什么是独立音乐

独立音乐通常被认为是一种流派，但实际上，它不仅仅是这样 - 它是创造音乐和从事音乐事业的一种方法。 “独立”一词来自“独立”一词，最初是指与主要唱片公司无关的艺术家和乐队。这样的音乐家依靠创意自由，独立性和实验的原则独立制作和分发音乐。正是这些原则构成了最终成为整个文化现象的基础。

自1970年代后期以来，当独立唱片公司开始出现在英国发行后朋克和另类摇滚时，独立舞台开始积极发展。这一时期的标志性乐队之一是史密斯（Smiths） - 他们对独立运动的音乐和文化组成部分的贡献仍然被认为是典范。随着时间的流逝，“独立”不仅成为一种生产方法的指定，而且还与某种风格和氛围有关。但是，重要的是要理解：独立音乐不是严格的流派限制，而是关于一种思维和演示方式。

现代独立音乐涵盖了许多流派：从独立民间到合成流行音乐，从梦想流行音乐到独立R＆B。此类曲目的一个重要特征是艺术家明确表达的个性。许多独立艺术家并不专注于创建整体故事，而是流行音乐中的习惯，而是传达一种特定的情感或状态。这就是创造亲密关系并使音乐真正个人化的原因。

独立，特别关注声音。即使艺术家尝试电子音乐或嘻哈音乐，他的曲目几乎总是具有现场演奏的基础 - 原声或电吉他，鼓，有时甚至是主流场景的不寻常乐器。即使艺术家不遵守摇滚音乐的规范，这种“乐器沉重”也经常形成可识别的独立声音。

许多独立的艺术家宁愿留在主要标签之外，以维持创造性的自主权。对他们来说，重要的是，生产，视觉设计和作品本身反映了他们内心的想法，而不是公司的营销目标。但是，尽管成功并与主要标签合作，但一些艺术家，例如说唱歌手或Bon Iver的机会，仍然保留了独立方法的要素 - 声音，主题和独立精神。

在这种背景下，独立不仅被视为一种风格，而且被视为主流的替代方案。这是一个创造性的平台，您可以在不担心失去观众的情况下进行试验。独立音乐之所以赢得胜利，是因为它的独创性，对模板的拒绝以及诚实说话的愿望 - 无论是通过声音，歌词还是视觉美学。

如今，独立和主流之间的界线变得模糊。艺术家可以在主要标签上发行，但仍然保留独立声音，反之亦然 - 仍然完全独立，但听起来不亚于专业人士。但是，一件事保持不变：独立音乐是个人自由，自我表达和大胆决定的领域。

想更深入地了解这个方向吗？从小型独立标签，诸如BandCamp，SoundCloud甚至流媒体列表之类的平台开始。在那里，您会发现音乐仍然具有独立精神 - 自由，活着和与众不同。

“独立音乐”和“独立音乐”：不是同一件事

在音乐行业中，“独立”和“独立”一词通常听起来像是同一件事，但实际上它们之间存在微妙但重要的区别。要了解现代音乐市场并浏览术语，值得将这些概念分开并分开看它们。

首先，独立音乐是一种组织和制作的方式。我们谈论的是发行的音乐，而没有主要的标签和公司参与。这种方法意味着艺术家在创建，录制，促进和分发曲目方面的全部或部分自治。音乐家本人决定他的作品如何听起来，与谁合作，如何建立视觉形象以及与公众联系的策略。通常，DIY方法是核心：一切都是您自己完成的或小型团队的参与。同时，独立音乐没有类型的限制 - 可以是电子音乐，说唱，香森或学术作品。

但是，“独立”一词逐渐摆脱了“独立”的狭义含义，并表示并不是一种释放方法，而是某种样式和方法。独立音乐是一个方向，重点转移到了独创性，情感，非标准的安排以及超越流派界限的愿望。即使某个时刻的独立艺术家与主要标签签订了合同，他的音乐仍然可以被视为“独立”，这是由于其特征性的声音，形象和创意演示。

在示例中清楚地看到了这种差异。一位音乐家可以在一个小型独立唱片公司的帮助下发行声学专辑，而不会偏离通常的民间或流行音乐标准 - 他将是独立的，但不一定是独立的。同时，另一位艺术家可以与一个主要标签合作，但继续以明确表达的作者的风格创作非典型的实验音乐 - 他将继续被称为独立艺术家。

因此，“独立”更多地是关于格式和结构的：谁发布音乐以及如何发行。 “独立”是关于创造力的气氛和方法。这些概念确实重叠，但它们不可互换。重要的是要了解差异，尤其是如果您对音乐行业感兴趣或计划发行自己的音乐。

独立音乐的诞生方式：回顾

独立运动的音乐前兆

在创造“独立”一词之前，音乐界已经开始改变。在1960年代，像甲壳虫乐队和海滩男孩这样的艺术家开始脱离流行音乐模板，引入了新的形式，想法和录音技术。鲍勃·迪伦（Bob Dylan）将诗歌和抗议带到了洛克（Rock），尼克·德雷克（Nick Drake）开发了忧郁的美学，后来将成为独立民间的特征。冲突将朋克的能量与社会议程相结合。这些艺术家不仅进行了试验，而且主张了独立道路的权利 - 正是构成未来独立场景的基础的权利。

独立场景作为一种独立现象的出现

在70年代末和80年代初，独立音乐终于成为一种动作。这在英国和美国同时发生了，乐队开始出现，拒绝了主要标签的压力。他们关注言论自由，独立记录和替代思维的团结。独立不仅成为一种风格，而且成为一种抵制音乐中商业公式的方式。

史密斯人为英国独立设定了一个新标准：振铃吉他，深层歌词和拒绝外部光泽。专辑“ Meat Is Murder”和“ The Queen Is Dead”不仅成功，而且在整个一代人中也具有意识上的意义。反过来，Buzzcocks展示了朋克如何成为独立场景的基础 - 他们的发行“螺旋刮擦”成为了DIY音乐方法的象征。

美国场景并行发展，但有自己的口音。雷（Rem）用“杂音”（Murmur）提供了更柔和，更具包围的声音，这构成了美国独立声音的基础。在明尼阿波利斯（Minneapolis），替代者释放了原始和情感上的“让命”，而赫斯克·杜（HüskerDü）则以侵略性但概念上的“ Zen Arcade”释放了HüskerDü，证明即使是硬核也很聪明。这些乐队构成了美国独立的核心，并为未来的数十个趋势奠定了基础。

独立音乐的演变：80年代和90年代

在1980年代，在美国和英国，独立音乐开始显着发展。从后朋克和吉他岩石开始，它很快就获得了更广泛的声音。像REM，Pixies和Sonic Yount这样的乐队开始尝试形式和噪音，为新的子类型开辟了道路。 Noise Rock，Jangle Pop，ShoeGaze - 所有这些样式都在独立场景中出现。 Sonic Youth的“ Heather中的Bull”和Cocteau Twins的“天堂或拉斯维加斯”之类的曲目成为了这个时代的象征，并为独立艺术家奠定了标题。

小精灵为独立声音的发展做出了特殊的贡献。他们的构图“我的想法在哪里？”凭借其非常规的动态和强烈的情感对比，它成为了邪教的经典，后来启发了从Radiohead到Nirvana的整整一代音乐家。同时，史密斯人仍然是英国独立舞台的当局，甚至在乐队分手后的几年后，他们的影响力就被感受到了。在他们的影响下，新一代的表演者长大了，吉他和个人自白成为音乐语言的基础。

英国也不例外。 Britpop在90年代初的出现使独立场景具有新的声音和面孔。 Oasis和Blur成为该运动的旗舰。 Oasis的专辑“绝对也许”是新浪潮的第一个燕子，在英国排名第一。尽管这些乐队后来开始与主要标签合作，但它们的根源，美学和音乐的方法与独立运动保持着密切的联系。

到90年代中期到90年代中期，独立的乐队不在乎正式的限制。立体声洛杉矶的krautrock和Retro Electronica的组合元素。中立牛奶酒店将民间和迷幻的人带到了独立，尤其是在海上飞机上。迪斯科地狱（Disco Inferno）在其时间之前尝试了采样和纹理。 Emo场景也开始蓬勃发展，Weezer和American Football提供忧郁的歌词，简单的安排和衷心的交付，弥合了独立摇滚乐之间的差距。

2000年代的独立：十年的新声音和大规模接受

2000年代，独立音乐进入主流，乐队含量适中的老鼠，明亮的眼睛，可爱的死亡出租车，杀手和北极猴子取得了商业成功。

2000年代初期，独立乐队开始超越当地场景，并成为全球舞台上的家喻户晓的名字。这些杀手于2001年在拉斯维加斯成立，迅速成为全球明星，其热门单曲“ Brightside先生”在全球销售了超过2800万张唱片。北极猴在2006年以“我说的任何人说，这就是我不是什么”的英国首次亮相，它在第一周就售出了363,000份，并获得了汞奖。

除此之外，谦虚的鼠标还以“ Floot On”在美国越来越受欢迎，具有“我生命的第一天”的明亮眼睛，而Death Cab for Cutie则带有“我将跟随您进入黑暗”。这些歌曲巩固了独立音乐作为2000年代音乐景观的重要组成部分。

emo音乐也继续受到欢迎，像我的化学浪漫之类的乐队和《 Fall Out Boy》这样的乐队以“欢迎来到黑人游行”和“糖，我们要下降”等曲目来统治图表。

尽管Emo Rock分别存在，但其在2000年代的成功与独立场景的诚意，声音和与观众交流的方式重叠。这些曲目变得流行，但保留了独立的精神。

“欢迎来到黑人游行”和“糖，我们要倒下”不仅仅是热门歌曲 - 他们表达了一个寻求真实性和原始情感的年轻一代的心情，这使Emo更接近独立美学。

2000年代的独立音乐家数量也显着增加。

根据美国劳工统计局的数据，自2003年以来，独立艺术家的数量增长了71％。在线平台为音乐家开辟了道路，无需参与标签而吸引观众。同时，黑胶唱片已经重返时尚 - 仅2013年就售出了600万张唱片。许多独立艺术家已经开始以模拟格式发行专辑，以寻求保持身体和有意义的聆听感。

2010年以后的独立音乐：模糊的边界和新视野

在2010年代，独立音乐继续发展，多样化，有时进入主流。

独立在传统意义上不再是一种流派 - 它成为一种思维方式。吸血鬼周末，Tame Impala和Sufjan Stevens扩大了声音，将基于吉他的音乐与流行，迷幻和民间元素相结合。这些艺术家不仅为独立场景定下了基调，而且还成为主流议程的一部分。

像吸血鬼周末的“ A-Punk”这样的曲目，Tame Impala和Sufjan Stevens撰写的“ Let It It Other”，“芝加哥”捕捉了十年的精神 - 大胆，原创和非常规。

2010年代的独立音乐表现出了多样性，民间和国家的表现，例如Lumineers，Mumford＆Sons和Avett兄弟，像四个Tet，Caribou和Jamie XX等电子艺术家以及Kendrick Lamar，Drake和Frank Ocean等嘻哈艺术家。

独立成为流派之间的跨界区。 Arcade Fire，Vampire Weekend和Lorde发行了专辑，其中摇滚，流行音乐和Electronica以平等的方式共存。同时，由于他们的独立态度和艺术自由，像肯德里克·拉马尔（Kendrick Lamar）和弗兰克·海洋（Frank Ocean）这样的嘻哈音乐和R＆B艺术家也成为独立话语的一部分。

“皇室成员”，“橙色频道”和“向皮条客的蝴蝶”就是“独立”方法如何开始影响十年中最受欢迎的发行版的例子。

在此期间，Indie Electronica在此期间也获得了突出，詹姆斯·布雷克（James Blake），M83和Chvrches等艺术家重新定义了该类型。

电子场景获得了一张新面孔：环境，合成 - 流行和灵魂成为其组成部分。 Blake，M83和Chvrches使用的电子乐器不是跳舞，而是创造一种心情，语调，情感。

“逆行”，“午夜城市”和“我们共享的母亲”成为2010年代独立电子的配乐 - 可识别但独特的。

由于我们消耗音乐和流行音乐的影响，2010年代的独立音乐景观拒绝了明确的分类。

流媒体服务，播放列表和算法使类型的意义降低。听众停止思考类别 - 他们根据感觉而不是格式选择音乐。专辑让位于单身人士，并为个人艺术家舞台。

结论：独立是一种生活和变化的类型

独立音乐以其多样性和不断发展的本质为特征，一直通过独立，实验和创造力向前发展。

自1960年代以来，Indie一直是忽略惯例和主流的独特艺术家的平台。

对于独立艺术家和爱好者来说，了解这种类型的历史对于塑造自己的音乐表达至关重要。
独立的历史是建立个人风格和音乐方法的基础。

独立场景以培养违抗分类的创新艺术家的声誉，证明了这种类型中固有的适应性。

这种类型正在不断地改变，同时保持相关并开放新形式。

当我们展望未来时，必须承认独立音乐的悠久历史以及为其发展做出贡献的艺术家。

在迅速变化的音乐景观中，连续性使独立的活力保持活力和韧性。通过从他们的工作中汲取灵感并拥抱他们的实验精神，我们可以继续重新定义独立音乐，并使它在当今的音乐景观中保持重要意义。

4月28日，Activ8te将释放“我们所做的只是Shine（Feat。Fortleg）”，以继续独立声音的传统。