Aranżacje muzyczne

Aranżowanie muzyki istnieje od wielu lat i jest istotną cechą każdego stylu i gatunku muzycznego. Niektórzy z najwybitniejszych muzyków aranżowali fragmenty swojej twórczości w inne dzieła i/lub adaptowali twórczość innych muzyków.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel i wielu innych wnieśli wkład w dziedzinę aranżacji muzycznych, ale warto zrozumieć, że proces ten może mieć inne znaczenie, jeśli chodzi o tworzenie muzyki współczesnej.

Aranżacja to tworzenie muzyki z wykorzystaniem istniejących utworów muzycznych. Obejmuje to na przykład aranżację konkretnego instrumentu w piosence popowej lub zmianę aranżacji utworu poprzez ponowne złożenie różnych części lub sekcji utworu.

W różnych stylach muzycznych istnieją różne struktury aranżacyjne, takie jak 32-taktowa forma zmian rytmu A/A/B/A w jazzie lub 12-taktowa struktura bluesowa, a w obrębie tej struktury brzmienie akordów, wyczucie rytmu i tempo mogą sprawić, że aranżacja muzyczna będzie wyjątkowa .

stworzyć własną muzykę wysokiej jakości, należy wziąć pod uwagę trzy rodzaje aranżacji

1. Strukturalny, co oznacza ruch energii, sekcji i przejść w Twojej muzyce.
2. Instrumentalny, czyli sposób, w jaki nuty, akordy i melodie mają być odtwarzane przez różne instrumenty. Pamiętaj, że może się to zmienić w trakcie Twojej trasy! Przeniesienie melodii z wokalu na syntezator może sprawić, że zabrzmi ona świeżo i odświeżająco.
3. Aranżacja pozycji, co oznacza, w jaki sposób dźwięk jest umiejscowiony w miksie. Określenie ich objętości, panoramy, głębi i poczucia obecności.

W tym artykule szczegółowo opowiemy o znaczeniu aranżacji w muzyce w produkcji muzycznej.

Wskazówki dla początkujących aranżerów muzyki pop

Upewnij się, że utwór działa samodzielnie

Czy piosenka działa sama, jeśli grasz ją na pianinie lub gitarze podczas śpiewania? Jeśli utwór sam w sobie nie jest jeszcze „świetny”, żadna aranżacja ani technika produkcji muzycznej tego nie naprawi.

Rozważ następujące pytania:

• Czy masz mocny refren?
• Czy główna melodia jest na swoim miejscu?
• Czy masz dobry melodyczny lub harmoniczny „hak”?
• Czy piosenka ma puls rytmiczny (nawet ballady mają silny puls).

Pracuj nad swoją piosenką, aż zabrzmi świetnie „nago”, tylko z pianinem/gitarą i głosem. Wykonanie tego kroku jest niezwykle ważne. Zła piosenka pozostanie zła, nawet przy najlepszych aranżacjach i produkcji. Dobra piosenka pozostanie dobrą piosenką.

Sprawdź, jakie gatunki obejmuje utwór

Zanim zaczniesz aranżować muzykę lub piosenkę, powinieneś zadać sobie pytanie – jakie gatunki ona obejmuje?

Gdy już to podejmiemy, bardzo pomocne może być znalezienie kilku utworów referencyjnych. Utwory referencyjne są niezwykle ważne zarówno w fazie aranżacji/produkcji, jak i fazie miksowania/masteringu każdego nagrania. Niektórzy ludzie mogą powiedzieć: „Nie chcę nikogo kopiować, bo chcę być całkowicie oryginalny”.

Ale prawda jest taka, że ​​nawet profesjonaliści na górze, którzy są bardzo oryginalni – ciągle odwołują się do innego materiału. Nie przejmuj się kopiowaniem kogoś innego, chyba że kopiujesz dosłownie nuta po nucie, instrument po instrumencie itp.

Upewnij się, że utwór ma wystarczającą długość

Ten krok przypomina trochę pierwszy. Jednak aranżer/producent może chcieć zmienić kształt utworu do nagrania. Czasami sposób, w jaki wykonawca wykonuje piosenkę na żywo, może różnić się od wersji studyjnej. W przypadku wersji nagranej bardzo ważne jest, aby piosenka była jak najbardziej zwięzła.

Upewnij się, że masz przyzwoity główny wokal

Nagranie głównego wokalu pomoże Ci w podjęciu decyzji podczas aranżacji. Przykładowo, nie słysząc głównego wokalu, łatwo jest sprawić, że aranżacja muzyki będzie zbyt gęsta. W rezultacie doprowadzi to nie tylko do niezbyt przyjemnego nagrania końcowego, ale także znacznie utrudni pracę podczas miksowania. Najlepiej nagrane utwory mają aranżacje charakteryzujące się idealną równowagą gęstości produkcji.

Wszystkie elementy aranżacji/produkcji powinny mieć własną przestrzeń i zakres dźwiękowy.

Na przykład nie chcesz, aby bas grał w jednej linii, a klawisze w drugiej w tym samym zakresie.

Bębny i inne elementy rytmiczne

Oprócz głównego wokalu najważniejszą częścią aranżacji muzycznej są elementy perkusyjne/rytmiczne utworu. Zajmują większość przestrzeni dźwiękowej, dają słuchaczowi „groove” i w dużej mierze decydują o wyczuciu utworu.

Jeśli w utworze będzie brał udział prawdziwy perkusista, aranżacja powinna po prostu nakreślić ogólny kierunek tego, co perkusista powinien grać.

Nie skupiaj się zbytnio na programowaniu utworu za pomocą beatów. Dobry perkusista podejmie te decyzje za Ciebie.

To prowadzi nas do innego punktu. Jeśli chcesz dodać akustyczną perkusję, potrzebujesz naprawdę świetnego perkusisty, który potrafi grać na czas. Muszą być idealnie nagrane.

Jeśli perkusja nie zostanie nagrana idealnie, ma to duży wpływ na nastrój i piosenkę, a podczas edycji trudniej jest dopasować sekcje do siebie. Pamiętaj, że zawsze możesz sprawić, by brzmiał bardziej szorstko lub w stylu lo-fi. Po prostu wybierz, ile kanałów mikrofonowych trafi do ostatecznego miksu i jaki rodzaj przetwarzania zostanie zastosowany.

Jeśli sam programujesz perkusję, co możesz łatwo zrobić w sekwencerze online Amped Studio, powinieneś myśleć jak perkusista i myśleć o przejściach w różnych sekcjach utworu. Możesz przejść z hi-hatu na talerz w refrenie i mieć małe wypełnienie pomiędzy sekcjami. Podczas programowania spróbuj także użyć zestawu perkusyjnego odpowiedniego do utworu. Prawdopodobnie nie chcesz używać zestawu 808 do utworu hardrockowego, jeśli próbujesz naśladować perkusistę grającego na żywo w tym gatunku.

Jeśli nie masz doświadczenia w programowaniu perkusji, zachowaj prostotę i upewnij się, że partia perkusyjna wzmacnia utwór i nie odwraca jego uwagi.

Niektórzy doświadczeni producenci często manipulują wyczuciem dźwięku, nieznacznie przesuwając bęben do przodu o kilka milisekund do przodu w stosunku do rytmu i wypychając hi-hat do tyłu. To zależy od utworu i powinno być wybrane ze smakiem. Istnieją wspaniałe wtyczki typu „groove” do MIDI, które subtelnie zmienią prędkość i synchronizację podczas programowania perkusji. Jedyna zasada – eksperymentuj!

Elementy Basu I Basu

Po określeniu perkusji w aranżacji muzycznej, w większości przypadków następny jest bas (lub elementy basowe).

Jeśli jest to standardowa piosenka popowa, należy zadbać o to, aby bas „otwierał się” w refrenie, to znaczy, aby bas nie grał cicho w wysokim rejestrze, gdy refren opada.

Jeśli w Twoim utworze występuje „prawdziwy” basista, niezwykle ważne jest, aby został on profesjonalnie nagrany i zagrany tak, jak na perkusji. Nie ma nic gorszego dla Twojego utworu niż brak klarowności basu i niskich częstotliwości. Upewnij się, że partia stopy perkusyjnej i partia basowa współpracują ze sobą.

Jeśli Twój utwór zawiera syntezowany bas, uważaj na subbasy i stylowe ustawienia wstępne. Jeśli subwoofer jest jedynym basem w Twoim utworze, patch powinien być zaprojektowany tak, aby zawierał harmoniczne w środku pasma, aby ucho mogło je znaleźć podczas słuchania głośników, które nie mają dobrych częstotliwości basów.

Na przykład niektóre zestawy subwooferów mogą nie być słyszalne na laptopach, iPhone'ach oraz niektórych słuchawkach i samochodowych zestawach stereo. Dlatego zawsze dobrze jest odsłuchać miks utworu na różnych urządzeniach przed sfinalizowaniem.

Co brzmi świetnie w studiu lub klubie ze świetnymi systemami wzmocnionymi low-endem, ale na innych urządzeniach lub miejscach brzmi „najwyżej” ciężko.

Podczas pracy z jednym ze swoich ulubionych syntezatorów w Amped Studio możesz znaleźć wstępne ustawienie basu, które brzmi świetnie w pojedynkę, ale nie jest odpowiednie dla aranżacji lub dominuje w utworze. Należy pamiętać o pracy z basami „stereo” i zestawami zawierającymi wiele częstotliwości z najwyższej półki.

W większości przypadków potrzebujesz pasma basowego, które jest monofoniczne i niezbyt wysokie w spektrum częstotliwości. Są jednak wyjątki! Doświadczenie pomoże Ci podjąć właściwe decyzje.

Ten artykuł opiera się na aranżacjach piosenek popowych, więc niektóre z tych wskazówek nie dotyczą niektórych gatunków, zwłaszcza jeśli chodzi o bas i perkusję.

Główny składnik harmoniczny jazdy

Ta część aranżacji muzyki może być dość otwarta i darmowa, należy jednak podejść do tego punktu z dużą odpowiedzialnością. Aby zrozumieć, jakich instrumentów możesz używać, warto posłuchać swoich ulubionych utworów.

W wielu utworach głównym instrumentem uzupełniającym wiodący wokal jest gitara lub fortepian. Na tych instrumentach najczęściej gra się przez cały utwór. Kiedy już podejmiesz decyzję w tej kwestii, możesz wyposażyć projekt i aranżację w wybrany przez siebie materiał.

Nauczenie się, jak to zrobić, po prostu czytając artykuł, jest niezwykle trudne. Wszystko opiera się na próbach, błędach i doświadczeniu. Będziesz wtedy mógł swobodnie używać instrumentów harmonicznych, aby stworzyć zarys utworu. Brzmienia akordów, przejścia akordów i tony wiodące to dobre narzędzia do ulepszania podstawowej struktury akordów w aranżacji. Jeśli dopiero zaczynasz przygodę z akordami, wypróbuj Kreatora Chord w Amped Studio, aby zobaczyć i usłyszeć, jak mogą działać akordy i progresje. To świetne miejsce na rozpoczęcie nauki o strukturze harmonicznej.

W harmonicznych aspektach popu występują tendencje piosenkarskie, podobnie jak w sekcjach refrenowych, użyjesz większej liczby instrumentów lub gęstości, aby aranżacja była bardziej zwarta. Jeśli chodzi o sekcje wersetów, prawdopodobnie uczynisz je rzadszymi.

Klasycznymi przykładami są kopiowanie gitar w sekcji refrenu (i przesuwanie ich w lewo i prawo) lub przełączanie dowolnego źródła z mono na stereo.

Jeśli zdecydujesz się na użycie sekcji dętej lub smyczków w swojej aranżacji, musisz upewnić się, że partie te doskonale pasują do utworu. Większość utworów nie może mieć skomplikowanej aranżacji muzycznej. W większości przypadków będziesz chciał użyć instrumentów dętych, aby wypełnić luki cudownie prostymi liniami lub „uzupełnić” partie, w których śpiewa wokalista. To samo tyczy się stringów. Istnieje kilka świetnych bibliotek sampli dla instrumentów smyczkowych i dętych, ale korzystanie z nich jest trudne bez przestudiowania i zrozumienia podstawowych relacji akordów oraz aranżacji strun i rogów. Jeśli masz szczęście pracować z doświadczonym aranżerem smyczkowym i nagrywać na żywo sekcję smyczkową lub zespół waltorni, słuchanie i doświadczanie tego będzie prawdziwą przyjemnością.

Przegląd współczesnej muzyki pop i EDM

Tworząc aranżację muzyczną, bardzo ważne jest, aby przesłuchać wiele utworów w tym stylu i zrozumieć, jak wszystkie elementy do siebie pasują.

W ramach EDM istnieje wiele różnych stylów, dlatego ważne jest, aby słuchać i rozumieć podstawowe cechy utworów, które lubisz w określonym stylu. Pomyśl o tempie, basie i dźwiękach rytmicznych oraz syntezatorowych wzorach rytmicznych i haczykach. Każdy styl ma określone elementy, które wchodzą w skład stylu w zakresie aranżacji.

Większość podstawowych piosenek popowych ma intro, zwrotkę, refren (refren lub haczyk), przejście i zakończenie.

Suplementacja efektów

Jaki jest ostatni krok w nauce aranżowania muzyki lub piosenki? Aby dodać efekty.

W przypadku aranżacji akustycznej może to być dodatek perkusyjny do różnych części aranżacji. Klasycznymi przykładami są część shakera w drugiej zwrotce i tamburyn w przejściu.

W bardziej nowoczesnych stylach byłby to cały „biały szum” i efekty dźwiękowe, takie jak przerwy, taśmy nośne, podnośniki w górę, podnośniki w dół itp.

Podczas korzystania z tych efektów bardzo ważne jest, aby pasowały do ​​utworu.

Na przykład nie każdy pakiet efektów będzie działał w przypadku każdej aranżacji muzycznej. Jeszcze lepiej, jeśli stworzysz własny efekt specjalny dla każdej piosenki. Zajmuje to więcej czasu, ale może prowadzić do świetnych rezultatów. Jeśli korzystasz z gotowych rozwiązań (co jest w porządku), po prostu upewnij się, że masz dostęp do wielu różnych bibliotek, aby nie być przywiązanym do korzystania tylko z kilku ulubionych.

Przejdźmy do procesu nagrywania i produkcji

Po zakończeniu aranżacji muzycznych i wokalnych możesz przystąpić do nagrywania i/lub miksowania.

Często na tym etapie trasa może się nieznacznie zmienić. Na przykład proces miksowania może wskazywać, że trzeba usunąć lub dodać pewne elementy z aranżacji i nie ma w tym nic złego. Wszystkie nagrywania piosenek w pewnym stopniu są ze sobą powiązane. Zwróć tylko uwagę na to, jak piosenka brzmi jako całość. Posłuchaj go zaraz po przesłuchaniu ulubionych utworów w stylu, który próbujesz naśladować.

Produkt końcowy jest o wiele ważniejszy niż wszystkie omówione tutaj drobne szczegóły, a bardzo łatwo jest się pomylić ze wszystkimi szczegółami.

Dobra piosenka to dobra piosenka, więc podczas aranżacji i tworzenia muzyki upewnij się, że ulepszasz piosenkę.

Zła piosenka to zła piosenka i nieważne, jak dobrze jest wykonana, zaaranżowana czy zmiksowana, więc jeśli podoba Ci się aranżacja, przepisz piosenkę, aby była lepsza.

Aranżacje w muzyce klasycznej

Sztuka aranżacji i adaptacji muzyki istnieje od wieków. W okresie renesansu dość popularne było zestawienie (rodzaj układu). Polegało to na aranżowaniu utworów wokalnych lub zespołowych do grania na solowym klawiaturze lub lutni.

W tym samym okresie ukazały się madrygały angielskie na różne głosy, co wskazywało, że można je grać na różne sposoby. Jednak został stworzony do użytku na kilku rynkach.

Aranżowanie muzyki było popularne także w okresie baroku, kiedy wielu znakomitych muzyków zapożyczało swoje dzieła od innych artystów lub aranżowało je na nowo. Świetnym przykładem tej epoki jest Bach. Niektóre z jego dzieł były aranżacjami dzieł Antonio Vivaldiego. Remiksowanie nie jest niczym nowym!

Inni muzycy, jak George Friedrich Handel i Francesco Geminiani, również odcisnęli swoje piętno na epoce baroku, jeśli chodzi o aranżacje. W rzeczywistości Handel był najbardziej znany z przeróbki własnego materiału.

Aranżacje można zobaczyć w twórczości Beethovena. Przerobił niektóre tematy Dzieł Prometeusza, aby pasowały do ​​zakończenia Heroicznej Symfonii lub III Symfonii.

W XIX wieku, wraz ze wzrostem popularności fortepianu, popularniejsze niż kiedykolwiek stały się także aranżacje. Wiele transkrypcji orkiestrowych i utworów kameralnych zostało zaaranżowanych i opublikowanych do wykonania na fortepianie.

Aranżowanie muzyki było częstym zjawiskiem wśród wielkich muzyków. W przyszłości pozostanie silna.

Nowoczesna muzyka

Popularne nagrania muzyczne często zawierają partie miedzianych rogów, smyczków i innych instrumentów, które zostały dodane przez aranżerów i nie zostały skomponowane przez oryginalnych autorów piosenek. Niektórzy aranżerzy popowi dodają nawet sekcje przy użyciu pełnej orkiestry, chociaż jest to mniej powszechne ze względu na koszty. Aranżacje muzyki popularnej mogą również obejmować nowe wersje istniejących utworów z nowymi obróbkami muzycznymi. Zmiany te obejmują zmiany tempa, rozmiaru, tonacji, instrumentacji i innych elementów muzycznych.

Dobrze znane przykłady aranżacji muzyki rockowej obejmują wersję utworu Beatlesów „With a Little Help from My Friends” Joe Cockera, „Crossroads” Cream oraz wersję „Proud Mary” Creedence Clearwater Revival w wykonaniu Ike’a i Tiny Turner. Amerykański zespół Vanilla Fudge i brytyjski zespół Yes oparli swoje wczesne kariery na radykalnych przeróbkach współczesnych hitów. Bonnie Poynter wykonała wersję „Heaven Must Have Sent You” w wersji disco i Motown. Na przykład remiksy muzyki tanecznej można również uznać za aranżacje.

Jazz

Aranżacje muzyki do małych kompozycji jazzowych były zwykle nieformalne, minimalne i nie wymieniane w napisach końcowych. Duże zespoły miały zwykle wyższe wymagania co do aranżacji nut, chociaż wczesny big band Counta Basiego znany jest z wielu aranżacji, które zostały opracowane przez samych muzyków i zapamiętane („w głowie muzyka”). Jednak większość aranżacji big bandowych została nagrana i przypisana konkretnemu aranżerowi, na przykład prace Sammy'ego Nestico i Neila Hefty'ego dla późniejszych big bandów Count Basie.

Don Redman wprowadził innowacje w aranżacjach jazzowych wraz z Fletcher Henderson Orchestra w latach dwudziestych XX wieku. Prace Redmana wprowadziły bardziej złożoną melodykę i występy solowe dla różnych partii big bandu. Benny Carter został głównym aranżerem Hendersona na początku lat trzydziestych XX wieku, zyskując sławę dzięki swoim umiejętnościom w tej dziedzinie, a także talentowi wykonawcy.

Aranżacje big bandów nazywane są nieoficjalnie listami przebojów. W epoce swingu były to albo przeróbki popularnych piosenek, albo zupełnie nowe kompozycje. Aranżacje Duke'a Ellingtona i Billy'ego Strayhorna dla big bandu Duke'a Ellingtona były zwykle nowymi kompozycjami, a niektóre prace Eddiego Sotera dla zespołu Benny'ego Goodmana i Artiego Shawa dla jego własnego zespołu również były nowymi kompozycjami. Po erze bopu coraz powszechniejsze stało się aranżowanie fragmentów kompozycji jazzowych dla dużych zespołów.

Po 1950 roku liczba big bandów spadła. Niemniej jednak kilka zespołów kontynuowało działalność. Gil Evans napisał wiele aranżacji dla big bandów na przełomie lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych, przeznaczonych wyłącznie do nagrań sesyjnych.

W XXI wieku jazzowe aranżacje muzyczne powróciły skromnie. Gordon Goodwin, Roy Hargrove i Christian McBride wprowadzili nowe big bandy, prezentując zarówno oryginalne kompozycje, jak i nowe aranżacje standardowych utworów.

Wniosek

Aranżacja muzyki jest ważną częścią procesu tworzenia i produkcji utworów w dzisiejszym świecie i ewoluowała na przestrzeni wieków wraz z udziałem największych kompozytorów na świecie. Korzystając z powyższych wskazówek, już teraz możesz przystąpić do pierwszych ustaleń. Nie musisz posiadać specjalnej wiedzy i specjalnego sprzętu. Dzięki programowi internetowemu Amped Studio, dostępnemu bezpośrednio z przeglądarki na komputerze, możesz dokonać dobrej jakości aranżacji swoich utworów. Znajdziesz tutaj dużą liczbę wtyczek, instrumentów i sampli, a swoją pracą możesz podzielić się z przyjaciółmi lub współpracownikami za pomocą zaledwie kilku kliknięć.