パラレルハーモニー

音楽における平行ハーモニーへのアプローチを再考し、その可能性を解き放ちましょう。 これらのハーモニーは、賢明かつ創造的に使用すると、現代の作曲家にとって強力なツールになります。 それらはリスナーに深い驚きを引き起こすことができ、まさにその助けによって達成できる驚くべき効果を提供します。 伝統的なハーモニーでは、通常、平行なオクターブと 5 度は避けられますが、モダンなサウンドを作成するには、このルールを放棄する価値があります。 ボイシングと声の平行移動を理解し、平行ハーモニーを慎重かつ合理的に使用することで、新しく興味深い動きで音楽を豊かにすることができます。 18世紀に確立された伝統的なルールから逸脱した、並列ハーモニーを使用する3つの方法を見てみましょう。

平行移動

音楽における平行性の主かつ最も単純な形式は、平行移動です。
このアプローチでは、和音の同時上昇または下降ではなく、むしろ音の間の間隔の関係に重点が置かれます。 これは、楽曲で平行移動を使用するときに考慮すべき重要な側面です。 この場合、音符が必ずしも同じ方向をたどるわけではないことがわかります。 ただし、音楽断片の音色は安定しており (この例ではヘ長調です)、音が互いに調和して組み合わされます。 この例は並列ハーモニーとして完全には分類できませんが、このテクニックを学ぶための良い出発点となります。 この例の基本を理解したら、並列ハーモニーの複雑さとテクニックをさらに詳しく学ぶことができます。

パラレルインターバル

この場合、コードの主音間の間隔だけでなく、コードを構成する各音間の距離も保持されます。
パラレルインターバルを標準のトライアドや定期的な安定したインターバルに限定する必要はありません。 4 分音符を使用して複雑な階層化された音楽テクスチャを作成するなど、最後の音符の上に追加の音程を追加して実験することができます。 個々の音程は不協和音、あるいは不調和に聞こえることがありますが、音楽の動きの文脈においては、その音はより明瞭で意味のあるものになります。

平行和音

基本的な動きと音程の使い方を学んだら、次はより高度なテクニック、つまり平行和音の使用法を学びましょう。
このテクニックは、ポップ ミュージックやダンス トラックからジャズやロックに至るまで、さまざまな音楽ジャンルで使用されています。 追加のアクティビティとして、クロード ドビュッシーやモーリス ラヴェルなどの作曲家の作品を研究して、平行和音が実際にどのように使用されているかをより深く理解することができます。 パラレルコードテクニックでは、個々のコード間の間隔の関係を維持しながら、コード内の各音は、半音上または特定の音まで同じ距離を移動します。
これにより、従来の和声規則を無視して、同じまたは類似の構造を持つ上昇または下降のコード進行が作成されます。 たとえば、マイナー ノンコードで始める場合、後続のすべての平行コードもマイナー ノンコードでなければなりません。 これには、作品の主キー以外のコードの使用が必要になる場合がありますが、これはこのアプローチでは通常行われることです。

結論

音楽の中でパラレルハーモニーを試すときは、シンプルなことから始めてください。本当に必要な場合にのみ、控えめに使用してください。 並行コード伴奏を伴うメロディーを組み込むと、音楽が大幅に豊かになり、特に作曲の途中で予期せぬ驚くべき音楽的瞬間が生まれます。 また、伝統的なハーモニーでは同じ効果が得られない場所でも、リスナーの注目をさらに集めることができます。