターの前に座ったりするかもしれませんが、インスピレーションが消えてしまったように感じます。精神的な疲労から完璧主義、ストレス、あるいは外部からの気晴らしに至るまで、原因は数多く考えられます。多くの場合、「良い」ものを作成しなければならないというプレッシャーによって、何も作成できなくなることがあります。

作家のブロックを克服する鍵は、物事を揺るがし、別の角度から創造性にアプローチすることです。ここでは、プロセスをリフレッシュし、インスピレーションを取り戻すための 5 つのテクニックを紹介します。

1. 自由記述

自由に書くことは、ブロックを突破するためのシンプルかつ効果的な練習です。タイマーを 10 ～ 15 分にセットし、韻や構造、意味などを気にせずに、思いついたことを何でも書きましょう。目標は完璧な歌詞を作成することではなく、クリエイティブな流れを活性化することです。この自由執筆セッションで、後で曲に応用できるアイデアが見つかるかもしれません。

2. 環境を変える

同じルーチンに縛られているために、創造性のブロックが発生することがあります。いつもの執筆場所を変えてみてください。いつも自宅で仕事をしている場合は、公園やコーヒーショップ、あるいは家の別の部屋に行ってみてください。景色を変えると、新鮮な印象が生まれ、新しいアイデアが生まれます。何か違うものを見るだけで、古い概念を新しい視点から見ることができます。

3. 特定のプロンプトを使用する

なかなか始められない場合は、特定のプロンプトを表示すると、クリエイティブなプロセスを進めるのに役立ちます。それは「喜び」や「失望」などの感情である場合もあれば、「割れた鏡」や「11 月の雨」などの物体である場合もあります。インスピレーションが湧くのを待つのではなく、具体的な何かに集中できるようになるため、プロンプトは具体的であればあるほど良いでしょう。焦点を絞ると簡単に始めることができ、そこから曲の残りの部分が形になり始める可能性があります。

4. 共著者と協力する

あまりにも長い間自分の考えに囚われている場合は、他のソングライターと仕事をすることが状況を変える可能性があります。アイデアを生み出すために必要なのは、新鮮な視点だけである場合もあります。あなたの共作者が、あなたの曲に新しい方向性をもたらす歌詞、メロディー、またはコンセプトを持ち込むかもしれません。自分のアイデアについて他の人と話すだけで、新しい観点からアイデアを見ることができます。さらに、他の人と協力すると責任感が増し、モチベーションを維持することができます。

5. ランダムワードジェネレーターを使用する

ランダムな単語は、あなたの創造性を刺激する素晴らしい方法です。オンラインでいくつかのランダムな単語を生成し、それらを組み込んだ一行や詩を書くことに挑戦してください。これにより、既成概念にとらわれずに考える必要が生じ、予期せぬアイデアや比喩が生まれる可能性があります。時には、たった 1 つの珍しい単語で創造性を新しい方向に押し上げ、歌詞を新しい角度から見るのに十分な場合があります。

人工知能を使って曲を書く方法

人工知能はすでに音楽の作り方を変革しつつあり、将来的にはさらに大きな役割を果たすことになるでしょう。 AI は、インスピレーションや創造的なプロセスのための強力なツールとなっています。プログラムでは、コード進行を生成したり、歌詞を提案したり、ソングライターが作曲を始めるのに役立つメロディー全体を作成したりすることもできます。行き詰まりを感じている人、または単に新しいアイデアを探求したい人にとって、AI は追加の「共同作成者」として機能し、構築するための大まかなアイデアをすぐに提供できます。

ただし、他のテクノロジーと同様に、欠点もあります。最大の懸念の1つは、AIが曲作りのプロセスから感情の深みの一部を奪ってしまう可能性があることだ。人によって書かれた曲には個人的な経験が注入されており、その魔法の一部は歌詞とメロディーに流れる感情やストーリーから生まれます。アーティストが音楽制作で AI に過度に依存し始めると、曲が過度に定型的になり、独特の人間味が失われるリスクがあります。

もう1つの懸念は、AIによって音楽業界がどのように再構築され、ソングライターが目立つことが難しくなる可能性があるということだ。 AI が迅速かつ効率的に曲を制作できるようになったとき、一句一句に心を注ぐアーティストには何が残るのでしょうか?結局のところ、他のツールと同様に、AI も賢く使えば作曲プロセスを向上させることができます。重要なのは、音楽を真に特別なものにする人間的要素を置き換えないようにすることです。