Gestión musical

¿Cómo convertirse en manager musical?

No puedes simplemente lanzarte a la profesión de manager musical “fuera de la calle”; necesitas conexiones en la industria de la música, un profundo conocimiento de la música y conocimiento de las preferencias de la audiencia. Si no tienes experiencia, empieza por trabajar con artistas emergentes: muchos de ellos contratan como managers a sus amigos, conocidos o personas recomendadas por otros músicos. Otra forma es aprender de profesionales para establecer conexiones, adquirir el conocimiento necesario y conocer artistas, lo que luego puede conducir a un trabajo de tiempo completo en la industria.

¿Cómo se estructura el equipo de un artista?

El manager personal del artista es una figura clave que interactúa con el propio músico y coordina el trabajo de todo el equipo. Independientemente de si realiza las tareas él mismo o las delega en otros, su función principal es ser el vínculo entre el artista y todos los demás miembros del equipo.

El productor es responsable del material musical. Dependiendo de la escala del artista, puede haber varios productores, cada uno de los cuales se dedica a finalizar las pistas, los arreglos, la colocación de las canciones en el álbum y otros aspectos. En Rusia, el productor suele ser un ingeniero de sonido que mezcla el material.

El gerente de marketing participa en todas las plataformas digitales: envío de materiales promocionales, trabajo con los medios, organización de actividades, mantenimiento de redes sociales e interacción con la audiencia. Su tarea es promover la música y aumentar la popularidad del artista.

El targetólogo es el responsable de la publicidad en las redes sociales. Define el público objetivo, analiza la eficacia de las campañas publicitarias y decide la mejor manera de promocionar la música.

Un director de conciertos organiza espectáculos, desarrolla estrategias de gira y garantiza que los conciertos sean rentables.

Un abogado es un miembro indispensable del equipo. Comprueba los contratos con las discográficas, ayuda a redactar documentos para conciertos, comprende las cuestiones de derechos de autor y asesora sobre cuestiones legales, lo cual es especialmente importante para prevenir posibles problemas.

Un contador es responsable de los impuestos y los informes financieros.

¿Por qué un músico necesita gestión?

La gestión de artistas es un proceso complejo que involucra a diferentes especialistas según sus funciones y roles. A medida que crecen las necesidades del artista, se agregan nuevas personas a su equipo que pueden satisfacer estas necesidades. Si un músico recién comienza su carrera, su gerente personal puede desempeñar todos los roles él mismo, o el artista se dedica a su propia gestión.

El directivo actúa como intermediario entre el artista y el mundo exterior, gestionando sus recursos musicales, de imagen y concertísticos.

El recurso musical incluye la creación de canciones, grabación y producción de fonogramas. El director trabaja con este recurso en todas las etapas, desde la idea hasta la copia maestra terminada de las pistas.

El recurso de imagen se refiere a la base de fans, la imagen pública del artista y el interés de los medios de comunicación por él. El manager desarrolla este recurso, contribuyendo al crecimiento de la popularidad del músico.

El recurso de concierto está asociado con actuaciones en diversos eventos, desde conciertos en solitario hasta eventos promocionales.

¿Todos los artistas tienen managers?

No todos. Los aspirantes a artistas suelen hacer todo por su cuenta, ya que su tarea principal es escribir música y actuar. Se necesita un directivo para convertir la música en un producto y llevarlo al mercado. Esta es la persona que conecta al artista con el público y el mundo de la industria musical. Los músicos normalmente no tienen tiempo suficiente para realizar todas estas tareas.

¿Qué cualidades necesita un gerente?

Un artista manager debe ser un generalista, capaz de afrontar diferentes tareas. Debe poder comprobar contratos, dar comentarios sobre el sonido e interactuar tanto con las marcas como con los fans. Aunque no es necesario ser un abogado profesional, es importante comprender los matices legales y supervisar el trabajo de los especialistas.

La independencia es una cualidad clave de un gerente. Un músico a menudo no sabe exactamente qué debe hacer su manager, por lo que la falta de iniciativa y la pasividad son inaceptables aquí. Además, un gerente debe conocer bien la industria de la música, comprender los problemas de transmisión, derechos de autor, promoción y otros aspectos del trabajo. Si delega tareas en otros especialistas, debe comprenderlas hasta el más mínimo detalle.

¿Un gerente o un equipo?

La mayoría de los artistas principiantes tienen un manager que asume todas las responsabilidades. A medida que crece la popularidad del músico, él o ella puede tener un equipo donde cada miembro tiene su propio rol. Por ejemplo, los artistas exitosos que ya tienen una gran audiencia suelen tener un director de gira independiente. En el caso de artistas contratados por un sello importante, se suele utilizar una opción de gestión híbrida, en la que el sello y un manager personal trabajan juntos.

¿Por qué es importante determinar el posicionamiento del artista?

Un posicionamiento claro de los artistas es la base de su éxito. El artista debe entender a qué público se dirige y transmitir un mensaje claro. La posición debe corresponder a su carácter: no se puede intentar convertir a una persona modesta en una estrella de rock atrevida; esto parecerá antinatural.

Lo mismo se aplica a las liberaciones. El manager debe evaluar el estado de ánimo del próximo sencillo o álbum, comprender lo que el artista quiere transmitir a los oyentes y comprobar en qué medida el componente visual coincide con la música. En el contexto de una enorme cantidad de música nueva, es importante hacer que el producto sea competitivo. El gerente debe encontrar formas de hacer que el artista se destaque entre la multitud; esto puede ser un posicionamiento inusual, soluciones creativas en las redes sociales o una imagen brillante que llame la atención. Un posicionamiento bien desarrollado ayuda al músico a encontrar su nicho y retener la atención del público, a pesar de la alta competencia en la industria de la música.

¿Cómo saber si puedes ganar dinero con la música de un artista?

Es difícil. Por supuesto, hay managers que pueden saber por un tema si un artista puede tener éxito comercial, pero esto requiere mucha experiencia, así como un buen conocimiento del mercado y del público. En la mayoría de los casos, la comprensión llega durante el proceso de trabajo. Durante este período, aconseja observar la dinámica de crecimiento de la audiencia, los precios de las actuaciones que se ofrecerán al artista, el número de entradas vendidas para los conciertos y el interés de los anunciantes. Si la audiencia no crece, los anunciantes se muestran reacios y las entradas no se venden bien, es necesario revisar la estrategia de promoción o separarse del artista.

Cómo debería trabajar un manager con un recurso musical

Muchos artistas trabajan con un recurso musical de forma independiente y no quieren que un manager participe en este proceso. A veces, el papel del manager es sólo reservar un estudio o comprar un ritmo para una canción, pero hay situaciones en las que el manager se involucra más activamente en el proceso creativo: por ejemplo, se dedica plenamente a organizar el tiempo del artista, controla plazos, crea condiciones cómodas para ellos y busca un equilibrio entre el estímulo y algunas críticas razonables. Al trabajar con el recurso musical del artista, es importante que el gerente comprenda cuán independiente es su cliente y qué tipo de ayuda necesita. El trabajo personal con el artista a veces se parece al trabajo de un psicólogo: escribir música es el proceso número uno en el que es importante mantener la ética laboral. Cuando trabaja sobre el material, el artista se encuentra en el estado más vulnerable. Debes inspirar al músico y ayudarlo. Es muy importante crear comodidad para el artista. Recuerda que siempre estás de su lado: incluso si están completamente equivocados, las conversaciones deben comenzar con apoyo. Al mismo tiempo, es importante prevenir el propio agotamiento: el gerente debe introducir un horario de trabajo y reglas de interacción.

Ok, ¿cuánto puedes ganar?

Si un artista tiene un solo manager, normalmente trabaja por un porcentaje de los honorarios del músico, normalmente entre el 10 y el 20%. Si el artista tiene un equipo, entonces el esquema de ganancias puede ser más complicado. En algunos casos, los honorarios del artista, por cuantiosos que sean, se dividen entre todo el equipo del músico. En otros casos, algunos empleados reciben una tarifa fija y otros reciben un porcentaje de los ingresos. Por ejemplo, un director de gira recibirá una parte de los ingresos de los conciertos y un agente de prensa (es decir, una persona responsable de comunicarse con los medios y los anunciantes) recibirá un salario.

Bien, ¿por dónde empezar a trabajar?

Una de las primeras tareas de un manager es distribuir la música del artista en tantas plataformas como sea posible: redes sociales, medios y, por supuesto, servicios de streaming. Pueden promocionar la música del artista a través de su sistema de recomendaciones, incluirla en las principales listas de reproducción, lo que ayudará al músico a conseguir una nueva audiencia. Acordar la cooperación con los socios de streaming y explicarles por qué es su artista el que necesita ser promocionado es precisamente el trabajo del manager.

Cómo organizar el trabajo en lanzamientos promocionales

La preparación para la promoción de un próximo lanzamiento debería comenzar mucho antes de la fecha de lanzamiento. Esto le da a los medios tiempo para familiarizarse con el material y al gerente, la oportunidad de establecer contacto con los servicios de música y preparar toda la información necesaria para las distintas plataformas. Cada distribuidor tiene sus propios requisitos para las solicitudes de promoción y es importante familiarizarse con ellos con antelación para evitar retrasos. En el proceso de campañas promocionales se utilizan herramientas como la publicidad dirigida y la siembra de publicidad, que ayudan a llegar al público objetivo.

Aunque la influencia de los medios tradicionales sobre los oyentes ya no es tan grande como antes, no se debe ignorar la prensa, los blogs, los canales de televisión y la radio. Por ejemplo, las estaciones de radio pueden aumentar significativamente la cantidad de Shazams, especialmente para pistas de los géneros de música dance o pop. Cada recurso puede ofrecer sus propias ventajas únicas y es importante aprovecharlas al máximo. Además, los medios de comunicación pueden crear una imagen del artista que le resulta difícil formarse por sí solo.

El artista debe tener un plan de contenidos que cubra todas las plataformas, desde Instagram y TikTok hasta YouTube. También es importante realizar actividades de fans en las redes sociales, como concursos de portadas, para mantener el interés de la audiencia. Sin una interacción constante con la base de fans, puede reducirse gradualmente. Cuanto más famoso es el artista, más oportunidades para la creatividad. Aunque las estrellas mundiales pueden permitirse promociones a gran escala y proyectos especiales, los aspirantes a músicos también deberían desarrollarse en esta dirección. Incluso sin gran fama, puedes participar en proyectos especiales de nicho, grabar compilaciones temáticas, crear versiones en vivo o remezclas con DJ interesantes.

¿Cómo organizar conciertos?

Es importante que el gerente de un artista en ciernes domine las habilidades de organizar conciertos de forma independiente. Este proceso incluye cuatro etapas principales:

1. Definir el propósito y público del evento. Comprender quién es su espectador potencial le ayudará a prepararse y elegir mejor las estrategias de promoción adecuadas;
2. Elegir un lugar. El lugar debe coincidir con la escala del evento y las expectativas de la audiencia;
3. Calcular el presupuesto y determinar el precio del billete. Esta etapa incluye calcular todos los costos y fijar un precio de entrada que sea beneficioso tanto para el artista como para el público;
4. Realización de una campaña promocional. Esto incluye anuncios en redes sociales, noticias en medios de comunicación, impresión de carteles y volantes.

¿Qué buscar al organizar un concierto?

En la era del streaming, la industria de los conciertos ha cambiado mucho. La música es de fácil acceso y la promoción es casi instantánea, pero esto no garantiza el éxito en los conciertos. Por ejemplo, una pista puede volverse viral, pero esto no significa que el artista podrá reunir a una gran audiencia en una actuación en vivo. Por el contrario, una banda de rock que no es muy popular en streaming puede atraer grandes salas, mientras que los autores de éxitos de dance y rap con millones de reproducciones sólo pueden reunir una pequeña audiencia en sus shows en vivo.

La publicidad de conciertos se basa en los mismos principios que la publicidad de lanzamientos. Es importante que el gerente encuentre un contratista confiable que establezca campañas publicitarias de manera efectiva y garantice la venta de entradas. Los conciertos también brindan una excelente oportunidad para vender productos, y el gerente debe organizar su entrega y venta in situ con anticipación. Al planificar una gira, el gerente debe tener en cuenta todos los detalles: pensar en la logística, crear un cronograma de la gira, anotar cuidadosamente los itinerarios personales y técnicos, manteniendo un equilibrio entre la comodidad del artista y los costos, y también estudiar los sistemas de entradas y establecer un proceso de venta de entradas.

Conciertos y distribución de discos: ¿eso es todo?

Por supuesto que no. El trabajo de un director musical no se limita a organizar conciertos y distribuir discos. Una parte importante de la actividad es la cooperación con marcas, la participación en proyectos de patrocinio y colaboraciones. Hoy en día, las marcas buscan activamente artistas para cooperar, ofreciéndoles convertirse en embajadores, participar en festivales o proyectos especiales en diversas plataformas. Otra forma de ganar dinero es conceder licencias de música, lo que incluye la venta de pistas para su uso en películas, televisión o publicidad. En este caso, el gerente debe poder trabajar eficazmente con editores de música y abogados.

¿Cómo comunicarse con los artistas?

La comunicación con los artistas debe basarse en los principios del profesionalismo. Es importante separar claramente las relaciones personales y laborales, así como definir detalladamente las responsabilidades para evitar posibles conflictos. Los artistas son personas con una alta sensibilidad emocional y trabajar con ellos puede resultar complicado. Como dicen muchos directivos profesionales, “un buen artista es una fábrica de emociones”, y la interacción con ellos inevitablemente irá acompañada de ciertas dificultades. Por tanto, una de las tareas importantes de un directivo es mantener su propia estabilidad emocional y objetividad. "La cabeza siempre debe estar un poco más fría", señalan los expertos. Las relaciones bien establecidas con un artista también ayudarán al gerente a proteger sus intereses en caso de ruptura, tanto financiera como reputacionalmente.

¿Por qué un gerente debería entender las cuestiones legales?

Primero, un gerente debe asegurarse de que el artista esté registrado legalmente de manera adecuada. Si el músico sigue siendo un individuo, esto puede generar muchos problemas con los contratos y los impuestos. Por tanto, se recomienda registrar al artista como autónomo o empresario individual (IE).

Mantener registros financieros y monitorear los pagos de impuestos también son responsabilidades del gerente para evitar problemas con la ley. Hasta que el artista gane cantidades significativas, se puede posponer la presentación de impuestos, pero tan pronto como sus ingresos comienzan a crecer, esta cuestión se convierte en una prioridad.
Además, el administrador debe controlar la concesión de licencias de vías. El artista que escribió la canción es su autor y propietario del fonograma. Para monetizar una pista, es necesario transferir los derechos de su uso al sello o al distribuidor mediante la celebración de un acuerdo adecuado. El gerente debe comprender todos los matices de dichos acuerdos para proteger los derechos de su artista y evitar transferir los derechos de la canción para siempre o concluir condiciones desfavorables.

¿Por qué es importante detallar los términos de cooperación con el artista?

Uno de los errores más comunes que cometen los managers es la falta de un contrato formal con el artista para su trabajo. Esto puede generar serios problemas, porque en cualquier momento puede surgir un conflicto o un malentendido sobre las condiciones de cooperación. Para evitar tales situaciones, es necesario asegurar todos los acuerdos legalmente. Los términos claramente detallados en el contrato ayudarán a crear una base sólida para una cooperación exitosa y garantizarán la claridad en la relación.

El estándar internacional de cooperación entre un manager y un artista varía del 10 al 20% de los ingresos. Para las superestrellas, este porcentaje suele rondar el 10%, mientras que para los principiantes es del 20%. Es importante considerar de qué monto se calcula este porcentaje: de los ingresos brutos (todos los ingresos del artista) o del beneficio neto. Si el gerente recibe un porcentaje de todo el dinero entrante, es importante comprender qué gastos corre el artista. En algunos casos, los ingresos pueden ser mínimos y los gastos significativos, y entonces tiene sentido acordar condiciones más flexibles. Por ejemplo, un gerente puede recibir el 15% de los ingresos totales de un artista, pero no más del 50% de sus ganancias netas, para garantizar una distribución justa de los ingresos.

Por qué es importante que un gerente se adapte a los cambios de la industria

Los roles en el equipo de un artista han cambiado significativamente en los últimos años, y esto no es algo que se enseña en las escuelas de música o en los libros de texto tradicionales. La industria es tan dinámica que todo cambia cada seis meses. La información que era relevante hace unos años puede estar desactualizada e ineficaz hoy. Es importante que un directivo actualice constantemente sus conocimientos y siga las últimas tendencias.

Los cambios tecnológicos también han afectado mucho al proceso de grabación de música. Hoy en día, la calidad del sonido ya no depende del coste del equipo de estudio. Cada vez más artistas crean álbumes exitosos en casa, lo que hace que el manager se centre en revelar el talento del artista y no en las condiciones de grabación.

El proceso de lanzamiento de música también ha cambiado drásticamente. La distribución se ha vuelto más accesible gracias a la aparición de muchos sellos y agregadores independientes. Cada vez más artistas especializados encuentran oyentes en una variedad de géneros. Las discográficas ya no invierten grandes cantidades de dinero en promocionar nuevas estrellas, sino que se centran en el análisis de las redes sociales. En estas condiciones, es mejor para un artista empezar a trabajar de forma independiente, en lugar de esperar la ayuda de los sellos. El umbral de edad para ingresar a la industria también ha cambiado. Si antes los artistas jóvenes a menudo se convertían en estrellas, hoy, incluso después de los 30-35 años, cuando lanzan sus primeros éxitos grabados con sus propios fondos, se convierten en músicos de éxito.

La monetización de los lanzamientos también ha sufrido cambios importantes. Hoy en día, los artistas reciben regalías no sólo por las ventas y streaming de música, sino también por cuentas en redes sociales, vídeos en YouTube y otras plataformas digitales. Es importante distribuir contenido tanto como sea posible en todas las plataformas disponibles para aumentar los ingresos y la popularidad.

Las redes sociales han cambiado radicalmente el mecanismo de interacción entre un artista y un público. Ahora un músico no es una figura inalcanzable, pero puede comunicarse diariamente con sus fans, recibir comentarios de ellos y hablar sobre sí mismo. Sin embargo, esto también crea nuevos desafíos, ya que los músicos comienzan a ser percibidos como personas comunes y corrientes, lo que puede complicar el trabajo con una base de fans.

Incluso la contabilidad y la gestión documental están cambiando en la era digital. Cada vez aparecen más servicios en línea que simplifican los cálculos de impuestos y los informes financieros. Sin embargo, la legislación no siempre se adapta a estos cambios y, a menudo, hay que trabajar con una gran cantidad de documentos.

¿Cuánto tiempo se tarda en aprender?

El aprendizaje en la industria de la música es un proceso continuo. La industria cambia constantemente y surgen nuevas plataformas de distribución, lugares y festivales. Es importante estar preparado para aprender y adaptarse continuamente, como en cualquier otra profesión.