Programación de batería

Dominar las habilidades de programación de batería es un elemento clave en el conjunto de habilidades de cualquier productor musical. La práctica comenzó con la llegada de las primeras cajas de ritmos en la década de 1980, que rápidamente ganaron popularidad, reemplazando a los bateristas en vivo y expandiendo el uso de la batería en la producción musical.

Hoy en día, con la música moderna tan dependiente del ritmo, la capacidad de programar la batería de manera efectiva puede marcar la diferencia en el éxito de un productor musical. La gente siente instintivamente un buen ritmo, sin siquiera darse cuenta a nivel consciente. Incluso sin conocimientos musicales, reconocerás una canción con una programación de batería de calidad.

Los programadores de batería profesionales enfatizan la importancia de la atención al detalle. Un patrón de batería convencional, como cuatro hasta el suelo, utilizando patrones estándar 808, puede sonar cursi. Pero complementarlo con muestras únicas, síncopas, efectos y otros elementos le aportará novedad e interesará al oyente.

Únase a nosotros mientras exploramos las complejidades de la programación de batería y aprendamos cómo aplicar técnicas profesionales a sus proyectos. Vale la pena señalar que la programación de batería es diferente de la síntesis: no siempre implica crear muestras o sonidos desde cero, aunque muchos productores incorporan la síntesis de batería en su flujo de trabajo. La tarea principal es crear y manipular patrones de batería, creando permutaciones, bucles y variaciones a partir de ellos.

La importancia de una excelente programación de batería

Es difícil explicar exactamente por qué un loop de batería nos da una sensación particular de conexión sobre otro, pero la palabra más cercana para describir este sentimiento es groove. El groove es necesario para la música, porque sin él es difícil seguir el ritmo de la danza y el movimiento.

Para casi todos los temas que haces, el ritmo es la base, excepto cuando se trata de algún trabajo inusual, ambiental o experimental. Lo más probable es que tu objetivo sea hacer bailar a la gente y animar sus movimientos mientras escuchas tus temas.

Afortunadamente, no existe una única forma correcta de encontrar ese ritmo, y existen muchos enfoques diferentes, ya sea que estés trabajando en una pista de hip-hop de 100 BPM o en una pista de batería y bajo de 175 BPM.

Conceptos básicos de programación de batería

Para entender cómo funciona un groove, es importante empezar por aprender los conceptos básicos de la programación de batería. Al analizar y desglosar los ritmos exitosos, puede lograr un éxito significativo. Como ya mencioné, la batería es la base de casi toda la música moderna. El productor necesita aprender a crear esta base antes de pasar a los aspectos más complejos de la programación de batería.

Con ese telón de fondo, echemos un vistazo más de cerca a los diferentes elementos de un ritmo de batería típico y cómo estos componentes pueden interactuar para formar el marco rítmico de una pista.

patada

El bombo, o bombo, suele servir como base para la mayoría de los ritmos de batería. En géneros que van desde el rock hasta el hip-hop y el house, el bombo es el elemento que capta nuestra atención y nos conecta con el ritmo de la composición. Me gusta pensar en el bombo como el elemento más poderoso e impactante de una batería.

Cuando programo partes de batería, me gusta mantener el bombo más estrictamente dentro de la cuadrícula rítmica que otros elementos de batería. El bombo influye en gran medida en las características sonoras de una pista, incluido su género y características estilísticas.

Contratiempo

Uno de los primeros elementos que un productor suele añadir a un loop de bombo es un contratiempo. El ritmo de fondo, también conocido como dos y cuatro tiempos en un ritmo de batería, generalmente se realiza usando una caja o una palmada. Este elemento sirve como una forma importante de síncopa, agregando impulso y energía que ayuda a definir el ritmo del patrón de batería. Más adelante también veremos cómo se pueden manipular los tiempos de fondo para darles un sonido más natural.

Platos

Los platillos ocupan el registro superior del conjunto de instrumentos de percusión tradicional. El uso de semicorcheas o patrones asincrónicos en el charles puede agregar energía adicional al patrón general de batería, mientras que los platillos crash y otros tipos de platillos ayudan a resaltar diferentes partes de la pista y mejorar su dinámica.

Me gusta incluir otros instrumentos rítmicos de alta frecuencia en esta categoría, como la pandereta y la coctelera. Estos instrumentos de percusión adicionales se pueden utilizar para agregar matices de textura y swing a los ritmos estándar.

Sonidos de percusión

Además de los shakers y las panderetas, existen muchos otros instrumentos de percusión que pueden agregar acentos sincopados, crear capas y agregar elementos de textura únicos a sus patrones de batería. La belleza de la percusión en el contexto de la programación de batería es la amplia gama de posibilidades para la selección y colocación de muestras.

La gama de instrumentos de percusión es enorme: desde bongos hasta triángulos, desde bloques de madera hasta marimba y mucho más. La clave aquí es seleccionar muestras de alta calidad que encajen armoniosamente, agreguen dinámica y encajen naturalmente en el ritmo general.

Considere usar bucles

Si eres nuevo en la producción musical o simplemente estás leyendo este artículo, es posible que hayas encontrado algunas percepciones negativas sobre el uso de bucles en la producción musical. Sin embargo, los bucles muestreados pueden ser una herramienta valiosa para añadir complejidad y animar tu programación de batería.

También creo que los bucles muestreados pueden ser especialmente útiles para enseñar combinaciones de audio y MIDI. Incluso si no planeas incluirlos en la mezcla final, un bucle bien elegido puede inspirar creatividad y acelerar el proceso de producción musical.

Al no utilizar bucles debido a su mala reputación inmerecida, se está privando de una herramienta importante en su flujo de trabajo y creando obstáculos innecesarios.

Ir más allá de lo convencional

Una vez que haya dominado las habilidades básicas de programación de batería, podrá comenzar a dominar los aspectos más avanzados de este arte. Introducir síncopas, patrones rítmicos únicos y matices sutiles puede llevar tu ritmo de batería al siguiente nivel.

Definitivamente es útil comenzar con patrones de batería clásicos, pero con el tiempo probablemente querrás explorar métodos de programación de batería menos convencionales. Esto ayudará a que tus pistas se destaquen y tengan un lugar único entre el resto de la música.

Síncopa

La síncopa es algo que te puede resultar muy útil a la hora de estudiar un tema más profundamente. A los efectos de este artículo, me gustaría ofrecer una breve descripción general de la síncopa y cómo puede ampliar tus horizontes creativos y animarte a abordar la música desde una perspectiva poco convencional.

Contratiempo

La síncopa con acentos en el segundo y cuarto tiempo se hizo popular alrededor del siglo pasado. Este estilo está tan arraigado en la música moderna que es difícil imaginar que alguna vez haya sido líder en síncopa. En la síncopa, el énfasis suele estar en los tiempos “dos y cuatro”, a diferencia de los tiempos tradicionales “uno y tres”.

Al experimentar con un ritmo de fondo estándar, puede agregar dinámica, amplitud o cualquier otra característica necesaria para lograr el efecto atmosférico deseado.

Excéntrico

La síncopa fuera de tiempo se utiliza para enfatizar un ritmo que está fuera del patrón de tiempo fuerte normal. Los platillos y otros elementos de percusión se utilizan a menudo para crear síncopas fuera de ritmo. Si escuchas la mayoría de las pistas house, notarás cierta síncopa fuera de ritmo en los charles. Estos charles suelen estar situados en la “i” en el conteo 1-2-3-4 – entre 1 y 2, 3 y 4.

Suspensión

La síncopa suspensiva puede crear un énfasis notable al arrastrar o prolongar un elemento del compás anterior al siguiente. Este tipo de síncopa es único porque viola las ideas convencionales de ritmo, creando un efecto en cascada. Esto une los compases y le da a la composición musical mayor flexibilidad y fluidez.

Golpe fallido

Este tipo de síncopa es uno de mis favoritos porque pone énfasis en lugares inesperados. Al utilizar la síncopa de salto, puede crear ritmos de batería originales e inusuales que lleven al oyente a esperar golpes de batería o percusión que no llegan o llegan un poco antes de lo esperado.

Esto es especialmente notable en la música trap, donde los productores a menudo colocan los bombos en lugares inesperados, creando así una sensación de anticipación o tensión.

Sobres de batería

Uno de los aspectos clave, pero que a menudo se pasa por alto, de la programación de batería son los descansos entre golpes. Los conceptos de espacio y silencio juegan un papel importante en la música y deben considerarse cuidadosamente al crear obras musicales.

Tenga en cuenta que sin un uso eficaz del ecualizador y la compresión, la mayoría de las mezclas no sonarán armoniosas. Del mismo modo, la mayoría de los ritmos de batería no alcanzarán su máximo potencial sin una cuidadosa afinación de las envolventes.

Por ejemplo, elementos de percusión largos en un ritmo rápido pueden crear una sensación de lentitud o distancia. Una muestra de batería larga en una pista de 160 BPM puede parecer lenta.

Con los DAW modernos equipados con sampler, las envolventes ADSR de las muestras se pueden manipular para crear ritmos más ajustados o más flexibles, proporcionando el espacio tan necesario en los arreglos de batería.

En una pista rápida, puedes acortar la duración de la batería para evitar que se superpongan con otras muestras. En una pista lenta, por otro lado, puedes aumentar la duración de la patada para llenar el vacío entre los golpes principales.

Esto no solo mejorará la densidad y la confianza de sus surcos, sino que también creará más espacio para que quepan diferentes muestras sin que se superpongan entre sí.

percusión melódica

Muchos productores de baterías no prestan suficiente atención a la percusión melódica, aunque puede desempeñar un papel clave en la creación de ganchos melódicos únicos sin depender de instrumentos melódicos tradicionales como sintetizadores, teclados o guitarras.

Usar instrumentos de percusión melódicos para crear un gancho melódico en una canción puede agregar una capa única y atractiva a tu ritmo. Hay varios enfoques que suelo utilizar en mis composiciones, pero la clave es encontrar instrumentos de percusión con una tonalidad distinta.

Numerosos instrumentos de percusión, como los steel drums y las marimbas, tienen una tonalidad distinta que les permite darles forma de melodías. Es importante tener estos tambores melódicos afinados para adaptarse a tu pista para que puedas usarlos para crear melodías y riffs simples.

Incluso si no usas instrumentos de percusión melódica para crear melodías por sí solos, puedes usarlos para crear patrones rítmicos responsivos, interactuando con melodías o frases específicas en tu pista, o servir como capas para pistas como voces o melodías de sintetizador. mejorando las composiciones energéticas generales.

Los instrumentos de percusión son especialmente eficaces en géneros como el techno y el house. En estilos que se centran en ritmos de baile, los instrumentos de percusión melódica pueden ofrecer una forma más sofisticada de crear melodías.

percusión melódica

Muchos productores de baterías no prestan suficiente atención a la percusión melódica, aunque puede desempeñar un papel clave en la creación de ganchos melódicos únicos sin depender de instrumentos melódicos tradicionales como sintetizadores, teclados o guitarras.

Usar instrumentos de percusión melódicos para crear un gancho melódico en una canción puede agregar una capa única y atractiva a tu ritmo. Hay varios enfoques que suelo utilizar en mis composiciones, pero la clave es encontrar instrumentos de percusión con una tonalidad distinta.

Numerosos instrumentos de percusión, como los steel drums y las marimbas, tienen una tonalidad distinta que les permite darles forma de melodías. Es importante tener estos tambores melódicos afinados para adaptarse a tu pista para que puedas usarlos para crear melodías y riffs simples.

Incluso si no usas instrumentos de percusión melódica para crear melodías por sí solos, puedes usarlos para crear patrones rítmicos responsivos, interactuando con melodías o frases específicas en tu pista, o servir como capas para pistas como voces o melodías de sintetizador. mejorando las composiciones energéticas generales.

Los instrumentos de percusión son especialmente eficaces en géneros como el techno y el house. En estilos que se centran en ritmos de baile, los instrumentos de percusión melódica pueden ofrecer una forma más sofisticada de crear melodías.

ser baterista

Uno de los principios clave pero simple de programar baterías realistas es pensar como un baterista real. Si bien puede ser divertido experimentar con ritmos inusuales y extravagantes, para lograr realismo debes asegurarte de que tus partes de batería y percusión puedan ser interpretadas por un baterista en vivo.

La programación de partes de batería que están más allá de las capacidades humanas puede revelar inadvertidamente el uso del software. Por ejemplo, pocos bateristas reales podrán tocar un ritmo de 64 notas en un charles a 150 BPM, mientras que un ritmo simple de cuatro en el piso al mismo tempo es perfectamente factible.

Para comprender mejor lo que un baterista real puede y no puede tocar, es útil escuchar presentaciones en vivo. Escuche atentamente algunas de sus pistas favoritas, prestando atención a los ritmos de batería utilizados, para tener una idea de lo que se considera realista en la batería.

Usando un instrumento MIDI

Al programar baterías que suenan al mismo volumen y perfectamente sincronizadas, queda claro que se ha utilizado software. Una forma de hacer que el sonido sea más realista es utilizar instrumentos MIDI. Es posible que no tengas acceso a grabaciones de batería en vivo, pero puedes usar una batería electrónica conectada al programa para tocar la batería en tiempo real.

A menudo prefiero este enfoque cuando trabajo con Addictive Drums 2, ya que proporciona realismo sin tener que entrar en escenarios complejos. Si no eres baterista, puedes usar un teclado MIDI o un pad de batería.

Independientemente del hardware que esté utilizando, crear patrones de batería usando MIDI ayudará a que su pista suene mucho más realista debido a la variabilidad de la sincronización y la dinámica. Sin embargo, incluso sin instrumentos MIDI se pueden lograr resultados similares, aunque puede requerir más tiempo y esfuerzo.

No te vuelvas loco con la cuantización

Cualquier baterista experimentado le dirá que la clave para tocar la batería es el control del tempo. Pero ni siquiera los mejores bateristas son perfectos, y al grabar percusiones en vivo, notarás que algunos ritmos se desvían ligeramente de la cuadrícula rítmica de tu DAW. Esta ligera fluctuación en el tempo es lo que le da realismo al ritmo.

La mayoría de los DAW modernos ofrecen la posibilidad de cuantizar notas MIDI, bloqueándolas en una cuadrícula rítmica. La cuantización le permite corregir imprecisiones en el tempo vinculando notas a una cuadrícula.

Si bien la cuantización puede ayudar a mejorar el ritmo, su uso excesivo puede dar a las pistas un sonido mecánico y artificial. Al programar manualmente, es mejor dejar algunas notas ligeramente desplazadas de la cuadrícula para que suenen más naturales. Puede comenzar cuantizando todo el patrón de batería para fijar su posición y luego ajustar manualmente las notas para que estén ligeramente por delante o por detrás del ritmo.

La decisión de si los tiempos deben colocarse antes o después del conteo depende de la naturaleza de la pista. Para un sonido más dinámico, puede colocar los charles ligeramente delante de la rejilla, o para un sonido más relajado, colocarlos ligeramente detrás.

Muchos DAW ofrecen distintos niveles de cuantización, lo que permite a los productores elegir el grado en que las notas están bloqueadas en la cuadrícula. Los niveles de cuantización más bajos hacen que los ritmos sean más naturales, mientras que los niveles de cuantización más altos bloquean los elementos firmemente en la cuadrícula rítmica.

Ajuste de velocidad

Otro elemento clave para hacer que las partes de batería suenen más realistas es ajustar la velocidad del ritmo. La velocidad de la nota MIDI determina el volumen al que se activa la muestra. Una nota tocada a alta velocidad sonará más fuerte y enérgica, mientras que una nota tocada a baja velocidad sonará más suave y silenciosa.

Puedes enfatizar ciertos ritmos en tus ritmos variando la velocidad de las notas. Esto es similar al enfoque de un baterista que enfatiza los éxitos más significativos tocándolos con más fuerza. Por ejemplo, en un ritmo de punk rock estándar, el énfasis suele estar en el segundo y cuarto tiempo de cada compás, mientras que en un ritmo de reggae de un tiempo el énfasis suele estar en el primer tiempo.

Al ajustar la velocidad de las notas, vale la pena pensar en cómo tocarías el ritmo en la vida real. Puede resultar útil grabarse tocando un ritmo para ver qué tiempos enfatiza intuitivamente. Luego puede ajustar la velocidad de su ritmo MIDI en consecuencia, según las características que observe en su grabación.

Humanización

Muchos DAW vienen equipados con funciones de "humanización" que realizan ajustes sutiles en la sincronización y la velocidad de las notas. Esta característica de “humanidad” puede ser muy efectiva para hacer que los ritmos MIDI suenen más naturales sin sonar robóticos.

Sin embargo, debes tener cuidado al utilizar la función humanizar, ya que la forma más precisa de determinar las notas acentuadas es a través de la intuición. Puede resultar difícil para una computadora detectar con precisión cambios en la velocidad y el tiempo en función de la sensación, y la aplicación accidental de estos matices sutiles puede hacer que su batería MIDI suene menos convincente.

Utilice bucles reales

Una forma sencilla y eficaz de añadir más realismo a tu batería MIDI es utilizar bucles prefabricados. A menudo encuentro que combinar baterías MIDI programadas con loops en vivo ofrece un gran equilibrio entre control y realismo.

Utilizando instrumentos de batería virtuales como Addictive Drums 2 o Steven Slate Drums, que ofrecen ritmos MIDI integrados, puedes comenzar con estos bucles MIDI ya preparados como base para tus ritmos. Estos ritmos MIDI fueron grabados por bateristas reales, lo que garantiza que el tempo y las características de velocidad perfectos ya estén afinados.

Luego puedes usar patrones individuales de estos bucles MIDI prefabricados en otros proyectos, aplicándolos a diferentes instrumentos. Por ejemplo, se puede utilizar un patrón de batería de una pista MIDI para activar otras muestras, como el sonido de un aro o una palmada.

También es posible combinar tus notas MIDI con muestras en vivo para crear una capa única en tu ritmo de batería. A menudo puede resultar difícil programar charles realistas, y aquí es donde el uso de muestras en vivo puede resultar especialmente útil.

Usa tu propia reverberación

Muchos programas profesionales de programación de batería vienen con una función de reverberación. Si bien aplicar reverberación puede ser efectivo por sí solo, descubrí que usar una variedad de reverberaciones de diferentes programas de batería al mismo tiempo puede generar sonidos inconsistentes. Por eso suelo desactivar la reverberación incorporada y prefiero usar una sola reverberación para toda la mezcla.

Después de programar todo el ritmo de la batería, dirijo cada elemento hacia esta única reverberación en distintos grados. El objetivo es que parezca como si todos los elementos estuvieran grabados en la misma habitación.

Luego puede ajustar varios parámetros de la reverberación de esta sala para asegurarse de que encaje armoniosamente con el resto de la mezcla, incluido el tamaño, el estilo, el ecualizador y otras configuraciones.

Agregar saturación

Al programar sonidos de batería en un VST, a veces resulta útil añadir un efecto de saturación para evitar que el sonido suene demasiado “limpio”. La saturación es uno de mis efectos favoritos, ya que añade artefactos naturales al sonido que son típicos de una grabación en vivo.

Si bien es posible simplemente aplicar un complemento de saturación, como un emulador de cinta, directamente a una sección de batería, he descubierto que la saturación paralela proporciona más control y permite dosificar con precisión la cantidad correcta de suciedad para que la batería atraviese de manera efectiva. la mezcla.

Para hacer esto, envíe el grupo de batería a una pista auxiliar con un complemento de saturación. Escuche los sonidos de la batería mientras aumenta gradualmente el nivel de saturación del complemento. La ventaja de la saturación paralela es que puedes ensuciar la pista auxiliar de saturación tanto como sea apropiado, ya que el objetivo principal es mejorar sólo ligeramente el sonido del grupo de batería principal.

Determina qué le falta a tu batería y considera usar la saturación para mejorar el sonido. ¿Tu batería suena demasiado delgada? Luego puedes aumentar la saturación en frecuencias bajas y medias. ¿O quizás el sonido es demasiado oscuro? En este caso, aumentar las frecuencias altas ayudará a conseguir un sonido más brillante y claro.

Después de seleccionar el tono apropiado, baje el nivel de la pista auxiliar al mínimo y auméntelo lentamente hasta lograr la combinación óptima de sonido limpio y sucio.

Agregar rellenos

Una vez que tengas un ritmo decente en las diferentes partes de la canción (estrofas, puentes, estribillos, etc.), vale la pena considerar agregar rellenos para unir esas secciones. A menudo me gusta insertar rellenos cada ocho compases aproximadamente para variar el patrón rítmico del ritmo de la batería y dividir secciones largas o hacer la transición a la siguiente parte de la canción.

Programar rellenos simples en un surco no suele ser difícil. Si trabajas con baterías VST, probablemente encontrarás una biblioteca de rellenos prediseñados con una variedad de patrones para elegir.

Para que un relleno encaje armoniosamente en un patrón existente, es importante asegurarse de que no entre en conflicto con los elementos de la ranura principal. Por ejemplo, si va a agregar un relleno con un marco, es posible que desee eliminar el marco del patrón principal para dejar espacio para el relleno. Al mismo tiempo, mantener otros elementos, como agitadores o charles, puede ayudar a crear un sonido más cohesivo y cohesivo.

Una vez colocado el relleno en el lugar correcto, es necesario encajarlo correctamente en la mezcla, prestando especial atención a hacer coincidir la velocidad de sus elementos con la velocidad del patrón principal. Es importante que el relleno no suene demasiado fuerte o intenso en comparación con el ritmo principal.

Finalmente, aplique cuantización o ajuste la sincronización de los elementos de relleno para que coincidan con el ritmo general del tambor. Por ejemplo, si el ritmo principal tiene un swing, entonces los elementos de relleno se pueden mover para que queden ligeramente detrás de la cuadrícula, manteniendo el ritmo general.

Encontrar las mejores muestras de batería

Incluso si ha programado magistralmente sus ritmos de batería y ha configurado cuidadosamente los parámetros VST de su batería, usar muestras incorrectas puede dejar sus mezclas planas. Encontrar muestras de calidad para usar en tus pistas es un aspecto fundamental a considerar.

Hay muchas muestras y kits excelentes disponibles hoy en día que suenan muy bien por sí solos. Pero incluso si una muestra suena perfecta por sí sola, eso no garantiza que suene efectiva en el contexto de su mezcla, especialmente cuando se combina con otros sonidos. Si bien las herramientas de mezcla como el ecualizador, la compresión y la configuración de envolvente pueden ayudar con muestras imperfectas, sus capacidades son limitadas.

Intentar mezclar muestras incompatibles puede añadir trabajo extra y causar complicaciones. Es importante que los loops y muestras de batería suenen como si estuvieran hechos el uno para el otro desde el principio. La continuidad y la armonía del sonido son extremadamente importantes para mantener la atención del oyente.

Si bien puede resultar tentador elegir la primera muestra que aparezca, tomarse el tiempo para encontrar los sonidos perfectos resultará invaluable en el proceso de mezcla y masterización de sus pistas.

afinación de batería

Técnicamente, los tambores son instrumentos inarmónicos, lo que significa que sus armónicos no siguen una clave musical específica. Sin embargo, la mayoría de los tambores tienen un tono fundamental que produce estos matices inarmónicos.

Curiosamente, no existen reglas claramente definidas en el proceso de afinación de muestras de batería, lo que lo abre a la experimentación. Sin embargo, a menudo puedes notar si la afinación de la muestra no encaja con el resto del ritmo del tambor.

El elemento clave a afinar es el bombo, ya que un bombo mal afinado puede entrar en conflicto con el bajo y otros elementos de baja frecuencia, provocando falta de armonía en la mezcla. Esto es especialmente importante en géneros como el trap y el hip-hop, donde las pistas suelen depender del bajo 808. En géneros con bombos más cortos, puede resultar más difícil determinar el tono específico del bombo.

Si tiene dificultades para determinar el tono fundamental de un tambor, puede utilizar un analizador de espectro. Además de mantener la tonalidad, afinar la batería puede cambiar la sensación general del sonido. Por ejemplo, bajar el tono de un tambor puede hacer que suene más oscuro y suave, mientras que subir el tono hará que suene más brillante y enérgico.

Experimente afinando y transponiendo sus baterías para ver cómo encajan en el contexto general de sus composiciones.

Yendo más allá del género

El uso de muestras de sets atípicos puede agregar un contraste único a tus ritmos. Por ejemplo, los samples suaves y delicados sin ataques duros pueden agregar textura y ligereza a los pesados ​​tambores del dubstep.

También puedes usar un charles en vivo en un ritmo techno para darle una sensación natural, o agregar un bombo digital sobre un ritmo de batería en vivo para obtener un efecto más poderoso.

A menudo, muestras inesperadas que no pertenecen a un género específico pueden hacer que la batería programada sea más interesante. Incluso si estás trabajando en una pieza de rock, siéntete libre de experimentar con muestras de caja agresivas de los kits de bajo del futuro.

Acuerdo

Organiza los elementos de batería en tu pista para que la energía se acumule gradualmente de principio a fin. Si bien es posible juntar 20 elementos de batería diferentes para crear un ritmo poderoso en un gancho, no es necesario usar el mismo conjunto completo de elementos en cada gancho de una canción.

En su lugar, debes apuntar a una preparación gradual, agregando o introduciendo nuevos elementos en cada sección para lograr la máxima energía en el gancho, estribillo o caída final. Por ejemplo, se puede guardar un agitador energético para usarlo en el último coro, enfatizando su clímax.