音楽管理
音楽マネージャーになるにはどうすればよいですか?
「路外」で音楽マネージャーの職業に飛びつくことはできません。音楽業界での人脈、音楽に対する深い理解、聴衆の好みに関する知識が必要です。経験がない場合は、新進気鋭のアーティストと仕事をすることから始めましょう。多くのアーティストは、友人、知人、または他のミュージシャンから推薦された人をマネージャーとして雇います。もう 1 つの方法は、専門家から学び、人脈を築き、必要な知識を獲得し、アーティストと知り合うことです。これにより、後に業界でフルタイムの仕事に就くことができます。
アーティストのチームはどのように構成されていますか?
アーティストの個人マネージャーは、ミュージシャン自身と対話し、チーム全体の仕事を調整する重要な人物です。彼が自分でタスクを実行するか、他の人にタスクを委任するかに関係なく、彼の主な役割は、アーティストと他のすべてのチームメンバーの間の橋渡しとなることです。
プロデューサーは音楽素材の責任を負います。アーティストの規模によっては複数のプロデューサーが存在し、それぞれがトラック、アレンジ、アルバム内での曲の配置などの最終決定に携わります。ロシアでは、プロデューサーは素材をミキシングするサウンドエンジニアであることが多い。
マーケティング マネージャーは、プロモーション資料の送信、メディアとの連携、活動の組織化、ソーシャル ネットワークの維持、視聴者との交流など、あらゆるデジタル プラットフォームに従事します。彼の仕事は音楽を宣伝し、アーティストの人気を高めることです。
ターゲットロジストはソーシャル ネットワーク上の広告を担当します。彼はターゲットとする聴衆を定義し、広告キャンペーンの効果を分析し、音楽を宣伝する最適な方法を決定します。
コンサート ディレクターはショーを企画し、ツアー戦略を策定し、コンサートが確実に収益を上げられるようにします。
弁護士はチームに欠かせないメンバーです。彼はレーベルとの契約を確認し、コンサートの書類作成を手伝い、著作権問題を理解し、問題の発生を防ぐために特に重要な法的問題についてアドバイスします。
会計士は税金と財務報告を担当します。
なぜミュージシャンにはマネジメントが必要なのでしょうか？
アーティストのマネジメントは、職務と役割に応じてさまざまな専門家が関与する複雑なプロセスです。アーティストのニーズが高まるにつれて、これらのニーズを満たすことができる新しい人材がチームに追加されます。ミュージシャンがキャリアを始めたばかりの場合、個人マネージャーがすべての役割を自分で行うことも、アーティストが自分でマネージメントに従事することもできます。
マネージャーはアーティストと外界との間の仲介者として機能し、彼の音楽、画像、コンサートのリソースを管理します。
音楽リソースには、曲の作成、録音、レコードの制作が含まれます。マネージャーは、アイデアからトラックの完成したマスターコピーに至るまで、すべての段階でこのリソースを使用します。
画像リソースは、ファンベース、アーティストのパブリックイメージ、メディアからの彼への関心に関するものです。マネージャーはこのリソースを開発し、ミュージシャンの人気の成長に貢献します。
コンサート リソースは、ソロ コンサートからプロモーション イベントまで、さまざまなイベントでのパフォーマンスに関連付けられています。
すべてのアーティストにマネージャーがいますか?
全部ではありません。意欲的なアーティストは、音楽を書いて演奏することが主な仕事であるため、すべてを自分で行うことがよくあります。音楽を商品にして市場に出すにはマネージャーが必要です。アーティストと観客、そして音楽ビジネスの世界を繋ぐ人物です。ミュージシャンには通常、これらすべての作業を行うのに十分な時間がありません。
マネージャーに必要な資質とは何ですか？
アーティストマネージャーは、さまざまなタスクに対処できるジェネラリストである必要があります。彼は契約を確認し、サウンドについてフィードバックを与え、ブランドとファンの両方と交流することができなければなりません。専門の弁護士である必要はありませんが、法的なニュアンスを理解し、専門家の仕事を監督することが重要です。
独立性はマネージャーの重要な資質です。ミュージシャンはマネージャーが正確に何をすべきかを知らないことが多いため、ここでは自発性の欠如や消極性は受け入れられません。また、マネージャーは音楽業界に精通しており、ストリーミングの問題、著作権、プロモーション、その他の作品の側面を理解している必要があります。他の専門家にタスクを委任する場合、彼はそのタスクを細部に至るまで理解する必要があります。
マネージャーは 1 人ですか、それともチームですか?
ほとんどの初心者アーティストには、すべての責任を引き受ける 1 人のマネージャーがいます。ミュージシャンの人気が高まるにつれて、各メンバーが独自の役割を持つチームを持つ場合があります。たとえば、すでに多くの聴衆を抱えている成功したパフォーマーには、別のツアー マネージャーがいることがよくあります。メジャーレーベルと契約したアーティストの場合、通常、レーベルと個人マネージャーが協力するハイブリッドマネジメントオプションが使用されます。
アーティストのポジショニングを理解することがなぜ重要なのでしょうか?
アーティストの明確なポジショニングが成功の基礎です。アーティストは、どのような聴衆に向けて取り組んでいるのかを理解し、明確なメッセージを伝えなければなりません。ポジショニングはその人のキャラクターに一致する必要があります。控えめな人を大胆なロックスターに変えようとすることはできません。これは不自然に見えます。
リリースについても同様です。マネージャーは、次のシングルやアルバムの雰囲気を評価し、アーティストがリスナーに何を伝えたいのかを理解し、ビジュアル要素がどの程度音楽と一致しているかを確認する必要があります。膨大な量の新しい音楽の文脈では、製品の競争力を高めることが重要です。マネージャーは、アーティストを群衆の中で目立たせる方法を見つけなければなりません。これには、珍しいポジショニング、ソーシャル ネットワーク上での創造的なソリューション、または注目を集める明るいイメージなどが考えられます。音楽業界の激しい競争にもかかわらず、よく開発されたポジショニングはミュージシャンが自分のニッチを見つけ、聴衆の注意を引き続けるのに役立ちます。
アーティストの音楽でお金を稼げるかどうかはどうやってわかりますか?
それは難しい。もちろん、アーティストが商業的に成功できるかどうかを 1 つのトラックから判断できるマネージャーもいますが、これには多くの経験が必要であり、市場と聴衆についての十分な理解も必要です。ほとんどの場合、理解は仕事の過程で得られます。この期間中に、観客の増加の動向、アーティストに提供される公演の料金、コンサートのチケット販売枚数、広告主の関心などに注目するようアドバイスする。視聴者数が伸びず、広告主も消極的で、チケットの売れ行きも芳しくない場合は、プロモーション戦略を見直すか、アーティストと手を切る必要があります。
マネージャーは音楽リソースをどのように扱うべきか
多くのアーティストは独自に音楽リソースを使用して作業しており、マネージャーがこのプロセスに参加することを望んでいません。場合によっては、マネージャーの役割は、スタジオを予約したり、曲のビートを購入したりすることだけである場合もありますが、マネージャーがクリエイティブなプロセスにより積極的に関与する状況もあります。たとえば、マネージャーは、アーティストの時間の調整や管理に全力で取り組んでいます。期限を守り、彼らにとって快適な環境を作り、励ましと合理的な批判の間のバランスを模索します。アーティストの音楽リソースを扱う場合、マネージャーはクライアントがどの程度独立しているのか、どのような助けが必要なのかを理解することが重要です。アーティストとの個人的な仕事は、心理学者の仕事に似ていることがあります。音楽を書くことは、労働倫理を維持することが最も重要なプロセスです。素材に取り組んでいるとき、アーティストは最も脆弱な状態にあります。あなたはミュージシャンにインスピレーションを与え、彼らを助けなければなりません。アーティストにとって快適さを生み出すことは非常に重要です。あなたは常に彼らの味方であることを忘れないでください。たとえ彼らが完全に間違っていたとしても、会話はサポートから始まるべきです。同時に、自分自身の燃え尽き症候群を防ぐことが重要です。マネージャーは、仕事のスケジュールと交流のルールを導入する必要があります。
さて、それでどれくらい稼げるでしょうか？
アーティストにマネージャーが 1 人いる場合、原則として、彼はミュージシャンのギャラの一定の割合 (通常は 10 ～ 20%) で仕事をします。パフォーマーがチームを持っている場合、収益スキームはより複雑になる可能性があります。場合によっては、アーティストの料金は、金額に関係なく、ミュージシャンのチーム全体で分割されます。他のケースでは、一部の従業員は固定金利を受け取り、一部の従業員は収入の一定の割合を受け取ります。たとえば、ツアーマネージャーはコンサートからの収入の一部を受け取り、プレスエージェント（つまり、メディアや広告主とのコミュニケーションを担当する人）は給与を受け取ります。
さて、どこから作業を始めますか？
マネージャーの最初の仕事の 1 つは、ソーシャル ネットワーク、メディア、そしてもちろんストリーミング サービスなど、できるだけ多くのプラットフォームでアーティストの音楽を配信することです。彼らは、推奨システムを通じてアーティストの音楽を宣伝し、主要なプレイリストに含めることができ、ミュージシャンが新しい聴衆を獲得するのに役立ちます。ストリーミング パートナーとの協力に同意し、なぜ自分のアーティストを宣伝する必要があるのかを説明するのは、まさにマネージャーの仕事です。
プロモーション リリースの作業を整理する方法
次期リリースのプロモーションの準備は、リリース日のかなり前から始める必要があります。これにより、メディアには素材に慣れる時間が与えられ、マネージャーには音楽サービスとの連絡を確立し、さまざまなプラットフォームに必要な情報をすべて準備する機会が与えられます。各ディストリビュータにはプロモーション申請に対する独自の要件があるため、遅延を避けるために事前に要件を理解しておくことが重要です。プロモーション キャンペーンのプロセスでは、ターゲットを絞った広告や広告シーディングなどのツールが使用され、ターゲット ユーザーにリーチするのに役立ちます。
従来のメディアがリスナーに及ぼす影響は以前ほど大きくありませんが、報道機関、ブログ、テレビ チャンネル、ラジオを無視すべきではありません。たとえば、ラジオ局は、特にダンス ミュージックやポップ ミュージックのジャンルのトラックの場合、シャザムの数を大幅に増やすことができます。各リソースには独自の利点があるため、それらを最大限に活用することが重要です。さらに、メディアはアーティストのイメージを作り上げることができますが、それは彼自身では形成することが困難です。
アーティストは、Instagram や TikTok から YouTube まで、すべてのプラットフォームをカバーするコンテンツ プランを立てる必要があります。視聴者の関心を維持するために、カバーコンテストなどのSNS上でのファン活動も重要です。ファンベースとの継続的な交流がなければ、ファンベースは徐々に縮小する可能性があります。アーティストが有名であればあるほど、創造性を発揮する機会が増えます。世界的なスターは大規模なプロモーションや特別プロジェクトを行う余裕がありますが、意欲的なミュージシャンもこの方向に成長する必要があります。大きな名声がなくても、ニッチな特別プロジェクトに参加したり、テーマ別のコンピレーションを録音したり、興味深い DJ とライブ バージョンやリミックスを作成したりできます。
コンサートを開催するにはどうすればよいですか？
新進気鋭のアーティストのマネージャーにとって、独自にコンサートを企画するスキルを習得することは重要です。このプロセスには、次の 4 つの主要な段階が含まれます。
- イベントの目的と対象者を定義します。潜在的な視聴者が誰であるかを理解することは、適切なプロモーション戦略をより適切に準備し、選択するのに役立ちます。
- 会場の選択。会場はイベントの規模と聴衆の期待に適合する必要があります。
- 見積もりを計算し、チケットの価格を決定します。この段階には、すべてのコストを計算し、アーティストと観客の両方にとって有益となるチケット価格を設定することが含まれます。
- 販促キャンペーンを実施します。これには、ソーシャル ネットワークでの発表、メディアでのニュース、ポスターやチラシの印刷が含まれます。
コンサートを企画する際に気をつけることは何ですか？
ストリーミングの時代になり、コンサート業界は大きく変わりました。音楽は簡単にアクセスでき、プロモーションもほぼ瞬時に行われますが、これがコンサートでの成功を保証するものではありません。たとえば、ある曲はバイラルになる可能性がありますが、これはアーティストがライブ パフォーマンスで多くの聴衆を集めることができることを意味するものではありません。逆に、ストリーミングであまり人気のないロック バンドは大きなホールを集めることができますが、何百万回も再生されるダンスやラップのヒット曲の作者は、ライブ ショーで少数の聴衆しか集めることができません。
コンサートの宣伝は、リリースの宣伝と同じ原則に基づいています。マネージャーにとって、効果的に広告キャンペーンを設定し、チケットの販売を確実にしてくれる信頼できる請負業者を見つけることが重要です。コンサートはグッズを販売する絶好の機会でもあり、マネージャーは事前に会場でのグッズの配送と販売を手配する必要があります。ツアーを計画するとき、マネージャーはすべての詳細を考慮する必要があります。ロジスティックスを熟考し、ツアースケジュールを作成し、アーティストの快適さとコストのバランスを維持しながら家庭用および技術的なライダーを慎重に書き出し、さらにチケットシステムを検討して確立する必要があります。チケットの販売プロセス。
コンサートとレコードの配布、それだけですか？
もちろん違います。音楽マネージャーの仕事は、コンサートの企画やレコードの配布だけに限定されません。活動の重要な部分は、ブランドとの協力、スポンサーシッププロジェクトへの参加、コラボレーションです。現在、ブランドは協力してくれるアーティストを積極的に探しており、アンバサダーになったり、フェスティバルやさまざまなプラットフォームの特別プロジェクトに参加したりするようオファーしている。お金を稼ぐもう 1 つの方法は、音楽のライセンスを取得することです。これには、映画、テレビ、または広告で使用するためにトラックを販売することが含まれます。この場合、マネージャーは音楽出版社や弁護士と効果的に協力できなければなりません。
アーティストとどうやってコミュニケーションを取るのか？
アーティストとのコミュニケーションは、プロフェッショナリズムの原則に基づいて行われるべきです。衝突の可能性を避けるために、個人的な関係と仕事上の関係を明確に分離し、責任を詳細に定義することが重要です。アーティストは感情的に敏感な人たちなので、彼らと一緒に仕事をするのは難しい場合があります。多くのプロのマネージャーが言うように、「優れたアーティストは感情の工場である」ため、彼らとの交流には必然的に一定の困難が伴います。したがって、マネージャーの重要な任務の 1 つは、自分自身の精神的な安定性と客観性を維持することです。 「頭は常に少し涼しい状態にあるべきです」と専門家は指摘します。アーティストと適切に関係を築くことは、別れた場合にマネージャーが経済的にも評判の面でも彼らの利益を守るのにも役立ちます。
なぜマネージャーは法的問題を理解する必要があるのでしょうか?
まず、マネージャーはアーティストが適切に法的に登録されていることを確認する必要があります。ミュージシャンが個人のままである場合、契約や税金に関して多くの問題が発生する可能性があります。したがって、アーティストは自営業者または個人事業主（IE）として登録することをお勧めします。
法律上の問題を避けるために、財務記録を維持し納税を監視することも経営者の責任です。アーティストが多額の収入を得るまでは、税金の申告を延期することができますが、アーティストの収入が増え始めるとすぐに、この問題が優先事項になります。
さらに、管理者はトラックのライセンスを制御する必要があります。曲を書いたアーティストがその作者であり、レコードの所有者です。トラックを収益化するには、適切な契約の締結を通じて、その使用権をレーベルまたはディストリビューターに譲渡する必要があります。マネージャーは、アーティストの権利を保護し、トラックの権利を永久に譲渡したり、不利な条件を締結したりすることを避けるために、そのような契約の微妙な違いをすべて理解しなければなりません。
アーティストとの協力条件を明確にすることが重要な理由
マネージャーが犯す最も一般的な間違いの 1 つは、作品に関してアーティストと正式な契約を結んでいないことです。協力条件に関する衝突や誤解がいつでも発生する可能性があるため、これは深刻な問題につながる可能性があります。このような状況を避けるためには、すべての合意を法的に確保する必要があります。契約書に条項を明確に記載することは、協力を成功させるための強固な基盤を築き、関係を明確にするのに役立ちます。
マネージャーとアーティスト間の協力の国際基準は、収入の 10 ～ 20% とさまざまです。スーパースターの場合、この割合は通常約 10% ですが、初心者の場合は 20% です。このパーセンテージが総収益 (アーティストのすべての収入) から計算されるのか、純利益から計算されるのかを考慮することが重要です。マネージャーがすべての収入の一部を受け取る場合、アーティストがどのような費用を負担するかを理解することが重要です。場合によっては、収入が最小限で支出が多額になる場合、より柔軟な条件で合意することが合理的です。たとえば、収入の公平な分配を確保するために、マネージャーはアーティストの総収入の 15% を受け取ることができますが、純利益の 50% を超えてはなりません。
マネージャーが業界の変化に適応することが重要な理由
アーティストチームにおける役割は近年大きく変化しており、これは音楽学校や従来の教科書では教えられるものではありません。業界は非常にダイナミックなので、すべてが 6 か月ごとに変わります。数年前には関連性があった情報も、現在では古くなり役に立たなくなっている可能性があります。マネージャーは常に知識を更新し、最新のトレンドに従うことが重要です。
技術の変化は音楽の録音プロセスにも大きな影響を与えました。今日、音質はもはやスタジオ機器のコストに依存しません。自宅で成功するアルバムを作成するアーティストが増えているため、マネージャーは録音条件ではなく、アーティストの才能を明らかにすることに重点を置くようになりました。
音楽をリリースするプロセスも劇的に変化しました。多くの独立系レーベルやアグリゲーターの出現により、流通はよりアクセスしやすくなりました。さまざまなジャンルのリスナーを見つけるニッチなアーティストがますます増えています。レーベルはもはや新人スターのプロモーションに巨額の資金を投資せず、ソーシャルメディア分析に重点を置いています。このような状況では、アーティストはレーベルからの援助を待つよりも、独立して活動を始める方が良いでしょう。業界に入る年齢の基準も変わりました。以前の若いアーティストがスターになることが多かったとしても、今日では30〜35歳を過ぎても、自分の資金で録音した最初のヒット曲をリリースして成功したミュージシャンになります。
リリースの収益化にも大きな変化が生じました。現在、アーティストは音楽の販売やストリーミングだけでなく、ソーシャル ネットワークのアカウント、YouTube やその他のデジタル プラットフォームのビデオからも著作権料を受け取っています。収入と人気を高めるためには、利用可能なすべてのプラットフォームで可能な限りコンテンツを配信することが重要です。
ソーシャル ネットワークは、アーティストと観客の間の相互作用のメカニズムを根本的に変えました。今ではミュージシャンは手の届かない存在ではなく、日常的にファンとコミュニケーションをとり、ファンからフィードバックを受けて自分自身について語ることができます。しかし、ミュージシャンが一般人として認識され始めているため、これは新たな課題も生み出しており、ファンベースとの仕事が複雑になる可能性があります。
会計や文書管理もデジタル時代に変わりつつあります。税金の計算や財務報告を簡素化するオンライン サービスがますます登場しています。ただし、法律が常にこうした変化に対応しているとは限らず、多くの場合、大量の文書を処理する必要があります。
学ぶのにどれくらい時間がかかりますか?
音楽業界での学習は継続的なプロセスです。業界は常に変化しており、新しい配信プラットフォーム、会場、フェスティバルが登場しています。他の職業と同様に、継続的に学習して適応する準備をしておくことが重要です。
