Comment faire de la musique

Jusqu'à récemment, tous ceux qui s'intéressaient à la question de savoir comment faire de la musique devaient comprendre que le processus lui-même nécessite une préparation et une pratique minutieuses. L'absence de plug-ins et de séquenceurs multipistes a obligé à répéter le matériel à plusieurs reprises jusqu'à ce qu'il soit presque automatique. En studio, tout devait être joué parfaitement, en synchronisation et sans erreur.

Cependant, avec l'avènement des programmes informatiques, les musiciens ont acquis la possibilité d'enregistrer plusieurs prises et d'éditer des pistes sans effort en quelques clics de souris. De nos jours, on peut facilement produire une chanson à succès dans le confort de sa maison, comme de nombreux chanteurs contemporains l'ont prouvé par leurs expériences.

Quelles sont les conditions requises pour créer de la musique ?

Sans aucun doute, un studio professionnel haut de gamme bénéficie d'avantages significatifs en matière d'équipement. Ces studios vous offrent généralement des salles insonorisées spacieuses qui ont une acoustique exceptionnelle, ainsi que des compresseurs et des égaliseurs de haute qualité, une large sélection de microphones, une console analogique, une salle de contrôle bien équipée avec plusieurs lignes de moniteur, et bien plus encore.

Cependant, un home studio a ses propres avantages en termes de budget et d'efficacité. Si vous créez de la musique électronique à l'aide d'un ordinateur et de plug-ins, vous n'aurez pas besoin de pièces insonorisées ou d'une multitude de microphones. Vous n'allez pas enregistrer un orchestre complet, une batterie ou un piano à queue, après tout. Tout ce que vous avez à faire est de vous concentrer sur l'essentiel et de vous lancer. Alors, de quel équipement avez-vous besoin pour mettre en place un studio de production maison complet ?

• Ordinateur;
• Séquenceur avec plugins ;
• Interface audio;
• Moniteurs ;
• Écouteurs;
• Microphone;
• clavier midi;
• Guitare, guitare basse (si vous jouez);
• Chambre tamisée;
• Crémaillères et fils.

De nos jours, vous n'avez plus besoin d'installer des gigaoctets de logiciels sur votre ordinateur pour composer votre propre musique. Avec un séquenceur tel qu'Amped Studio, vous pouvez produire de la musique directement dans votre navigateur Web, car toutes les fonctionnalités, outils et plug-ins essentiels sont déjà inclus. Vous pouvez trouver un éditeur audio , un éditeur MIDI , des synthétiseurs, des échantillonneurs et des effets de traitement dans ce séquenceur en ligne. Donc, en réalité, un séquenceur en ligne permet de travailler sans aucun logiciel supplémentaire.

Quel autre équipement n'est pas nécessaire pour faire de la musique ? Les moniteurs peuvent être remplacés par des écouteurs de haute qualité, éliminant ainsi le besoin de traitement acoustique de la pièce. Si vous n'avez pas de clavier MIDI, vous pouvez simplement dessiner des notes avec un crayon dans l'éditeur MIDI. Dans Amped Studio, vous pouvez même dessiner des accords entiers en un seul clic. Bien qu'un microphone soit utile pour enregistrer des voix, il n'est pas nécessaire.

Par conséquent, tout ce dont vous avez besoin pour faire de la musique est un ordinateur, des écouteurs, une interface audio et une connexion Internet. Cependant, si vous n'avez pas de moniteurs ou de microphone, vous pouvez également renoncer à l'interface audio. Est-il possible de créer de la musique entièrement sans ordinateur ? De nos jours, cela est réalisable avec la production de musique mobile sur un smartphone ou une tablette.

Comment créer de la musique sans utiliser d'ordinateur ?

Un séquenceur en ligne fonctionne dans un navigateur Web sur un ordinateur, un ordinateur portable, une tablette ou un smartphone, vous permettant d'utiliser n'importe quel appareil mobile connecté à Internet pour composer de la musique. Ces programmes ne nécessitent aucune configuration système particulière et ne nécessitent pas le téléchargement de logiciels, de bibliothèques d'échantillonneurs ou d'instruments virtuels et de plug-ins d'effets.

Le format en ligne rationalise le processus de composition musicale, vous permettant de capturer rapidement des idées musicales, même lorsque vous êtes loin de votre ordinateur avec un séquenceur. Ouvrez simplement le site Web sur votre smartphone ou votre tablette et notez une mélodie, un rythme ou un crochet. Plus tard, lorsque vous serez de retour devant votre ordinateur, vous pourrez facilement finaliser votre projet.

Amped Studio, un séquenceur en ligne, est incroyablement convivial et offre un large éventail de fonctionnalités de composition musicale. Il fonctionne dans un format multipiste, enregistre l'audio et le MIDI à partir de sources externes et édite les clips audio et MIDI. De plus, il fournit une variété de boucles, d'échantillonneurs et de modèles MIDI et comprend des instruments virtuels et des plug-ins intégrés. Avec ces fonctionnalités, il est déjà possible de créer de la musique uniquement avec leur aide. Voici une liste d'équipement de base :

• synthétiseur ;
• Échantillonneur;
• Boîte à rythme;
• Compresseur;
• Égaliseur ;
• Retard;
• réverbération ;
• Horus;
• Distorsion.

De plus, Amped Studio permet de connecter des VST à partir d'un ordinateur, ce qui n'est généralement pas une fonctionnalité des séquenceurs en ligne. De plus, il offre une fonctionnalité unique qui convertit une mélodie chantée en une séquence de notes MIDI. De plus, Amped Studio permet à plusieurs utilisateurs de collaborer sur le même projet à partir de différents ordinateurs, ce qui est une fonctionnalité que l'on ne trouve pas couramment dans les programmes stationnaires.

Ce logiciel est particulièrement avantageux pour les beatmakers, les compositeurs et les auteurs-compositeurs qui cherchent à créer de la musique rapidement et efficacement. Il est également excellent pour arranger de la musique, et les chanteurs, guitaristes et claviéristes trouveront la fonction d'enregistrement sonore particulièrement utile. Même les ingénieurs de mixage peuvent profiter des capacités d'Amped Studio pour équilibrer les pistes et leur appliquer des effets.

Avez-vous besoin d'avoir des connaissances en théorie musicale pour créer de la musique?

Cela peut vous décevoir, mais avoir quelques connaissances en solfège est essentiel pour un musicien. Cependant, la bonne nouvelle est qu'il n'est pas nécessaire de tout mémoriser. En vous immergeant dans le monde musical, vous vous familiariserez naturellement avec ses concepts et ses lois. Même si vous n'êtes pas familier avec la terminologie, cela ne vous empêche pas de créer une mélodie. Certains musiciens maîtrisent les techniques et peuvent rapidement trouver des idées intéressantes sans connaître leurs noms techniques.

Lorsque vous faites de la musique, vous devez faire la distinction entre les gammes majeures et mineures (et les autres modes), les intervalles, les signatures temporelles, les accords, etc. Vous pourrez peut-être différencier les humeurs évoquées par un quatrième ou un sixième, même si vous ne connaissez pas leurs noms. Il n'est pas nécessaire de connaître les termes du tout. Si vous pouvez indiquer le tempo avec un nombre, comme 120 bpm, pourquoi avez-vous besoin de vous rappeler ce que signifie « adagio », « moderato », « allegro », etc. ?

Beaucoup de gens se demandent s'il est possible de faire de la musique sans connaître la notation musicale. En réalité, il est difficile de trouver un producteur de musique qui utilise la notation musicale dans son travail et place des points avec des drapeaux sur la portée. La lecture à vue rapide n'est utile que pour les musiciens d'orchestre mais pas pour les compositeurs et les arrangeurs. Bien que la connaissance puisse rendre votre travail plus facile, plus rapide et plus intéressant.

Certaines personnes font de la musique au hasard, en choisissant des notes à l'oreille. C'est aussi une méthode, mais ceux qui connaissent le cercle des quartes et des quintes, les intervalles, les frettes, l'agencement des dièses et des bémols dans différentes tonalités, peuvent facilement imaginer toutes les notes dans leur tête et les retrouver rapidement sur le clavier ou touche. Lorsqu'un musicien manque d'inspiration, il peut compter sur la logique et le savoir, mais cela ne doit jamais le ralentir. La pratique doit toujours passer en premier.

Quels sont les composants d'une chanson ?

La plupart des chansons contemporaines conçues pour un large public sont construites à l'aide de structures répétitives. Vous n'avez pas besoin de concevoir des arrangements compliqués et des scénarios alambiqués comme dans les romans policiers pour créer de la musique pour des chansons, sauf dans le cas d'opéras ou d'œuvres classiques. Voici les principaux composants d'une chanson typique :

• Introduction (Intro);
• Couplet (Verset);
• Entrer dans le chœur (Pré-chœur);
• Refrain;
• Lecture (Pont);
• Point culminant (milieu, accumulation);
• Échange (Drop, Solo);
• Conclusion (Outro, Coda).

Écrire de la musique ne suit pas toujours un code ou une formule stricte. Toutes les pièces ne doivent pas nécessairement inclure un point culminant ou suivre une certaine structure. Certaines chansons peuvent se terminer par un solo ou un refrain, tandis que d'autres ne répètent qu'un couplet et un refrain avec un arpège continu en boucle comme accompagnement. Même l'entrée du refrain n'est pas toujours nécessaire. Malgré cela, il est important d'accorder une attention particulière à tous les éléments de la composition.

Présentation . Pour faire de la musique, il n'y a pas de règle stricte à suivre. Certaines chansons populaires commencent par un couplet, tandis que d'autres commencent par un refrain. La structure standard d'une chanson comprend généralement une intro, un pont et une coda. L'intro peut répéter la mélodie du refrain, un air spécifique ou l'un des crochets, mais elle peut aussi être entièrement unique.

Partie principale . L'approche conventionnelle de la composition musicale consiste simplement à alterner couplets et refrains, en répétant généralement chaque section deux ou trois fois. Cependant, il est important de toujours incorporer la dynamique et le drame. Les couplets doivent être plus discrets, narratifs et directs, souvent chantés dans une gamme inférieure pour préparer le terrain pour l'événement principal. L'événement principal est le refrain, qui devrait être plus dynamique, vibrant, fort, mélodique et richement arrangé avec des notes plus aiguës. Essentiellement, toute la chanson mène au refrain.

Pré-refrain . Le pré-refrain est un élément souvent négligé lors de la création musicale. Cependant, l'incorporation d'un pré-refrain peut améliorer le drame et rendre la musique plus intrigante. Le pré-refrain modifie l'ambiance du couplet et crée une atmosphère plus intense. Il sert de pont entre la partie paisible et la partie explosive de la chanson, préparant l'auditeur au changement. C'est semblable à un feu de circulation jaune, indiquant que quelque chose d'excitant est sur le point de se produire.

Accumulation . Cette méthode peut améliorer le développement dramatique d'un morceau de musique. Cela crée un moment de calme, un ralentissement et un changement d'humeur. Dans certains cas, la partie de batterie peut être omise, tandis que la mélodie vocale subit généralement un changement. Il existe diverses possibilités pour cette section, notamment le passage du mineur au majeur, la modification du rythme, la création d'une panne ou la transition vers une tonalité différente. Cependant, il est également possible de renoncer entièrement à cette partie.

En solo ou en drop . Lorsque vous écrivez de la musique avec une guitare, il est important d'éviter les solos interminables. Gardez à l'esprit qu'il y a un endroit désigné où la guitare principale brillera. Les styles électroniques n'ont généralement pas de solos, mais ils ont des gouttes où la musique passe d'une section calme ou lente à un rythme de danse puissant avec des synthétiseurs lourds. À ce stade, il peut y avoir un rap ou juste une répétition du verset.

Code . En règle générale, la dernière partie de la composition musicale est souvent négligée. À ce stade, vous pouvez soit réintroduire le pont, amener le solo à son paroxysme, soit répéter le refrain pour créer une conclusion pour la chanson. Le choix t'appartient. Vous avez la possibilité de créer une fin mémorable en créant une section finale unique et créative.

Ponts et découpes . Créer de la musique qui passe de manière transparente d'une partie à l'autre peut être difficile, et tous les auditeurs ne l'apprécieront peut-être pas. Il peut être efficace d'inclure une brève pause ou un intermède après un refrain puissant, comme une progression d'accords ou un solo dans le pont. Des remplissages de batterie, des crochets ou de petits changements harmoniques sont souvent ajoutés dans chaque section pour ajouter de l'intérêt et garder la chanson attrayante.

Le développement est l'un des principes de base de la création musicale . Il est vrai que de nombreuses chansons sont composées de parties répétitives, mais cela ne signifie pas qu'elles doivent être monotones. Chaque partie, y compris le deuxième couplet et le refrain, devrait encore avoir une évolution ou une variation par rapport à la précédente pour que les choses restent intéressantes. Cela peut être réalisé en ajoutant de nouveaux éléments ou en modifiant les choses. En fait, il est idéal d'introduire quelque chose de nouveau à chaque battement pour maintenir l'engagement de l'auditeur.

Comment pouvez-vous créer de la variété dans votre musique en ce qui concerne les couplets ? Vous pouvez ajouter un instrument mélodique avec contrepoint au deuxième couplet, inclure des percussions, des chœurs ou une deuxième guitare, épaissir la basse, ajuster légèrement le charleston, changer l'arpège de la guitare, insérer un pad de remplissage ou faire jouer la basse remplissages supplémentaires. Ces techniques peuvent également être appliquées au chœur.

Vous n'avez pas besoin d'utiliser toutes ces astuces à la fois. Il existe des possibilités infinies pour créer de la musique intéressante, et inventer quelque chose de nouveau est l'essence même de la créativité. Plus vos idées sont originales et innovantes, mieux c'est. Cependant, la répétition est également essentielle pour que votre chanson reste gravée dans l'esprit de l'auditeur.

Le processus de création musicale nécessite un équilibre entre l'utilisation de techniques éprouvées et l'expérimentation de nouvelles. Il s'agit de créer des attentes, puis de les renverser pour garder l'auditeur engagé. La répétition crée un effet hypnotique qui attire l'auditeur, mais rompre avec ce schéma peut le surprendre et l'exciter. En fin de compte, il s'agit de contrôler l'expérience de l'auditeur grâce à une utilisation prudente de la répétition et de la variation.

Instrumentation et arrangement . Dans une perspective dynamique, nous avons exploré comment faire de la musique en considérant les instruments et les groupes instrumentaux sous un aspect synchrone. Chaque chanson a un ensemble unique d'instruments qui jouent tout au long de la composition, et le cœur de la chanson ne doit pas être modifié, sinon il sonnera de manière décousue. Alors, de quoi est composé ce noyau ?

L'instrumentation d'une chanson peut être décomposée en plusieurs éléments clés, notamment :

• Instrument principal, qui peut être soit une voix, soit un synthétiseur principal, et sert de point central de la chanson ;
• Section rythmique, composée de batterie et de basse, qui fournit le groove et le pouls fondamentaux de la musique.;
• Instruments de soutien, qui peuvent inclure la guitare rythmique, le piano, l'orgue ou d'autres instruments qui fournissent un soutien harmonique et rythmique ;
• Deuxième instrument solo, qui peut être une guitare solo, un synthétiseur qui interagit avec l'instrument principal ou un autre instrument mélodique utilisé pour le drop ou d'autres sections ;
• Les charges, qui incluent des pads, des effets, des percussions et d'autres éléments qui ajoutent de la texture et de l'atmosphère à la musique.

Pour écrire une musique agréable et cohérente, toutes les parties doivent être construites dans la même tonalité et les dissonances doivent être évitées. Si deux instruments jouent simultanément des intervalles dissonants tels que des tritons ou des septièmes, cela peut être désagréable à l'oreille. Cependant, s'ils sont joués par un seul instrument dans un style et un contexte spécifiques, ces intervalles peuvent sonner très bien. De plus, la confusion rythmique doit être évitée.

Faire de la musique implique de tisser des lignes instrumentales ensemble, limitées uniquement par l'imagination du compositeur. Le dialogue et la mélodie commune entre les instruments, ainsi que le jeu à l'unisson, sont des techniques courantes, en particulier entre la guitare et la basse. Pour créer un rythme clair, tous les éléments doivent être ajustés pour correspondre au rythme, la guitare basse répétant souvent partiellement la mélodie vocale et la batterie entraînant le rythme.

S'en tenir aux normes de style lors de l'écriture de la musique est important, mais il y a toujours de la place pour l'expérimentation. Par exemple, la basse funk est connue pour utiliser la syncope, et dans le métal, un riff répétitif forme le motif de la chanson au lieu d'accords.

Comprendre la théorie musicale est essentiel pour une composition efficace, mais il est important de l'apprendre dans le contexte d'une utilisation pratique. Des termes techniques tels que « syncope », « battement faible », « septima » et « contrepoint » peuvent avoir besoin d'être clarifiés, mais les maîtriser par une pratique délibérée est la clé pour conserver les connaissances.

Comment la chanson est-elle créée ?

Aujourd'hui encore, écrire de la musique reste une tâche difficile. Pour la personne moyenne, l'aspect le plus magique, complexe et crucial du processus est la composition elle-même. Cela peut être vrai pour les auteurs qui ne produisent pas leur musique de manière indépendante. Cependant, en réalité, avant qu'une chanson ne soit diffusée à un large public, elle subit plusieurs étapes de raffinement. Il y a plusieurs étapes impliquées dans l'affinement d'une idée approximative:

• écriture de chansons ;
• Arrangement;
• Enregistrement sonore;
• édition ;
• Mélange;
• Maîtriser.

Dans un scénario idéal, différents rôles sont impliqués dans le processus de création musicale : l'auteur écrit la musique, l'arrangeur fait l'arrangement, l'ingénieur du son s'occupe de l'enregistrement, l'assistant ingénieur du son fait le montage, l'ingénieur du son s'occupe du mixage , et enfin, l'ingénieur de mastering fait la touche finale. Cependant, en réalité, l'auteur arrange souvent ses propres chansons et un seul ingénieur du son peut être responsable de l'enregistrement, du montage et du mixage.

Écriture de chansons . La personne qui crée la composition musicale est connue sous le nom d'auteur. L'auteur est responsable de l'élaboration de la mélodie vocale et de la création d'un accompagnement de base au piano ou à la guitare. A ce stade, une autre personne peut prendre en charge l'écriture des paroles. Une fois la base de la chanson établie, l'auteur envoie généralement le brouillon à un arrangeur expérimenté pour un raffinement supplémentaire.

Aménagement . En réalité, la partie la plus magique de la création musicale se produit pendant la phase d'arrangement. L'arrangeur est responsable de la sélection des instruments, de la finalisation des harmonies, du développement des idées musicales, de la création des transitions et des crochets. Ce n'est qu'une fois l'arrangement terminé que la musique prend vie dans toute sa splendeur.

Enregistrement sonore . Au minimum, une fois l'arrangement terminé, les voix claires doivent être enregistrées. Si vous avez écrit de la musique avec des instruments en direct, vous devez également enregistrer des tambours, des guitares, des violons, des trompettes, un piano à queue et tout autre instrument que l'arrangeur a inclus dans la chanson. Cela nécessite à la fois des musiciens et un studio d'enregistrement.

Édition . La quantification des parties MIDI est un processus simple, mais gérer les pistes de micro peut être difficile. Même si vous ne travaillez qu'avec des enregistrements vocaux, vous devez sélectionner soigneusement les prises, ajuster leur synchronisation et leur volume, corriger les problèmes de hauteur et supprimer les bruits indésirables tels que les clics, les pops et les bruits de fond.

Mélange . Une fois que toutes les pistes ont été polies à la perfection, l'ingénieur du son commence à travailler avec elles. Ils ajustent les niveaux de volume, utilisent des égaliseurs, des compresseurs, des saturateurs et des réverbérations pour traiter les pistes. C'est aussi un processus qui prend du temps, et parfois, le mixage peut être tout aussi difficile que la composition de la musique.

Maîtrise . Lorsque l'ingénieur du son a fini de travailler avec plusieurs pistes, l'ingénieur de mastering reçoit un seul fichier - le mixage terminé. Leur tâche est de parfaire le son à l'aide de moniteurs haut de gamme, d'équipements de haute qualité et d'une salle idéalement traitée acoustiquement.

Promotion . Bien que cette étape n'implique pas le processus d'écriture de la musique elle-même, elle est tout aussi cruciale. Il est essentiel d'allouer un certain budget pour la publicité, les campagnes promotionnelles et la diffusion de la chanson sur les plateformes de streaming. Sans une promotion appropriée, même un super succès potentiel peut passer inaperçu. Par conséquent, il est essentiel de garder cela à l'esprit lorsque vous travaillez sur la musique.

Quelques conseils à retenir

1. Ne laissez pas la théorie vous retenir . Commencer à écrire de la musique est simple si vous ne vous laissez pas coincer en pensant que vous n'en savez pas assez ou que vous n'avez pas les compétences nécessaires. N'utilisez la théorie que si nécessaire et référez-vous-y lorsque vous sentez que vous avez besoin de plus de connaissances ;
2. Analysez vos chansons préférées . Une excellente façon d'améliorer vos compétences en écriture musicale consiste à analyser les hits. En comprenant la logique derrière les chansons à succès, vous pouvez apprendre à écrire comme un pro. Décomposez les pistes populaires et essayez de les reproduire, en prenant note des solutions intéressantes. Faire référence à des chansons à succès peut également être utile lorsque vous travaillez sur votre propre matériel.
3. Rechercher l'originalité . Beaucoup de gens croient que les créateurs de musique qui réussissent suivent certaines règles universelles. Cependant, si vous examinez quelques succès intemporels, vous découvrirez que chacun d'eux a sa propre saveur unique. Par conséquent, n'ayez pas peur d'expérimenter et d'essayer de trouver quelque chose qui captivera le public par son originalité ;
4. Surveillez les tendances . Envisagez d'explorer les préférences du public d'aujourd'hui pour créer de la musique qui sera populaire. Bien qu'il soit important de rester fidèle à votre propre style musical, vous pouvez trouver l'inspiration en découvrant ce qui résonne auprès des auditeurs sur le marché d'aujourd'hui ;
5. Écrivez de la musique facilement . Ne vous enlisez pas dans l'arrangement de la musique trop longtemps. Essayez de le terminer rapidement et évitez de rester coincé dans le processus. De nombreux musiciens ont du mal avec des démos inachevées parce qu'ils sont pris à essayer de le rendre parfait. Il est important de savoir quand donner la priorité à l'achèvement plutôt qu'au perfectionnisme.

Le conseil le plus important est d'agir. N'attendez pas d'avoir une parfaite compréhension du solfège, d'acquérir du matériel coûteux ou des plugins. La pratique et l'expérience vous en apprendront plus que n'importe quelles connaissances ou outils théoriques.

Si vous n'avez pas de moniteurs de studio, utilisez des écouteurs. Si vous n'avez pas les moyens d'acheter un logiciel, utilisez le séquenceur en ligne gratuit. Aujourd'hui, vous pouvez commencer à faire de la musique simplement en allumant votre ordinateur. Vous finirez par acquérir l'équipement que vous désirez, mais en attendant, concentrez-vous sur l'utilisation de ce que vous avez pour développer vos compétences. Qui sait, vous pourriez déjà être un grand producteur au moment où vous obtenez l'équipement de vos rêves. Cela ne tient qu'à toi.