¿Qué es la armonía en la música?

Estos elementos de armonía están en estrecha interacción. Una melodía se percibe armoniosa cuando se crea de acuerdo con ciertas reglas para la combinación de sonidos. Para dominar estas reglas, es necesario familiarizarse con los conceptos básicos de armonía, es decir, con categorías que están en un grado u otro relacionadas con el concepto de "armonía".

Intervalos

La unidad fundamental de la armonía es el intervalo, que se define como la diferencia en semitonos entre dos notas musicales. Ya nos hemos topado con el concepto de medios tonos en lecciones anteriores, por lo que no se esperan dificultades especiales de comprensión.

Variedades de intervalos simples:

• Prima – 0 semitonos o unísono;
• Segunda menor – 1 semitono;
• Segunda mayor – 2 semitonos;
• Tercera menor – 3 semitonos;
• Tercera mayor – 4 semitonos;
• Una cuarta perfecta : 5 semitonos;
• Cuarta aumentada : 6 semitonos o tritono (3 tonos);
• Quinta disminuida : 6 semitonos o tritono (3 tonos);
• Quinta justa : 7 semitonos;
• Sexta menor – 8 semitonos;
• Sexta mayor : 9 semitonos;
• Séptima menor : 10 semitonos;
• séptima mayor
• Séptima mayor : 11 semitonos;
• Octava – 12 semitonos.

Así, los intervalos simples significan diferencias en el sonido de las notas que se encuentran dentro de la misma octava. Los intervalos mayores a una octava se llaman intervalos compuestos.

Tipos de intervalos compuestos:

• Menor ninguno – segunda menor + octava = 13 semitonos;
• Mayor ninguno – segunda mayor + octava = 14 semitonos;
• Décima menor – tercera menor + octava = 15 semitonos;
• Décima mayor – tercera mayor + octava = 16 semitonos;
• Undécima pura – cuarta pura + octava = 17 semitonos;
• Undécima aumentada – cuarta aumentada + octava = 18 semitonos;
• Duodécima disminuida – quinta disminuida + octava = 18 semitonos;
• Duodécima pura – quinta pura + octava = 19 semitonos;
• Tercer decimal menor – sexta menor + octava = 20 semitonos;
• Tercidecima mayor – sexta mayor + octava = 21 semitonos;
• Cuarta décima menor – séptima menor + octava = 22 semitonos;
• Cuarta décima mayor – séptima mayor + octava = 23 semitonos;
• Quintdécima – 2 octavas = 24 semitonos.

La primera y principal pregunta: ¿cómo recordar esto? En realidad no es tan difícil.

Cómo y por qué recordar intervalos.

Aprender y reproducir diferentes intervalos, así como sus nombres, es importante para la educación musical. Puedes empezar desde cualquier tonalidad, ya que en este contexto la elección de la nota inicial no es crítica. Lo principal es determinar con precisión el número de semitonos entre notas. Por ejemplo, repetir la misma tecla crea un intervalo de 0 semitonos, mientras que tocar dos teclas adyacentes crea un intervalo de 1 semitono, y así sucesivamente. En la aplicación de aprendizaje, puede personalizar la cantidad de teclas en la pantalla para su comodidad.

Conocer los intervalos es importante no sólo para el conocimiento teórico, sino también para la aplicación práctica. Dominar esta habilidad le permitirá seleccionar fácilmente melodías de oído tanto para interpretación vocal como instrumental. Este es el principal motivo por el que muchas personas empiezan a aprender a tocar instrumentos musicales como la guitarra, el violín, el piano o la batería.

Además, conocer los nombres de los intervalos te facilitará la comprensión de piezas musicales que se basan en determinados acordes, como suele ocurrir en la música rock. Por ejemplo, sabiendo que una quinta justa tiene 7 semitonos, podrás identificar y tocar fácilmente los acordes de quinta cuando escuches líneas de bajo, ya que normalmente suenan más claros, lo cual es especialmente importante para los principiantes.

Para desarrollar el oído musical, es importante intentar determinar el tono fundamental (tónica) de una pieza musical. Puedes hacerlo usando una aplicación de aprendizaje o un instrumento real, tocando las notas en busca del unísono con la raíz de la composición. Presionar teclas constantemente dentro de una octava o tocar notas en una guitarra ayudará a determinar la tónica al unísono.

En lecciones posteriores se analizarán métodos adicionales para desarrollar el oído musical. Por el momento, nuestra tarea principal es visualizarle el concepto de intervalo en la música. Los intervalos también se pueden indicar en grados, donde sólo se tienen en cuenta los grados principales de la escala, sin incluir sostenidos ni bemoles, lo que resulta especialmente útil para los pianistas debido a la claridad de la ubicación de las teclas blancas. Sin embargo, para la mayoría de los músicos es más conveniente contar los intervalos en semitonos, ya que no existe una separación visual de los pasos de escala en los instrumentos.

Por cierto, la palabra "armonía" tiene muchos significados y está directamente relacionada con el tema de la armonía.

Modos

El segundo elemento clave de la armonía es el modo, cuyo concepto ha evolucionado a lo largo de la historia de la teoría musical. Diferentes épocas ofrecieron sus propias interpretaciones del modo: como un sistema de combinación de notas, organización de sus interacciones o una jerarquía de tonos de sonido. La comprensión moderna tiende a definir un modo como una estructura de relaciones musicales centradas en torno a una nota o armonía específica.

Para simplificar, podemos, de manera similar a las relaciones en la vida, imaginar que la armonía en la música significa una combinación armoniosa de sonidos, tal como algunas familias dicen que viven en armonía.

En el contexto de uso, el término "modo" a menudo se aplica a conceptos como menor y mayor. “Menor”, ​​derivado del latín mollis (“suave”, “gentil”), se asocia a obras musicales líricas o tristes. Mientras que “major”, procedente del latín major (“grande”, “importante”), suele asociarse con composiciones más enérgicas y optimistas.

Por lo tanto, los modos menor y mayor son los principales tipos de modos, y las características de cada uno se pueden visualizar resaltando los pasos (notas) que distinguen el menor del mayor:

En la percepción cotidiana, a menudo se encuentra una simple división de menor en "triste" y mayor en "alegre". Sin embargo, esto es bastante arbitrario y no siempre se corresponde con la realidad. Una composición menor no necesariamente sonará triste, así como una composición mayor no siempre significa alegría. Esta observación ha sido cierta desde al menos el siglo XVIII. Por ejemplo, la “Sonata n.° 16 en do mayor” de Mozart tiene momentos de ansiedad, mientras que la famosa canción infantil sobre el saltamontes está escrita en tono menor.

Tanto la menor como la mayor comienzan con la tónica, que sirve como base de la escala. A esto le sigue una alternancia de sonidos estables e inestables, característicos de cada modo. Esto se puede comparar con el proceso de construcción de un muro, donde se necesitan ladrillos y mortero para lograr la resistencia y estructura deseadas.

Más adelante te encontrarás con el término “acorde”. Para evitar confusiones, cabe señalar que los grados de escala estable y los grados de acorde fundamental son conceptos diferentes. Para los músicos principiantes, se recomienda utilizar digitaciones de acordes ya preparadas, cuyos principios se aclararán a medida que aprendan técnicas de interpretación y dominen melodías simples.

También en la literatura musical especial se pueden encontrar referencias a modos como el jónico, dórico, frigio, lidio, mixolidio, eólico y locrio. Estos modos se forman a partir de la escala mayor, donde la tónica se selecciona de uno de sus grados. También se les llama modos natural, diatónico o griego.

Pasemos ahora a discutir los conceptos de mayor y menor, que se utilizan con mayor frecuencia en la práctica musical. Los términos "modo mayor" y "modo menor" generalmente indican modos específicos dentro de una clave armónica. Veamos las definiciones de tonalidad en un sentido general y de tonalidad armónica en particular.

Tonalidad

Entonces, ¿cuál es el concepto de tonalidad? Como ocurre con muchos términos musicales, existen muchas definiciones de tonalidad. La palabra "tonalidad" proviene del latín "tonus", que en el contexto de la anatomía y la fisiología significa tensión y actividad prolongada del sistema nervioso, sin provocar fatiga.

La frase “mantente alerta” es bien conocida fuera del contexto musical, y en la música el significado de esta expresión se puede interpretar de manera similar. La melodía y la armonía están en un cierto “tono musical” a lo largo de toda la obra.

Como se mencionó, cada modo, ya sea menor o mayor, proviene de la tónica. Tanto el modo menor como el mayor se pueden construir a partir de cualquier nota elegida que sirva como base o tónica de la composición. La altura relativa de un traste en relación con su tónica determina la tonalidad. Por tanto, el concepto de tonalidad se puede describir mediante una fórmula sencilla.

Fórmula de tonalidad:

Clave = tónica + modo

Es por eso que la definición de tonalidad se da a menudo como el principio de modo, cuya categoría principal es la tónica. Ahora resumamos.

Principales tipos de tonos:

• Menor;
• Importante.

¿Cómo interpretar esta fórmula tonal y sus variaciones en la realidad? Imaginemos que estamos escuchando una pieza musical en tono menor, basada en la nota “La”. Esto significa que la pieza se interpreta en clave de La menor (Am). Es importante señalar que las tonalidades menores se indican añadiendo una “m” a la tónica. Así, el símbolo Cm indica “do menor”, ​​Dm indica “re menor”, ​​Em indica “mi menor”, ​​y así sucesivamente.

Cuando una notación clave utiliza letras mayúsculas para representar notas individuales (C, D, E, F y otras), indica una clave mayor.
Así, una pieza en do, re, mi, fa estará en las tonalidades de do mayor, re mayor, mi mayor, fa mayor, respectivamente. Las tonalidades modificadas con respecto al grado básico de la escala se indican mediante signos sostenidos y bemoles. Por lo tanto, F♯m o G♯m indican “fa sostenido menor” o “sol sostenido menor”. Por otro lado, las notaciones con bemol, como A♭m (La bemol menor) o B♭m (Si bemol menor), indican tonalidades bajadas.

En las tonalidades mayores, los signos sostenidos o bemoles se colocan junto a la tónica sin símbolos adicionales. Los ejemplos incluyen C♯ (Do sostenido mayor), D♯ (Re sostenido mayor), A♭ (La bemol mayor), B♭ (Si bemol mayor). También hay designaciones de clave más detalladas, donde se usa la indicación mayor o menor, y las palabras sostenido o bemol reemplazan los signos de sostenido y bemol.

Otros métodos de grabación de tonos, menos utilizados en la práctica diaria, no se analizarán en detalle aquí, pero se pueden presentar en forma de materiales ilustrativos para su referencia.

Estas son opciones para representar tonalidades menores y mayores :

Todos los tipos de claves mencionados forman la base de la armonía en la música, es decir, determinan el fondo armónico de la obra.

Por tanto, la tonalidad armónica es un sistema basado en los principios mayores y menores de la armonía tonal.

Además, existen otras formas de tonalidad. Echemos un vistazo más de cerca:

• Las tonalidades del mismo nombre se basan en la misma tónica, pero pertenecen a modos diferentes, por ejemplo, “fa menor” y “fa mayor”;
• Las tonalidades paralelas se diferencian por el intervalo de tercera menor (3 semitonos) entre las tónicas de menor y mayor, por ejemplo, “la menor” y “do mayor”, “sol sostenido menor” y “si bemol mayor”;
• Las tonalidades de tercera tienen una tercera común y se diferencian por una segunda menor (1 semitono), por ejemplo, “do mayor” y “do sostenido menor” con una tercera común “mi”.

Escamas

Para dominar fácilmente el concepto de escala, es necesario tener una comprensión clara de qué son el modo y la tonalidad. Puede conocer un análisis más detallado de estos temas en artículos anteriores, que se recomienda leer para una mejor comprensión :))

Cinco artículos breves y claros le ayudarán con esto.

Brevemente sobre modos y claves:

• La escala es un método para ordenar notas. Existen muchos métodos (modos) de este tipo, pero durante los últimos 400 años los más populares han sido los mayores y menores, organizados en torno a la nota fundamental. Ambos modos tienen 7 pasos (notas de diferentes tonos);
• Gamma se forma cuando las notas de una escala mayor o menor se organizan en orden ascendente o descendente de tónica a tónica dentro de una o más octavas. Por tanto, una escala es una secuencia de todas las notas de una escala. En otras palabras, estas son las notas de una escala tocadas secuencialmente hacia arriba y hacia abajo durante cualquier número de octavas;
• La tonalidad determina si se afina una tonalidad mayor o menor. Esto significa elegir una nota específica para el primer grado, a partir de la cual luego se construyen los restantes grados de mayor o menor. Por ejemplo, el nombre “sol mayor” indica una tonalidad en la que la mayor comienza con la tónica en la nota sol. Encontrará información más detallada sobre este tema en un artículo aparte, por lo que no profundizaremos aquí.

¿En qué se diferencia una escala de una escala?

Una escala es una serie de sonidos ordenados por tono, ya sea ascendente o descendente. Gamma es un tipo específico de escala, que se construye dentro de un modo determinado, a diferencia de una simple lista de sonidos ordenados en altura. Por tanto, aunque estos términos parezcan similares, tienen diferencias. La escala se puede ejecutar en cualquier orden y contener cualquier número de notas, desde tres o más. Mientras que la ejecución de una escala implica la presencia únicamente de aquellos sonidos que pertenecen a un determinado modo, y se realiza desde la tónica inicial hasta la final, incluyendo un mínimo de 8 pasos.

Practica tocando diferentes ejemplos de escalas y escalas para descubrir por ti mismo las similitudes y diferencias entre escalas y escalas.

¿Por qué tocar escalas?

• En primer lugar, la práctica regular de escalas contribuye al desarrollo de la técnica de ejecución, mejora la flexibilidad y la velocidad de movimiento de los dedos. Las escalas y los pasajes similares a menudo se encuentran en las piezas musicales, especialmente cuando es necesario interpretar pasajes rápidos que recorren una secuencia de notas en la escala. Dominar escalas facilita enormemente el estudio de dichos fragmentos musicales, reduciendo el tiempo necesario para dominarlos;
• En segundo lugar, practicar escalas mejora la capacidad del músico para navegar por una variedad de teclas y encontrar rápidamente las notas apropiadas. Pocas piezas musicales se limitan únicamente al uso de teclas blancas, como es el caso del do mayor. De hecho, la mayoría de las composiciones incluyen muchas otras teclas que requieren un gran dominio tanto de las teclas blancas como de las negras.