Tempo en musique

Qu'est-ce que le tempo en musique

Le tempo est l'un des éléments clés de l'expressivité musicale, avec des concepts tels que le rythme, l'harmonie, la mélodie, le mode et autres. L'apprentissage de ces composants est essentiel pour tout musicien, tout comme l'importance d'apprendre à lire la musique. Aujourd'hui, nous allons plonger dans les bases du solfège pour comprendre la notion de tempo, tout en essayant de rendre le processus aussi amusant que possible.

Tempo (de l'italien « Tempo ») détermine la vitesse de passage des unités métriques dans une composition, ou plus simplement, la vitesse de son exécution. C'est comme lire un poème : vous pouvez le lire rapidement ou lentement, et cela changera considérablement la perception. En musique, le tempo affecte non seulement les mots, mais aussi le son de l’ensemble de la composition.

Le tempo est généralement indiqué au début d'un morceau de musique et sert d'indication à l'interprète de la vitesse de lecture souhaitée. Cela vous donne une idée du moment où commencer la partie suivante du morceau et de la manière de coordonner votre chant avec le rythme.

Dans la musique moderne, le tempo reste le plus souvent constant tout au long de la chanson. Cependant, dans la musique classique, vous pouvez souvent trouver des changements de tempo, où la vitesse de l'interprétation passe de rapide à lente et vice versa. Cela donne aux œuvres du dynamisme et de la richesse émotionnelle.

Les œuvres musicales sont organisées en mesures d'une certaine taille, contenant des rythmes accentués et non accentués. Le tempo indique combien de battements se produisent sur une certaine période de temps. Pour déterminer avec précision le tempo, une échelle BPM (battements par minute) est utilisée, indiquant le nombre de battements en 60 secondes.

Pulsation de la musique

Avez-vous remarqué la similitude entre le tempo d’une composition musicale et le battement du cœur humain ? L’une des principales similitudes réside dans la mesure en battements par minute. Le tempo moyen de la musique correspond souvent à la fréquence cardiaque normale au repos d'une personne, qui est de 60 à 80 battements par minute. Les mélodies lentes ont un tempo d'environ 40 à 58 battements, tandis que les chansons plus rapides dépassent la barre des 90 battements. Lors d'une activité physique intense, notre cœur peut battre à une fréquence d'environ 200 battements par minute, dont la sensation, comme la musique, varie selon les préférences.

Regarder des musiciens expérimentés jouer peut être à la fois inspirant et intimidant pour les nouveaux artistes. Il est étonnant de constater à quel point les professionnels capturent facilement chaque nuance, en suivant précisément le rythme et le tempo. Cependant, atteindre ce niveau de compétence n’est pas aussi difficile qu’il y paraît à première vue. Le secret réside dans la compréhension des bases et dans la pratique régulière.

Métronome

La structure musicale est constituée de mesures dans lesquelles il y a non seulement des sons, mais aussi des pauses qui jouent un rôle important. Ils aident à souligner certains points, offrent une pause aux auditeurs et donnent aux artistes une chance de se préparer pour le segment suivant.

Le métronome est un outil qui permet de visualiser cette structure rythmique et permet aux musiciens de synchroniser le tempo de leur performance. Les paramètres du métronome incluent la détermination du tempo et de la signature rythmique de la chanson, où la signature rythmique est désignée comme 4/4, 2/2, etc., indiquant les temps dans la mesure. Une échelle BPM (battements par minute), telle que 70 ou 80, synchronise les battements du métronome avec les battements accentués, facilitant ainsi le suivi du rythme.

Le célèbre métronome, du nom de son créateur, le pianiste et mécanicien allemand Maelzel, est considéré comme la norme pour indiquer le tempo. L'utilisation d'un métronome Mälzel (M. M) favorise le développement du sens du rythme en apprenant aux musiciens à s'adapter à l'oreille au tempo d'une composition.

Cet appareil a été inventé en 1815 et est devenu la base de la mesure précise du tempo de la musique, utilisée par des compositeurs tels que L. van Beethoven, ainsi que par des auteurs des XXe et XXIe siècles. À l’époque romantique, de nombreuses personnes préféraient les instructions verbales pour le tempo.

Les métronomes modernes sont disponibles dans des styles électroniques et mécaniques, conservant les éléments de conception traditionnels tels que les ressorts et les poids. Les dernières versions sont également demandées : des applications pour appareils mobiles et des métronomes en ligne qui fonctionnent sur un principe similaire.

Autres options de notation du tempo

Dans les situations où une précision de tempo élevée n'est pas requise, des termes musicaux spécialisés sont utilisés, classés en trois catégories principales : tempos lents, moyens et rapides.

Les premières indications de tempo ont commencé à être utilisées au XVIe siècle dans les académies de musique espagnoles. Il existe diverses adaptations linguistiques de ces cadres de tempo : italien, allemand, anglais, russe et français, chacun véhiculant des concepts musicaux similaires. Malgré la variété des langues, elles ont toutes des valeurs numériques correspondantes sur le métronome, vous permettant de déterminer avec précision la vitesse du morceau.

• Lent : largo (large), larghetto (assez large), lento (long), adagio (lent), adagietto (assez lent), grave (lourd) ;
• Modéré : andante (calmement), andantino (un peu plus rapide), moderato (modérément, sostenuto (retenu), allegretto (vivant), allegro moderato (modérément rapide) ;
• Rapide : allegro (rapidement), vivo (vivement), vivace (plus vif), presto (rapidement), prestissimo (encore plus rapide).

Comme mentionné précédemment, le tempo des morceaux de musique reste généralement constant, mais il peut parfois changer au sein d'une même composition. Pour désigner de tels changements dynamiques, il existe des termes musicaux spécifiques : accelerando (accélération), ritenuto (léger ralentissement), ritardando (ralentissement important) et autres.

Ces termes sont les marqueurs de base des changements de vitesse, mais il existe également des nuances de tempo plus subtiles dans la musique, pour lesquelles certains mots sont également utilisés pour aider à transmettre plus précisément les caractéristiques du rythme.

Par exemple:

• assai – très;
• commodo – pratique ;
• non troppo – pas trop ;
• molto – très ;
• mosso – mobile ;
• maestoso : solennellement ;
• animando – animé ;
• agitato : avec enthousiasme ;
• sempe – tout le temps.

Le débat continue de porter sur les méthodes privilégiées pour indiquer la vitesse des performances musicales. Il existe une division parmi les interprètes et les compositeurs entre ceux qui préfèrent les notations numériques du tempo et ceux qui ont tendance à utiliser des termes verbaux. Les partitions musicales utilisent souvent une combinaison de ces approches : une indication verbale du tempo en italien ou en russe est placée avec une valeur numérique sur une échelle métronomique.

Ainsi, on comprend pourquoi le train rapide s'appelle « Allegro » et parfois l'emballage des pâtes est étiqueté « Presto ». Blague à part, la connaissance des symboles de tempo joue un rôle clé dans le développement de la capacité à lire et à jouer de la musique avec précision, comme nous l'avons mentionné plus tôt.

Sinon, pourquoi avez-vous besoin de connaître le tempo de la musique ?

Cet aspect s’explique dans l’analogie entre le tempo musical et le pouls humain que nous avons mentionné plus tôt. Une composition musicale bien choisie contribue à augmenter l'efficacité des activités sportives, car le corps s'efforce de se synchroniser avec un rythme donné.

La recherche confirme que les mélodies rythmées peuvent améliorer les performances lors de l'entraînement. Les athlètes qui s’entraînent en musique font souvent preuve d’une vitesse et d’une endurance supérieures, et les personnes qui pratiquent l’entraînement en force peuvent soulever plus de poids.

Le choix du tempo musical optimal, mesuré en battements par minute (bpm), dépend du type d'activité physique. Pour des pratiques telles que le yoga, le Pilates et le stretching, les pistes avec un tempo inférieur à 120 bpm sont idéales. Une musique allant de 125 à 140 bpm est idéale pour s'échauffer, faire du step et danser. Tandis que des chansons plus énergiques avec un tempo de 140 à 190 bpm peuvent stimuler l'obtention de résultats exceptionnels dans des sports intenses et conviennent aux exercices cardio, comme la course à pied.

Tempo de la musique moderne

Le tempo d'un morceau joue un rôle clé dans la formation de son atmosphère, de son style et de l'impression générale qu'il donne à la musique. Les tempos élevés sont généralement associés à une musique de danse au rythme rapide, tandis que les tempos plus bas sont typiques des mélodies apaisantes. Cela semble évident, mais en réalité, les règles ne sont pas si strictes. Dans vos projets musicaux, vous avez le droit d’expérimenter n’importe quel tempo, en vous éloignant des normes traditionnelles. Cependant, il existe des limites de tempo généralement acceptées pour certains genres musicaux.

• musique pop – 110-140 bpm ;
• hip-hop – 80-130 bpm ;
• techno – 140-160 bpm;
• rock – 65-95 bpm;
• batterie et basse – 140-200 bpm.

La relation entre le tempo et les genres musicaux est aussi essentielle que les autres moyens d’expression musicale. Bien que les gammes de tempo puissent varier, leur influence sur le genre musical est indéniable. Pour cette raison, comprendre le solfège est extrêmement important pour ceux qui voient leur avenir dans la musique.

Maîtriser les instruments de musique et contrôler sa voix nécessite une compréhension approfondie des principes musicaux. La perception du tempo peut être intuitive et accessible à tous. Cependant, la capacité de sélectionner et de suivre avec précision un tempo spécifique dans l’interprétation se développe grâce à une pratique continue. Il ne faut donc pas négliger les cours de solfège. Écoutez attentivement la musique de votre playlist et essayez de ressentir le rythme auquel « palpite » votre composition préférée. Cela aidera non seulement à reproduire avec précision les chansons, mais pourra également conduire à la création de votre propre succès musical.