Gestion de la musique

Comment devenir manager musical ?

Vous ne pouvez pas vous lancer dans le métier de manager musical « de façon spontanée » : vous avez besoin de relations dans l'industrie musicale, d'une compréhension approfondie de la musique et d'une connaissance des préférences du public. Si vous n'avez aucune expérience, commencez par travailler avec des artistes émergents : beaucoup d'entre eux engagent comme managers leurs amis, leurs connaissances ou des personnes recommandées par d'autres musiciens. Une autre façon consiste à apprendre auprès de professionnels pour établir des liens, acquérir les connaissances nécessaires et faire connaissance avec des artistes, ce qui peut ensuite déboucher sur un emploi à temps plein dans l’industrie.

Comment se structure l’équipe d’un artiste ?

Le manager personnel de l'artiste est une figure clé qui interagit avec le musicien lui-même et coordonne le travail de toute l'équipe. Qu'il exécute lui-même les tâches ou qu'il les délègue à d'autres, son rôle principal est d'être le lien entre l'artiste et tous les autres membres de l'équipe.

Le producteur est responsable du matériel musical. Selon la taille de l'artiste, il peut y avoir plusieurs producteurs, chacun étant engagé dans la finalisation des morceaux, les arrangements, le placement des chansons dans l'album et d'autres aspects. En Russie, le producteur est souvent un ingénieur du son qui mixe le matériel.

Le responsable marketing est engagé sur toutes les plateformes numériques : envoi de matériel promotionnel, travail avec les médias, organisation d'activités, entretien des réseaux sociaux et interaction avec le public. Sa tâche est de promouvoir la musique et d'augmenter la popularité de l'artiste.

Le cibologue est responsable de la publicité sur les réseaux sociaux. Il définit le public cible, analyse l'efficacité des campagnes publicitaires et décide de la meilleure façon de promouvoir la musique.

Un directeur de concerts organise des spectacles, élabore des stratégies de tournée et veille à la rentabilité des concerts.

Un avocat est un membre indispensable de l’équipe. Il vérifie les contrats avec les labels, aide à rédiger les documents pour les concerts, comprend les questions de droits d'auteur et donne des conseils sur les questions juridiques, ce qui est particulièrement important pour éviter d'éventuels problèmes.

Un comptable est responsable des impôts et des rapports financiers.

Pourquoi un musicien a-t-il besoin de management ?

La gestion des artistes est un processus complexe impliquant différents spécialistes en fonction de leurs fonctions et rôles. Au fur et à mesure que les besoins de l'artiste grandissent, de nouvelles personnes s'ajoutent à son équipe et sont en mesure de répondre à ces besoins. Si un musicien commence tout juste sa carrière, son manager personnel peut assumer lui-même tous les rôles, ou l'artiste est engagé dans sa propre gestion.

Le manager agit comme intermédiaire entre l'artiste et le monde extérieur, gérant ses ressources musicales, d'image et de concert.

La ressource musicale comprend la création de chansons, l'enregistrement et la production de phonogrammes. Le manager travaille avec cette ressource à toutes les étapes – de l’idée jusqu’à la copie finale des morceaux.

La ressource image concerne la base de fans, l'image publique de l'artiste et l'intérêt que lui portent les médias. Le gérant développe cette ressource, contribuant ainsi à la croissance de la popularité du musicien.

La ressource concerts est associée à des performances lors de divers événements, des concerts solo aux événements promotionnels.

Tous les artistes ont-ils des managers ?

Pas tous. Les artistes en herbe font souvent tout eux-mêmes, puisque leur tâche principale est d'écrire de la musique et de jouer. Il faut un manager pour transformer la musique en produit et la commercialiser. C'est la personne qui relie l'artiste au public et au monde de l'industrie musicale. Les musiciens n’ont généralement pas assez de temps pour accomplir toutes ces tâches.

De quelles qualités un manager a-t-il besoin ?

Un manager d’artiste doit être un généraliste, capable de faire face à différentes tâches. Il doit être capable de vérifier les contrats, de donner son avis sur le son et d'interagir avec les marques et les fans. Même s’il n’est pas nécessaire qu’il soit un avocat professionnel, il est important de comprendre les nuances juridiques et de superviser le travail des spécialistes.

L'indépendance est une qualité essentielle d'un manager. Souvent, un musicien ne sait pas exactement ce que son manager doit faire, le manque d'initiative et la passivité sont donc inacceptables ici. En outre, un manager doit bien connaître l'industrie de la musique, comprendre les problèmes de streaming, les droits d'auteur, la promotion et d'autres aspects du travail. S'il délègue des tâches à d'autres spécialistes, il doit les comprendre dans les moindres détails.

Un manager ou une équipe ?

La plupart des artistes débutants ont un manager qui assume toutes les responsabilités. À mesure que la popularité du musicien augmente, il peut avoir une équipe où chaque membre a son propre rôle. Par exemple, les artistes à succès qui ont déjà un large public ont souvent un directeur de tournée distinct. Dans le cas des artistes signés sur un label majeur, une option de gestion hybride est généralement utilisée, où le label et un manager personnel travaillent ensemble.

Pourquoi est-il important de définir le positionnement de l'artiste ?

Un positionnement clair des artistes est la base de leur succès. L’artiste doit comprendre à quel public il s’adresse et transmettre un message clair. Le positionnement doit correspondre à leur caractère : vous ne pouvez pas essayer de transformer une personne modeste en une rock star audacieuse – cela ne semblerait pas naturel.

Il en va de même pour les versions. Le manager doit évaluer l'ambiance du prochain single ou album, comprendre ce que l'artiste veut transmettre aux auditeurs et vérifier dans quelle mesure la composante visuelle correspond à la musique. Dans le contexte d’une énorme quantité de nouvelles musiques, il est important de rendre le produit compétitif. Le manager doit trouver des moyens de faire en sorte que l'artiste se démarque des autres – cela peut être un positionnement inhabituel, des solutions créatives sur les réseaux sociaux ou une image lumineuse qui attirera l'attention. Un positionnement bien développé aide le musicien à trouver sa niche et à retenir l'attention du public, malgré la forte concurrence dans l'industrie musicale.

Comment savoir si l’on peut gagner de l’argent avec la musique d’un artiste ?

Il est difficile. Bien sûr, il existe des managers qui peuvent déterminer à partir d'un morceau si un artiste peut connaître un succès commercial, mais cela nécessite beaucoup d'expérience, ainsi qu'une bonne compréhension du marché et du public. Dans la plupart des cas, la compréhension survient au cours du processus de travail. Durant cette période, elle conseille de regarder la dynamique de croissance du public, les cachets des représentations qui se verront proposer à l'artiste, le nombre de billets vendus pour les concerts et l'intérêt des annonceurs. Si le public n'augmente pas, les annonceurs sont réticents et les billets ne se vendent pas bien, il faut soit réviser la stratégie de promotion, soit se séparer de l'artiste.

Comment un gestionnaire devrait travailler avec une ressource musicale

De nombreux artistes travaillent de manière indépendante avec une ressource musicale et ne souhaitent pas qu'un manager participe à ce processus. Parfois, le rôle du manager consiste uniquement à réserver un studio ou à acheter le rythme d'une chanson, mais il existe des situations où le manager s'implique plus activement dans le processus de création : par exemple, il est pleinement engagé dans l'organisation du temps de l'artiste, contrôle respecter les délais, leur crée des conditions confortables et recherche un équilibre entre les encouragements et certaines critiques raisonnables. Lorsqu'il travaille avec la ressource musicale de l'artiste, il est important que le manager comprenne à quel point son client est indépendant et de quel type d'aide il a besoin. Le travail personnel avec l'artiste ressemble parfois à celui d'un psychologue : l'écriture musicale est le processus numéro un dans lequel il est important de maintenir une éthique de travail. Lorsqu’il travaille sur la matière, l’artiste se trouve dans l’état le plus vulnérable. Vous devez inspirer le musicien et l'aider. Il est très important de créer du confort pour l'artiste. N'oubliez pas que vous êtes toujours de leur côté : même s'ils ont complètement tort, les conversations doivent commencer par du soutien. Dans le même temps, il est important de prévenir votre propre épuisement professionnel : le manager doit introduire un horaire de travail et des règles d'interaction.

Ok, alors combien pouvez-vous gagner ?

Si un artiste a un manager, il travaille généralement pour un pourcentage du cachet du musicien – généralement 10 à 20 %. Si l'artiste a une équipe, le système de gains peut être plus compliqué. Dans certains cas, les cachets de l'artiste, quel que soit leur montant, sont répartis entre l'ensemble de l'équipe du musicien. Dans d’autres cas, certains salariés perçoivent un taux fixe et d’autres un pourcentage du revenu. Par exemple, un directeur de tournée recevra une partie des revenus des concerts et un agent de presse (c'est-à-dire une personne chargée de communiquer avec les médias et les annonceurs) recevra un salaire.

D'accord, par où commencer à travailler ?

L'une des premières tâches d'un manager est de diffuser la musique de l'artiste sur le plus de plateformes possibles : les réseaux sociaux, les médias et, bien sûr, les services de streaming. Ils peuvent promouvoir la musique de l'artiste grâce à leur système de recommandation, l'inclure dans les principales playlists, ce qui aidera le musicien à attirer un nouveau public. Convenir d'une coopération avec des partenaires de streaming et leur expliquer pourquoi c'est votre artiste qui doit être promu est précisément le travail du manager.

Comment organiser le travail sur les versions promotionnelles

La préparation de la promotion d'une sortie à venir devrait commencer bien avant la date de sortie. Cela donne aux médias le temps de se familiariser avec le matériel et au manager la possibilité d'établir un contact avec les services musicaux et de préparer toutes les informations nécessaires pour les différentes plateformes. Chaque distributeur a ses propres exigences en matière de demandes de promotion, et il est important de vous familiariser avec celles-ci à l'avance pour éviter les retards. Dans le processus de campagnes promotionnelles, des outils tels que la publicité ciblée et le semis publicitaire sont utilisés, qui aident à atteindre le public cible.

Même si l’influence des médias traditionnels sur les auditeurs n’est plus aussi grande qu’avant, il ne faut pas ignorer la presse, les blogs, les chaînes de télévision et la radio. Par exemple, les stations de radio peuvent augmenter considérablement le nombre de Shazams, en particulier pour les morceaux de genre dance ou pop. Chaque ressource peut offrir ses propres avantages uniques et il est important de les utiliser au maximum. De plus, les médias peuvent créer une image de l'artiste, qu'il lui est difficile de se former seul.

L’artiste doit disposer d’un plan de contenu couvrant toutes les plateformes – d’Instagram et TikTok à YouTube. Il est également important d’organiser des activités de fans sur les réseaux sociaux, comme des concours de couverture, pour maintenir l’intérêt du public. Sans interaction constante avec la base de fans, elle peut progressivement diminuer. Plus l'artiste est célèbre, plus il y a de possibilités de créativité. Bien que les stars mondiales puissent se permettre des promotions à grande échelle et des projets spéciaux, les musiciens en herbe devraient également évoluer dans cette direction. Même sans grande renommée, vous pouvez participer à des projets spéciaux de niche, enregistrer des compilations thématiques, créer des versions live ou des remix avec des DJ intéressants.

Comment organiser des concerts ?

Il est important pour le manager d'un artiste en herbe de maîtriser les compétences d'organisation de concerts de manière autonome. Ce processus comprend quatre étapes principales :

1. Définir le but et le public de l'événement. Comprendre qui est votre spectateur potentiel vous aidera à mieux préparer et choisir les bonnes stratégies de promotion ;
2. Choisir un lieu. Le lieu doit correspondre à l'ampleur de l'événement et aux attentes du public ;
3. Calculer le devis et déterminer le prix du billet. Cette étape comprend le calcul de tous les coûts et la fixation d'un prix du billet qui sera bénéfique tant pour l'artiste que pour le public ;
4. Mener une campagne promotionnelle. Cela comprend les annonces sur les réseaux sociaux, l'actualité dans les médias, l'impression d'affiches et de dépliants.

Que rechercher lors de l'organisation d'un concert ?

À l’ère du streaming, l’industrie du concert a beaucoup changé. La musique est facilement accessible et la promotion est quasi instantanée, mais cela ne garantit pas le succès lors des concerts. Par exemple, un morceau peut devenir viral, mais cela ne signifie pas que l'artiste pourra rassembler un large public lors d'une performance live. Au contraire, un groupe de rock peu populaire en streaming peut attirer de grandes salles, tandis que les auteurs de tubes dance et rap avec des millions d'écoutes ne peuvent rassembler qu'un petit public lors de spectacles live.

La publicité pour les concerts repose sur les mêmes principes que la publicité pour les sorties. Il est important pour le gestionnaire de trouver un entrepreneur fiable qui mettra en place efficacement des campagnes publicitaires et assurera la vente des billets. Les concerts constituent également une excellente opportunité de vendre des produits dérivés, et le gérant doit organiser à l'avance sa livraison et sa vente sur place. Lors de la planification d'une tournée, un responsable doit prendre en compte tous les détails : réfléchir à la logistique, créer un programme de tournée, rédiger soigneusement les informations ménagères et techniques, en maintenant un équilibre entre le confort de l'artiste et les coûts, et également étudier les systèmes de billetterie et établir un processus de vente de billets.

Concerts et distribution de disques, c'est tout ?

Bien sûr que non. Le travail d'un directeur musical ne se limite pas à l'organisation de concerts et à la distribution de disques. Une partie importante de l'activité est la coopération avec les marques, la participation à des projets de sponsoring et des collaborations. Aujourd'hui, les marques recherchent activement des artistes pour coopérer, leur proposant de devenir ambassadeurs, de participer à des festivals ou à des projets spéciaux sur diverses plateformes. Une autre façon de gagner de l'argent est d'obtenir des licences musicales, ce qui inclut la vente de morceaux destinés à être utilisés dans des films, à la télévision ou dans la publicité. Dans ce cas, le manager doit être capable de travailler efficacement avec les éditeurs de musique et les avocats.

Comment communiquer avec les artistes ?

La communication avec les artistes doit être basée sur les principes du professionnalisme. Il est important de séparer clairement les relations personnelles et professionnelles, ainsi que de définir les responsabilités en détail afin d'éviter d'éventuels conflits. Les artistes sont des personnes dotées d’une grande sensibilité émotionnelle et travailler avec eux peut être difficile. Comme le disent de nombreux managers professionnels, « un bon artiste est une usine à émotions », et l'interaction avec lui s'accompagnera inévitablement de certaines difficultés. Par conséquent, l’une des tâches importantes d’un manager est de maintenir sa propre stabilité émotionnelle et son objectivité. « Votre tête devrait toujours être un peu plus fraîche », notent les experts. Des relations bien construites avec un artiste aideront également le manager à protéger ses intérêts en cas de rupture, tant sur le plan financier que sur le plan de la réputation.

Pourquoi un manager devrait-il comprendre les questions juridiques ?

Premièrement, un manager doit s’assurer que l’artiste est correctement enregistré légalement. Si le musicien reste un particulier, cela peut entraîner de nombreux problèmes de contrats et de fiscalité. Il est donc recommandé d'inscrire l'artiste en tant qu'indépendant ou entrepreneur individuel (IE).

La tenue des registres financiers et le suivi du paiement des impôts sont également des responsabilités du gestionnaire afin d'éviter des problèmes avec la loi. Jusqu'à ce que l'artiste gagne des sommes importantes, vous pouvez reporter la déclaration de revenus, mais dès que ses revenus commencent à augmenter, cette question devient une priorité.
De plus, le gestionnaire doit contrôler les licences des pistes. L'artiste qui a écrit la chanson en est l'auteur et le propriétaire du phonogramme. Pour monétiser un morceau, il est nécessaire de transférer les droits d'utilisation au label ou au distributeur par la conclusion d'un accord approprié. Le manager doit comprendre toutes les nuances de tels accords afin de protéger les droits de son artiste et éviter de transférer définitivement les droits du morceau ou de conclure des conditions défavorables.

Pourquoi il est important de préciser les conditions de coopération avec l'artiste

L’une des erreurs les plus courantes commises par les managers est l’absence de contrat formel avec l’artiste pour leur travail. Cela peut entraîner de graves problèmes, car à tout moment un conflit ou un malentendu concernant les termes de la coopération peut survenir. Pour éviter de telles situations, il est nécessaire de garantir légalement tous les accords. Des conditions clairement énoncées dans le contrat contribueront à créer une base solide pour une coopération réussie et à garantir la clarté de la relation.

La norme internationale de coopération entre un manager et un artiste varie de 10 à 20 % des revenus. Pour les superstars, ce pourcentage se situe généralement autour de 10 %, tandis que pour les débutants, il est de 20 %. Il est important de considérer à partir de quel montant ce pourcentage est calculé : à partir du revenu brut (tous les revenus de l'artiste) ou du bénéfice net. Si le manager reçoit un pourcentage de tout l'argent entrant, il est important de comprendre quelles dépenses supporte l'artiste. Dans certains cas, les revenus peuvent être minimes et les dépenses importantes, et il est alors logique de convenir de conditions plus flexibles. Par exemple, un manager peut recevoir 15 % du revenu total d'un artiste, mais pas plus de 50 % de ses bénéfices nets, afin d'assurer une répartition équitable des revenus.

Pourquoi il est important pour un manager de s'adapter aux changements de l'industrie

Les rôles au sein d'une équipe d'artistes ont considérablement changé ces dernières années, et ce n'est pas quelque chose qui est enseigné dans les écoles de musique ou dans les manuels traditionnels. L'industrie est si dynamique que tout change tous les six mois. Les informations qui étaient pertinentes il y a quelques années peuvent être obsolètes et inefficaces aujourd'hui. Il est important pour un manager de constamment mettre à jour ses connaissances et de suivre les dernières tendances.

Les changements technologiques ont également grandement affecté le processus d’enregistrement de la musique. Aujourd’hui, la qualité sonore ne dépend plus du coût du matériel de studio. De plus en plus d'artistes créent chez eux des albums à succès, ce qui oblige le manager à se concentrer sur la révélation du talent de l'artiste, et non sur les conditions d'enregistrement.

Le processus de diffusion de la musique a également radicalement changé. La distribution est devenue plus accessible grâce à l'émergence de nombreux labels et agrégateurs indépendants. De plus en plus d’artistes de niche trouvent leurs auditeurs dans une variété de genres. Les labels n’investissent plus d’énormes sommes d’argent dans la promotion de nouvelles stars, mais se concentrent sur l’analyse des médias sociaux. Dans ces conditions, il est préférable pour un artiste de commencer à travailler de manière indépendante plutôt que d'attendre l'aide des labels. Le seuil d’âge pour entrer dans l’industrie a également changé. Si auparavant les jeunes artistes devenaient souvent des stars, aujourd'hui, même après 30-35 ans, sortant leurs premiers tubes enregistrés avec leurs propres fonds, ils deviennent des musiciens à succès.

La monétisation des sorties a également connu des changements importants. Aujourd’hui, les artistes perçoivent des redevances non seulement sur les ventes et le streaming de musique, mais aussi sur les comptes sur les réseaux sociaux, les vidéos sur YouTube et d’autres plateformes numériques. Il est important de diffuser le contenu autant que possible sur toutes les plateformes disponibles afin d'augmenter les revenus et la popularité.

Les réseaux sociaux ont radicalement changé le mécanisme d'interaction entre un artiste et un public. Désormais, un musicien n'est plus une figure inaccessible, mais peut communiquer quotidiennement avec ses fans, recevoir des commentaires de leur part et parler de lui-même. Cependant, cela crée également de nouveaux défis, dans la mesure où les musiciens commencent à être perçus comme des gens ordinaires, ce qui peut compliquer le travail avec les fans.

Même la comptabilité et la gestion documentaire évoluent à l’ère du numérique. De plus en plus de services en ligne apparaissent pour simplifier les calculs fiscaux et les rapports financiers. Cependant, la législation ne suit pas toujours ces évolutions et il faut souvent travailler avec un grand nombre de documents.

Combien de temps faut-il pour apprendre ?

L'apprentissage dans l'industrie de la musique est un processus continu. L’industrie est en constante évolution, avec l’émergence de nouvelles plateformes de distribution, lieux et festivals. Il est important d'être prêt à apprendre et à s'adapter continuellement, comme dans toute autre profession.