Wskazówki dotyczące pisania piosenek

1. Tekst i melodia

Tworzenie wysokiej jakości, popularnych piosenek zaczyna się na długo przed wejściem do studia nagraniowego. Podstawą udanej kompozycji są dobre teksty i wpadające w ucho melodie. Nawet najbardziej zaawansowany mikrofon wokalny nie będzie w stanie zapisać utworu, jeśli tekst będzie nudny, a melodia niezapomniana.

Zawsze zdumiewa mnie, jak wielu domowych muzyków zaczyna omawiać sprzęt i techniki nagrywania, zanim jeszcze piosenka zostanie napisana. Zanim w ogóle pomyślisz o nagraniu, musisz mieć świetną piosenkę. Nie można nagrać czegoś, czego jeszcze nie ma.

Chociaż termin „hit” jest bardzo subiektywny, uważam, że udane piosenki mają kilka kluczowych cech.

Składnik 1: Niezapomniana melodia

Melodia sprawia, że ​​piosenka zapada w pamięć i zapada w pamięć słuchacza. Jeśli Twoja linia melodyczna jest zbyt prosta lub nudna, szybko zostanie zapomniana. Spróbuj stworzyć melodię, która będzie łatwa do zapamiętania i sprawi, że będziesz chciał ją wielokrotnie powtarzać.

Składnik 2: Niezapomniane teksty

Tekst piosenki powinien być nierozerwalnie związany z melodią. Nie muszą to być głębokie przemyślenia filozoficzne – wystarczy jedno mocne zdanie lub zdanie, które utkwi w pamięci słuchacza. Dobre teksty w połączeniu z chwytliwą melodią nadadzą Twojej piosence niezbędną zapadalność w pamięć.

Składnik 3: Niezwykły element

Większość piosenek ma standardową strukturę: zwrotka, refren, zwrotka, refren itp. Chociaż jest to całkowicie normalne, dodanie niezwykłego elementu może sprawić, że Twoja piosenka będzie wyjątkowa. Może to być nieoczekiwana zmiana aranżacji, nietypowy instrument lub wyjątkowa technika wokalna. Słuchacze uwielbiają momenty, które sprawiają, że mówią „Wow!”.

Niezależnie od gatunku, czy to EDM, rock, jazz czy pop, Twoim celem jest stworzenie chwytliwej melodii, zapadającego w pamięć tekstu i przynajmniej jednego niezwykłego elementu utworu. To trudne zadanie, ale wraz z doświadczeniem przychodzą umiejętności: im więcej pracujesz nad piosenkami, tym stają się lepsze.

Pamiętaj, że tworzenie muzyki to praca wymagająca konsekwencji i pracowitości. Nie siedź i nie czekaj, aż nadejdzie inspiracja – potraktuj pisanie piosenek jako pracę, a zobaczysz, jak Twoje kompozycje zaczną się poprawiać. Możesz zostać świetnym autorem tekstów, jeśli będziesz ciężko pracować i stosować te trzy kluczowe składniki.

2. Aranżacja i planowanie

Etap pracy nad aranżacją i planowaniem utworu jest często przez muzyków niedoceniany, a czasem całkowicie ignorowany. Jednak to właśnie na tym etapie kładzie się podwaliny pod udany utwór, a zignorowanie go może znacząco wpłynąć na końcowy wynik.

Aranżacja i planowanie to nie tylko dobór instrumentów i brzmień. To cały proces obejmujący decyzje dotyczące tego, jak i kiedy zabrzmią różne elementy utworu. Celem aranżacji jest nie tylko urozmaicenie utworu, ale stworzenie dynamicznej narracji muzycznej, która utrzyma uwagę słuchacza od początku do końca.

Zastanów się, jak Twoja piosenka będzie odbierana, jeśli będzie odtwarzana w radiu. Jakie jest prawdopodobieństwo, że słuchacz pozostanie z Tobą po pierwszej zwrotce i refrenie, jeśli piosenka nie oferuje niczego nowego? Jeśli piosenka brzmi monotonnie, słuchacze mogą szybko stracić zainteresowanie.

Współczesne hity często unikają monotonii dzięki starannie przemyślanym aranżacjom. Kompozytorzy stosują różne techniki, aby każde przesłuchanie wniosło coś nowego. Oto kilka metod, które pomogą utrzymać uwagę publiczności:

• Efekty wokalne: Na przykład użycie efektów lampowych lub zniekształceń w celu stworzenia unikalnego dźwięku;
• Perkusja: Dodawanie shakerów, tamburynów i innych elementów perkusyjnych;
• Nowe instrumenty: Wprowadzenie syntezatorów, smyczków lub padów;
• Partie wokalne: Wprowadzenie dodatkowych partii wokalnych lub harmonii;
• Zmiany w aranżacji: Dodanie nowych partii gitarowych lub zmiana istniejących;
• Zmiany tempa: Zwolnienie lub zmiana tempa w kluczowych momentach.

Każda zmiana powinna być strategicznie umieszczona w ważnych momentach utworu. Możesz na przykład zacząć od pełnej aranżacji pierwszej zwrotki, a następnie przejść do prostszej aranżacji obejmującej tylko wokal i gitary. Możesz też podzielić utwór na sekcje, z których każda ma swoją własną przestrzeń dźwiękową, co zapewni różnorodność i zainteresowanie.

Celem aranżacji jest zabranie słuchacza w muzyczną podróż, która jest ekscytująca i niepowtarzalna. Nie chcesz po prostu powtarzać tego samego w kółko, ale chcesz zaoferować nową, interesującą perspektywę w każdym momencie utworu.

Proces tworzenia aranżacji wymaga umiejętności znalezienia równowagi pomiędzy wykorzystaniem wszystkich dostępnych elementów i unikaniem nadmiarowości. Trzeba wiedzieć, kiedy i jak wprowadzać nowe elementy, aby utrzymać słuchacza w zainteresowaniu, a nie przytłoczyć go. Wymaga to starannego planowania i ostrożnego podejścia do każdej części kompozycji.

Weź swoją piosenkę i przestudiuj ją uważnie. Określ, jakie nowe i interesujące rzeczy możesz zaoferować w każdej sekcji. Kiedy już będziesz w stanie wyizolować i przeanalizować różnice i wyjątkowe momenty w swojej kompozycji, będziesz gotowy na następny krok.

3. Nagrywanie

Gdy piosenka jest już gotowa i opracowano aranżację, następuje etap nagrywania, od którego w dużej mierze zależy sukces utworu. Ten etap, zwany śledzeniem, jest krytyczny i wymaga poważnego podejścia. Choć wielu muzyków uważa, że ​​prawdziwa magia dzieje się na etapie miksowania, nagranie należy traktować z taką samą uwagą.

Na tym etapie pomysły stają się rzeczywistością, a jakość nagrania bezpośrednio wpływa na efekt końcowy. Jednak często domowe studia borykają się z problemem nieostrożności i pośpiechu, co może znacznie pogorszyć produkt końcowy. Nie pozwól, aby to się stało!

Oto trzy kluczowe zasady, które pomogą Ci osiągnąć lepsze rezultaty podczas procesu nagrywania:

1. Nie spiesz się. Nagrywanie powinno być dokładne i przemyślane. Każdy dźwięk, każda nuta jest ważna. Przed rozpoczęciem nagrywania upewnij się, że poświęciłeś wystarczająco dużo czasu na ustawienie sprzętu i sprawdzenie dźwięku;
2. Podchodź do nagrywania ostrożnie. Wykorzystaj każde ujęcie, aby poprawić dźwięk. Nie traktuj nagrania jako zwykłego utrwalenia – to podstawa Twojego utworu. Dobrze nagrany materiał ułatwi pracę na kolejnych etapach i poprawi jakość finalnego produktu;
3. Sprawdź jakość nagrania. Regularnie słuchaj nagranych materiałów, aby upewnić się, że są dobrej jakości. Jeśli coś jest nie tak, nie bój się nagrać ponownie. Pomoże to uniknąć wielu problemów podczas miksowania i masteringu.

Nie zapominaj, że śledzenie to nie tylko proces techniczny, ale ważny etap, który nadaje ton całej kompozycji. Podejdź do tego poważnie i ostrożnie, a zobaczysz, jak Twój utwór zacznie brzmieć dokładnie tak, jak tego chcesz.

Zasada 1. Umiejscowienie mikrofonu jest kluczem do udanego nagrania

Nie chodzi tylko o wybór odpowiedniego mikrofonu, ale także o jego prawidłowe ustawienie. Położenie mikrofonu w pomieszczeniu może mieć ogromny wpływ na dźwięk. Nawet niewielka zmiana odległości od źródła dźwięku może mieć zauważalny wpływ na efekt końcowy. Nie ograniczaj się do standardowych metod, takich jak umieszczenie mikrofonu bezpośrednio przed wzmacniaczem. Poświęć trochę czasu na eksperymentowanie, aż znajdziesz optymalne umiejscowienie, które najdokładniej oddaje obraz dźwiękowy, jaki chcesz osiągnąć.

Zasada 2. Nie przesadzaj z głośnością

Jednym z najczęstszych błędów jest nagrywanie na możliwie najgłośniejszych poziomach. Wielu muzyków uważa, że ​​muszą nagrywać tak głośno, jak to możliwe, ale może to prowadzić do zniekształceń. Ustaw poziom wejściowy na 50–75% wartości szczytowej, aby uniknąć przesterowania i zachować czystość nagrania. Dzięki temu Twoje instrumenty będą brzmiały wyraźnie i muzykalnie.

Zasada 3. Podejdź do nagrywania jak producent

W studiu oprócz inżyniera jest zazwyczaj producent, który określa, jaki powinien być finalny dźwięk. Będziesz musiał przyjąć obie role – inżyniera i producenta. Zanim zaczniesz nagrywać, określ, jaki dźwięk chcesz uzyskać. Stwórz w umyśle dźwiękowy obraz utworu i pracuj nad przeniesieniem go na nagranie.

Spróbuj zastosować technikę rozwijania swoich umiejętności jako producent: wybierz trzy ulubione piosenki i opisz ich brzmienie za pomocą przymiotników. Jak brzmią bębny? Jaki jest wokal? Pomoże Ci to lepiej zrozumieć dźwięk, który chcesz osiągnąć.

Przestrzeganie tych zasad pomoże Ci uzyskać dźwięk wysokiej jakości, nawet jeśli proces nagrywania może wymagać czasu i praktyki. Pamiętaj, że nagrywanie to sztuka, która rozwija się wraz z doświadczeniem.

4. Edycja

Nowoczesne cyfrowe nagrywanie dźwięku ułatwia i efektywnie dostosowuje i ulepsza materiał, niezależnie od tego, czy jest to Twój własny występ, czy praca innych muzyków. Stanowi to znaczący postęp w porównaniu z erą przededycyjną, kiedy proces był znacznie bardziej pracochłonny i złożony.

Przed pojawieniem się technologii cyfrowej inżynierowie dźwięku używali maszynek do golenia do ręcznego cięcia taśmy i łączenia jej. Dziś możesz edytować dźwięk w prosty i szybki sposób w DAW, bez utraty jakości.

Jednak pomimo prostoty edycji cyfrowej, proces ten wymaga ostrożności. Nieprawidłowy montaż może łatwo zrujnować dźwięk, zamieniając go w coś pozbawionego życia i nienaturalnego. Aby uniknąć takich problemów, zalecam podzielenie edycji na cztery podstawowe etapy:

Krok 1. Praca z ujęciami

Prawie wszystkie programy DAW umożliwiają nagrywanie wielu ujęć tej samej partii. Możesz na przykład nagrać kilka wersji wokali, a następnie wybrać najlepsze momenty do końcowego montażu. Zanim zaczniesz montować, przesłuchaj wszystkie ujęcia, znajdź najlepsze fragmenty i nagraj je, aby się nie zgubić.

Krok 2. Edycja wokalu (autotune)

Korzystanie z automatycznego dostrajania i innych narzędzi do korekcji wysokości tonu jest powszechną praktyką w studiu. Nawet doświadczeni wokaliści mogą popełnić błędy podczas nagrywania, pomimo swoich umiejętności scenicznych. Korektory wysokości dźwięku pomogą Ci wyeliminować drobne niedokładności i poprawić dźwięk. Nie należy całkowicie polegać na automatycznym dostrajaniu, ale mądrze może ono znacząco poprawić jakość nagrania.

Przestrzegając tych zasad, będziesz mógł dobrze edytować swoje nagrania, zachowując ich ekspresję i żywotność. Pamiętaj, że montaż to sztuka wymagająca praktyki i uwagi.

Krok 3. Usuwanie niechcianych dźwięków

Po zakończeniu montażu dubli i naprawianiu wokali następnym krokiem jest usunięcie niechcianych dźwięków. Podczas nagrywania wokalu mogą to być niezamierzone dźwięki, takie jak sapanie, westchnienia i zamykanie ust. Te drobne dźwięki mogą odwrócić uwagę od głównej melodii i sprawić, że nagranie będzie brzmiało mniej profesjonalnie.

W przypadku instrumentów instrumentalnych mogą to być przypadkowe dźwięki, takie jak nienaturalne dźwięki gitary spowodowane przypadkowym dotknięciem strun lub inne obce dźwięki, które przedostały się do pola mikrofonu. Słyszałem wiele piosenek, w których przypadkowe westchnienia wokalisty lub inne niepożądane dźwięki zrujnowały ogólne wrażenie. Nieco więcej czasu poświęconego na usunięcie tych drobnych niedoskonałości może znacząco poprawić brzmienie utworu, sprawiając, że będzie on brzmiał czyściej i bardziej profesjonalnie.

Istnieją różne podejścia do tego procesu: niektórzy inżynierowie wolą całkowicie usunąć wszystkie niepotrzebne dźwięki, nawet te najbardziej subtelne, a inni wybierają podejście bardziej selektywne. Stosuję metodę hybrydową, próbując znaleźć równowagę. Małe niedoskonałości mogą dodać życia i dynamiki do utworu, dlatego ważne jest, aby usuwać tylko dźwięki, które naprawdę zakłócają wrażenia.

Zbyt częste czyszczenie może sprawić, że dźwięk będzie sterylny i pozbawiony życia, natomiast zbyt mała uwaga poświęcona temu etapowi spowoduje zamglenie i nieprzyjemny dźwięk. Znajdź złoty środek, aby Twoje brzmienie było czyste, ale nie straciło na naturalności.

Wskazówki dotyczące edycji

Podczas pracy z wielościeżkowymi nagraniami perkusyjnymi upewnij się, że wszystkie ścieżki są zgrupowane. Umożliwi to manipulowanie wszystkimi ścieżkami jednocześnie, unikając problemów z fazą i synchronizacją. Pamiętaj także o lekkim przejściu przy każdej edycji, aby uniknąć kliknięć i trzasków.

Krok 4: Kwantyzacja basu i perkusji

Montaż nagranego materiału daje wiele możliwości, jednak często muzycy wpadają w pułapkę nadmiernej korekty, próbując naprawić absolutnie wszystko. Ważne jest, aby pamiętać: poprawiaj tylko te elementy, które naprawdę wymagają korekty.

Po zakończeniu czyszczenia gitar i wokali następnym krokiem jest kwantyzacja basu i perkusji. Jednak proces ten należy wykonywać oszczędnie, zwracając uwagę jedynie na oczywiste niespójności. Nie próbuj idealnie dopasować każdego uderzenia i każdej nuty do siatki. Lepiej skupić się na poprawieniu znaczących rozbieżności i oczywistych błędów, a resztę pozostawić bez zmian.

Kluczową zasadą przy montażu nagranego materiału jest świadomość, że każda, nawet niewielka korekta może mieć znaczący wpływ na całość brzmienia. Czasami niewielka poprawka może znacznie ulepszyć utwór, ale zdarzają się przypadki, gdy zbyt wiele zmian może zrujnować utwór. Staraj się więc zachować naturalny dźwięk i wprowadzaj poprawki tylko tam, gdzie jest to naprawdę konieczne.

Właściwe podejście do kwantyzacji pomoże utrzymać utwór żywy i dynamiczny, unikając jednocześnie nadmiernej sterylności i utraty pierwotnego charakteru utworu.

5. Miksowanie muzyki

Nagrywanie rejestruje muzykę, edycja ją udoskonala, a miksowanie ożywia ją, pozwalając utworom wyprzedzić głośniki i zaimponować słuchaczowi.

Miksowanie to kluczowy etap, podczas którego wszystkie nagrane elementy łączą się w spójną całość. Używając panoramowania, regulacji poziomu, korekcji, kompresji i różnych efektów, eliminujesz słabe strony instrumentów i podkreślasz ich mocne strony. Ten proces ma kluczowe znaczenie, aby Twój utwór brzmiał harmonijnie i profesjonalnie.

Niektórzy muzycy nie doceniają znaczenia miksowania, inni zaś mogą spędzać na tej scenie zbyt dużo czasu. W rzeczywistości mieszanie jest nie tylko ważne, ale także dość prosty proces, który nie wymaga nadmiernego wysiłku, jeśli zostanie prawidłowo podjęty.

Aby uzyskać doskonały dźwięk, pozostawiając jedynie drobne „kosmetyczne” poprawki w zakresie głośności i panoramy, warto podzielić proces miksowania na pięć głównych faz. Takie podejście pomoże Ci systematycznie i efektywnie doprowadzić Twój utwór do najlepszego brzmienia.

Faza 1. Głośność i panoramowanie

Pierwszym i najważniejszym krokiem w procesie miksowania jest ustawienie poziomu głośności i panoramowania. Odtwarzaj utwór w pętli i skup się na upewnieniu się, że każdy instrument jest odpowiednio wyważony. Ważne jest, aby żaden element nie dominował i nie przyciągał zbyt wiele uwagi. Każdy instrument powinien mieć swoje miejsce w miksie, aby ogólny obraz brzmiał harmonijnie i zrównoważony. Na tym etapie nie rozpraszaj się efektami. Twoim głównym celem jest osiągnięcie czystego i zrównoważonego dźwięku przy użyciu wyłącznie głośności i panoramy.

Faza 2. Wyrównanie

Korekcja to potężne narzędzie do tworzenia czystego i przyjemnego dźwięku. Jego głównym celem jest usunięcie niepotrzebnych częstotliwości, podkreślenie mocnych stron każdego instrumentu i stworzenie przestrzeni w miksie. Najlepiej jest zastosować korekcję subtraktywną, która polega na usuwaniu częstotliwości, a nie na ich wzmacnianiu. Pomaga to stworzyć wyraźny i czysty dźwięk, w którym każdy instrument ma swoje miejsce i nie zagłusza pozostałych. W ten sposób zapewnisz miejsce na wszystkie elementy miksu.

Wskazówka dotycząca mieszania

Głównym sekretem udanego miksowania jest równowaga. Jeśli skoncentrujesz się na stworzeniu harmonijnej równowagi pomiędzy wszystkimi ścieżkami i instrumentami, proces miksowania stanie się znacznie łatwiejszy, a wynik będzie bardziej profesjonalny.

Faza 3. Kompresja

Po EQ przejdź do kompresji. Kompresor może wydawać się skomplikowanym narzędziem, ale jego możliwości są ogromne. Dzięki kompresji możesz nie tylko kontrolować poziom głośności, ale także dodawać gęstość i dynamikę do ścieżki. Pomyśl o kompresorze jak o automatycznym tłumiku głośności, który pomaga kontrolować dynamiczne zmiany w ścieżce, dzięki czemu dźwięk jest bardziej zrównoważony i bogaty.

Faza 4. Pogłos i opóźnienie

Kiedy już Twój miks zostanie zbalansowany i wzmocniony za pomocą korektora i kompresji, przejdź do efektów otoczenia, takich jak pogłos i opóźnienie. Efekty te dodają głębi i głośności, czyniąc utwór bardziej żywym i organicznym. Nie przesadzaj z tymi efektami, w przeciwnym razie dźwięk stanie się niewyraźny i niewyraźny. Pogłos pomaga zjednoczyć wszystkie elementy w jedną przestrzeń dźwiękową, a opóźnienie dodaje głośności i ożywia te instrumenty, które brzmią zbyt sucho.

Faza 5. Automatyzacja

Automatyzacja to dodatkowy, ale bardzo przydatny etap. Pozwala uczynić utwór bardziej dynamicznym i interesującym. Nowoczesne programy pozwalają na automatyczną kontrolę parametrów wtyczek, instrumentów i elementów sterujących w różnych częściach kompozycji. Wykorzystaj automatyzację do podkreślania akcentów, zmiany głośności i panoramy poszczególnych instrumentów, a także włączania i wyłączania efektów, co zapewni różnorodność i indywidualność miksu.

Miksowanie to sztuka, która nadaje utworowi życie, piękno i głębię. Aby zobaczyć jego wpływ, porównaj fragmenty przed i po zmieszaniu. Proste zmiany mogą znacznie poprawić dźwięk i sprawić, że kompozycja będzie jaśniejsza i bogatsza.

6. Opanowanie

Dotarliśmy do kluczowego etapu w procesie tworzenia Twojego utworu – masteringu. To ostatni krok, zanim Twoja piosenka będzie gotowa do wydania.
Mastering jest często mylącym tematem dla nowych muzyków, którzy mogą błędnie sądzić, że to proces wyróżnia utwór. W rzeczywistości mastering to delikatny i subtelny proces, który kończy utwór i przygotowuje go do wydania.

Pierwotnie mastering miał na celu przygotowanie materiału audio do nagrania na nośnikach fizycznych, takich jak płyty winylowe czy płyty kompaktowe. Chociaż proces został dostosowany do nowoczesnych formatów cyfrowych, jego cel pozostaje ten sam. Specjaliści od masteringu dodają wykończenia, takie jak korekcja, kompresja i inne regulacje, aby doprowadzić utwór do perfekcji.

Bez wchodzenia w szczegóły techniczne, ważne jest, aby zrozumieć istotę masteringu: to ostatni etap, który zapewnia, że ​​utwór będzie brzmiał wysokiej jakości na wszystkich urządzeniach i platformach. To moment, w którym podkreślone zostaną mocne strony Twojej kompozycji, wyeliminowane zostaną drobne niedoskonałości i będzie ona gotowa do wydania.

Krok 1: Porównaj z profesjonalnym miksem (utwór referencyjny)

Po zakończeniu miksowania utworu ważne jest, aby upewnić się, że brzmi on jak profesjonalne nagranie. Porównanie ze ścieżką referencyjną to skuteczny sposób na poprawę ostatecznego brzmienia kompozycji.
Wybierz profesjonalny utwór w tym samym stylu muzycznym co Twój i zaimportuj go do swojego projektu. Zmniejsz głośność ścieżki referencyjnej do poziomu miksu i słuchaj obu ścieżek jedna po drugiej. Pomoże Ci to zidentyfikować wszelkie wady i określić, jakie ulepszenia są potrzebne, aby Twój utwór spełniał komercyjne standardy jakości.
Niewielkie korekty korektora na kanale głównym mogą znacznie poprawić brzmienie utworu, przybliżając go do poziomu profesjonalnego i poprawiając ogólne wrażenia.

Wskazówki dotyczące opanowania

Przy stosowaniu na etapie masteringu jakiejkolwiek obróbki, takiej jak korekcja czy poszerzenie stereo, ważne jest, aby nie przekraczać dopuszczalnych wartości szczytowych (limiter jest w tym przypadku wyjątkiem). Pamiętaj, że głośność nie zawsze równa się jakości – nasz mózg może postrzegać głośne dźwięki jako wyższą jakość, ale jest to złudzenie. Zawsze miej oko na swój system monitorowania!

Krok 2: Osiągnięcie komercyjnej głośności

Gdy Twój miks osiągnie poziom profesjonalnego utworu, następnym krokiem będzie dostosowanie głośności do poziomu standardowego w branży.

Miksy, które brzmią dobrze w Twoim DAW, mogą być zbyt ciche podczas odtwarzania w innych systemach. Aby rozwiązać ten problem, użyj ogranicznika. Nie potrzebujesz żadnego dodatkowego oprogramowania — Twój DAW ma już wszystkie potrzebne narzędzia. Ustaw limiter na kanale głównym i zwiększ głośność do żądanego poziomu, aby Twój utwór brzmiał na równi z innymi nagraniami komercyjnymi.

Choć mastering jest procesem bardziej złożonym, w domowym studiu wystarczy skupić się na dwóch głównych zadaniach: porównaniu utworu z profesjonalnym miksem i zastosowaniu limitera w celu osiągnięcia pożądanego poziomu głośności. Te kroki pomogą Ci stworzyć wysokiej jakości ścieżki, które będą gotowe do publikacji.

Czas tworzyć muzykę

Teraz masz plan krok po kroku tworzenia wysokiej jakości ścieżki w swoim domowym studiu. Rozumiesz, że udany utwór zaczyna się od dobrej piosenki i aranżacji, a magia dzieje się podczas nagrywania. Słabe strony instrumentów można poprawić już na etapie miksowania.

Pozostaje tylko zacząć działać! Ciągłe pisanie, nagrywanie, miksowanie i wydawanie muzyki to droga do mistrzostwa. A najlepsze w tym procesie jest to, że robisz to, co kochasz.