음악 편곡

음악 편곡은 수년 동안 존재해 왔으며 모든 음악 스타일이나 장르에 필수적인 특징입니다. 몇몇 위대한 음악가들은 자신의 작품 일부를 다른 작품으로 편곡하거나 다른 음악가의 작품을 개작하기도 했습니다.

바흐, 베토벤, 코르사코프, 라벨 등 많은 이들이 음악 편곡 분야에 기여했지만, 현대 음악 창작에 있어서는 그 과정이 다른 의미를 가질 수 있다는 점을 이해할 필요가 있다.

편곡은 기존의 음악을 활용하여 음악을 창작하는 것입니다. 예를 들어, 팝송에서 특정 악기를 편곡하거나 노래의 여러 부분이나 섹션을 재조립하여 노래를 재배열하는 것이 여기에 포함됩니다.

다양한 음악 스타일에는 A/A/B/A 32마디 형태의 재즈 리듬 변화 또는 12바 블루스 구조와 같은 다양한 편곡 구조가 있으며 구조 내에서 코드 보이싱, 리듬감, 템포가 음악 편곡을 독특하게 만들 수 있습니다. .

자신만 의 고품질 위해서는 세 가지 유형의 편곡을 고려해야 합니다

1. 구조적이란 음악의 에너지, 섹션 및 전환의 움직임을 의미합니다.
2. 악기(Instrumental) - 다양한 악기로 음표, 코드, 멜로디를 연주하는 방식입니다. 트랙이 진행되는 동안 변경될 수 있다는 점을 기억하세요! 보컬에서 신디사이저로 멜로디를 이동하면 새롭고 상쾌한 사운드를 만들 수 있습니다.
3. 위치 배열은 믹스에서 사운드가 배치되는 방식을 의미합니다. 볼륨, 패닝, 깊이 및 존재감을 정의합니다.

이번 글에서는 음악 제작에 있어 편곡의 중요성에 대해 자세히 설명하겠습니다.

팝 편곡을 시작하기 위한 팁

노래가 자체적으로 실행되는지 확인

노래를 부르면서 혼자 피아노나 기타를 치면 노래가 저절로 나오나요? 노래가 아직 그 자체로 "훌륭"하지 않다면 아무리 편곡이나 음악 제작 기술을 사용해도 문제가 해결되지 않습니다.

다음 질문을 고려해보세요.

• 당신은 강한 합창을 가지고 있습니까?
• 메인멜로디는 맞나요?
• 좋은 멜로디나 하모닉 "후크"가 있나요?
• 노래의 리듬적인 펄스가 있나요(발라드도 강한 펄스를 가지고 있어요).

피아노/기타와 목소리만으로 "알몸"처럼 멋지게 들릴 때까지 노래를 작업하세요. 이 단계를 따르는 것이 매우 중요합니다. 나쁜 노래는 최고의 편곡과 제작에도 불구하고 계속 나빠질 것입니다. 좋은 노래는 좋은 노래로 남을 겁니다.

노래가 어떤 장르를 다루는지 확인하세요

음악이나 노래 편곡을 시작하기 전에 스스로에게 물어보세요. 어떤 장르를 다루는가?

일단 결정되면 몇 가지 참조 트랙을 찾는 것이 매우 도움이 될 수 있습니다. 참조 트랙은 모든 녹음의 편곡/제작 단계와 믹싱/마스터링 단계 모두에서 매우 중요합니다. 어떤 사람들은 “나는 완전히 독창적이고 싶기 때문에 누구도 따라하고 싶지 않다”고 말할 수도 있습니다.

그러나 사실은 매우 독창적인 최고 전문가들조차 끊임없이 다른 자료를 언급하고 있다는 것입니다. 문자 그대로 음표별로, 악기별로 등을 복사하는 것이 아니라면 다른 사람을 복사하는 것에 대해 걱정하지 마십시오.

노래의 길이가 충분한지 확인하세요.

이 단계는 첫 번째 단계와 약간 비슷합니다. 그러나 편곡자/프로듀서가 녹음을 위해 곡의 형태를 변경하기를 원할 수도 있습니다. 때로는 연주자가 라이브로 노래를 연주하는 방식이 스튜디오 버전과 다를 수 있습니다. 녹음된 버전의 경우 노래를 최대한 간결하게 만드는 것이 매우 중요합니다.

괜찮은 리드 보컬이 있는지 확인하세요

리드 보컬을 녹음하면 편곡 시 결정을 내리는 데 도움이 됩니다. 예를 들어, 리드 보컬을 듣지 않으면 음악의 편곡이 너무 촘촘해지기 쉽습니다. 결과적으로 최종 녹음이 만족스럽지 않을 뿐만 아니라 믹싱 중에 작업하기가 훨씬 더 어려워집니다. 가장 잘 녹음된 곡은 제작 밀도의 완벽한 균형을 갖춘 편곡을 가지고 있습니다.

편곡/제작의 모든 다양한 요소에는 고유한 공간과 음역이 있어야 합니다.

예를 들어, 동일한 범위에서 베이스가 한 라인을 연주하고 키보드가 다른 라인을 연주하는 것을 원하지 않습니다.

드럼 및 기타 리듬 구성 요소

리드 보컬 외에도 음악 편곡에서 가장 중요한 부분은 노래의 타악기/리듬 구성 요소입니다. 이는 오디오 공간의 대부분을 차지하고 청취자에게 "그루브"를 제공하며 노래의 느낌을 크게 결정합니다.

트랙에 실제 드러머가 참여하는 경우, 드러머가 연주해야 하는 일반적인 방향을 간단히 설명해야 합니다.

비트로 트랙을 프로그래밍하는 데 너무 집중하지 마십시오. 훌륭한 드러머가 당신을 위해 그러한 결정을 내릴 것입니다.

이는 우리에게 또 다른 요점을 제시합니다. 어쿠스틱 드럼을 추가하려면 제 시간에 맞춰 연주할 수 있는 정말 훌륭한 드러머가 필요합니다. 완벽하게 녹음해야 합니다.

드럼이 완벽하게 녹음되지 않으면 느낌과 노래에 큰 영향을 미치고, 편집을 하면 섹션을 정렬하기가 더 어려워집니다. 언제든지 소리를 더 거칠게 만들거나 로우파이 스타일로 만들 수 있다는 점을 기억하세요. 최종 믹스에 들어갈 마이크 채널 수와 사용할 처리 유형을 선택하기만 하면 됩니다.

Amped Studio 온라인 시퀀서에서 쉽게 할 수 있는 드럼을 직접 프로그래밍하는 경우 드러머처럼 생각하고 다양한 노래 섹션의 전환에 대해 생각해야 합니다. 하이햇에서 코러스의 심벌즈를 타고 섹션 사이를 약간 채울 수도 있습니다. 또한 프로그래밍할 때 노래에 적합한 드럼 키트를 사용해 보세요. 해당 장르의 라이브 드러머를 에뮬레이션하려는 경우 하드 록 노래에 808 키트를 사용하고 싶지 않을 것입니다.

드럼 프로그래밍에 익숙하지 않거나 경험이 없다면 간단하게 유지하고 드럼 파트가 노래를 방해하지 않고 향상되는지 확인하세요.

일부 숙련된 프로듀서는 드럼 주위를 비트보다 몇 밀리초 앞으로 약간 이동하고 하이햇을 뒤로 밀어 느낌을 조작하는 경우가 많습니다. 이는 노래에 따라 다르므로 취향에 따라 선택해야 합니다. 드럼을 프로그래밍하는 동안 속도와 타이밍을 미묘하게 변경하는 멋진 MIDI용 "그루브" 플러그인이 있습니다. 유일한 규칙 - 실험!

베이스와 베이스 요소

대부분의 경우 음악 편곡에서 드럼이 지정된 후 베이스(또는 베이스 요소)가 그 다음입니다.

표준 팝송이라면 코러스에서 베이스가 "열려" 있는지 확인해야 합니다. 즉, 코러스가 내려갈 때 고음역에서 베이스가 조용히 연주되지 않는지 확인해야 합니다.

트랙에 "실제" 베이스 연주자가 있는 경우 전문적으로 녹음하고 드럼처럼 연주하는 것이 매우 중요합니다. 저음과 저주파의 선명도가 부족한 것보다 트랙에 더 나쁜 것은 없습니다. 드럼 킥 파트와 베이스 파트가 함께 작동하는지 확인하세요.

트랙에 합성 베이스가 있는 경우 서브 베이스 및 세련된 사전 설정에 주의하세요. 서브우퍼가 트랙의 유일한 저음인 경우, 저음 주파수가 좋지 않은 스피커를 듣는 동안 귀가 찾을 수 있도록 패치는 중음역에 고조파를 갖도록 설계해야 합니다.

예를 들어 노트북, iPhone, 일부 헤드폰 및 자동차 스테레오에서는 특정 서브우퍼 패치가 들리지 않을 수 있습니다. 이는 마무리하기 전에 항상 다른 장치에서 노래 믹스를 듣는 것이 좋은 방법입니다.

훌륭한 저사양 강화 시스템을 갖춘 스튜디오나 클럽에서는 훌륭하게 들리지만 다른 장치나 장소에서는 "상위" 무겁게 들립니다.

Amped Studio에서 좋아하는 신디사이저 중 하나로 작업하는 동안 고립된 소리는 훌륭하지만 편곡에는 적합하지 않거나 노래를 지배하는 베이스 프리셋을 찾을 수 있습니다. 하이엔드 주파수가 많이 포함된 "스테레오" 베이스 및 패치로 작업할 때 주의하십시오.

대부분의 경우, 모노포닉하고 주파수 스펙트럼이 너무 높지 않은 베이스 패치를 원합니다. 그러나 예외가 있습니다! 경험은 올바른 결정을 내리는 데 도움이 됩니다.

이 기사는 팝송 편곡을 기반으로 하므로 이러한 팁 중 일부는 특히 베이스와 드럼의 경우 특정 장르에는 유효하지 않습니다.

주요 구동 고조파 구성 요소

음악 편곡의 이 부분은 상당히 개방적이고 자유로울 수 있지만, 이 부분에 대해서는 큰 책임감을 갖고 접근해야 합니다. 어떤 악기를 사용할 수 있는지 이해하려면 좋아하는 트랙을 들어보는 것이 좋습니다.

많은 노래에서 리드 보컬을 보완하는 주요 악기는 기타나 피아노입니다. 이 악기들은 노래 전체에서 연주될 가능성이 가장 높습니다. 이 문제를 결정한 후에는 선택한 재료로 가구와 배열을 제공할 수 있습니다.

기사를 읽는 것만으로는 이를 수행하는 방법을 배우는 것이 매우 어렵습니다. 그것은 모두 시행착오와 경험에 관한 것입니다. 그런 다음 하모닉 악기를 자유롭게 사용하여 노래의 개요를 구성할 수 있습니다. 코드 보이싱, 코드 전환, 리딩 톤은 편곡의 기본 코드 구조를 개선하기 위한 좋은 도구입니다. 코드를 처음 접하는 경우 Amped Studio에서 Chord Creator를 사용하여 코드와 진행이 어떻게 작동하는지 보고 들어보세요. 이곳은 고조파 구조를 시작하고 배우기에 좋은 장소입니다.

팝의 화성적인 부분에는 코러스 부분처럼 노래의 경향이 있는데, 악기를 더 많이 사용하거나 편곡을 더 타이트하게 만들기 위해 밀도를 높이게 됩니다. 구절 섹션의 경우 아마도 더 드물게 만들 것입니다.

고전적인 예는 코러스 섹션에서 기타를 복제하거나(왼쪽 및 오른쪽으로 패닝) 소스를 모노에서 스테레오로 바꾸는 것입니다.

편곡에 호른 섹션이나 현악기를 사용하기로 결정한 경우 해당 부분이 노래에 매우 잘 맞는지 확인해야 합니다. 대부분의 노래는 복잡한 음악 배열을 가질 수 없습니다. 대부분의 경우 호른 악기를 사용하여 간단하고 맛있는 선으로 공백을 메우거나 보컬리스트가 노래하는 부분을 "보완"할 수 있습니다. 문자열도 마찬가지입니다. 현악기와 호른에 대한 몇 가지 훌륭한 샘플 라이브러리가 있지만 기본적인 코드 관계와 현과 호른 배열을 연구하고 이해하지 않고서는 이를 사용하기가 어렵습니다. 운이 좋게도 숙련된 현악 편곡가와 함께 작업하여 라이브 현악기 섹션이나 호른 앙상블을 녹음할 수 있다면 듣고 경험할 수 있는 즐거움이 될 것입니다.

현대 팝 음악과 EDM에 대한 검토

음악 편곡을 만드는 동안 이 스타일의 많은 트랙을 듣고 모든 곡이 어떻게 조화를 이루는지 이해하는 것이 매우 중요합니다.

EDM에는 다양한 스타일이 있으므로 특정 스타일에서 좋아하는 트랙의 기본 특성을 듣고 이해하는 것이 중요합니다. 템포, 베이스, 킥 사운드, 신디사이저 리듬 패턴과 후크를 생각해 보세요. 모든 스타일에는 정렬 스타일에 적용되는 특정 요소가 있습니다.

대부분의 기본 팝송에는 인트로, 절, 코러스(후렴 또는 후크), 브리지 및 아웃트로가 있습니다.

효과 보충

음악이나 노래를 편곡하는 방법을 배우는 마지막 단계는 무엇입니까? 효과를 추가하려면.

음향 편곡의 경우 이는 편곡의 다른 부분에 타악기를 추가하는 것일 수 있습니다. 고전적인 예는 두 번째 구절의 셰이커 부분과 브리지의 탬버린입니다.

보다 현대적인 스타일에서는 모든 "백색 소음"과 브레이크, 라이저, 업리프터, 다운 리프터 등과 같은 음향 효과가 될 것입니다.

이러한 효과를 사용하는 동안 노래와 일치하는 것이 매우 중요합니다.

예를 들어, 모든 효과 번들이 모든 음악 편곡에 작동하는 것은 아닙니다. 각 노래에 대해 자신만의 특수 효과를 만들면 더욱 좋습니다. 시간은 더 걸리지만 좋은 결과를 얻을 수 있습니다. 준비된 솔루션을 사용하는 경우(완전히 괜찮습니다), 즐겨찾는 라이브러리 몇 개만 사용하는 데 얽매이지 않도록 다양한 라이브러리에 액세스할 수 있는지 확인하세요.

녹음 및 제작 과정으로 이동

음악 및 보컬 편곡이 완료되면 녹음 및/또는 믹싱으로 이동할 준비가 된 것입니다.

종종 그 단계에서 트랙이 약간 변경될 수 있습니다. 예를 들어, 혼합 과정에서 배열의 특정 요소를 삭제하거나 추가해야 한다는 것을 나타낼 수 있으며 이는 전혀 문제가 되지 않습니다. 모든 노래 녹음 과정은 어느 정도 서로 흘러갑니다. 노래가 전체적으로 어떻게 들리는지 계속 지켜보세요. 당신이 모방하려는 스타일로 좋아하는 트랙을 들은 후 바로 들어보세요.

최종 제품은 여기에서 논의된 모든 작은 세부 사항보다 훨씬 더 중요하며 모든 세부 사항으로 인해 혼동되기가 매우 쉽습니다.

좋은 노래는 좋은 노래이므로 편곡과 작곡 과정에서 곡의 완성도를 높여주는지 꼭 확인하세요.

나쁜 노래는 나쁜 노래이고, 아무리 잘 만들어지고, 편곡되고, 믹싱되어도 편곡이 마음에 든다면 더 좋은 곡으로 다시 써보세요.

클래식 음악 편곡

음악을 편곡하고 각색하는 기술은 수세기 동안 존재해 왔습니다. 르네상스 시대에는 도표화(일종의 배열)가 꽤 인기가 있었습니다. 솔로 키보드나 류트로 연주할 보컬이나 앙상블 곡을 편곡하는 것이 전부였습니다.

같은 시기에 다양한 성악을 위한 영어 마드리갈이 출판되었는데, 이는 이 마드리갈이 다양한 방식으로 연주될 수 있음을 나타냅니다. 그러나 여러 시장에서 사용하도록 만들어졌습니다.

바로크 시대에는 많은 위대한 음악가들이 다른 예술가의 작품을 빌려오거나 자신의 작품을 편곡하는 편곡도 유행했습니다. 그 시대의 좋은 예는 바흐입니다. 그의 작품 중 일부는 안토니오 비발디의 작품을 편곡한 것이었습니다. 리믹스는 새로운 것이 아닙니다!

조지 프리드리히 헨델(George Friedrich Handel)과 프란체스코 제미니아니(Francesco Geminiani)와 같은 다른 음악가들도 바로크 시대의 편곡에 흔적을 남겼습니다. 사실 헨델은 자신의 작품을 재작업한 것으로 가장 잘 알려져 있습니다.

베토벤의 작품에서 편곡을 볼 수 있습니다. 그는 영웅 교향곡 또는 교향곡 3번의 결말에 맞게 프로메테우스의 창조물 주제 중 일부를 재작업했습니다.

19세기에는 피아노의 인기가 높아지면서 편곡도 그 어느 때보다 대중화되었습니다. 많은 오케스트라 편곡과 실내악곡이 피아노 연주를 위해 편곡되고 출판되었습니다.

음악을 편곡하는 것은 위대한 음악가들 사이에서 빈번하게 발생했습니다. 앞으로도 강세를 유지할 것입니다.

현대 음악

대중 음악 녹음에는 원곡자가 작곡하지 않고 편곡자가 추가한 구리 호른, 현악기 및 기타 악기의 일부가 포함되는 경우가 많습니다. 일부 팝 편곡가는 전체 오케스트라를 사용하여 섹션을 추가하기도 하지만 이는 비용 때문에 덜 일반적입니다. 대중음악 편곡에는 새로운 음악적 처리를 가미한 기존 노래의 새 버전도 포함될 수 있습니다. 이러한 변화에는 템포, 크기, 조성, 악기 및 기타 음악적 요소의 변화가 포함됩니다.

록 음악 편곡의 잘 알려진 예로는 비틀즈의 "With a Little Help from My Friends"의 Joe Cocker 버전, Cream의 "Crossroads", Ike와 Tina Turner의 Creedence Clearwater Revival의 "Proud Mary" 버전이 있습니다. 미국 밴드 바닐라 퍼지(Vanilla Fudge)와 영국 밴드 예스(Yes)는 그들의 초기 경력을 현대 히트곡의 급진적인 재작업에 기반을 두었습니다. Bonnie Poynter는 "Heaven Must Have Sent You"의 디스코 버전과 Motown 버전을 공연했습니다. 예를 들어, 댄스 음악의 리믹스도 편곡으로 간주될 수 있습니다.

재즈

소규모 재즈 작곡의 음악 편곡은 일반적으로 비공식적이고 최소한이며 크레딧에 나열되지 않았습니다. 대규모 앙상블은 악보 편곡에 대한 수요가 더 높은 경향이 있었지만, Count Basie의 초기 빅 밴드는 음악가들이 직접 개발하고 기억한(“음악가의 머리 속에”) 많은 편곡으로 유명했습니다. 그러나 빅 밴드 편곡의 대부분은 나중에 Count Basie 빅 밴드를 위한 Sammy Nestico 및 Neil Hefty의 작업과 같이 특정 편곡자가 녹음하고 귀속되었습니다.

Don Redman은 1920년대 Fletcher Henderson Orchestra와 함께 재즈 편곡에 혁신을 일으켰습니다. Redman의 작품은 다양한 빅 밴드 파트에 대해 더욱 복잡한 멜로디 피치와 솔로 연주를 선보였습니다. Benny Carter는 1930년대 초에 Henderson의 주요 편곡자가 되었으며, 연주자로서의 재능 외에도 현장에서의 능력으로 유명해졌습니다.

빅밴드 편곡은 비공식적으로 차트라고 불린다. 스윙 시대에는 대중가요를 재작업하거나 완전히 새로운 작곡을 했습니다. Duke Ellington의 빅 밴드를 위한 Duke Ellington과 Billy Strayhorn 편곡은 일반적으로 새로운 작곡이었으며 Benny Goodman 밴드를 위한 Eddie Soter의 일부 작업과 자신의 밴드를 위한 Artie Shaw의 작품도 새로운 작곡이었습니다. 밥 시대 이후에는 빅 밴드를 위해 스니펫 재즈 콤보 작곡을 편곡하는 것이 더욱 일반화되었습니다.

1950년 이후에는 빅 밴드의 수가 감소했습니다. 그럼에도 불구하고 여러 밴드가 계속되었습니다. 길 에반스(Gil Evans)는 1950년대 후반과 1960년대 초반에 세션 녹음만을 목적으로 빅 밴드를 위한 여러 편곡을 썼습니다.

21세기에는 재즈 음악 편곡이 소소하게 부활했습니다. Gordon Goodwin, Roy Hargrove 및 Christian McBride는 독창적인 작곡과 표준 곡의 새로운 편곡을 모두 갖춘 새로운 빅 밴드를 선보였습니다.

결론

음악 편곡은 오늘날 세계에서 트랙을 만들고 제작하는 과정의 중요한 부분이며 수세기에 걸쳐 세계의 위대한 작곡가들과 함께 발전해 왔습니다. 위의 팁을 사용하면 지금 바로 첫 번째 준비를 시작할 수 있습니다. 특별한 지식이나 특별한 장비가 필요하지 않습니다. 컴퓨터 브라우저에서 바로 사용할 수 있는 온라인 프로그램인 Amped Studio를 사용하면 노래를 좋은 품질로 편곡할 수 있습니다. 여기서는 수많은 플러그인, 악기 및 샘플을 찾을 수 있으며 단 몇 번의 클릭만으로 친구나 동료와 작업을 공유할 수 있습니다.