Théorie musicale de base

La musique est un langage universel qui transmet des émotions. Alors pourquoi avons-nous besoin de théorie musicale ?

La théorie musicale est une sorte de modèle pour comprendre la musique. Bien sûr, vous pouvez ressentir la musique de manière intuitive sans connaître la théorie, mais une connaissance approfondie des bases vous aide à devenir un musicien plus conscient et plus expressif. L’apprentissage de la théorie de base permet de mieux comprendre le langage de la musique.

Ce guide vous aidera à maîtriser les bases du solfège, que vous soyez débutant ou expérimenté. En étudiant la notation, les rythmes, les gammes, les accords, les tonalités et bien plus encore, vous acquerrez les connaissances dont vous avez besoin pour vous exprimer en musique et rendre vos compositions plus expressives.

Musique

La musique pour piano comprend généralement une mélodie et un accompagnement.

La mélodie est généralement une ligne à une seule voix qui peut être chantée. Il est le plus souvent écrit en clé de sol et placé sur la portée supérieure.

L'accompagnement soutient la mélodie, composée d'accords et d'une ligne de basse. Il est écrit en clé de fa sur la portée inférieure.

Le résultat est une mélodie à une seule voix accompagnée d'un accompagnement d'accords :

Ou bien cela pourrait être l’inverse. La mélodie vient d'en bas, et l'accompagnement est d'en haut :

Bases de la théorie musicale

La théorie musicale crée un langage universel pour communiquer des idées musicales, permettant aux musiciens de communiquer efficacement. En apprenant ces concepts, vous pourrez mieux comprendre le fonctionnement de la musique, devenir un meilleur auditeur et créateur, et améliorer vos interactions avec d’autres musiciens.

Qui a besoin de théorie musicale

Le solfège est utile à toute personne souhaitant comprendre la musique plus en profondeur, quel que soit son niveau de formation. Pas besoin d'être professeur de musique ! Que vous aimiez écouter de la musique à la fin d'une longue semaine ou improviser à la guitare, connaître la théorie approfondira votre perception et enrichira votre expérience musicale.

De nombreux musiciens autodidactes craignent que l'étude de la théorie ne les prive de la capacité de jouer de manière intuitive et intuitive. Cependant, la théorie musicale ne limite pas la créativité, mais fournit au contraire des outils qui vous permettent d'exprimer vos sentiments à travers la musique de manière plus précise et plus complète. Il vous aide à créer des compositions musicales plus détaillées qui correspondent à vos idées intuitives.

La théorie peut être étudiée aussi bien dans des établissements d'enseignement qu'indépendamment, en intégrant progressivement ses éléments dans votre processus créatif.

Début du voyage musical

Chaque morceau de musique est construit sur trois éléments de base : la mélodie, l'harmonie et le rythme. Ces éléments contribuent à créer une connexion intuitive avec la musique.

Bases de la théorie musicale

Les mélodies, harmonies et rythmes sont constitués des éléments clés suivants :

• Gammes : une série de demi-tons et de tons entiers sur lesquels sont construites les mélodies ;
• Accords : combinaisons de notes jouées simultanément qui créent une harmonie, comme les accords majeurs et mineurs de base ;
• Tonalité : le centre tonal d'une composition qui détermine le fondement harmonique et les relations entre les accords ;
• Notation musicale : système de symboles qui représente les sons musicaux, tels que la hauteur et le rythme, sous forme écrite.

Pour créer un son cohérent pour une mélodie et un accompagnement, des notes d'une seule touche, appelée gamme, sont généralement utilisées.

Intervalles

Un intervalle est la distance entre deux notes. Le plus petit intervalle est un demi-ton, sur un piano c'est la distance entre les touches adjacentes, quelle que soit leur couleur. Deux demi-tons font un ton.

La gamme entière de C à C (ou, par exemple, de A à A) est divisée en 12 demi-tons régulièrement espacés. Les intervalles les plus couramment utilisés sont l'octave et la tierce.

Octave : la distance entre deux notes du même nom, par exemple du do au do suivant. Il y a 12 demi-tons dans une octave. Les octaves sonnent particulièrement harmonieusement dans le registre grave du piano.

Physiquement, une octave est un intervalle entre des notes où la fréquence de la deuxième note est le double de la fréquence de la première. Par exemple, la fréquence de la note A est de 440 Hz et celle du La suivant est de 880 Hz.

Troisième : Il existe deux types de tierces : mineure et majeure. Une tierce mineure comprend trois demi-tons et une tierce majeure en comprend quatre.

Types d'intervalles

Intervalles parfaits : comprennent 4 tons, 5 tons et une octave.

Intervalles majeurs : comprennent 2, 3, 6 et 7 tons.

Intervalles augmentés : sont obtenus en augmentant un intervalle parfait d'un demi-ton.

Intervalles diminués : sont obtenus en diminuant un intervalle parfait d'un demi-ton.

Intervalles mineurs : sont obtenus en diminuant un intervalle majeur d'un demi-ton.

Balance

Les modèles d'échelle sont des modèles de hauteurs qui servent de base à la création de mélodies. En musique, les hauteurs sont représentées par des notes et constituent un ensemble spécifique de tons et de demi-tons qui forment le son d'une mélodie. Ces motifs donnent à une gamme son son unique et déterminent son rôle dans une composition.

Il existe de nombreuses échelles, chacune avec ses propres humeurs, émotions et caractéristiques. Les plus populaires sont les gammes majeures et mineures : la gamme majeure sonne joyeuse et la gamme mineure sonne triste. La principale différence entre eux réside dans la troisième note de la gamme, où dans la gamme majeure, elle est un ton plus haut que la deuxième note, et dans la gamme mineure, elle est un demi-ton plus haut. Dans la musique occidentale, c'est la troisième note de la gamme qui est essentielle, car elle détermine l'ambiance générale et le caractère du son.

Il existe d’autres gammes, chacune avec sa propre structure mélodique. Par exemple, la gamme pentatonique et sa version plus complexe, la gamme blues, ainsi que la gamme chromatique et bien d'autres.

Connaître les gammes et les accords joue un rôle important dans la création musicale, car ils constituent la base sonore d'une pièce. La maîtrise de différentes gammes peut ouvrir de nouvelles possibilités créatives et améliorer vos compétences en tant que compositeur.

Accords

Les accords sont des combinaisons de plusieurs notes jouées en même temps et constituent la base de l’harmonie en musique. Un accord est généralement composé de trois notes ou plus. Un accord de trois notes s'appelle une triade. Les mêmes principes utilisés pour créer des gammes s'appliquent aux accords, définissant les pas entre les notes, appelés intervalles.

Il existe quatre types d'accords de base :

• Accord majeur : A un son joyeux et brillant, composé de la fondamentale, de la tierce majeure et de la quinte parfaite ;
• Accord mineur : A un son triste et mélancolique, composé de la fondamentale, de la tierce mineure et de la quinte juste ;
• Accord diminué : A un son tendu et instable, composé de la fondamentale, de la tierce mineure et de la quinte diminuée ;
• Accord augmenté : A une sensation dramatique et mystérieuse, composée de la fondamentale, de la tierce majeure et de la quinte augmentée.

Les accords peuvent combiner des accords majeurs et mineurs, ainsi que des inversions qui modifient l'ordre des notes au sein d'un accord. Apprendre différents accords et leurs combinaisons peut aider à définir le caractère unique d'une chanson. Par exemple, changer la structure de l'accord majeur principal (1-3-5) et déplacer la cinquième note vers le bas peut créer une toute nouvelle coloration émotionnelle de l'accord. La base de l’écriture de chansons est la progression d’accords, qui est une séquence d’accords. Au fur et à mesure que vous développerez vos compétences en arrangement d'accords, vous serez en mesure de créer une musique plus complexe et plus riche. Comprendre la structure des accords – des formes de base aux variations plus complexes – ouvrira de nouveaux horizons dans votre création musicale.

Inversions de triade

Les triades peuvent être inversées pour créer différentes inversions, ce qui ajoute de la variété à la performance et rend l'instrument plus facile à jouer. Une utilisation appropriée des inversions d'accords minimise le mouvement entre les touches, permettant une performance fluide. Pour créer une inversion d'accord, déplacez la note inférieure de l'accord vers le haut d'une octave. Prenons l'accord de do majeur, par exemple.

Chaque triade a deux inversions possibles. Si nous continuons à inverser l’accord, nous obtenons le même accord, seulement une octave plus haut. La première inversion d’une triade s’appelle un sixième accord, et la seconde est un quatrième-sixième accord. Dans le matériel pédagogique, on les appelle souvent simplement première et deuxième inversions. En notation musicale, les accords inversés sont indiqués en indiquant la note de basse. Par exemple, pour un accord de do majeur (C), la première inversion avec la note grave E est indiquée par E/C, et la deuxième inversion avec la note grave G est indiquée par G/C.

Comment distinguer la première inversion de la seconde

Vous pouvez distinguer la première inversion de la seconde par intervalles. La première inversion comprend une tierce mineure (3 demi-tons) et une quarte (5 demi-tons), c'est-à-dire que la distance entre la note médiane et la note supérieure de l'accord est plus grande. La deuxième inversion contient une quarte et une tierce majeure (4 demi-tons), avec une plus grande distance de la note inférieure au milieu que du milieu au sommet.

Position de la note fondamentale d'un accord

La note fondamentale d'un accord, appelée tonique, se trouve dans des positions différentes selon l'inversion. Dans une triade, la note fondamentale est la première, par exemple, dans un accord de do majeur (C), c'est la note C. En première inversion, la note fondamentale est remontée d'une octave et est la dernière, par exemple, E, G. , C. Dans la deuxième inversion, la note fondamentale est au milieu de l'accord, par exemple G, C, E.

Transformer un accord majeur en accord mineur ou vice versa

Pour transformer une triade majeure en mineure, il suffit de baisser la note centrale d'un demi-ton. Par exemple, dans un accord de do majeur (C), abaisser la note E d'un demi-ton la transforme en do mineur (Cm), qui comprend les notes C, Eb, G. Le processus inverse, transformant une triade mineure en un majeur, nécessite d'élever la note du milieu d'un demi-ton, par exemple, le ré mineur (Dm) se transforme en ré majeur (D) en élevant la note de fa d'un demi-ton, ce qui donne les notes D, F#, A. Pour changer la note première inversion d'un accord majeur ou mineur, vous devez baisser ou monter la note du bas, et pour la deuxième inversion, vous devez baisser ou monter la note du haut de l'accord

Accord de quinta

Si vous ne prenez que les notes extérieures d'une triade, à l'exclusion de la note centrale, vous obtenez un accord quinta, désigné par le chiffre 5, par exemple C5.

Accord suspendu

Dans un accord suspendu, au lieu de la note centrale, une quarte ou seconde majeure de la note inférieure est utilisée. Un tel accord est désigné, par exemple, par Csus2 ou Csus4, si l'on parle de C.

Clés

Une tonalité est un ensemble de sept degrés (notes) qui déterminent le caractère du son. Ces diplômes sont désignés par des chiffres romains et chacun d’eux remplit une fonction spécifique. Les fonctions sont liées à des degrés et non à des notes spécifiques.

Considérons la tonalité de do majeur :

• Tonique (I, T) – la première étape qui définit la tonalité de base ;
• La dominante (V, D) est le cinquième degré de la tonique. Si la tonique est C, alors la dominante est G ;
• La sous-dominante (IV, S) est le cinquième degré, décompté à partir de la tonique. Si vous comptez, ce sera le quatrième degré. En do majeur, la sous-dominante est F.

Inversions de fonctions

Pour indiquer l'inversion des fonctions, des nombres sont ajoutés à leurs noms.

Sons stables et instables.

La triade tonique comprend les degrés I, III et V, qui sont stables. La mélodie peut être complétée sur eux. Les degrés restants sont considérés comme instables et tendent vers les degrés stables les plus proches, appelés résolution.

Exemples de résolution :

• II => I (en bas)
• IV => III (vers le bas)
• VI => V (bas)
• VI => I (en haut, celui du bas le plus proche est également instable)

Notes d'introduction et bourdonnement

Les notes d'introduction sont les notes entourant le tonique. Les voisins du tonique au-dessus et au-dessous sont respectivement les degrés II et VII. Le degré VII est appelé note d'introduction ascendante et le degré II est appelé note d'introduction descendante. Le bourdonnement consiste à jouer des notes d'introduction autour de la tonique ou d'autres notes stables, telles que les degrés III et V.

Exemples de bourdonnement :

Pour le degré I — VII et II

Pour le degré III — II et IV

Pour le degré V — IV et VI

Clés parallèles et associées

Pour ajouter de la variété à la musique, des transitions vers des tonalités parallèles et associées sont utilisées, qui peuvent être de courte durée (écarts) ou permanentes (modulations).

Les touches parallèles sont des touches majeures et mineures avec les mêmes signes dans la clé.

Les clés associées sont les clés associées à T (tonique), S (sous-dominante) et D (dominante).

De plus, pour une tonalité majeure, la tonalité de la sous-dominante mineure est considérée comme apparentée, et pour une tonalité mineure, la tonalité de la sous-dominante majeure.

Par exemple, pour le do majeur, les tonalités associées sont :

• La mineur (clé parallèle, construite à partir de T) ;
• fa majeur et ré mineur (construit à partir de S);
• Sol majeur et mi mineur (construits à partir de D);
• Fa mineur (sous-dominante mineure).

Définir une clé

Une clé est définie par les signes présents sur la clé (dièses et bémols) et des notes spécifiques. Ces signes peuvent être utilisés pour déterminer des clés parallèles. Vous pouvez déterminer si une tonalité est majeure ou mineure grâce aux notes sur lesquelles le morceau commence et se termine.

• Dièses : Pour déterminer une tonalité majeure, regardez le dernier dièse et montez d'un ton ; pour une tonalité mineure, descendez d'un ton. Si la note résultante a également un dièse, alors la touche a un dièse (par exemple, si la touche a un dièse – Fa#, cela peut signifier Sol majeur ou Mi mineur) ;
• Bémols : Si la tonalité a un bémol, cela peut être fa majeur ou ré mineur. S'il y a plusieurs bémols dans la tonalité, concentrez-vous sur l'avant-dernier bémol – cela indique une tonalité majeure (par exemple, si l'avant-dernière bémol est la bémol, alors la tonalité est mi bémol majeur). Pour passer d'une tonalité majeure à une tonalité mineure parallèle, il faut descendre de 1,5 ton (soit trois demi-tons). Par exemple, pour le do majeur, la tonalité mineure parallèle est le la mineur.

do majeur et la mineur

Le do majeur et le la mineur sont des touches parallèles qui n'ont pas d'armure.

Ces touches parallèles utilisent les mêmes notes et accords. Pour déterminer quelle tonalité, do majeur ou la mineur, est utilisée, vous devez faire attention à la séquence d'accords et à leur signification fonctionnelle. Souvent, un morceau se termine sur la tonique, ce qui permet de déterminer la tonalité.

Dans les tonalités majeures, les accords construits sur la tonique, la sous-dominante et la dominante sont majeurs. Les accords construits aux 2e, 3e et 6e degrés sont mineurs et ceux du 7e degré sont diminués.

Étant donné que les touches parallèles utilisent les mêmes notes, les accords correspondront également, simplement décalés dans une séquence différente.

Dans les tonalités mineures, la tonique est souvent rendue majeure, ce qui augmente l'attrait pour elle en diminuant l'intervalle entre G et A. De ce fait, l'accord mineur tonique Em se transforme en un mi majeur, et les autres accords restent inchangés.

Gamme Pentatonique Do Majeur et La Mineur

La gamme pentatonique est une gamme unique dépourvue de tonique, de dominante et de sous-dominante. Dans cette gamme, toutes les notes sont équivalentes, ce qui la rend identique pour les majeures et les mineures.

Cette gamme est formée en éliminant deux notes : dans la gamme majeure, les degrés IV et VII sont supprimés, et dans la gamme mineure, les mêmes notes, c'est-à-dire les degrés II et VI, sont supprimées.

La particularité de la gamme pentatonique est qu'elle ne crée pas de tension et, par conséquent, ne nécessite pas de résolution. Cela permet à la mélodie de commencer et de se terminer sur n'importe quelle note, ce qui la rend idéale pour l'improvisation spontanée.

fa majeur et ré mineur

Fa majeur et Ré mineur sont des tonalités parallèles qui ont une armure commune – un bémol sur la note B. Ces tonalités sont également liées au do majeur. Les signes accidentels sont à nouveau indiqués pour une meilleure perception.

Accords de la tonalité de fa majeur :

Accords de la tonalité de fa majeur :

Gamme Pentatonique Fa Majeur et Ré Mineur

Pour déterminer toutes les notes de la gamme pentatonique, vous devez jouer toutes les touches noires du piano puis abaisser chacune d'elles d'un demi-ton par rapport aux touches blanches.

Sol majeur et mi mineur

Sol majeur et mi mineur sont des tonalités parallèles qui partagent le même fa dièse. Ils sont également considérés comme des parents du do majeur. Les altérations sont fournies pour plus de clarté.

Accords pour la tonalité de sol majeur :

Accords pour la tonalité de mi mineur :

Clés

Une composition musicale est construite sur des gammes majeures ou mineures, qui constituent sa base tonale. Cet ensemble de règles s'appelle la clé musicale. La tonalité détermine quelles notes et accords seront utilisés dans un morceau.

Une armure, présentée au début d'un morceau, indique la présence de dièses (#) ou de bémols (b), qui déterminent la tonalité. Un dièse indique que la note doit être jouée un demi-ton plus haut que le son standard, et un bémol indique un demi-ton plus bas. Les armures aident les musiciens à comprendre la structure des gammes et l'harmonie d'une composition. Pour plus de commodité, des tableaux sont souvent utilisés pour identifier les armures et leurs clés correspondantes.

Parfois, une composition peut changer de tonalité, c'est ce qu'on appelle la modulation. La modulation ajoute de la profondeur émotionnelle et de la variété à une composition. Dans la musique pop moderne, les modulations sont rares, tandis que dans les bandes sonores de jeux vidéo, elles peuvent apparaître assez souvent, créant ainsi un espace sonore dynamique.

Pour mieux comprendre la relation entre les différentes tonalités, le cercle des quintes est utilisé. Ce cercle visualise les relations tonales, comme le cadran d'une horloge, où chaque touche a sa place.

Le cercle des quintes dispose les touches selon le nombre de dièses ou de bémols, en commençant par la note do majeur.

Notation musicale

La notation musicale est le langage écrit de la musique qui permet aux idées musicales d'être communiquées visuellement et comprises par d'autres musiciens.

Les éléments de base de la notation musicale sont :

• Portée : Se compose de cinq lignes horizontales sur lesquelles sont placés des symboles musicaux pour indiquer la hauteur et la durée des notes ;
• Clefs : attribuez des notes spécifiques à des lignes spécifiques de la portée. Les plus courantes sont la clé de sol (pour les notes aiguës) et la clé de fa (pour les notes graves) ;
• Notes : Indiquez la hauteur et la durée des notes en les représentant sous forme de symboles sur la portée. La position d'une note sur les lignes détermine sa hauteur ; plus une note est haute sur les lignes, plus sa hauteur est élevée. Les notes se présentent également sous différentes formes pour indiquer le rythme.

Ces composants constituent la base sur laquelle les gammes et les accords sont construits dans une composition musicale. Une fois que vous maîtriserez ce « langage », vous serez capable de lire et d’écrire de la musique, et de la comprendre pleinement sans l’écouter. Cela améliore votre compréhension du solfège et facilite la communication avec d'autres musiciens en utilisant le langage universel de la musique.

Rythme

Le rythme, avec les accords et les gammes, est un élément fondamental de la musique. La notation musicale comprend des symboles et des règles spéciaux pour transmettre les aspects rythmiques d'une composition.

Le temps du compteur indique le nombre de battements dans une mesure et la durée de la note qui occupe un battement. Il s'écrit sous forme de fraction : le chiffre du haut indique le nombre de battements et le chiffre du bas indique la durée de la note. Par exemple, 4/4 signifie quatre temps dans une mesure, chaque noire occupant un temps.

Les modèles rythmiques peuvent aller du simple au complexe, y compris les polyrythmies qui créent des rythmes uniques.

Comprendre le rythme est également utile dans le processus de création de musique sur les stations de travail audio numériques (DAW), où les notes sont éditées dans un éditeur MIDI qui mappe les touches du piano. Les DAW vous permettent également d’appliquer du swing et d’autres ajustements rythmiques à la musique.

Éléments de composition

Lorsque vous apprenez la musique, il est important d’apprendre les différents éléments de composition qui rendent une pièce plus intéressante et plus expressive. Voici quelques concepts clés à considérer :

• Dynamique : Reflète le volume d'une performance et affecte l'intensité et l'énergie de la musique. Les notations courantes dans les partitions incluent le piano (doux) et le forte (fort) ;
• Articulation : Détermine la manière dont les notes sont jouées, telles que staccato (court et staccato) ou legato (doux et connecté) ;
• Forme : La structure globale d'une pièce, comme la forme couplet-refrain-couplet-refrain dans la musique pop ou la forme sonate dans la musique classique ;
• Texture : L'organisation des couches de sons ou de voix dans un morceau, par exemple monophonique (voix unique) ou polyphonique (multi-voix).

Entraînement de l'oreille

L’apprentissage du solfège n’est que le début. La prochaine étape consiste à apprendre à entendre et à reconnaître ces concepts dans la vraie musique. La formation auditive vous aide à relier la théorie à l’application pratique. En écoutant de la musique, vous pouvez améliorer votre capacité à reconnaître les intervalles, les accords, les mélodies et les rythmes.

Lorsque votre oreille peut reconnaître la théorie, vous pouvez utiliser ces connaissances dans vos compositions et performances. Cela vous permet d'aborder la création et l'interprétation musicales de manière plus intuitive, faisant de la théorie un élément naturel de votre réflexion musicale.

Résumé

Une fois que vous aurez compris les bases de la théorie musicale et appris à entendre ces concepts, vous pourrez les appliquer à vos propres projets. Que vous improvisiez avec un groupe, écriviez de la musique ou créiez des pistes dans une station de travail audio numérique (DAW), comprendre la théorie vous aidera à créer des morceaux meilleurs et plus attrayants. Ces éléments de base sont à la base de tous les genres de musique, des structures complexes de la musique classique aux simples progressions d'accords de la pop moderne.