노래 구조

작곡가의 아이디어는 그 자체로 미래 작곡의 기초일 뿐이며 주요 요소가 놓일 일종의 틀입니다. 실제 작업은 편곡에서 시작됩니다. 즉, 일련의 음악적 아이디어를 청취자의 마음을 사로잡고 작가의 모든 아이디어를 통해 이끌어갈 수 있는 완전한 작품으로 바꿔줍니다. 이 음악적 경로가 더 흥미롭고 즐거울수록 청취자는 이 노래를 몇 번이고 다시 듣고 싶어할 가능성이 더 커집니다.

편곡은 노래가 만들어지는 지도에 비유될 수 있습니다. 이 지도에는 작곡가와 편곡가가 계속해서 사용하는 오랜 세월에 걸쳐 검증된 솔루션과 경로가 포함되어 있는 경우가 많습니다. 이것은 그들이 문제에 공식적인 방식으로 접근한다는 것을 의미하지 않습니다. 반대로 이러한 구조와 공식은 많은 히트작에 의해 테스트되었으며 계속 작동하여 새로운 음악 걸작을 만드는 데 도움이 됩니다.

대중음악의 전형적인 노래 구조

일반적인 노래 구조가 어떻게 작동하는지 이해하려면 기본 부분을 이해하는 것이 중요합니다. 일반적으로 노래는 다음과 같은 8가지 요소로 구성됩니다.

• 소개/소개;
• 절;
• 프리코러스/브리지;
• 합창;
• 포스트 코러스/태그;
• 막간;
• 부서지다;
• 아웃트로.

이러한 부분이 모든 작곡에 반드시 존재하는 것은 아니며, 일부는 작곡가의 의도와 의미적 부하에 따라 여러 번 반복될 수 있습니다.

소개

곡의 인트로는 듣는 사람에게 가장 먼저 다가가는 부분이다. 주요 목적은 청중이 작곡에 집중하고 첫 번째 구절로 원활하게 이어지는 것입니다. 전체 곡에 대한 전체적인 인식은 인트로가 얼마나 흥미롭고 신나는지에 따라 크게 좌우된다. 인트로가 즉시 관심을 끌면 청취자가 트랙을 끝까지 들을 가능성이 크게 높아집니다.

프로그레시브 록이나 매스 메탈 장르에서 작업하는 것이 아니라면, 청취자가 지치지 않도록 인트로를 너무 길게 만들지 마십시오.

내용 측면에서 인트로는 다양할 수 있습니다. 이는 모두 작성자의 창의성에 따라 다릅니다. 멜로디와 드럼, 베이스와 키보드 등 메인 트랙의 한두 가지 요소로 구성되거나 코러스 구조를 반복할 수 있습니다. 인트로의 길이도 작곡가의 아이디어에 따라 다르지만 보통 2마디, 4마디, 8마디 정도 소요됩니다.

절

구절은 모든 노래의 핵심 의미 부분으로, 본문이 드러나고 작곡의 정보 메시지가 담겨 있습니다. 이 구절은 주요 사상을 전달할 뿐만 아니라 듣는 사람이 노래의 다음 부분을 준비할 수 있도록 해줍니다.

코러스나 브릿지와는 달리, 절의 텍스트는 대개 한 구절에서 다음 구절로 바뀌면서 이야기에 다양성과 깊이를 더해줍니다. 그러나 이 규칙을 엄격히 준수할 필요는 없습니다. 음악 역사상 구절이 단순하고 반복적이지만 동시에 효과적이고 기억에 남는 훌륭한 노래가 많이 있습니다.

노래 구조와 편곡의 예는 다음과 같습니다. 작곡은 인트로로 시작하여 2개의 절, 4개의 반복 코러스, 솔로 또는 악기 막간이 이어지고 노래는 아웃트로로 끝납니다. 트랙의 러닝타임은 약 3분 30초로 처음부터 끝까지 듣는 이의 시선을 사로잡는 풍부하고 역동적인 구성이 가능하다.

프리코러스/브릿지

프리코러스라고도 알려진 브릿지는 절과 코러스 사이를 연결하는 역할을 합니다. 코러스는 일반적으로 노래에서 가장 기억에 남고 감정적인 부분이기 때문에 브릿지는 구절 사이의 대비를 줄여 구절에서 코러스로 원활하게 전환하는 데 도움이 됩니다.

동일한 코드를 바탕으로 벌스와 코러스의 조화가 이루어지면 브릿지는 코드 진행을 변경하고 신선한 음악적 요소를 추가하여 다양성을 더할 수 있습니다. 청취자의 입장에서 프리코러스는 작곡을 더욱 흥미롭고 역동적으로 만들어주며 코러스의 클라이맥스를 준비해줍니다.

코러스(후렴)

코러스는 노래에서 가장 중요한 부분 중 하나로, 기억에 남을 수 있지만 방해가 되어서는 안 됩니다. 작곡에 다양한 길이의 코러스를 2~4개 포함하는 것이 가장 좋습니다. 후렴구는 트랙에서 가장 많이 반복되는 부분이기 때문에 주된 서정성과 음악적 사상을 집중시켰으며, 곡의 주된 메시지와 듣는 이의 관심을 끄는 음악적 훅도 담고 있다.

반복되는 코러스로 작곡에 과부하를 주지 않는 것이 중요합니다. 결국 우리는 침입성만으로 관심을 끄는 전형적인 히트작이 아닌 독특한 것을 만들고 있습니다.

일반적으로 첫 번째 코러스는 8마디로 구성되어 단일 반복을 생성합니다. 두 번째 코러스는 흥미를 유지하기 위해 작은 변화를 포함하여 16마디를 차지하여 두 배로 늘릴 수 있습니다. 노래 끝에 나타나는 마지막 코러스는 16마디에서 32마디까지 다양합니다. 그러나 경험상, 청취자의 역동성과 흥미를 유지하기 위해 작곡이 끝날 때 코러스 수를 더 적게 제한하는 것이 좋습니다.

포스트 코러스/태그

때때로 코러스의 마지막 라인이 할당된 마디를 넘어 확장될 수 있는데, 이는 특히 절과 같은 노래의 다음 섹션 가사가 픽업으로 시작하는 경우 문제가 될 수 있습니다. 단어가 겹치는 것을 방지하고 작곡 섹션 간의 원활한 전환을 보장하기 위해 작곡가와 편곡자는 종종 2~4마디 쉼표를 추가합니다. 이를 통해 보컬리스트는 노래를 계속하기 전에 짧은 휴식을 취할 수 있으며 음악적 내러티브를 더욱 유동적으로 만들 수 있습니다.

프리 코러스와 마찬가지로 포스트 코러스는 코러스 요소의 반복이나 백킹 보컬리스트의 간단한 노래가 포함된 도입부부터 악기 연주 중단 또는 메인 멜로디의 변형에 이르기까지 모든 형태를 취할 수 있습니다. 그것은 모두 편곡자와 작곡가의 창의적인 의도, 그리고 그들이 노래에서 만들고자 하는 분위기에 달려 있습니다.

대중음악이란 무엇인가?

대중음악에 관해 이야기할 때 종종 혼동이 발생하며 많은 사람들은 우리가 대중음악에 대해서만 이야기하고 있다고 믿습니다. 그러나 이것은 오해입니다. "대중 음악"과 "팝 음악"이라는 용어는 동의어가 아니며 서로 다른 음악 장르를 나타냅니다.

팝음악은 인지의 용이성, 단순한 멜로디, 대중적 관심을 특징으로 하는 특정 장르를 가리킨다.

동시에, "대중 음악"이라는 용어는 폭넓은 청중에게 인기가 있지만 반드시 팝 장르와 연관되지는 않는 광범위한 음악 스타일을 포괄합니다. 여기에는 록, 퓨전, 리듬 앤 블루스, 인더스트리얼, 디스코, 로큰롤, ​​레게, 뉴메탈, 얼터너티브 및 기타 다양한 스타일이 포함됩니다. 따라서 대중음악은 대중을 겨냥한 다양한 스타일이다.

브릿지(중간 8)

서양 음악에서는 노래 끝 부분에 있는 브리지를 종종 Middle 8이라고 부르는데, 이는 문자 그대로 "middle 8"을 의미합니다. 때때로 음악가들은 Middle 8을 브리지(bridge)라고 부르기도 합니다. 작곡의 이 부분은 일반적으로 악기 부분을 위한 것입니다. 솔로 또는 변경된 부분과 멜로디를 여기에서 들을 수 있으며 역동성과 다양성이 추가됩니다.

Middle 8의 주요 목적은 마지막 코러스나 브레이크 이전에 작곡의 클라이막스를 만드는 것입니다. 노래 전반에 걸쳐 역동성과 에너지가 점차 증가하여 이 브릿지에서 최고조에 이릅니다. 이름에서 알 수 있듯이 길이는 일반적으로 8바이지만 더 긴 버전도 사용할 수 있습니다.

부서지다

인트로 후에 때때로 휴식(English Break – 중단, 일시 중지)이라고 하는 짧은 일시 중지가 삽입됩니다. 휴식 시간은 청취자에게 짧은 휴식 시간을 제공하는 역할을 합니다. 작곡의 지속적인 채도는 피곤할 수 있으며 휴식 시간은 노래의 에너지 균형을 맞추는 데 도움이 됩니다.

휴식 시간과 소개의 유무는 상황에 따라 다릅니다. 작곡에 솔로가 있는 경우 차분한 휴식 시간을 사용하여 대비를 만드는 것이 논리적입니다. 그러나 누구도 솔로 후에 다른 악기나 보컬 인트로를 추가하거나 심지어 절로 돌아가는 것을 금지하지 않습니다.

브레이크는 일반적으로 미니멀하며 코러스와 동일한 코드와 멜로디를 기반으로 합니다. 때로는 마지막 코러스 이전에 작은 프리 코러스 역할을 할 수도 있습니다. 휴식 시간의 길이는 4마디에서 16마디까지 다양합니다.

아웃트로

아웃트로 또는 아웃트로는 노래의 마지막 부분입니다. 인트로를 반영하거나 완전히 반대일 수 있습니다. 아웃트로는 점진적인 페이드 아웃(페이드 아웃)을 통해 코러스를 여러 번 반복하거나 완전히 독특하고 작곡의 다른 부분과 달리 구성될 수 있습니다.

아웃트로를 길게 끌지 않는 것이 중요합니다. 너무 길면 듣는 사람이 피곤해져서 "이게 언제 끝나지?"라고 생각하기 시작할 수 있습니다. 아웃트로는 전체 노래의 성격에 따라 달라집니다. 에너지 넘치는 트랙에서는 코러스를 반복하여 작곡을 마무리하는 것이 적절할 수 있으며, 발라드에서는 다른 코드를 사용하여 최종 악센트를 만들 수 있습니다. 궁극적으로 아웃트로의 선택은 작곡가의 몫입니다.

대중음악에서 노래의 최종 구조

이 노래는 음악의 움직임과 그 역동성이 포물선과 유사하며 긴장감이 번갈아 오르락 내리락하는 그래프로 시각화될 수 있습니다.

곡 전반에 걸쳐 음악적 에너지가 점차 높아져 클라이막스에서 최고조에 달했다가 끝으로 갈수록 부드럽게 감소하면서 조화로운 결론을 만들어낸다. 이러한 그래프는 음악이 어떻게 감정의 정점과 계곡을 거쳐 청취자를 이끌어 노래의 각 부분을 의미 있고 상호 연결되게 하는지 명확하게 보여줍니다.

노래의 일부	가능한 길이
소개	2-8 바
절	8-32바
프리코러스/브릿지	2-16 바
합창	8-16 바
포스트 코러스/태그	2-4 바
다리	8바(경우에 따라 16바)
부서지다	4-16바
아웃트로	2-4 바

미래 노래의 모든 부분을 똑같이 길게 만들어서는 안 됩니다(예: 각각 32마디). 작곡의 각 요소에는 고려해야 할 최적의 길이가 있습니다. 각 노래는 독특하고 개별적인 접근 방식이 필요하므로 편곡에 과부하가 걸리지 않고 가능한 모든 요소를 ​​​​포함하려고하지 않는 것이 중요합니다. 부분의 균형 잡힌 분포는 청취자의 관심을 유지하고 작곡의 조화로운 구조를 만들어냅니다.

전자음악의 전형적인 노래 구조

대중음악과 달리 일렉트로닉 트랙의 구조는 그 자체의 특징을 갖고 있다. 그 이유 중 하나는 트랙이 특정 방송 시간에 맞아야 하며 끝없는 믹스 사용을 배제하는 라디오 형식의 영향입니다.

또한 댄스와 전자음악의 편곡은 댄서들에게 편안함을 제공해야 한다. 이러한 트랙의 긴 부분은 짧은 부분과 번갈아 가며 댄서들에게 휴식의 기회를 제공합니다. 일반적으로 댄스 구성은 7가지 주요 부분으로 구성됩니다.

• 소개 비트;
• 고장;
• 축적;
• 떨어지다;
• 중간 휴식;
• 두 번째 드롭;
• 최종 비트.

이러한 전형적인 구조의 예로는 Vicetone의 "United We Dance" 트랙이 있는데, 이는 일렉트로닉, 댄스, 클럽 음악의 요소들이 어떻게 구성되어 있는지를 잘 보여줍니다.

16개 이상의 드럼 또는 타악기 마디로 구성된 섹션입니다. 전자 음악의 인트로의 특징은 악기 사용의 미니멀리즘, 리듬 강조, 메인 멜로디의 점진적이고 서두르지 않는 모습입니다. 인트로 비트의 주요 목적은 DJ에게 세트리스트의 조화를 유지하면서 이전 트랙과 새 트랙을 부드럽고 조심스럽게 믹싱할 수 있는 기회를 제공하는 것입니다.

고장

고장은 구성이 주요 요소로 돌아가는 순간입니다. 이 섹션에서는 드럼이 완전히 없는 경우가 많아 다른 음악 구성 요소를 위한 더 많은 공간을 만듭니다. 고장에는 일반적으로 트랙의 메인 멜로디 라인이 포함되며, 이는 점차적으로 강화되고 추가 악기로 인해 자라서 사운드의 밀도가 높아집니다. 고장 기간은 16바에서 32바 이상까지 다양할 수 있습니다.

빌드업

빌드업은 대중음악의 프리코러스와 유사하게 코러스를 준비하는 역할을 합니다. 구성의 이 부분은 드럼 파트의 가속과 라이저의 사용으로 인해 점차적으로 긴장감을 형성합니다. 볼륨과 피치가 부드럽게 증가하는 신디사이저 사운드가 편곡의 중심 요소가 됩니다.

떨어지다

드롭은 대중음악의 코러스와 유사하게 트랙의 정점을 의미합니다. 전 트랙의 메인 음악 테마인 파워풀한 그루브와 펌핑감 넘치는 베이스, 밀도감 있는 비트, 밝은 신디사이저 후크가 어우러져 듣는 이들에게 강렬한 인상을 심어주겠다는 의도다.

중간 휴식

중간 브레이크는 곡의 중심 부분으로, 메인 멜로디를 벗어나지 않는 독특한 음악적 요소를 담고 있습니다. 이 섹션은 일반적으로 첫 번째 빌드보다 짧은 다음 빌드업으로 원활하게 전환하는 데 사용됩니다. 중간 휴식 시간은 첫 번째 고장 또는 드롭 주제에 대한 변형일 수 있지만 종종 트랙의 다른 부분과 다르기 때문에 사운드에 신선한 아이디어와 변화를 가져옵니다.

이 트랙은 코러스로 시작하여 분위기와 에너지를 바로 설정합니다. 그 후, 두 개의 서로 다른 가사가 이어지며, 각 구절은 노래 이야기에 새로운 요소와 다양성을 더해줍니다. 곡 중간에 솔로나 악기의 막간이 삽입되어 사운드에 역동성과 깊이를 더해줍니다. 트랙은 여러 개의 태그로 끝납니다. 즉, 코러스 바로 뒤에 오는 짧은 막간으로, 효과를 강화하고 청취자의 기억 속에 작곡의 주요 음악적 아이디어를 고정시킵니다.

두 번째 드롭

두 번째 방울은 일반적으로 첫 번째 방울과 구조와 에너지가 비슷하지만 구성에 다양성을 더하는 몇 가지 변경 사항이 포함되어 있습니다. 이러한 차이점은 다른 후크, 새로운 베이스라인 또는 수정된 비트의 형태로 나타날 수 있으며, 이는 사운드를 신선하게 하고 청취자의 관심을 유지하는 데 도움이 됩니다.

아웃트로 비트

인트로 비트와 마찬가지로 아웃트로 비트는 댄스 음악에서 중요한 역할을 하며, DJ가 세트의 엔딩 트랙을 다음 트랙에 원활하게 믹싱하는 데 도움을 줍니다. 이것이 바로 구성의 이 부분이 종종 가장 길어서 전환에 필요한 공간을 제공하는 이유입니다.

전자음악의 아웃로곡 구조

라디오 형식에 맞추기 위해 5~10분 길이의 클럽 트랙을 원본 버전으로 편집합니다. 그 결과, 최종 트랙이 3~4분을 넘지 않도록 작곡의 모든 부분이 단축됐다. 이는 원곡의 핵심 요소와 에너지를 유지하면서 표준 팝송과 유사한 보다 컴팩트한 구조를 가능하게 합니다.

노래 파트	가능한 길이
인트로 비트	16바부터
고장	16-32바
빌드업	16-32바
떨어지다	16바
중간 휴식	16-32바
두 번째 드롭	16-32바
아웃트로 비트	16바부터

기본 노래 구조 형식: ABA, AABA, AAA 및 ABABCB

편곡을 계획할 때 작곡가와 편곡자는 종종 ABA, AABA, AAA 및 ABABCB의 네 가지 일반적인 형식 중 하나를 사용합니다.

ABA 형식은 가장 대중적인 노래 구조입니다. 사람들이 표준 절-후렴-절 패턴에 대해 이야기할 때 일반적으로 ABA 형식을 의미합니다. 이 형태의 특징은 두 개의 동일한 섹션(A)과 하나의 대조 섹션(B)이 있다는 것입니다. 섹션 B의 대비는 화성, 조, 리듬을 변경하거나 음악의 전반적인 분위기를 변경하여 만들어집니다. ABA 형식에서 섹션 A와 B는 절, 코러스, 브리지 또는 솔로 등 노래의 일부가 될 수 있습니다.

ABA 형식의 노래 구조를 상상해 보면 다음 중 하나처럼 보일 수 있습니다.

1절 (가)	코러스 1 (A)
코러스(B)	막간 (B)
2절 (가)	코러스 2 (A)
코러스 2 (A)	1절 (가)
브레이크(B)	프리코러스 (B)
코러스 3 (A)	2절 (가)

ABA 형식의 좋은 예는 George Gershwin의 재즈 클래식 "I Got Rhythm"입니다. 이 구성에서 A 섹션은 B 플랫 키로 연주되며 마디당 2개의 코드로 음악에 에너지와 역동성을 부여합니다. B 섹션에서는 건반이 변경되고 리듬이 느려집니다. 하나의 코드가 두 개의 마디에 걸쳐 확장되고 음악이 덜 역동적이 되어 A 섹션과 대비를 만듭니다.

AABA 형식은 ABA 체계를 개발한 것입니다. 이 구조에서는 A 섹션이 두 번 반복된 다음 대조되는 B 섹션으로 전환된 후 구성이 A 섹션으로 돌아갑니다. 이 접근 방식을 사용하면 명확하게 표현된 메인 테마와 대조되는 중간 테마를 갖춘 구성을 만들 수 있습니다. AABA 체계에 따른 노래의 구조는 다음과 같습니다: A(인트로) – A(반복) – B(대비) – A(메인 테마로 돌아가기).

1절 (가)	코러스 1 (A)
2절 (가)	코러스 2 (A)
코러스(B)	브릿지(B)
3절 (가)	코러스 3 (A)
코러스 2 (A)	1절 (가)
코러스 3 (A)	2절 (가)
브레이크(B)	프리코러스(B)
코러스 3 (A)	3절 (가)

AABA 형식은 두 개의 동일한 A 섹션으로 시작하지만 이것이 동일해야 한다는 의미는 아닙니다. 작곡가와 편곡자는 청취자의 관심을 유지하기 위해 섹션이 진행됨에 따라 화성, 멜로디 또는 악기를 약간 변경하는 경우가 많습니다. 때로는 변경 사항이 멜로디의 개별 부분으로 제한되어 표현력이 더욱 풍부해집니다. 또한 ABA와 AABA 형태의 조합을 보는 것도 일반적이며, 두 구조의 요소가 서로 얽혀 구성의 다양성을 만들어냅니다.

AAA 형식은 절이나 코러스 등 세 개의 동일한 섹션을 사용하며 작은 화성 또는 멜로디 변형이 포함됩니다. 이를 통해 청취자의 관심을 유지하면서 최소한의 변경으로 응집력 있는 구성이 가능합니다.

ABABCB 형식은 더 복잡한 구조를 제공합니다. 작곡가는 표준 절-코러스-절-코러스 패턴으로 시작한 다음 브릿지, 솔로 또는 브레이크가 될 수 있는 C 섹션을 추가합니다. 그런 다음 구성은 합창으로 돌아와 반복과 참신함의 균형 잡힌 조합을 만듭니다.

비틀즈의 노래 구조 - Back in the 소련

비틀즈의 "Back in the 소련"이라는 노래는 척 베리의 히트곡 "Back in the USA"에 대한 일종의 반응으로 쓰여졌습니다. 1968년에 만들어진 이 작품은 오늘날에도 여전히 관련성이 있고 현대적으로 들립니다. 이 노래는 영국 총리 해럴드 윌슨이 '나는 영국을 지지한다'라는 슬로건으로 정치 캠페인을 벌이던 시기에 등장했다. 이 슬로건은 전국의 캠페인 포스터에 널리 게재되었습니다. 이 캠페인에서 영감을 받은 폴 매카트니는 “나는 소련을 지지합니다(I'm back in the 소련)”라는 문구를 내놓았는데, 이는 당시 영국 사회를 지배했던 정치적 이념에 대한 일종의 풍자적 반응이 되었습니다. 영국 대중은 매카트니의 아이러니를 높이 평가했지만, 미국의 많은 청취자들은 그 농담을 이해할 수 없었습니다. 이 작곡은 폴 매카트니가 존 레논과 공동으로 작곡했으며, "The White Album"이라고도 알려진 1968년 비틀즈의 유명한 제목 없는 2디스크 앨범의 오프닝을 장식합니다.

"Back in the 소련"의 특징은 팝과 록 음악을 고전적으로 편곡했다는 것입니다. 이 노래는 C단조 키로 연주되며 템포는 분당 120비트, 크기는 4/4입니다.

유튜브에서는 비틀즈 노래를 올리는 데 문제가 있는 경우가 많기 때문에 스튜디오 버전보다는 2002년 모스크바에서 폴 매카트니 작곡의 라이브 공연을 보시길 권해 드립니다. 하지만 다음 논의에서는 스튜디오 녹음에 대해 이야기하겠습니다.

0:00. 소개

이 노래는 비행기 착륙의 특징적인 사운드로 시작하여 코드 E7의 4마디 인트로가 이어집니다. 이 4개의 마디 이후에 코드 A가 내림박자 소리를 내며 부드럽게 첫 절로 전환됩니다.

0:15. 1절

폴 매카트니가 잠 못 이루는 밤과 마이애미에서 출발하는 비행기에 대해 노래하기 시작하면서 노래의 속도가 빨라집니다. 첫 번째 절은 코드 A, D, C, D를 기반으로 구성된 두 개의 4마디 블록으로 나누어진 8마디로 구성됩니다.

0:28. 코러스 1

코러스는 팝 음악에서는 보기 드문 6마디로 구성됩니다. 처음 세 마디는 절(A, C, D)과 동일한 코드로 구성되어 있으며 여기서는 "Back in the 소련!"이라는 문구와 함께 보컬 후크가 나타납니다. 다음 세 마디는 첫 번째 절의 구조와 조화를 반복하는 두 번째 절로 청취자를 부드럽게 인도합니다.

0:52. 코러스 2

두 번째 절 이후에 노래는 다시 코러스로 이동하는데, 이는 구조적으로나 화성적으로 첫 번째 절과 동일합니다. 여기에는 동일한 보컬 후크와 메인 기타 리프가 반복됩니다. 그러나 두 번째 코러스의 길이는 약간 다릅니다. 7.5마디로 구성됩니다. 즉, 4/4에 7마디, 2/4에 1마디입니다.

1:04. 합창 후 및 휴식

1분 4초 지점에서 노래의 새로운 부분인 포스트 코러스가 시작됩니다. The Beach Boys 스타일의 하모니와 백킹 보컬을 기반으로 한 파트로 코드 진행 D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A가 포함되어 있습니다. 포스트 코러스는 8마디로 구성되어 있으며, 2마디가 이어집니다. - 코드 A와 E의 마디 브레이크로 기타 솔로로의 전환을 준비합니다.

1:21. 기타 솔로

기타 솔로는 보컬 멜로디를 따르며 절의 코드로 뒷받침됩니다. 이 섹션은 이전 절 및 코러스와 유사합니다. 절의 8마디가 6마디 코러스로 부드럽게 전환되고 또 다른 10마디 포스트 코러스로 끝납니다.

2:01. 3절

마지막 절은 이전 절과 동일하지만 A 코드에서 연주되는 리드 기타 부분이 추가되었습니다. 세 번째 절은 또 다른 6마디 코러스로 전환됩니다.

2:25. 아웃트로

"Back in the 소련"의 피날레는 A 코드가 있는 블루지 리프와 "Woo-ooo-oo"를 반복적으로 외치는 백킹 보컬 하모니를 기반으로 구성됩니다. 마지막 부분은 6마디로 구성되어 있으며 2분 40초 지점에서 비행기 착륙음이 나올 때까지 반복되면서 작곡이 종료됩니다.

The Beatles – Back in the 소련 노래의 최종 구조

노래 파트	길이
소개	바 4개
1절	8바
코러스 1	바 6개
2절	8바
코러스 2	7.5바
포스트 코러스	8바
부서지다	바 2개
기타 솔로	24바
3절	8바
코러스 3	바 6개
아웃트로	바 6개

곡 구조 2Pac feat. 닥터 드레(Dr. Dre) - 캘리포니아 러브

Dr. Dre는 우리 시대의 가장 영향력 있는 음악 프로듀서 중 한 명입니다. 그의 독특한 재능과 편곡에 대한 접근 방식은 힙합 그룹 NWA를 수백만 명의 진정한 아이돌로 만들었습니다. Dre 덕분에 흑인 아티스트가 만든 음악이 대중적일 뿐만 아니라 폭넓은 청중 사이에서 상업적으로도 성공할 수 있다는 것이 분명해졌습니다.

Dr. Dre와 함께 작업한 뮤지션들은 종종 그의 완벽주의에 주목합니다. 그는 노래의 품질을 완전히 확신할 때까지 노래를 발표하지 않습니다. 때로는 작곡 작업에 몇 달 또는 몇 년이 걸릴 수도 있지만 최종 결과는 항상 기대에 부응하여 진정한 히트작을 만들어냅니다.

그러나 유명한 트랙 "California Love"는 1995년 Dre가 불과 몇 주 만에 만들어냈습니다. 당초 이 곡은 그의 솔로 앨범 'The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk)'를 위해 준비됐지만, 여러 가지 이유로 앨범이 완성되지 못했다. 동시에 1995년에는 Dre의 절친한 친구인 Tupac Shakur가 감옥에서 석방되었습니다. 이 이벤트를 축하하고 Tupac을 지원하기 위해 Dre는 오랫동안 확립된 백킹 트랙을 사용하기로 결정하고 Roger Troutman과 함께 곧 전설적인 "California Love"가 될 트랙 작업을 시작했습니다.

이 노래는 1995년 10월 Tupac의 첫 번째 앨범 "All Eyez on Me"로 발매되었습니다. 이 싱글은 즉시 모든 미국 차트의 정상에 올랐고 약 2주 동안 선두를 유지했습니다. 그 후 이 트랙은 여러 그래미상 후보에 올랐으며 최고의 G-Funk 레코드 중 하나가 되었습니다.

"California Love"의 기본은 잘 알려지지 않은 Joe Cocker의 노래 "Woman To Woman"의 키보드 샘플을 재작업한 것입니다. 작곡은 B플랫장조의 1화음으로 작곡되었으며, 크기는 4/4, 템포는 분당 92박자이다.

0:00. 소개

노래는 Roger Troutman이 토크박스를 통해 "California Love"라는 문구를 부르는 것으로 시작됩니다. 0:03에서 비트가 계속해서 다음 4개의 마디에 걸쳐 시작되고, 드럼, 베이스, 건반, 브라스 섹션이 나타나 노래의 주요 음악 테마를 연주합니다. 이 4개의 마디는 노래의 나머지 부분을 위한 무대를 설정하며, 키보드 테마는 트랙 전체에 걸쳐 일정하게 유지되고 다른 음악적 요소는 편곡에서 페이드 인 및 페이드 아웃됩니다.

0:13. 코러스 1

인트로의 4마디가 지나면 브라스 섹션이 페이드 아웃되어 다음 12마디에 코러스를 전달하는 처리된 보컬이 나옵니다. 코러스의 주요 특징 중 하나는 각 마디의 시작 부분에서 연주되는 반짝이는 신디사이저로, 트랙의 메인 코드(B플랫 장조)를 강조하고 해당 키를 강조합니다. 코러스는 금관 악기의 위쪽 움직임으로 시작되는 첫 번째 절로 부드럽게 전환됩니다.

0:45. 1절

첫 번째 절은 16마디 동안 지속되며, 그 동안 Dr. Dre는 가사를 랩합니다. 휘파람이 배열에 추가되고 처음 8개 마디는 인트로에 있는 요소를 유지합니다. 두 번째 8개 마디에는 새로운 신디사이저 파트와 보컬 성가가 추가되어 더욱 풍부한 사운드를 만들어냅니다.

1:27. 코러스 2

두 번째 코러스는 첫 번째 코러스와 유사하지만 여러 가지 변경 사항이 있습니다. 추가 보컬 프레이즈와 여성 백킹 보컬이 나타납니다. 작곡의 다음 부분으로의 전환은 금관 악기로 다시 표시됩니다.

1:58. 다리

두 번째 코러스 이후에는 예상 절 대신 브리지가 시작됩니다. "Shake, shake it, baby"라는 가사에서는 키보드 리프와 비트가 들리고 각 마디의 천둥소리가 보완됩니다. 이 브리지는 8마디까지 지속되어 작곡의 이전 부분과 대조를 이룹니다.

2:19. 2절

2절은 길이와 악기 구성이 1절과 동일하지만, 가사는 2Pac이 부른 곡으로 신선한 에너지와 역동성을 더해준다.

3:01. 코러스 3

세 번째 코러스는 이전 코러스와 일치하며 두 번째 코러스 이후에 들리는 것과 유사한 다른 막간으로 부드럽게 전환됩니다.

3:54. 아웃트로

3분 54초부터 노래가 끝을 향해 움직이기 시작한다. 악기의 소리는 점차적으로 페이드 아웃되고 배열의 채도는 낮아집니다. 아웃트로는 절과 코러스의 요소로 구성된 20마디 루프로, 노래의 메인 라인이 끊임없이 반복되어 청취자를 점차 작곡의 끝으로 이끈다.

2Pac feat. 노래의 최종 구조. Dr. Dre — 캘리포니아 러브

노래 파트	길이
소개	바 + 바 4개
코러스 1	바 12개
1절	16바
코러스 2	바 12개
브리지 1	8바
2절	16바
코러스 3	바 12개
브리지 2	8바
아웃트로	8바

"California Love"의 편곡은 노래의 개별 부분을 서로 분리하기 어려운 방식으로 이루어졌습니다. 그 사운드는 획일적이고 약간 단조롭기 때문에 뚜렷한 구조가 없이 부드럽고 연속적인 흐름의 느낌을 만들어냅니다. 경계.

또한 '캘리포니아 러브'는 특이한 구성이 돋보인다. 여기서는 표준 "Intro-verse-chorus-verse-chorus" 방식 대신 "Intro-chorus-verse-chorus-bridge"라는 보다 독창적인 접근 방식이 사용됩니다. 이러한 뒤섞인 구조는 작곡에 역동성과 독창성을 더해 전통적인 음악 구성과 비교할 때 독특합니다.

노래 구조 Martin Garrix – 동물

2014년에 발매된 마틴 개릭스(Martin Garrix)의 'Animals'는 단숨에 히트를 쳤고, 세계 차트 1위에 올랐습니다. 인기에도 불구하고 이 노래는 해당 장르에 대한 전형적인 편곡을 가지고 있습니다. 주요 강조점은 강력한 4/4 비트와 댄스 플로어를 돋보이게 하는 눈길을 끄는 타악기 리프입니다.

이 노래는 많은 댄스 트랙의 표준인 분당 128비트의 템포로 F단조 키로 작성되었습니다.

5:04 믹스 원본을 YouTube에서 찾기 어려울 수 있으므로 해당 노래의 라디오 버전이 포함된 비디오 클립을 자료에 첨부합니다. 원본 버전과 타이밍이 일치하지 않을 수 있으니 주의하시기 바랍니다. 누구든지 이 작품의 정식 버전에 대한 링크가 있다면 댓글로 공유해 주시면 기쁠 것입니다.

0:00. 인트로 비트

구성은 메트로놈을 연상시키는 킥 앤 라이드가 처음 16마디를 지배하는 미니멀한 인트로로 시작됩니다. 리듬과 함께 아르페지오 신디사이저가 소리를 내는데, 그 소리는 리버브로 풍부하게 처리됩니다. 신디사이저의 강도와 출력이 점진적으로 증가하면 청취자가 작곡의 다음 부분으로 원활하게 이동합니다.

0시 30분. 베이스 인트로

이 단계에서는 킥의 리드미컬한 타격을 기반으로 하는 낮은 베이스가 들어갑니다. 아르페지오 신디사이저가 배경으로 사라지고 새로운 신디사이저가 믹스에 나타나 점차 사운드를 강화합니다. 이 인트로가 끝날 무렵 심벌즈의 반전된 타격음을 들을 수 있으며 이는 전환 전에 드라마를 추가합니다.

1시. 미니 브레이크

이 짧은 4마디 브레이크는 일종의 일시정지 역할을 하며, 그 동안 편곡은 거의 완전히 정지됩니다. 유일한 소리는 시계가 째깍거리는 소리, 점점 희미해지는 베이스 라인, 심벌즈 치는 소리뿐입니다. 이 순간 청취자는 메인 멜로디 라인이 나타날 준비를 합니다.

1:08. 고장 1

시계의 똑딱거리는 소리가 점차 타악기 부분으로 변합니다. 8마디의 부드러운 멜로디 뒤에 공격적인 신디사이저가 작곡에 들어가 강력한 코드로 메인 테마를 반복합니다. 이 신디사이저는 스네어 히트와 클랩으로 뒷받침되어 바의 각 비트를 강조합니다.

1:37. 빌드업

8바의 빌드업은 긴장감의 정점에 도달하여 드롭을 위한 구성을 준비합니다. 가속되는 스네어 히트, 신스 리프, 폭발적인 레이저 사운드가 클라이맥스로 이어지며 보컬 샘플로 마무리됩니다.

1:53. 드롭 1

첫 번째 드롭은 흥미로운 솔루션을 제공합니다. 메인 멜로디 라인을 사용하는 대신 Garrix는 강력한 비트와 작곡의 메인 테마에 대한 참조로 지원되는 새로운 리프를 소개합니다.

2시 30분. 고장 2

또 다른 4마디 미니 브레이크 후에 신디사이저가 믹스로 돌아와 트랙의 메인 테마를 연주합니다. 이전과 마찬가지로 고장은 다른 축적으로 원활하게 전환됩니다.

3:15. 드롭 2

두 번째 드롭은 첫 번째 드롭과 거의 동일하지만 지속 시간이 16바 증가했습니다. 처음 8마디 이후에는 보컬 샘플이 다시 소리가 나고 여기에 신디 코드가 추가됩니다.

3:58. 아웃트로

똑딱거리는 시계 소리와 함께 짧은 삽입 후 편곡은 인트로 요소로 돌아갑니다. 끝 부분에 가까워질수록 작곡의 사운드는 더욱 부드럽고 섬세해집니다. 트랙의 마지막 순간에는 아르페지오 신디사이저가 다시 전면으로 등장하여 시작과 끝 사이에 대비를 만들어냅니다.

Martin Garrix 노래의 최종 구조 — 동물

노래 섹션	길이
인트로 비트	바 + 바 4개
베이스 인트로	바 12개
미니 브레이크 1	바 4개
고장 1	바 12개
빌드업 1	8바
드롭 1	16바
미니 브레이크 2	바 4개
고장 2	8바
빌드업 2	8바
드롭 2	32바
아웃트로	32바