como hacer musica

Hasta hace poco, todos los que estaban interesados ​​en la cuestión de cómo hacer música debían comprender que el proceso en sí requiere una preparación y una práctica cuidadosas. La ausencia de plug-ins y secuenciadores multipista hizo necesario ensayar el material repetidamente hasta que quedó casi automático. En el estudio, todo tenía que reproducirse a la perfección, sincronizado y sin errores.

Sin embargo, con la llegada de los programas informáticos, los músicos obtuvieron la capacidad de grabar múltiples tomas y editar pistas sin esfuerzo con solo unos pocos clics del mouse. Hoy en día, uno puede producir fácilmente una canción de éxito desde la comodidad de su hogar, como lo han demostrado muchos cantantes contemporáneos a través de sus experiencias.

¿Cuáles son los requisitos para crear música?

Sin duda, un estudio profesional de alta gama cuenta con importantes ventajas en cuanto a equipamiento se refiere. Estos estudios generalmente le brindan salas espaciosas e insonorizadas que tienen una acústica excepcional, así como compresores y ecualizadores de alta calidad, una amplia selección de micrófonos, una consola analógica, una sala de control bien equipada con múltiples líneas de monitor y mucho más.

Sin embargo, un estudio en casa tiene sus propios beneficios en términos de presupuesto y eficiencia. Si estás creando música electrónica usando una computadora y complementos, no necesitarás salas insonorizadas o una multitud de micrófonos. Después de todo, no vas a grabar una orquesta completa, una batería o un piano de cola. Todo lo que necesita hacer es concentrarse en lo esencial y comenzar. Entonces, ¿qué equipo necesitas para montar un estudio de producción doméstico completo?

• Computadora;
• Secuenciador con complementos;
• Interfaz de audio;
• monitores;
• Auriculares;
• Micrófono;
• teclado mediano;
• Guitarra, bajo (si tocas);
• habitación tenue;
• Bastidores y alambres.

En la actualidad, ya no necesita instalar gigabytes de software en su computadora para componer su propia música. Con un secuenciador como Amped Studio, puede producir música directamente en su navegador web, ya que todas las funciones, herramientas y complementos esenciales ya están incluidos. Puede encontrar un editor de audio , un editor MIDI , sintetizadores, muestreadores y efectos de procesamiento en este secuenciador en línea. Por lo tanto, en realidad, un secuenciador en línea le permite trabajar sin ningún software adicional.

¿Qué otro equipo no es necesario para hacer música? Los monitores se pueden sustituir por auriculares de alta calidad, lo que elimina la necesidad de un tratamiento acústico en la sala. Si no tiene un teclado MIDI, simplemente puede dibujar notas con un lápiz en el editor MIDI. En Amped Studio, incluso puedes dibujar acordes completos con solo un clic. Si bien un micrófono es útil para grabar voces, no es necesario.

Como resultado, todo lo que necesitas para hacer música es una computadora, auriculares, una interfaz de audio y una conexión a Internet. Sin embargo, si no tiene monitores o un micrófono, también puede prescindir de la interfaz de audio. ¿Es posible crear música sin una computadora por completo? Hoy en día, esto se puede lograr con la producción de música móvil en un teléfono inteligente o tableta.

¿Cuáles son las formas de crear música sin usar una computadora?

Un secuenciador en línea funciona dentro de un navegador web en una computadora, computadora portátil, tableta o teléfono inteligente, lo que le permite usar cualquier dispositivo móvil conectado a Internet para componer música. Estos programas no tienen ningún requisito especial del sistema y no requieren la descarga de software, bibliotecas de muestras o instrumentos virtuales y complementos de efectos.

El formato en línea agiliza el proceso de composición musical, lo que le permite capturar rápidamente ideas musicales, incluso cuando está lejos de su computadora con un secuenciador. Simplemente abra el sitio web en su teléfono inteligente o tableta y anote una melodía, ritmo o gancho. Más tarde, cuando esté de vuelta en su computadora, puede finalizar fácilmente su proyecto.

Amped Studio, un secuenciador en línea, es increíblemente fácil de usar y ofrece una amplia gama de funciones de composición musical. Opera en un formato multipista, graba audio y MIDI desde fuentes externas y edita clips de audio y MIDI. Además, proporciona una variedad de bucles, muestras y patrones MIDI e incluye complementos e instrumentos virtuales integrados. Con estas características, ya es posible crear música únicamente con su ayuda. Aquí hay una lista de equipos básicos:

• Sintetizador;
• Dechado;
• caja de ritmos;
• Compresor;
• Igualada;
• Demora;
• reverberación;
• Horus;
• Distorsión.

Además, Amped Studio permite que se conecten VST desde una computadora, lo que no suele ser una característica de los secuenciadores en línea. Además, ofrece una característica única que convierte una melodía cantada en una secuencia de notas MIDI. Además, Amped Studio permite que varios usuarios colaboren en el mismo proyecto desde diferentes computadoras, lo cual es una característica que no se encuentra comúnmente en los programas estacionarios.

Este software es particularmente beneficioso para los creadores de ritmos, compositores y compositores que buscan crear música de manera rápida y eficiente. También es excelente para hacer arreglos musicales, y los vocalistas, guitarristas y teclistas encontrarán particularmente útil la función de grabación de sonido. Incluso los ingenieros de mezcla pueden aprovechar las capacidades de Amped Studio para equilibrar las pistas y aplicarles efectos.

¿Es necesario tener conocimientos de teoría musical para crear música?

Puede que te decepcione, pero tener algunos conocimientos de teoría musical es fundamental para un músico. Sin embargo, la buena noticia es que no es necesario memorizarlo todo. A medida que te sumerjas en el mundo musical, te familiarizarás con sus conceptos y leyes de forma natural. Incluso si no está familiarizado con la terminología, no le impide crear una melodía. Algunos músicos han dominado las técnicas y pueden generar rápidamente ideas interesantes sin conocer sus nombres técnicos.

Cuando crea música, debe distinguir entre escalas mayores y menores (y otros modos), intervalos, compases, acordes, etc. Es posible que pueda diferenciar los estados de ánimo que evocan un cuarto o un sexto, incluso si no conoce sus nombres. No hay necesidad de saber ningún término en absoluto. Si puede indicar el tempo con un número, como 120 bpm, ¿por qué necesita recordar qué significan "adagio", "moderato", "allegro", etc.?

Mucha gente se pregunta si es posible hacer música sin saber notación musical. En realidad, es difícil encontrar un productor musical que use notación musical en su trabajo y coloque puntos con banderas en el pentagrama. La lectura rápida a primera vista es útil solo para músicos de orquesta, pero no para compositores y arreglistas. Aunque el conocimiento puede hacer que su trabajo sea más fácil, más rápido y más interesante.

Algunas personas hacen música al azar, eligiendo notas de oído. Este también es un método, pero aquellos que están familiarizados con el círculo de cuartas y quintas, los intervalos, los trastes, la disposición de sostenidos y bemoles en diferentes teclas, pueden imaginar fácilmente todas las notas en su cabeza y encontrarlas rápidamente en el teclado o diapasón Cuando a un músico le falta inspiración, puede confiar en la lógica y el conocimiento, pero nunca debe ralentizarlo. La práctica siempre debe ser lo primero.

¿Cuáles son los componentes de una canción?

La mayoría de las canciones contemporáneas diseñadas para un público amplio se construyen utilizando estructuras repetitivas. No tienes que idear arreglos complicados e historias enrevesadas como en las novelas de detectives para crear música para canciones, excepto en casos de ópera u obras clásicas. Los siguientes son los componentes principales de una canción típica:

• Introducción (Introducción);
• Pareado (Verso);
• Entrando al coro (Pre-coro);
• Coro;
• Reproducción (Puente);
• Culminación (Medio, Acumulación);
• Intercambio (Drop, Solo);
• Conclusión (Outro, Coda).

Escribir música no siempre sigue un código o fórmula estrictos. No todas las piezas tienen que incluir un clímax o seguir una determinada estructura. Algunas canciones pueden terminar con un solo o un coro, mientras que otras solo repiten un verso y un coro con un arpegio en bucle continuo como acompañamiento. Incluso la entrada del coro no siempre es necesaria. A pesar de esto, es importante prestar especial atención a todos los elementos de la composición.

Introducción . Para hacer música, no hay una regla estricta a seguir. Algunas canciones populares comienzan con un verso, mientras que otras comienzan con un estribillo. La estructura de la canción estándar generalmente incluye una introducción, un puente y una coda. La introducción puede repetir la melodía del coro, una melodía específica o uno de los ganchos, pero también puede ser completamente única.

parte principal El enfoque convencional para componer música es simplemente alternar entre versos y estribillos, generalmente repitiendo cada sección dos o tres veces. Sin embargo, es importante seguir incorporando dinámicas y dramatismo. Los versos deben ser más moderados, narrativos y directos, a menudo cantados en un rango más bajo para preparar el escenario para el evento principal. El evento principal es el coro, que debe ser más dinámico, vibrante, fuerte, melódico y ricamente arreglado con notas más altas. Esencialmente, toda la canción conduce al coro.

Pre-coro . El pre-coro es un componente que a menudo se pasa por alto al crear música. Sin embargo, la incorporación de un coro previo puede mejorar el drama y hacer que la música sea más intrigante. El pre-estribillo altera el humor del verso y crea una atmósfera más intensa. Sirve como puente entre la parte pacífica y la parte explosiva de la canción, preparando al oyente para el cambio. Es similar a un semáforo en amarillo, que indica que algo emocionante está por suceder.

Construir _ Este método puede mejorar el desarrollo dramático de una pieza musical. Crea un momento de calma, una desaceleración y un cambio de humor. En algunos casos, la parte de batería se puede omitir, mientras que la melodía vocal suele sufrir un cambio. Hay varias posibilidades para esta sección, incluido el cambio de menor a mayor, la alteración del ritmo, la creación de un desglose o la transición a una clave diferente. Sin embargo, también es posible renunciar a esta parte por completo.

Solo o soltar . Al escribir música con una guitarra, es importante evitar los solos interminables. Tenga en cuenta que hay un lugar designado donde brillará la guitarra principal. Los estilos electrónicos no suelen tener solos, pero tienen gotas donde la música pasa de una sección tranquila o lenta a un ritmo de baile poderoso con sintetizadores pesados. En este punto, puede haber un rap o simplemente un repaso del verso.

coda _ Por lo general, la parte final de la composición musical suele pasarse por alto. En este punto, puede reintroducir el puente, llevar el solo a un clímax o repetir el coro para crear una conclusión para la canción. La decisión es tuya. Tienes la oportunidad de crear un final memorable creando una sección final única y creativa.

Puentes y recortes . Crear música que pase de una parte a otra sin problemas puede ser un desafío, y es posible que no todos los oyentes lo aprecien. Puede ser efectivo incluir una breve pausa o un interludio después de un poderoso estribillo, como una progresión de acordes o un solo en el puente. A menudo se agregan rellenos de batería, ganchos o pequeños cambios armónicos dentro de cada sección para agregar interés y mantener la atracción de la canción.

El desarrollo es uno de los principios básicos de hacer música . Es cierto que muchas canciones consisten en partes repetitivas, pero eso no significa que tengan que ser monótonas. Cada parte, incluido el segundo verso y el estribillo, aún debe tener alguna evolución o variación de la anterior para mantener las cosas interesantes. Esto se puede lograr agregando nuevos elementos o cambiando cosas. De hecho, es ideal introducir algo nuevo en cada latido para mantener la participación del oyente.

¿Cómo puedes crear variedad en tu música cuando se trata de versos? Puede agregar un instrumento melódico con contrapunto al segundo verso, incluir percusión, coros o una segunda guitarra, engrosar el bajo, ajustar ligeramente el charles, cambiar el arpegio de guitarra, insertar un pad de relleno o hacer que el bajo suene. rellenos adicionales. Estas técnicas también se pueden aplicar al coro.

No necesitas usar todos estos trucos a la vez. Hay infinitas posibilidades para crear música interesante, e inventar algo nuevo es la esencia de la creatividad. Cuanto más originales e innovadoras sean tus ideas, mejor. Sin embargo, la repetición también es esencial para que tu canción se quede grabada en la mente del oyente.

El proceso de hacer música requiere un equilibrio entre el uso de técnicas comprobadas y la experimentación con otras nuevas. Se trata de crear expectativas y luego subvertirlas para mantener al oyente interesado. La repetición crea un efecto hipnótico que atrae al oyente, pero romper con ese patrón puede sorprenderlo y emocionarlo. En última instancia, se trata de controlar la experiencia del oyente mediante el uso cuidadoso de la repetición y la variación.

Instrumentación y arreglo . Desde una perspectiva dinámica, exploramos cómo hacer música considerando los instrumentos y grupos instrumentales en un aspecto sincrónico. Cada canción tiene un conjunto único de instrumentos que se reproducen a lo largo de la composición, y el núcleo de la canción no debe alterarse o sonará inconexo. Entonces, ¿en qué consiste este núcleo?

La instrumentación de una canción se puede dividir en varios componentes clave, que incluyen:

• Instrumento principal, que puede ser la voz o un sintetizador principal, y sirve como punto focal de la canción;
• Sección rítmica, que consta de batería y bajo, que proporcionan el ritmo y el pulso fundamentales de la música.;
• Instrumentos de apoyo, que pueden incluir guitarra rítmica, piano, órgano u otros instrumentos que brinden apoyo armónico y rítmico;
• Segundo instrumento solista, que puede ser una guitarra solista, un sintetizador solista que interactúa con el instrumento principal u otro instrumento melódico utilizado para el drop u otras secciones;
• Rellenos, que incluyen pads, efectos, percusión y otros elementos que añaden textura y atmósfera a la música.

Para escribir música agradable y cohesiva, todas las partes deben construirse en la misma tonalidad y se debe evitar la disonancia. Si dos instrumentos tocan intervalos disonantes como tritonos o séptimas simultáneamente, puede resultar desagradable para el oído. Sin embargo, si se toca con un solo instrumento en un estilo y contexto específicos, estos intervalos pueden sonar muy bien. Además, se debe evitar la confusión rítmica.

Hacer música implica tejer líneas instrumentales juntas, limitadas solo por la imaginación del compositor. El diálogo y la melodía común entre instrumentos, así como la ejecución al unísono, son técnicas comunes, especialmente entre guitarra y bajo. Para crear un ritmo claro, todos los elementos deben ajustarse para que coincidan con el ritmo, con el bajo a menudo repitiendo parcialmente la melodía vocal y la batería impulsando el ritmo.

Cumplir con las normas de estilo al escribir música es importante, pero siempre hay lugar para la experimentación. Por ejemplo, el bajo funk es conocido por usar la síncopa, y en el metal, un riff repetitivo forma el patrón de la canción en lugar de los acordes.

Comprender la teoría musical es esencial para una composición eficaz, pero es importante aprenderla en el contexto del uso práctico. Términos técnicos como "síncope", "golpe débil", "septima" y "contrapunto" pueden necesitar aclaración, pero dominarlos a través de la práctica deliberada es la clave para retener el conocimiento.

¿Cómo se crea la canción?

Incluso hoy en día, escribir música sigue siendo una tarea desafiante. Para la persona promedio, el aspecto más mágico, complejo y crucial del proceso es la composición misma. Esto podría ser cierto para los autores que no producen su música de forma independiente. Sin embargo, en realidad, antes de que una canción se lance a una audiencia amplia, pasa por varias etapas de refinamiento. Hay varios pasos involucrados en refinar una idea aproximada:

• Composición de canciones;
• Acuerdo;
• Grabación de sonido;
• Edición;
• mezcla;
• Masterización.

En un escenario ideal, diferentes roles están involucrados en el proceso de creación de música: el autor escribe la música, el arreglista hace los arreglos, el ingeniero de grabación maneja la grabación, el ingeniero de sonido asistente hace la edición, el ingeniero de mezcla se encarga de mezclar , y finalmente, el ingeniero de masterización hace los toques finales. Sin embargo, en realidad, el autor a menudo arregla sus propias canciones y solo un ingeniero de sonido puede ser responsable de grabar, editar y mezclar.

Composición de canciones . A la persona que crea la composición musical se le conoce como autor. El autor es responsable de elaborar la melodía vocal y crear un acompañamiento básico en el piano o la guitarra. En esta etapa, otra persona puede hacerse cargo de escribir la letra. Una vez que se establece la base de la canción, el autor generalmente envía el borrador a un arreglista experimentado para que lo perfeccione aún más.

arreglo _ En realidad, la parte más mágica de crear música ocurre durante la etapa de arreglos. El arreglista es responsable de seleccionar los instrumentos, finalizar las armonías, desarrollar ideas musicales, crear transiciones y ganchos. Solo después de que se completa el arreglo, la música realmente cobra vida en todo su esplendor.

Grabación de sonido . Como mínimo, una vez finalizado el arreglo, es necesario grabar las voces limpias. Si ha escrito música con instrumentos en vivo, entonces también necesita grabar baterías, guitarras, violines, trompetas, piano de cola y cualquier otro instrumento que el arreglista haya incluido en la canción. Esto requiere tanto músicos como un estudio de grabación.

Edición _ La cuantificación de partes MIDI es un proceso sencillo, pero tratar con pistas de micrófono puede ser un desafío. Incluso si solo está trabajando con grabaciones vocales, debe seleccionar cuidadosamente las tomas, ajustar su tiempo y volumen, corregir cualquier problema de tono y eliminar el ruido no deseado, como clics, estallidos y sonidos de fondo.

mezclando _ Una vez que todas las pistas han sido pulidas a la perfección, el ingeniero de sonido comienza a trabajar con ellas. Ajustan los niveles de volumen, utilizan ecualizadores, compresores, saturadores y reverberaciones para procesar las pistas. Este también es un proceso que requiere mucho tiempo y, a veces, mezclar puede ser tan desafiante como componer la música.

Masterización _ Cuando el ingeniero de sonido ha terminado de trabajar con varias pistas, el ingeniero de masterización recibe un solo archivo: la mezcla completa. Su tarea es perfeccionar el sonido con la ayuda de monitores de primera línea, equipos de alta calidad y una sala con un tratamiento acústico ideal.

promoción _ Aunque esta etapa no involucra el proceso de escribir música en sí, es igualmente crucial. Es fundamental destinar un determinado presupuesto para publicidad, campañas promocionales y lanzamiento de la canción en plataformas de streaming. Sin una promoción adecuada, incluso un posible superéxito puede pasar desapercibido. Por lo tanto, es esencial tener esto en cuenta al trabajar en la música.

Algunos consejos para recordar

1. No dejes que la teoría te detenga . Empezar a escribir música es sencillo si no te dejas estancar pensando que no sabes lo suficiente o no tienes las habilidades necesarias. Solo use la teoría según sea necesario y consúltela cuando sienta que necesita más conocimiento;
2. Analiza tus canciones favoritas . Una excelente manera de mejorar tus habilidades de escritura musical es analizando los éxitos. Al comprender la lógica detrás de las canciones exitosas, puedes aprender a escribir como un profesional. Desglose las pistas populares e intente replicarlas, tomando nota de las soluciones interesantes. Hacer referencia a canciones exitosas también puede ser útil cuando trabajas en tu propio material;
3. Esfuérzate por la originalidad . Mucha gente cree que los creadores de música exitosos siguen algunas reglas universales. Sin embargo, si examina algunos éxitos atemporales, descubrirá que cada uno de ellos tiene su propio sabor único. Por lo tanto, no tenga miedo de experimentar e intente encontrar algo que cautive a la audiencia con su originalidad;
4. Esté atento a las tendencias . Considere explorar las preferencias de la audiencia actual para crear música que sea popular. Si bien es importante mantenerse fiel a su propio estilo musical, puede encontrar inspiración al descubrir qué resuena con los oyentes en el mercado actual;
5. Escribe música fácilmente . No te quedes atascado en los arreglos musicales durante demasiado tiempo. Trate de completarlo rápidamente y evite quedarse atascado en el proceso. Muchos músicos luchan con demos sin terminar porque se ven atrapados tratando de hacerlo perfecto. Es importante saber cuándo priorizar la finalización sobre el perfeccionismo.

El consejo más importante es tomar acción. No espere a tener una comprensión perfecta de la teoría musical, adquiera equipos o complementos costosos. La práctica y la experiencia te enseñarán más que cualquier conocimiento o herramienta teórica.

Si no tiene monitores de estudio, use auriculares. Si no puede pagar el software, use el secuenciador en línea gratuito. Hoy, puedes empezar a hacer música simplemente encendiendo tu computadora. Eventualmente adquirirá el equipo que desea, pero mientras tanto, concéntrese en usar lo que tiene para desarrollar sus habilidades. Quién sabe, es posible que ya seas un gran productor cuando consigas el equipo de tus sueños. Todo depende de usted.