Programowanie perkusji

Opanowanie umiejętności programowania perkusji jest kluczowym elementem zestawu umiejętności każdego producenta muzycznego. Praktyka ta rozpoczęła się wraz z pojawieniem się pierwszych automatów perkusyjnych w latach 80. XX wieku, które szybko zyskały popularność, zastępując żywych perkusistów i rozszerzając wykorzystanie perkusji w produkcji muzycznej.

Dzisiaj, gdy współczesna muzyka jest tak zależna od rytmu, umiejętność skutecznego programowania perkusji może mieć decydujące znaczenie dla sukcesu producenta muzycznego. Ludzie instynktownie wyczuwają dobry rytm, nawet nie zdając sobie z tego sprawy na poziomie świadomym. Nawet bez wiedzy muzycznej rozpoznasz piosenkę po wysokiej jakości programowaniu perkusyjnym.

Profesjonalni programiści perkusji podkreślają znaczenie dbałości o szczegóły. Konwencjonalny układ perkusyjny, taki jak cztery na podłogę, wykorzystujący standardowe wzory 808, może brzmieć banalnie. Jednak uzupełnienie go o unikalne próbki, synkopy, efekty i inne elementy wniesie do niego nowość i zainteresuje słuchacza.

Dołącz do nas, gdy będziemy odkrywać zawiłości programowania perkusji i uczyć się, jak zastosować profesjonalne techniki w Twoich projektach. Warto zauważyć, że programowanie perkusji różni się od syntezy: nie zawsze wiąże się z tworzeniem próbek lub dźwięków od zera, chociaż wielu producentów włącza syntezę perkusji do swojego przepływu pracy. Głównym zadaniem jest tworzenie i manipulowanie wzorami perkusyjnymi, tworzenie na ich podstawie permutacji, pętli i wariacji.

Znaczenie doskonałego programowania perkusji

Trudno dokładnie wyjaśnić, dlaczego jedna pętla perkusyjna daje nam szczególne poczucie połączenia z inną, ale najbliższym słowem opisującym to uczucie jest Groove. Groove jest niezbędny muzyce, bo bez niego trudno wejść w rytm tańca i ruchu.

Podstawą prawie każdego utworu, który tworzysz, jest rytm, z wyjątkiem utworów nietypowych, ambientowych lub eksperymentalnych. Najprawdopodobniej Twoim celem jest pobudzenie ludzi do tańca i zachęcanie ich do poruszania się podczas słuchania Twoich utworów.

Na szczęście nie ma jednego właściwego sposobu na znalezienie tego rytmu i istnieje wiele różnych podejść, niezależnie od tego, czy pracujesz nad utworem hiphopowym o szybkości 100 BPM, czy ścieżką perkusyjną i basową o szybkości 175 BPM.

Podstawy programowania perkusji

Aby zrozumieć, jak działa rytm, ważne jest, aby zacząć od poznania podstaw programowania perkusji. Analizując i rozbijając udane rytmy, możesz osiągnąć znaczący sukces. Jak już wspomniałem, perkusja jest podstawą niemal całej współczesnej muzyki. Producent musi nauczyć się tworzyć takie podstawy, zanim przejdzie do bardziej złożonych aspektów programowania perkusji.

Na tym tle przyjrzyjmy się bliżej różnym elementom typowego rytmu perkusyjnego i temu, jak te elementy mogą oddziaływać na siebie, tworząc rytmiczną strukturę utworu.

Kopnij

Bęben basowy lub stopa często służy jako podstawa dla większości rytmów perkusyjnych. W gatunkach od rocka, przez hip-hop, aż po house, stopa perkusyjna jest elementem, który przykuwa naszą uwagę i łączy nas z rytmem kompozycji. Lubię myśleć o stopie jako o najpotężniejszym i najbardziej wpływowym elemencie zestawu perkusyjnego.

Programując partie perkusyjne, wolę trzymać uderzenie ściślej w siatce rytmicznej niż w przypadku innych elementów perkusyjnych. Tempo ma ogromny wpływ na charakterystykę brzmieniową utworu, w tym na jego gatunek i cechy stylistyczne.

Backbeat

Jednym z pierwszych elementów, który producent zwykle dodaje do pętli stopy perkusyjnej, jest backbeat. Backbeat, znany również jako dwa i cztery uderzenia w rytmie perkusyjnym, jest zwykle wykonywany przy użyciu werbla lub klaskania. Element ten służy jako ważna forma synkopy, dodając napędu i energii, która pomaga zdefiniować rytm utworu perkusyjnego. Później przyjrzymy się również, jak można manipulować podkładami, aby nadać im bardziej naturalny dźwięk.

Dania

Talerze zajmują górny rejestr tradycyjnego zestawu instrumentów perkusyjnych. Użycie szesnastek lub paternów asynchronicznych na hi-hacie może dodać dodatkowej energii do ogólnego brzmienia perkusyjnego, podczas gdy talerze typu Crash i inne rodzaje talerzy pomagają uwydatnić różne części utworu i zwiększyć jego dynamikę.

Do tej kategorii lubię zaliczać inne instrumenty rytmiczne o wysokiej częstotliwości, takie jak tamburyn i shaker. Tych dodatkowych instrumentów perkusyjnych można używać do dodawania niuansów swingowych i teksturalnych do standardowych rytmów.

Dźwięki perkusyjne

Oprócz shakerów i tamburynów istnieje wiele innych instrumentów perkusyjnych, które mogą dodawać synkopowane akcenty, tworzyć warstwy i dodawać unikalne elementy teksturowe do wzorów perkusyjnych. Piękno perkusji w kontekście programowania perkusji polega na szerokim zakresie możliwości wyboru i rozmieszczenia sampli.

Oferta instrumentów perkusyjnych jest ogromna: od bongosów po trójkąty, od drewnianych klocków po marimbę i wiele innych. Kluczem jest tutaj wybranie wysokiej jakości próbek, które harmonijnie do siebie pasują, dodają dynamiki i naturalnie wpasowują się w ogólny rytm.

Rozważ użycie pętli

Jeśli dopiero zaczynasz przygodę z produkcją muzyczną lub dopiero czytasz ten artykuł, być może spotkałeś się z negatywnymi opiniami na temat używania pętli w produkcji muzycznej. Jednakże samplowane pętle mogą być cennym narzędziem zwiększającym złożoność i ożywiającym programowanie perkusji.

Wierzę również, że samplowane pętle mogą być szczególnie przydatne do nauczania kombinacji audio i MIDI. Nawet jeśli nie planujesz uwzględniać ich w ostatecznym miksie, dobrze dobrana pętla może pobudzić kreatywność i przyspieszyć proces produkcji muzyki.

Nie używając pętli ze względu na ich niezasłużoną złą reputację, pozbawiasz się ważnego narzędzia w swojej pracy i tworzysz niepotrzebne przeszkody.

Wyjście poza konwencjonalność

Kiedy już opanujesz podstawowe umiejętności programowania perkusji, możesz zacząć opanowywać bardziej zaawansowane aspekty tej sztuki. Wprowadzenie synkopii, unikalnych wzorów rytmicznych i subtelnych niuansów może przenieść rytm perkusyjny na wyższy poziom.

Rozpoczęcie od klasycznych schematów perkusyjnych jest zdecydowanie pomocne, ale z czasem prawdopodobnie będziesz chciał poznać bardziej niekonwencjonalne metody programowania perkusji. Dzięki temu Twoje utwory będą się wyróżniać i będą miały swoje własne, niepowtarzalne miejsce wśród reszty muzyki.

Synkopa

Synkopa to coś, co może być bardzo przydatne podczas głębszego studiowania tematu. Na potrzeby tego artykułu chciałbym pokrótce przedstawić synkopę oraz to, w jaki sposób może ona poszerzyć Twoje horyzonty twórcze i zachęcić Cię do podejścia do muzyki z niekonwencjonalnej perspektywy.

Backbeat

Synkopa z akcentami na drugim i czwartym takcie stała się popularna około ostatniego stulecia. Styl ten jest tak zakorzeniony we współczesnej muzyce, że trudno sobie wyobrazić, aby nie był on kiedyś liderem synkopacji. W synkopie nacisk jest zwykle kładziony na takty „dwa i cztery”, w przeciwieństwie do tradycyjnych taktów „jeden i trzy”.

Eksperymentując ze standardowym backbeatem, możesz dodać dynamikę, amplitudę lub dowolną inną charakterystykę potrzebną do osiągnięcia pożądanego efektu atmosferycznego.

Niecodzienny

Synkopa poza rytmem służy do uwypuklenia rytmu wykraczającego poza normalny wzór uderzenia. Talerze i inne elementy perkusyjne są często używane do tworzenia synkopowania poza rytmem. Jeśli posłuchasz większości utworów house, zauważysz w hi-hatach pewną synkopę odbiegającą od rytmu. Te hi-haty zazwyczaj znajdują się na literze „i” w liczbie 1-2-3-4 – pomiędzy 1 a 2, 3 i 4.

Zawieszenie

Synkopa zawieszająca może stworzyć zauważalny nacisk, przeciągając lub przedłużając element z poprzedniego taktu do następnego. Ten rodzaj synkopy jest wyjątkowy, ponieważ narusza konwencjonalne idee rytmu, tworząc efekt kaskadowy. To łączy takty ze sobą i nadaje kompozycji muzycznej większą elastyczność i płynność.

Nietrafione trafienie

Ten rodzaj synkopy należy do moich ulubionych, ponieważ kładzie nacisk w nieoczekiwanych miejscach. Korzystając z synkopy z pomijaniem, możesz stworzyć niezwykłe i oryginalne rytmy perkusyjne, które sprawią, że słuchacz będzie oczekiwał uderzeń perkusyjnych, które albo nie nadejdą, albo pojawią się nieco wcześniej niż oczekiwano.

Jest to szczególnie widoczne w muzyce trap, gdzie producenci często umieszczają stopy w nieoczekiwanych miejscach, wywołując w ten sposób poczucie oczekiwania lub napięcia.

Koperty bębnowe

Jednym z kluczowych, choć często pomijanych aspektów programowania perkusji, są przerwy pomiędzy uderzeniami. Koncepcje przestrzeni i ciszy odgrywają ważną rolę w muzyce i należy je dokładnie rozważyć podczas tworzenia dzieł muzycznych.

Weź pod uwagę, że bez efektywnego wykorzystania korektora i kompresji większość miksów nie będzie brzmiała harmonijnie. Podobnie większość rytmów perkusyjnych nie osiągnie swojego pełnego potencjału bez starannego dostrojenia obwiedni.

Na przykład długie elementy perkusyjne w szybkim rytmie mogą powodować wrażenie spowolnienia lub dystansu. Długa sampla perkusyjna w ścieżce o szybkości 160 BPM może sprawiać wrażenie powolnej.

Dzięki nowoczesnym DAW wyposażonym w sampler, obwiedniami próbek ADSR można manipulować, tworząc węższe lub luźniejsze rowki, zapewniając bardzo potrzebną przestrzeń w aranżacjach perkusyjnych.

W przypadku szybkiej ścieżki możesz skrócić czas trwania perkusji, aby uniknąć nakładania się ich na inne próbki. Z drugiej strony, w wolnym utworze możesz wydłużyć czas trwania kopnięcia, aby wypełnić pustkę pomiędzy głównymi uderzeniami.

To nie tylko poprawi gęstość i pewność rowków, ale także stworzy więcej miejsca na dopasowanie różnych próbek, bez ich nakładania się na siebie.

Melodyjna perkusja

Wielu producentów bębnów nie przywiązuje wystarczającej uwagi do melodyjnej perkusji, mimo że może ona odegrać kluczową rolę w tworzeniu unikalnych melodyjnych haczyków bez polegania na tradycyjnych instrumentach melodycznych, takich jak syntezatory, klawisze czy gitary.

Używanie melodyjnych instrumentów perkusyjnych do stworzenia melodyjnego akcentu w piosence może dodać wyjątkowej i wciągającej warstwy do Twojego rytmu. Jest kilka podejść, które często stosuję w swoich kompozycjach, ale kluczem jest znalezienie instrumentów perkusyjnych o wyraźnej tonacji.

Liczne instrumenty perkusyjne, takie jak stalowe bębny i marimby, mają wyraźną tonację, która pozwala na kształtowanie ich w melodie. Ważne jest, aby te melodyjne bębny były dostrojone tak, aby pasowały do ​​Twojego utworu, abyś mógł używać ich do tworzenia prostych melodii i riffów.

Nawet jeśli nie używasz melodyjnych instrumentów perkusyjnych do samodzielnego tworzenia melodii, można ich używać do tworzenia responsywnych wzorców rytmicznych, interakcji z określonymi melodiami lub frazami w utworze lub służyć jako warstwy dla głównych partii, takich jak wokale lub melodie syntezatorowe, poprawiając ogólną kompozycję energetyczną.

Instrumenty perkusyjne sprawdzają się szczególnie dobrze w gatunkach takich jak techno i house. W stylach skupiających się na rytmach tanecznych melodyczne instrumenty perkusyjne mogą oferować bardziej wyrafinowany sposób tworzenia melodii.

Melodyjna perkusja

Wielu producentów bębnów nie przywiązuje wystarczającej uwagi do melodyjnej perkusji, mimo że może ona odegrać kluczową rolę w tworzeniu unikalnych melodyjnych haczyków bez polegania na tradycyjnych instrumentach melodycznych, takich jak syntezatory, klawisze czy gitary.

Używanie melodyjnych instrumentów perkusyjnych do stworzenia melodyjnego akcentu w piosence może dodać wyjątkowej i wciągającej warstwy do Twojego rytmu. Jest kilka podejść, które często stosuję w swoich kompozycjach, ale kluczem jest znalezienie instrumentów perkusyjnych o wyraźnej tonacji.

Liczne instrumenty perkusyjne, takie jak stalowe bębny i marimby, mają wyraźną tonację, która pozwala na kształtowanie ich w melodie. Ważne jest, aby te melodyjne bębny były dostrojone tak, aby pasowały do ​​Twojego utworu, abyś mógł używać ich do tworzenia prostych melodii i riffów.

Nawet jeśli nie używasz melodyjnych instrumentów perkusyjnych do samodzielnego tworzenia melodii, można ich używać do tworzenia responsywnych wzorców rytmicznych, interakcji z określonymi melodiami lub frazami w utworze lub służyć jako warstwy dla głównych partii, takich jak wokale lub melodie syntezatorowe, poprawiając ogólną kompozycję energetyczną.

Instrumenty perkusyjne sprawdzają się szczególnie dobrze w gatunkach takich jak techno i house. W stylach skupiających się na rytmach tanecznych melodyczne instrumenty perkusyjne mogą oferować bardziej wyrafinowany sposób tworzenia melodii.

Bądź perkusistą

Jedną z kluczowych, ale prostych zasad programowania realistycznych bębnów jest myślenie jak prawdziwy perkusista. Eksperymentowanie z niezwykłymi i ekstrawaganckimi rytmami może być świetną zabawą, ale aby osiągnąć realizm, musisz upewnić się, że perkusista na żywo może grać na perkusji i partiach perkusyjnych.

Programowanie części perkusyjnych przekraczających ludzkie możliwości może przypadkowo ujawnić sposób użycia oprogramowania. Na przykład niewielu prawdziwych perkusistów będzie w stanie wykonać 64-dźwiękowy rytm na hi-hacie przy 150 BPM, podczas gdy prosty rytm na parkiecie w tym samym tempie jest całkowicie wykonalny.

Aby lepiej zrozumieć, co potrafi, a czego nie może grać prawdziwy perkusista, warto posłuchać występów na żywo. Posłuchaj uważnie kilku swoich ulubionych utworów, zwracając uwagę na zastosowane rytmy perkusyjne, aby zorientować się, co jest uważane za realistyczne w grze na perkusji.

Korzystanie z instrumentu MIDI

Programując bębny, które brzmią z tą samą głośnością i są idealnie zgrane w czasie, staje się jasne, że zostało użyte oprogramowanie. Jednym ze sposobów na uczynienie dźwięku bardziej realistycznym jest użycie instrumentów MIDI. Możesz nie mieć dostępu do nagrań perkusji na żywo, ale możesz użyć elektronicznego zestawu perkusyjnego podłączonego do programu, aby grać na perkusji w czasie rzeczywistym.

Często preferuję to podejście podczas pracy z Addictive Drums 2, ponieważ zapewnia ono realizm bez konieczności wchodzenia w skomplikowane ustawienia. Jeśli nie jesteś perkusistą, możesz użyć klawiatury MIDI lub padu perkusyjnego.

Niezależnie od tego, jakiego sprzętu używasz, tworzenie schematów perkusyjnych za pomocą MIDI sprawi, że Twój utwór będzie brzmiał znacznie bardziej realistycznie ze względu na zmienność taktowania i dynamiki. Jednak nawet bez instrumentów MIDI można osiągnąć podobne wyniki, chociaż może to wymagać więcej czasu i wysiłku.

Nie szalej z kwantyzacją

Każdy doświadczony perkusista powie Ci, że kluczem do gry na perkusji jest kontrola tempa. Ale nawet najlepsi perkusiści nie są doskonali, a nagrywając grę na żywo, zauważysz, że niektóre takty odbiegają nieco od siatki rytmicznej w Twoim DAW. To niewielkie wahanie tempa nadaje rytmowi realizmu.

Większość nowoczesnych programów DAW oferuje możliwość kwantyzacji nut MIDI, blokując je w siatkę rytmiczną. Kwantyzacja pozwala skorygować niedokładności tempa poprzez powiązanie nut z siatką.

Chociaż kwantyzacja może pomóc uwydatnić rytm, nadużywanie jej może nadać utworom sztuczny, mechaniczny dźwięk. Programując ręcznie, lepiej pozostawić niektóre nuty lekko przesunięte w stosunku do siatki, aby brzmiały bardziej naturalnie. Możesz zacząć od kwantyzacji całego wzoru perkusyjnego, aby ustalić jego położenie, a następnie ręcznie dostosować nuty tak, aby były nieco przed lub za rytmem.

Decyzja o tym, czy uderzenia powinny być umieszczone przed, czy po zliczaniu, zależy od charakteru ścieżki. Aby uzyskać bardziej dynamiczny dźwięk, możesz umieścić hi-haty nieco przed siatką lub, aby uzyskać bardziej zrelaksowany dźwięk, umieść je nieco z tyłu.

Wiele programów DAW oferuje różne poziomy kwantyzacji, umożliwiając producentom wybór stopnia, w jakim nuty są powiązane z siatką. Niższe poziomy kwantyzacji sprawiają, że rytmy są bardziej naturalne, podczas gdy wyższe poziomy kwantyzacji ściśle łączą elementy z siatką rytmiczną.

Regulacja prędkości

Kolejnym kluczowym elementem zapewniającym bardziej realistyczne brzmienie partii perkusyjnych jest dostosowanie szybkości uderzenia. Prędkość nuty MIDI określa głośność, przy której wyzwalana jest próbka. Nuta zagrana z dużą prędkością będzie brzmieć głośniej i bardziej energicznie, podczas gdy nuta zagrana z małą prędkością będzie brzmieć miękko i ciszej.

Możesz uwydatnić określone rytmy w rytmach, zmieniając prędkość nut. Przypomina to podejście perkusisty, który podkreśla najważniejsze hity, grając je mocniej. Na przykład w standardowym rytmie punkrockowym nacisk kładziony jest często na drugie i czwarte uderzenie każdego taktu, podczas gdy w jednotaktowym rytmie reggae nacisk jest zwykle kładziony na pierwszy takt.

Dostosowując prędkość nut, warto pomyśleć o tym, jak grałbyś rytm w prawdziwym życiu. Pomocne może być nagranie wystukiwania rytmu, aby zobaczyć, które uderzenia intuicyjnie podkreślasz. Następnie możesz odpowiednio dostosować prędkość w rytmie MIDI, w oparciu o cechy, które zauważysz w nagraniu.

Uczłowieczenie

Wiele programów DAW jest wyposażonych w funkcje „humanizacji”, które umożliwiają subtelną regulację taktowania i szybkości nut. Ta „ludzka” cecha może być bardzo skuteczna w sprawianiu, że rytmy MIDI brzmią bardziej naturalnie, bez brzmienia robota.

Należy jednak zachować ostrożność podczas korzystania z funkcji humanizacji, ponieważ najdokładniejszym sposobem określenia nut akcentowanych jest intuicja. Komputerowi może być trudno dokładnie wykryć zmiany szybkości i taktowania na podstawie wyczucia, a przypadkowe zastosowanie tych subtelnych niuansów może sprawić, że bębny MIDI będą brzmiały mniej przekonująco.

Użyj prawdziwych pętli

Prostym i skutecznym sposobem na zwiększenie realizmu bębnów MIDI jest użycie gotowych pętli. Często stwierdzam, że połączenie zaprogramowanej perkusji MIDI z pętlami na żywo zapewnia doskonałą równowagę pomiędzy kontrolą a realizmem.

Używając wirtualnych instrumentów perkusyjnych, takich jak Addictive Drums 2 lub Steven Slate Drums, które oferują wbudowane rytmy MIDI, możesz zacząć od tych gotowych pętli MIDI jako podstawy swoich rytmów. Te rytmy MIDI zostały nagrane przez prawdziwych perkusistów, co gwarantuje, że perfekcyjne tempo i charakterystyka prędkości są już dostrojone.

Następnie możesz używać indywidualnych wzorów z gotowych pętli MIDI w innych projektach, stosując je do różnych instrumentów. Na przykład motyw perkusyjny ze ścieżki MIDI może zostać użyty do wyzwalania innych sampli, takich jak dźwięk obręczy lub klaskanie.

Możliwe jest również łączenie nut MIDI z próbkami na żywo, aby stworzyć unikalną warstwę w rytmie perkusyjnym. Często zaprogramowanie realistycznych hi-hatów może być trudne i w tym przypadku użycie żywych sampli może być szczególnie pomocne.

Użyj własnego pogłosu

Wiele profesjonalnych programów do programowania perkusji posiada funkcję pogłosu. Chociaż zastosowanie pogłosu może być skuteczne samo w sobie, odkryłem, że jednoczesne użycie różnych pogłosów z różnych programów perkusyjnych może skutkować niespójnymi dźwiękami. Dlatego zazwyczaj wyłączam wbudowany pogłos i wolę używać jednego pogłosu w całym miksie.

Po zaprogramowaniu całego rytmu perkusji, każdy element kieruję w stronę tego pojedynczego pogłosu w różnym stopniu. Celem jest sprawienie wrażenia, jakby wszystkie elementy zostały nagrane w tym samym pomieszczeniu.

Następnie możesz dostosować różne parametry pogłosu pomieszczenia, aby upewnić się, że pasuje on harmonijnie do reszty miksu, w tym rozmiar, styl, EQ i inne ustawienia.

Dodaj nasycenie

Podczas programowania dźwięków perkusyjnych w VST czasami przydatne jest dodanie efektu nasycenia, aby zapobiec zbyt „czystemu” brzmieniu dźwięku. Nasycenie to jeden z moich ulubionych efektów, ponieważ dodaje do dźwięku naturalne artefakty, typowe dla nagrań na żywo.

Chociaż możliwe jest po prostu zastosowanie wtyczki nasycającej, takiej jak emulator taśmy, bezpośrednio do sekcji bębna, odkryłem, że nasycenie równoległe zapewnia większą kontrolę i pozwala na precyzyjne dozowanie odpowiedniej ilości brudu, tak aby bębny skutecznie przebijały się mieszanka.

Aby to zrobić, wyślij grupę perkusyjną na ścieżkę pomocniczą z wtyczką nasycającą. Słuchaj dźwięków perkusji, stopniowo zwiększając poziom nasycenia wtyczki. Zaletą nasycenia równoległego jest to, że można sprawić, że ścieżka pomocnicza nasycenia będzie tak brudna, jak to konieczne, ponieważ głównym celem jest tylko nieznaczna poprawa brzmienia głównej grupy perkusyjnej.

Określ, czego brakuje Twojemu zestawowi perkusyjnemu i rozważ użycie nasycenia, aby poprawić dźwięk. Czy Twoje bębny brzmią zbyt cienko? Następnie możesz zwiększyć nasycenie przy niskich i średnich częstotliwościach. A może dźwięk jest zbyt ciemny? W takim przypadku zwiększenie wysokich częstotliwości pomoże uzyskać jaśniejszy i wyraźniejszy dźwięk.

Po wybraniu odpowiedniego brzmienia zmniejsz poziom ścieżki pomocniczej do minimum i powoli go zwiększaj, aż uzyskasz optymalną kombinację czystego i brudnego dźwięku.

Dodawanie wypełnień

Kiedy już masz przyzwoity rytm biegnący przez różne części utworu (zwrotki, łączniki, refreny itp.), warto rozważyć dodanie wypełnień, aby połączyć te sekcje razem. Często lubię wstawiać wypełnienia co mniej więcej osiem taktów, aby urozmaicić schemat rytmiczny rytmu perkusyjnego i rozbić długie sekcje lub przejść do następnej części utworu.

Programowanie prostych wypełnień w rowku zwykle nie jest trudne. Jeśli pracujesz z bębnami VST, prawdopodobnie znajdziesz bibliotekę gotowych wypełnień z różnymi wzorami do wyboru.

Aby wypełnienie harmonijnie wkomponowało się w istniejący wzór, należy zadbać o to, aby nie kolidowało ono z elementami głównego rowka. Na przykład, jeśli dodajesz wypełnienie werblem, możesz chcieć usunąć werbel z głównego motywu, aby zrobić miejsce na wypełnienie. Jednocześnie zachowanie innych elementów, takich jak shakery czy hi-haty, może pomóc w stworzeniu bardziej spójnego i spójnego dźwięku.

Gdy wypełnienie zostanie już umieszczone w odpowiednim miejscu, należy je odpowiednio wpasować w miks, zwracając szczególną uwagę na dopasowanie szybkości jego elementów do prędkości głównego wzoru. Ważne jest, aby wypełnienie nie brzmiało zbyt głośno i intensywnie w porównaniu do głównego rowka.

Na koniec zastosuj kwantyzację lub dostosuj synchronizację elementów wypełniających, aby dopasować je do ogólnego rytmu bębna. Na przykład, jeśli główny rowek ma huśtawkę, wówczas elementy wypełniające można przesunąć tak, aby znajdowały się nieco za siatką, zachowując ogólny rytm.

Znalezienie najlepszych sampli perkusyjnych

Nawet jeśli po mistrzowsku zaprogramowałeś rytmy perkusyjne i starannie ustawiłeś parametry VST perkusji, użycie niewłaściwych sampli może sprawić, że Twoje miksy będą płaskie. Znalezienie wysokiej jakości próbek do wykorzystania w swoich utworach jest kluczowym aspektem do rozważenia.

Obecnie dostępnych jest wiele wspaniałych sampli i zestawów, które brzmią świetnie same w sobie. Ale nawet jeśli sampl brzmi idealnie, nie gwarantuje to, że będzie brzmieć efektywnie w kontekście Twojego miksu, zwłaszcza w połączeniu z innymi dźwiękami. Chociaż narzędzia do miksowania, takie jak EQ, kompresja i kształtowanie obwiedni, mogą pomóc w przypadku niedoskonałych próbek, ich możliwości są ograniczone.

Próba zmieszania niezgodnych próbek może spowodować dodatkową pracę i komplikacje. Ważne jest, aby pętle perkusyjne i próbki brzmiały tak, jakby od początku były dla siebie stworzone. Ciągłość i harmonia dźwięku są niezwykle ważne w utrzymaniu uwagi słuchacza.

Chociaż wybranie pierwszej próbki, która się pojawi, może być kuszące, poświęcenie czasu na znalezienie idealnych dźwięków okaże się nieocenione w procesie miksowania i masteringu utworów.

Strojenie perkusji

Technicznie rzecz biorąc, bębny są instrumentami nieharmonicznymi, co oznacza, że ​​ich wydźwięk nie jest zgodny z określoną tonacją muzyczną. Jednak większość bębnów ma podstawowy ton, który wytwarza te nieharmoniczne podteksty.

Co ciekawe, w procesie strojenia sampli perkusyjnych nie ma jasno określonych reguł, co czyni go otwartym na eksperymenty. Często jednak można zauważyć, że strojenie sampli nie pasuje do reszty rytmu perkusyjnego.

Kluczowym elementem do dostrojenia jest stopa, ponieważ nieprawidłowo dostrojona stopa może kolidować z basem i innymi elementami o niskiej częstotliwości, powodując dysharmonię w miksie. Jest to szczególnie ważne w gatunkach takich jak trap i hip-hop, gdzie utwory często opierają się na basie 808. W gatunkach z krótszymi uderzeniami określenie konkretnego tonu stopy perkusyjnej może być trudniejsze.

Jeśli masz trudności z określeniem podstawowego tonu bębna, możesz skorzystać z analizatora widma. Oprócz zachowania tonacji, strojenie perkusji może zmienić ogólne wrażenie dźwięku. Na przykład obniżenie wysokości dźwięku bębna może sprawić, że będzie brzmiał ciemniej i bardziej miękko, podczas gdy podniesienie tonu sprawi, że będzie brzmiał jaśniej i bardziej energicznie.

Eksperymentuj ze strojeniem i transpozycją bębnów, aby zobaczyć, jak pasują one do ogólnego kontekstu Twoich kompozycji.

Wykraczanie poza gatunek

Użycie próbek z nietypowych zestawów może dodać niepowtarzalny kontrast Twoim rytmom. Na przykład miękkie i delikatne próbki bez ostrych ataków mogą dodać tekstury i lekkości ciężkim bębnom dubstepu.

Możesz także użyć hi-hata na żywo w rytmie techno, aby nadać mu naturalny charakter, lub dodać cyfrową stopę do rytmu perkusyjnego na żywo, aby uzyskać potężniejszy efekt.

Często nieoczekiwane próbki, które nie należą do konkretnego gatunku, mogą sprawić, że zaprogramowane bębny będą bardziej interesujące. Nawet jeśli pracujesz nad utworem rockowym, nie krępuj się eksperymentować z agresywnymi samplami werbla z przyszłych zestawów basowych.

Układ

Uporządkuj elementy perkusyjne w swoim utworze tak, aby energia stopniowo narastała od początku do końca. Chociaż możliwe jest połączenie 20 różnych elementów perkusyjnych, aby stworzyć mocny rytm w haczyku, nie jest konieczne używanie tego samego pełnego zestawu elementów w każdym haczyku utworu.

Zamiast tego powinieneś dążyć do stopniowego budowania, dodawania lub wprowadzania nowych elementów w każdej sekcji, aby osiągnąć maksymalną energię w końcowym haczyku, refrenie lub kropli. Na przykład energetyczny shaker można zapisać do użycia w ostatnim refrenie, podkreślając jego kulminację.