Programmation de batterie

La maîtrise des compétences en programmation de batterie est un élément clé des compétences de tout producteur de musique. Cette pratique a commencé avec l'avènement des premières boîtes à rythmes dans les années 1980, qui ont rapidement gagné en popularité, remplaçant les batteurs live et élargissant l'utilisation de la batterie dans la production musicale.

Aujourd'hui, avec la musique moderne si dépendante du rythme, la capacité à programmer efficacement la batterie peut faire toute la différence dans le succès d'un producteur de musique. Les gens ressentent instinctivement un bon rythme, sans même s’en rendre compte au niveau conscient. Même sans connaissances musicales, vous reconnaîtrez une chanson grâce à une programmation de batterie de qualité.

Les programmeurs de batterie professionnels soulignent l’importance du souci du détail. Un motif de batterie conventionnel tel que quatre au sol utilisant des motifs standard 808 peut sembler ringard. Mais le compléter avec des échantillons uniques, des syncopes, des effets et d'autres éléments lui apportera de la nouveauté et intéressera l'auditeur.

Rejoignez-nous pour explorer les subtilités de la programmation de batterie et apprendre à appliquer des techniques professionnelles à vos projets. Il convient de noter que la programmation de batterie est différente de la synthèse : elle n'implique pas toujours la création d'échantillons ou de sons à partir de zéro, bien que de nombreux producteurs intègrent la synthèse de batterie dans leur flux de travail. La tâche principale est de créer et de manipuler des motifs de batterie, en créant des permutations, des boucles et des variations à partir d'eux.

L’importance d’une excellente programmation de batterie

Il est difficile d'expliquer exactement pourquoi une boucle de batterie nous procure un sentiment particulier de connexion par rapport à une autre, mais le mot le plus proche pour décrire ce sentiment est groove. Le groove est nécessaire à la musique, car sans lui, il est difficile de se mettre au rythme de la danse et du mouvement.

Pour presque tous les morceaux que vous créez, le groove est la base, sauf lorsqu'il s'agit d'un travail inhabituel, ambiant ou expérimental. Très probablement, votre objectif est de faire danser les gens et d'encourager leurs mouvements tout en écoutant vos morceaux.

Heureusement, il n'existe pas une seule bonne façon de trouver ce groove, et il existe de nombreuses approches différentes, que vous travailliez sur un morceau de hip-hop à 100 BPM ou sur un morceau de drum and bass à 175 BPM.

Bases de la programmation de batterie

Pour comprendre le fonctionnement d’un groove, il est important de commencer par apprendre les bases de la programmation de batterie. En analysant et en décomposant les grooves réussis, vous pouvez obtenir un succès significatif. Comme je l’ai déjà mentionné, la batterie est à la base de presque toutes les musiques modernes. Le producteur doit apprendre à créer cette base avant de passer aux aspects plus complexes de la programmation de la batterie.

Dans ce contexte, examinons de plus près les différents éléments d'un groove de batterie typique et comment ces composants peuvent interagir pour former la structure rythmique d'un morceau.

Coup de pied

La grosse caisse, ou kick, sert souvent de base à la plupart des grooves de batterie. Dans des genres allant du rock au hip-hop en passant par la house, la grosse caisse est l'élément qui retient notre attention et nous relie au rythme de la composition. J'aime considérer le kick comme l'élément le plus puissant et le plus percutant d'une batterie.

Lors de la programmation de parties de batterie, j'aime garder le coup de pied plus strictement dans la grille rythmique que les autres éléments de batterie. Le kick influence grandement les caractéristiques sonores d'un morceau, y compris son genre et ses caractéristiques stylistiques.

Contre-battement

L’un des premiers éléments qu’un producteur ajoute habituellement à une boucle de grosse caisse est un backbeat. Le backbeat, également connu sous le nom de deux et quatre temps dans un rythme de batterie, est généralement exécuté à l'aide d'une caisse claire ou d'un clap. Cet élément constitue une forme importante de syncope, ajoutant du dynamisme et de l'énergie qui aident à définir le groove du motif de batterie. Plus tard, nous verrons également comment manipuler les backbeats pour leur donner un son plus naturel.

Plats

Les cymbales occupent le registre supérieur de l’ensemble d’instruments à percussion traditionnels. L'utilisation de doubles croches ou de motifs asynchrones sur le charleston peut ajouter une énergie supplémentaire au motif de batterie global, tandis que les cymbales crash et autres types de cymbales aident à mettre en valeur différentes parties de la piste et à améliorer sa dynamique.

J'aime inclure d'autres instruments rythmiques à haute fréquence dans cette catégorie, comme le tambourin et le shaker. Ces instruments de percussion supplémentaires peuvent être utilisés pour ajouter des nuances de swing et de texture aux grooves standards.

Sons de percussions

Outre les shakers et les tambourins, il existe de nombreux autres instruments de percussion qui peuvent ajouter des accents syncopés, créer des couches et ajouter des éléments de texture uniques à vos motifs de batterie. La beauté des percussions dans le contexte de la programmation de batterie réside dans le large éventail de possibilités de sélection et de placement des échantillons.

La gamme d'instruments à percussion est vaste : des bongos aux triangles, des blocs de bois au marimba et bien plus encore. La clé ici est de sélectionner des échantillons de haute qualité qui s’emboîtent harmonieusement, ajoutent de la dynamique et s’intègrent naturellement dans le groove global.

Pensez à utiliser des boucles

Si vous êtes nouveau dans la production musicale ou si vous lisez simplement cet article, vous avez peut-être rencontré des perceptions négatives concernant l'utilisation des boucles dans la production musicale. Cependant, les boucles échantillonnées peuvent être un outil précieux pour ajouter de la complexité et animer votre programmation de batterie.

Je pense également que les boucles échantillonnées peuvent être particulièrement utiles pour enseigner les combinaisons audio et MIDI. Même si vous ne prévoyez pas de les inclure dans le mixage final, une boucle bien choisie peut inspirer la créativité et accélérer le processus de production musicale.

En n’utilisant pas les boucles en raison de leur mauvaise réputation imméritée, vous vous privez d’un outil important dans votre workflow et créez des obstacles inutiles.

Aller au-delà du conventionnel

Une fois que vous maîtrisez les compétences de base de la programmation de batterie, vous pouvez commencer à maîtriser les aspects les plus avancés de cet art. L'introduction de la syncope, de motifs rythmiques uniques et de nuances subtiles peut faire passer votre groove de batterie au niveau supérieur.

Commencer avec des motifs de batterie classiques est certainement utile, mais avec le temps, vous souhaiterez probablement explorer des méthodes de programmation de batterie plus non conventionnelles. Cela aidera vos morceaux à se démarquer et à avoir leur propre place unique parmi le reste de la musique.

Syncope

La syncope est quelque chose qui peut vous être très utile lorsque vous étudiez un sujet plus en profondeur. Pour les besoins de cet article, j'aimerais donner un bref aperçu de la syncope et de la façon dont elle peut élargir vos horizons créatifs et vous encourager à aborder la musique dans une perspective non conventionnelle.

Contre-battement

La syncope avec des accents sur les deuxième et quatrième temps est devenue populaire au siècle dernier. Ce style est tellement ancré dans la musique moderne qu’il est difficile d’imaginer qu’il n’ait pas été un leader en matière de syncope. Dans la syncope, l'accent est généralement mis sur les temps « deux et quatre », par opposition aux temps traditionnels « un et trois ».

En expérimentant avec un backbeat standard, vous pouvez ajouter de la dynamique, de l'amplitude ou toute autre caractéristique nécessaire pour obtenir l'effet atmosphérique souhaité.

Décalé

La syncope décalée est utilisée pour souligner un rythme qui se situe en dehors du motif normal des temps forts. Les cymbales et autres éléments percussifs sont souvent utilisés pour créer une syncope décalée. Si vous écoutez la plupart des morceaux house, vous remarquerez des syncopes décalées dans les charleys. Ces charleys sont généralement situés sur le « i » dans le compte 1-2-3-4 – entre 1 et 2, 3 et 4.

Suspension

Une syncope suspensive peut créer une emphase notable en faisant glisser ou en prolongeant un élément de la mesure précédente vers la suivante. Ce type de syncope est unique dans le sens où il viole les idées conventionnelles du rythme, créant un effet en cascade. Cela relie les mesures entre elles et donne à la composition musicale plus de flexibilité et de fluidité.

Coup manqué

Ce type de syncope est l’un de mes préférés car il met l’accent sur des endroits inattendus. En utilisant la syncope par sauts, vous pouvez créer des grooves de batterie inhabituels et originaux qui amènent l'auditeur à s'attendre à des coups de batterie ou de percussions qui n'arrivent pas ou qui arrivent légèrement plus tôt que prévu.

Cela est particulièrement visible dans la musique trap, où les producteurs placent souvent les grosses caisses dans des endroits inattendus, créant ainsi un sentiment d'anticipation ou de tension.

Enveloppes de tambour

L’un des aspects clés, mais souvent négligés, de la programmation de batterie concerne les silences entre les coups. Les notions d'espace et de silence jouent un rôle important en musique et doivent être soigneusement prises en compte lors de la création d'œuvres musicales.

Considérez que sans une utilisation efficace de l’égalisation et de la compression, la plupart des mixages ne sembleront pas harmonieux. De même, la plupart des grooves de batterie n’atteindront pas leur plein potentiel sans un réglage minutieux des enveloppes.

Par exemple, de longs éléments percussifs dans un groove rapide peuvent créer une sensation de lenteur ou de distance. Un long échantillon de batterie dans une piste à 160 BPM peut sembler lent.

Avec les DAW modernes équipés d'un échantillonneur, les enveloppes ADSR des échantillons peuvent être manipulées pour créer des grooves plus serrés ou plus lâches, offrant ainsi l'espace indispensable dans les arrangements de batterie.

Dans une piste rapide, vous pouvez raccourcir la durée de la batterie pour éviter qu'elle ne se chevauche avec d'autres échantillons. Dans un morceau lent, en revanche, vous pouvez augmenter la durée du coup de pied pour combler le vide entre les coups principaux.

Cela améliorera non seulement la densité et la confiance de vos grooves, mais créera également plus d'espace pour que différents échantillons puissent s'adapter sans qu'ils ne se chevauchent.

Percussions mélodiques

De nombreux producteurs de batterie n'accordent pas suffisamment d'attention aux percussions mélodiques, même si elles peuvent jouer un rôle clé dans la création de mélodies uniques sans recourir aux instruments mélodiques traditionnels tels que les synthétiseurs, les claviers ou les guitares.

Utiliser des instruments de percussion mélodiques pour créer une accroche mélodique dans une chanson peut ajouter une couche unique et engageante à votre groove. Il existe plusieurs approches que j'utilise souvent dans mes compositions, mais la clé est de trouver des instruments de percussion avec une tonalité distincte.

De nombreux instruments à percussion, tels que les steel drums et les marimbas, ont une tonalité distincte qui leur permet d'être façonnés en mélodies. Il est important que ces batteries mélodiques soient adaptées à votre morceau afin que vous puissiez les utiliser pour créer des mélodies et des riffs simples.

Même si vous n'utilisez pas d'instruments de percussion mélodiques pour créer des mélodies seuls, ils peuvent être utilisés pour créer des motifs rythmiques réactifs, interagissant avec des mélodies ou des phrases spécifiques de votre morceau, ou servir de couches pour des pistes telles que des voix ou des mélodies de synthétiseur. améliorant les compositions énergétiques globales.

Les instruments à percussion sont particulièrement efficaces dans des genres tels que la techno et la house. Dans les styles axés sur les rythmes de danse, les instruments à percussion mélodiques peuvent offrir une manière plus sophistiquée de créer des mélodies.

Percussions mélodiques

De nombreux producteurs de batterie n'accordent pas suffisamment d'attention aux percussions mélodiques, même si elles peuvent jouer un rôle clé dans la création de mélodies uniques sans recourir aux instruments mélodiques traditionnels tels que les synthétiseurs, les claviers ou les guitares.

Utiliser des instruments de percussion mélodiques pour créer une accroche mélodique dans une chanson peut ajouter une couche unique et engageante à votre groove. Il existe plusieurs approches que j'utilise souvent dans mes compositions, mais la clé est de trouver des instruments de percussion avec une tonalité distincte.

De nombreux instruments à percussion, tels que les steel drums et les marimbas, ont une tonalité distincte qui leur permet d'être façonnés en mélodies. Il est important que ces batteries mélodiques soient adaptées à votre morceau afin que vous puissiez les utiliser pour créer des mélodies et des riffs simples.

Même si vous n'utilisez pas d'instruments de percussion mélodiques pour créer des mélodies seuls, ils peuvent être utilisés pour créer des motifs rythmiques réactifs, interagissant avec des mélodies ou des phrases spécifiques de votre morceau, ou servir de couches pour des pistes telles que des voix ou des mélodies de synthétiseur. améliorant les compositions énergétiques globales.

Les instruments à percussion sont particulièrement efficaces dans des genres tels que la techno et la house. Dans les styles axés sur les rythmes de danse, les instruments à percussion mélodiques peuvent offrir une manière plus sophistiquée de créer des mélodies.

Soyez un batteur

L’un des principes clés mais simples de la programmation d’une batterie réaliste est de penser comme un vrai batteur. Même s'il peut être amusant d'expérimenter des rythmes inhabituels et extravagants, pour atteindre le réalisme, vous devez vous assurer que vos parties de batterie et de percussions peuvent être interprétées par un batteur en direct.

La programmation de parties de batterie dépassant les capacités humaines peut révéler par inadvertance l'utilisation du logiciel. Par exemple, peu de vrais batteurs seront capables d'exécuter un groove de 64 notes sur un charleston à 150 BPM, alors qu'un simple rythme à quatre sur le sol au même tempo est parfaitement réalisable.

Pour mieux comprendre ce qu'un vrai batteur peut et ne peut pas jouer, il est utile d'écouter des performances live. Écoutez attentivement quelques-uns de vos morceaux préférés, en faisant attention aux rythmes de batterie utilisés, pour avoir une idée de ce qui est considéré comme réaliste en matière de batterie.

Utiliser un instrument MIDI

Lorsque l’on programme des tambours qui sonnent au même volume et sont parfaitement synchronisés, il devient clair qu’un logiciel a été utilisé. Une façon de rendre le son plus réaliste consiste à utiliser des instruments MIDI. Vous n'avez peut-être pas accès aux enregistrements de batterie en direct, mais vous pouvez utiliser un kit de batterie électronique connecté au programme pour jouer de la batterie en temps réel.

Je préfère souvent cette approche lorsque je travaille avec Addictive Drums 2, car elle offre du réalisme sans avoir à entrer dans des réglages complexes. Si vous n'êtes pas batteur, vous pouvez utiliser un clavier MIDI ou un pad de batterie.

Quel que soit le matériel que vous utilisez, la création de motifs de batterie à l'aide du MIDI aidera votre piste à paraître beaucoup plus réaliste en raison de la variabilité du timing et de la dynamique. Cependant, même sans instruments MIDI, des résultats similaires peuvent être obtenus, même si cela peut nécessiter plus de temps et d'efforts.

Ne devenez pas fou avec la quantification

Tout batteur expérimenté vous dira que la clé du jeu de batterie est le contrôle du tempo. Mais même les meilleurs batteurs ne sont pas parfaits, et lors de l'enregistrement de batterie en direct, vous remarquerez que certains rythmes s'écartent légèrement de la grille rythmique de votre DAW. Cette légère fluctuation du tempo est ce qui donne au rythme son réalisme.

La plupart des DAW modernes offrent la possibilité de quantifier les notes MIDI, en les verrouillant dans une grille rythmique. La quantification vous permet de corriger les inexactitudes du tempo en liant les notes à une grille.

Bien que la quantification puisse contribuer à améliorer le groove, une utilisation excessive peut donner aux pistes un son artificiel et mécanique. Lors d'une programmation manuelle, il est préférable de laisser certaines notes légèrement décalées par rapport à la grille pour qu'elles sonnent plus naturellement. Vous pouvez commencer par quantifier l'ensemble du motif de batterie pour fixer sa position, puis ajuster manuellement les notes afin qu'elles soient légèrement en avance ou en retard sur le rythme.

La décision de placer les battements avant ou après le décompte dépend de la nature de la piste. Pour un son plus dynamique, vous pouvez placer les charleston légèrement en avant de la grille, ou pour un son plus détendu, les placer légèrement en arrière.

De nombreuses DAW offrent différents niveaux de quantification, permettant aux producteurs de choisir le degré de verrouillage des notes sur la grille. Des niveaux de quantification plus faibles rendent les grooves plus naturels, tandis que des niveaux de quantification plus élevés verrouillent étroitement les éléments dans la grille rythmique.

Réglage de la vitesse

Un autre élément clé pour rendre les parties de batterie plus réalistes est le réglage de la vitesse du rythme. La vélocité de la note MIDI détermine le volume auquel l'échantillon est déclenché. Une note jouée à grande vitesse sonnera plus fort et plus énergique, tandis qu'une note jouée à basse vitesse sonnera plus douce et plus silencieuse.

Vous pouvez accentuer certains rythmes de vos grooves en faisant varier la vitesse des notes. Ceci est similaire à l'approche d'un batteur qui met l'accent sur les hits les plus significatifs en les jouant plus fort. Par exemple, dans un groove punk rock standard, l'accent est souvent mis sur les deuxième et quatrième temps de chaque mesure, alors que dans un groove reggae à un temps, l'accent est généralement mis sur le premier temps.

Lorsque vous ajustez la vitesse des notes, cela vaut la peine de réfléchir à la façon dont vous joueriez le groove dans la vraie vie. Il peut être utile de vous enregistrer en train de taper un rythme pour voir sur quels rythmes vous insistez intuitivement. Vous pouvez ensuite ajuster la vitesse de votre groove MIDI en conséquence, en fonction des fonctionnalités que vous remarquez dans votre enregistrement.

Humanisation

De nombreuses DAW sont équipées de fonctionnalités « d’humanisation » qui apportent des ajustements subtils au timing et à la vitesse des notes. Cette fonctionnalité « humaine » peut être très efficace pour rendre les grooves MIDI plus naturels sans paraître robotiques.

Cependant, vous devez être prudent lorsque vous utilisez la fonction humaniser, car le moyen le plus précis de déterminer les notes accentuées est l'intuition. Il peut être difficile pour un ordinateur de détecter avec précision les changements de vitesse et de timing en fonction du ressenti, et l'application accidentelle de ces nuances subtiles peut rendre le son de votre batterie MIDI moins convaincant.

Utilisez de vraies boucles

Un moyen simple et efficace d’ajouter plus de réalisme à votre batterie MIDI consiste à utiliser des boucles prédéfinies. Je trouve souvent que combiner une batterie MIDI programmée avec des boucles live offre un bon équilibre entre contrôle et réalisme.

En utilisant des instruments de batterie virtuels comme Addictive Drums 2 ou Steven Slate Drums, qui offrent des grooves MIDI intégrés, vous pouvez commencer avec ces boucles MIDI prêtes à l'emploi comme base de vos grooves. Ces grooves MIDI ont été enregistrés par de vrais batteurs, garantissant que les caractéristiques parfaites de tempo et de vitesse sont déjà réglées.

Vous pouvez ensuite utiliser des motifs individuels de ces boucles MIDI prédéfinies dans d'autres projets, en les appliquant à différents instruments. Par exemple, un motif de batterie d'une piste MIDI peut être utilisé pour déclencher d'autres échantillons, comme le son d'un cerceau ou d'un clap.

Il est également possible de combiner vos notes MIDI avec des échantillons live pour créer une couche unique dans votre groove de batterie. Il peut souvent être difficile de programmer des charleys réalistes, et c’est là que l’utilisation d’échantillons live peut s’avérer particulièrement utile.

Utilisez votre propre réverbération

De nombreux programmes de programmation de batterie professionnels sont dotés d'une fonction de réverbération. Même si l'application d'une réverbération peut être efficace en soi, j'ai constaté que l'utilisation simultanée d'une variété de réverbérations provenant de différents programmes de batterie peut entraîner des sons incohérents. Je désactive donc généralement la réverbération intégrée, préférant utiliser une seule réverbération pour l'ensemble du mix.

Après avoir programmé l’intégralité du groove de batterie, j’achemine chaque élément vers cette réverbération unique à des degrés divers. Le but est de donner l’impression que tous les éléments ont été enregistrés dans la même pièce.

Vous pouvez ensuite ajuster divers paramètres de cette réverbération de pièce pour vous assurer qu'elle s'intègre harmonieusement au reste du mixage, notamment la taille, le style, l'égalisation et d'autres paramètres.

Ajouter de la saturation

Lors de la programmation de sons de batterie dans un VST, il est parfois utile d'ajouter un effet de saturation pour éviter que le son ne paraisse trop « propre ». La saturation est l’un de mes effets préférés car elle ajoute au son des artefacts naturels typiques d’un enregistrement live.

Bien qu'il soit possible d'appliquer simplement un plugin de saturation, tel qu'un émulateur de bande, directement à une section de batterie, j'ai découvert que la saturation parallèle offre plus de contrôle et permet de doser avec précision la bonne quantité de saleté afin que la batterie puisse passer efficacement. le mélange.

Pour cela, envoyez le groupe de batterie sur une piste auxiliaire avec un plugin de saturation. Écoutez les sons de batterie tout en augmentant progressivement le niveau de saturation sur le plugin. L'avantage de la saturation parallèle est que vous pouvez rendre la piste auxiliaire de saturation aussi sale que nécessaire, puisque l'objectif principal est d'améliorer seulement légèrement le son du groupe de batterie principal.

Déterminez ce qui manque à votre batterie et envisagez d’utiliser la saturation pour améliorer le son. Votre batterie semble trop fine ? Ensuite, vous pouvez augmenter la saturation aux basses et moyennes fréquences. Ou peut-être que le son est trop sombre ? Dans ce cas, augmenter les hautes fréquences permettra d’obtenir un son plus brillant et plus clair.

Après avoir sélectionné la tonalité appropriée, baissez le niveau de la piste auxiliaire au minimum et augmentez-le lentement jusqu'à obtenir la combinaison optimale de son clair et sale.

Ajout de remplissages

Une fois que vous avez un groove décent qui traverse les différentes parties de la chanson (couplets, ponts, refrains, etc.), cela vaut la peine d'envisager d'ajouter des remplissages pour lier ces sections ensemble. J'aime souvent insérer des fills toutes les huit mesures environ pour varier le motif rythmique du groove de batterie et interrompre de longues sections ou passer à la partie suivante de la chanson.

Programmer des fills simples dans un groove n'est généralement pas difficile. Si vous travaillez avec des batteries VST, vous trouverez probablement une bibliothèque de remplissages prédéfinis avec une variété de motifs parmi lesquels choisir.

Pour qu’un remplissage s’intègre harmonieusement dans un motif existant, il est important de s’assurer qu’il n’entre pas en conflit avec les éléments de la rainure principale. Par exemple, si vous ajoutez un remplissage avec une caisse claire, vous souhaiterez peut-être supprimer la caisse claire du motif principal pour libérer de la place pour le remplissage. Dans le même temps, conserver d’autres éléments, tels que des shakers ou des charleys, peut contribuer à créer un son plus cohérent et cohérent.

Une fois le remplissage placé au bon endroit, vous devez l'insérer correctement dans le mix, en accordant une attention particulière à faire correspondre la vitesse de ses éléments avec la vitesse du motif principal. Il est important que le remplissage ne soit pas trop fort ou trop intense par rapport au groove principal.

Enfin, appliquez la quantification ou ajustez le timing des éléments de remplissage pour qu'il corresponde au groove global de la batterie. Par exemple, si le groove principal a un swing, les éléments de remplissage peuvent être déplacés de manière à ce qu'ils soient légèrement en retrait de la grille, conservant ainsi le rythme général.

Trouver les meilleurs échantillons de batterie

Même si vous avez magistralement programmé vos grooves de batterie et configuré soigneusement vos paramètres VST de batterie, l'utilisation de mauvais échantillons peut laisser vos mixages plats. Trouver des échantillons de qualité à utiliser dans vos morceaux est un aspect essentiel à prendre en compte.

Il existe aujourd’hui de nombreux échantillons et kits géniaux qui sonnent bien en eux-mêmes. Mais même si un échantillon sonne parfaitement seul, cela ne garantit pas qu'il sonnera efficacement dans le contexte de votre mix, notamment lorsqu'il est combiné avec d'autres sons. Bien que les outils de mixage tels que l’égalisation, la compression et la mise en forme d’enveloppe puissent aider avec des échantillons imparfaits, leurs capacités sont limitées.

Essayer de mélanger des échantillons incompatibles peut ajouter du travail supplémentaire et entraîner des complications. Il est important que vos boucles de batterie et vos échantillons sonnent comme s'ils étaient faits les uns pour les autres dès le départ. La continuité et l'harmonie du son sont extrêmement importantes pour maintenir l'attention de l'auditeur.

Même s'il peut être tentant de choisir le premier échantillon qui arrive, prendre le temps de trouver les sons parfaits s'avérera inestimable dans le processus de mixage et de mastering de vos morceaux.

Accordage de la batterie

Techniquement, la batterie est un instrument inharmonique, ce qui signifie que ses harmoniques ne suivent pas une tonalité musicale spécifique. Cependant, la plupart des tambours ont une tonalité fondamentale qui produit ces harmoniques inharmoniques.

Il est intéressant de noter qu’il n’existe pas de règles clairement définies dans le processus d’accordage des échantillons de batterie, ce qui le rend ouvert à l’expérimentation. Cependant, vous remarquerez souvent que l'accordage de l'échantillon ne correspond pas au reste du groove de la batterie.

L'élément clé à régler est la grosse caisse, car un coup de pied mal réglé peut entrer en conflit avec les basses et d'autres éléments basse fréquence, provoquant une disharmonie dans le mix. Ceci est particulièrement important dans des genres comme le trap et le hip-hop, où les morceaux reposent souvent sur des basses 808. Dans les genres avec des grosses caisses, il peut être plus difficile de déterminer la tonalité spécifique de la grosse caisse.

Si vous avez des difficultés à déterminer la tonalité fondamentale d'un tambour, vous pouvez utiliser un analyseur de spectre. En plus de conserver la tonalité, l’accordage de la batterie peut modifier la sensation globale du son. Par exemple, baisser la hauteur d'un tambour peut le rendre plus sombre et plus doux, tandis qu'augmenter la hauteur le rendra plus brillant et plus énergique.

Expérimentez en accordant et en transposant votre batterie pour voir comment elle s'intègre dans le contexte global de vos compositions.

Aller au-delà du genre

Utiliser des échantillons issus de sets atypiques peut ajouter un contraste unique à vos grooves. Par exemple, des échantillons doux et délicats sans attaques dures peuvent ajouter de la texture et de la légèreté aux tambours lourds du dubstep.

Vous pouvez également utiliser un charleston live dans un groove techno pour lui donner une sensation naturelle, ou ajouter un kick numérique sur un groove de batterie live pour un effet plus puissant.

Souvent, des échantillons inattendus qui n'appartiennent pas à un genre spécifique peuvent rendre la batterie programmée plus intéressante. Même si vous travaillez sur un morceau de rock, n'hésitez pas à expérimenter avec des échantillons de caisse claire agressifs issus des kits de musique de basse du futur.

Arrangement

Organisez les éléments de batterie dans votre morceau de manière à ce que l'énergie se développe progressivement du début à la fin. Bien qu'il soit possible d'assembler 20 éléments de batterie différents pour créer un groove puissant dans un refrain, il n'est pas nécessaire d'utiliser le même ensemble complet d'éléments dans chaque refrain d'une chanson.

Au lieu de cela, vous devriez viser une construction progressive, en ajoutant ou en introduisant de nouveaux éléments dans chaque section pour obtenir un maximum d'énergie dans le crochet, le refrain ou le drop final. Par exemple, un shaker énergique peut être conservé pour être utilisé dans le tout dernier refrain, soulignant ainsi son point culminant.