Arrangiamenti musicali

L'arrangiamento musicale esiste da molti anni ed è una caratteristica essenziale di qualsiasi stile o genere musicale. Alcuni dei più grandi musicisti hanno arrangiato parti del loro lavoro in altre opere e/o adattato il lavoro di altri musicisti.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel e molti altri hanno contribuito al campo degli arrangiamenti musicali, ma vale la pena capire che il processo può avere un significato diverso quando si tratta di creare musica moderna.

L'arrangiamento è la creazione di musica utilizzando brani musicali esistenti. Ciò include, ad esempio, gli arrangiamenti di un particolare strumento in una canzone pop o il riarrangiamento di una canzone riassemblando le diverse parti o sezioni di una canzone.

In diversi stili musicali ci sono diverse strutture di arrangiamento come la forma A/A/B/A di 32 battute di cambi di ritmo nel jazz o una struttura blues di 12 battute e all'interno della struttura le voci degli accordi, la sensazione ritmica, il tempo possono rendere unico l'arrangiamento musicale .

Ci sono tre tipi di arrangiamenti che devi considerare per creare la tua musica di alta qualità.

1. Strutturale, che significa movimento di energia, sezioni e transizioni nella tua musica.
2. Strumentale, ovvero come le note, gli accordi e le melodie devono essere suonate dai vari strumenti. Ricorda che può cambiare nel corso della tua traccia! Spostare una melodia dalla voce al sintetizzatore può farla suonare nuova e rinfrescante.
3. Disposizione della posizione, che indica come il suono è posizionato nel tuo mix. Definirne il volume, il panning, la profondità e il senso di presenza.

In questo articolo, ti parleremo in dettaglio dell'importanza degli arrangiamenti nella musica nella produzione musicale.

Suggerimenti per gli arrangiatori principianti nel pop

Assicurati che la canzone funzioni da sola

La canzone funziona da sola se la suoni al pianoforte o alla chitarra da solo mentre canti? Se la canzone non è ancora "fantastica" di per sé, nessun arrangiamento o tecnica di produzione musicale lo risolverà.

Considera le seguenti domande:

• Hai un ritornello forte?
• La melodia principale è a posto?
• Hai un buon "gancio" melodico o armonico?
• Ha una pulsazione ritmica della canzone (anche le ballate hanno una forte pulsazione).

Lavora sulla tua canzone finché non suona alla grande "nuda", con solo il piano/chitarra e la voce. È estremamente importante seguire questo passaggio. Una brutta canzone rimarrà cattiva, anche con i migliori arrangiamenti e produzione. Una buona canzone rimarrà una buona canzone.

Controlla quali generi copre la canzone

Prima di iniziare ad arrangiare musica o una canzone, dovresti chiederti: quali generi copre?

Una volta deciso, può essere molto utile trovare un paio di tracce di riferimento. Le tracce di riferimento sono incredibilmente importanti sia nella fase di arrangiamento/produzione che nella fase di missaggio/mastering di qualsiasi registrazione. Alcune persone potrebbero dire: "Non voglio copiare nessuno perché voglio essere completamente originale".

Ma la verità è che anche i professionisti al vertice, quelli molto originali, fanno costantemente riferimento ad altro materiale. Non preoccuparti di copiare qualcun altro, a meno che tu non stia letteralmente copiando nota per nota, strumento per strumento, ecc.

Assicurati che la canzone sia di lunghezza sufficiente

Questo passaggio è un po' come il primo. Tuttavia, l'arrangiatore/produttore potrebbe voler modificare la forma della canzone per la registrazione. A volte il modo in cui un artista esegue una canzone dal vivo può essere diverso dalla versione in studio. Per la versione registrata, è molto importante che la canzone sia il più concisa possibile.

Assicurati di avere una voce solista decente

Registrare una voce principale ti aiuterà a prendere decisioni durante l'arrangiamento. Ad esempio, senza ascoltare la voce principale, è facile rendere l'arrangiamento della musica troppo denso. Di conseguenza, questo porterà non solo a una registrazione finale poco piacevole, ma renderà anche molto più difficile lavorare durante il mix. Le migliori canzoni registrate hanno arrangiamenti che hanno il perfetto equilibrio tra densità di produzione.

Tutti i diversi elementi dell'arrangiamento/produzione dovrebbero avere il proprio spazio e la propria estensione sonora.

Ad esempio, non vuoi che il basso suoni una linea e le tastiere ne suonino un'altra nella stessa estensione.

Batteria e altri componenti ritmici

Oltre alla voce principale, la parte più importante dell'arrangiamento musicale sono le componenti percussioni/ritmiche della canzone. Occupano la maggior parte dello spazio audio, danno all'ascoltatore un "groove" e determinano in gran parte il feeling della canzone.

Se la traccia coinvolgerà un vero batterista, il tuo arrangiamento dovrebbe semplicemente delineare la direzione generale di ciò che il batterista dovrebbe suonare.

Non essere troppo concentrato sulla programmazione della traccia con i battiti. Un buon batterista prenderà queste decisioni per te.

Questo ci porta ad un altro punto. Hai bisogno di un batterista davvero eccezionale che sappia suonare a tempo se hai intenzione di aggiungere una batteria acustica. Devono essere registrati perfettamente.

Se la batteria non è registrata perfettamente, la sensazione e la canzone ne risentono notevolmente e se la modifica diventa più difficile allineare le sezioni. Ricorda, puoi sempre renderlo più ruvido o in stile lo-fi. Basta scegliere quanti canali microfonici entrano nel mix finale e che tipo di elaborazione verrà utilizzata.

Se stai programmando tu stesso la batteria, cosa che puoi fare facilmente nel sequencer online di Amped Studio, dovresti pensare come un batterista e pensare alle transizioni nelle diverse sezioni della canzone. Potresti passare dall'hi-hat al giro dei piatti nel ritornello e avere un piccolo riempimento tra le sezioni. Inoltre, prova a utilizzare un drum kit appropriato per la canzone durante la programmazione. Probabilmente non vorrai usare un kit 808 per una canzone hard rock se cerchi di emulare un batterista dal vivo in quel genere.

Se non hai familiarità o esperienza con la programmazione della batteria, mantienila semplice e assicurati che la parte di batteria migliori e non distragga dalla canzone.

Alcuni produttori esperti spesso manipoleranno la sensazione spostando leggermente un tamburo in avanti rispetto al ritmo di alcuni millisecondi e spingendo indietro l'hi-hat. Questo dipende dalla canzone e va scelto con gusto. Esistono meravigliosi plug-in "groove" per MIDI che cambieranno leggermente la velocità e il tempo durante la programmazione della batteria. Unica regola: sperimenta!

Elementi bassi e bassi

Dopo che la batteria è stata specificata nell'arrangiamento musicale, nella maggior parte dei casi i bassi (o gli elementi bassi) sono i successivi.

Se si tratta di una canzone pop standard, devi assicurarti che il basso “si apra” nel ritornello, cioè che il basso non suoni piano in un registro acuto quando il ritornello scende.

Se la tua traccia ha un bassista "vero", è estremamente importante che venga registrata e suonata professionalmente come con la batteria. Non c'è niente di peggio per la tua traccia della mancanza di chiarezza dei bassi e delle basse frequenze. Assicurati che la parte della cassa di batteria e la parte del basso funzionino insieme.

Se la tua traccia ha dei bassi sintetizzati, fai attenzione ai sub-bassi e ai preset eleganti. Se il subwoofer è l'unico basso nella tua traccia, la patch dovrebbe essere progettata per avere armoniche nella gamma media in modo che l'orecchio possa trovarle durante l'ascolto di altoparlanti che non hanno buone frequenze dei bassi.

Ad esempio, potresti non sentire alcune patch del subwoofer su laptop, iPhone e alcune cuffie e autoradio. In questo modo è sempre bene riascoltare un mix di brani su diversi dispositivi prima di finalizzare.

Ciò che suona alla grande in uno studio o in un club con grandi sistemi potenziati di fascia bassa, ma su altri dispositivi o luoghi suona "top" heavy.

Puoi trovare un preset di basso mentre lavori con uno dei tuoi sintetizzatori preferiti in Amped Studio che suona benissimo isolato ma non è corretto per l'arrangiamento o domina la canzone. Sii consapevole di lavorare con bassi e patch "stereo" che contengono molte frequenze alte.

Nella maggior parte dei casi, si desidera una patch di basso monofonica e non troppo alta nello spettro delle frequenze. Tuttavia, ci sono eccezioni! L'esperienza ti aiuterà a prendere le decisioni giuste.

Questo articolo si basa su arrangiamenti di canzoni pop, quindi alcuni di questi suggerimenti non sono validi per determinati generi, specialmente quando si tratta di basso e batteria.

La principale componente armonica di guida

Questa parte dell'arrangiamento musicale può essere abbastanza aperta e libera, ma dovresti affrontare questo punto con grande responsabilità. Per capire quali strumenti puoi usare, vale la pena ascoltare i tuoi brani preferiti.

In molte canzoni, lo strumento principale che completa la voce principale è la chitarra o il pianoforte. È molto probabile che questi strumenti vengano suonati per tutta la canzone. Una volta che hai deciso su questo problema, puoi fornire gli elementi e l'arrangiamento con il materiale che hai scelto.

Imparare a farlo solo leggendo un articolo è estremamente difficile. Si tratta di tentativi ed errori ed esperienza. Sarai quindi libero di usare i tuoi strumenti armonici per formare il contorno della canzone. I voicing degli accordi, le transizioni degli accordi e i toni principali sono buoni strumenti per migliorare una struttura di accordi di base in un arrangiamento. Se non conosci gli accordi, prova Chord Creator in Amped Studio per vedere e ascoltare come possono funzionare accordi e progressioni. Questo è un ottimo punto di partenza per conoscere la struttura armonica.

Ci sono tendenze nelle canzoni negli aspetti armonici della sezione Pop come nelle sezioni del ritornello, userai più strumenti o densità per rendere l'arrangiamento più stretto. Per quanto riguarda le sezioni in strofa, probabilmente la renderai più rada.

Esempi classici sono la duplicazione delle chitarre nella sezione del coro (e il panning a sinistra ea destra) o la trasformazione di qualsiasi sorgente da mono a stereo.

Se decidi di utilizzare una sezione di fiati o archi nel tuo arrangiamento, devi assicurarti che le parti si adattino incredibilmente bene alla canzone. La maggior parte delle canzoni non può avere un intricato arrangiamento musicale. Nella maggior parte dei casi, ti consigliamo di utilizzare strumenti a fiato per riempire gli spazi vuoti con linee deliziosamente semplici o per "completare" le parti in cui canta il vocalist. Lo stesso vale per le stringhe. Esistono alcune ottime librerie di campioni per archi e corni, ma utilizzarle è difficile senza studiare e comprendere le relazioni di base degli accordi e l'arrangiamento di archi e corni. Se sei abbastanza fortunato da lavorare con un arrangiatore di archi esperto e registrare una sezione di archi dal vivo o un ensemble di fiati, è un vero piacere da ascoltare e sperimentare.

Una rassegna di musica pop moderna ed EDM

Durante la creazione di un arrangiamento musicale, è molto importante ascoltare molti brani in questo stile e capire come tutti i pezzi si incastrano.

Ci sono molti stili diversi all'interno dell'EDM, quindi è importante ascoltare e comprendere le caratteristiche di base delle tracce che ti piacciono in uno stile specifico. Pensa ai suoni di tempo, basso e cassa, ai pattern ritmici e agli hook del sintetizzatore. Ogni stile ha elementi specifici che entrano nello stile per l'arrangiamento.

La maggior parte delle canzoni pop di base ha un'introduzione, una strofa, un ritornello (ritornello o ritornello), un bridge e un outro.

Integrazione degli effetti

Qual è il passo finale per imparare ad arrangiare una musica o una canzone? Per aggiungere gli effetti.

Per un arrangiamento acustico, questa potrebbe essere un'aggiunta di percussioni a diverse parti dell'arrangiamento. Esempi classici sarebbero la parte shaker nella seconda strofa e il tamburello nel bridge.

Negli stili più moderni sarebbe tutto il "rumore bianco" e gli effetti sonori come pause, alzate, alzate, alzate, ecc.

Durante l'utilizzo di questi effetti, è molto importante che corrispondano alla canzone.

Ad esempio, non tutti i pacchetti di effetti funzioneranno per ogni arrangiamento musicale. Ancora meglio, se crei il tuo effetto speciale per ogni canzone. Ci vuole più tempo ma può portare a grandi risultati. Se stai utilizzando soluzioni pronte (il che va benissimo), assicurati di avere accesso a molte librerie diverse in modo da non essere vincolato all'utilizzo solo di alcuni preferiti.

Passando al processo di registrazione e produzione

Una volta terminati gli arrangiamenti musicali e vocali, sei pronto per passare alla registrazione e/o al missaggio.

Spesso, in quella fase, la pista può cambiare leggermente. Ad esempio, il processo di mixaggio potrebbe indicare che è necessario eliminare o aggiungere determinati elementi dall'arrangiamento, e va benissimo. Tutti di registrazione delle canzoni confluiscono l'uno nell'altro in una certa misura. Tieni d'occhio come suona la canzone nel suo insieme. Ascoltalo subito dopo aver ascoltato i tuoi brani preferiti nello stile che stai cercando di emulare.

Il prodotto finale è molto più importante di tutti i piccoli dettagli discussi qui, ed è molto facile essere confusi da tutti i dettagli.

Una buona canzone è una buona canzone, quindi assicurati nel processo di arrangiamento e creazione della musica che stai migliorando la canzone.

Una brutta canzone è una brutta canzone, e non importa quanto bene sia composta, arrangiata o mixata, quindi se ti piace l'arrangiamento, riscrivi la canzone per renderla migliore.

Arrangiamenti in musica classica

L'arte di arrangiare e adattare la musica esiste da secoli. Durante il Rinascimento, la tabulazione (una sorta di arrangiamento) era piuttosto popolare. Si trattava di arrangiare brani vocali o d'insieme da suonare sulla tastiera solista o sul liuto.

Nello stesso periodo furono pubblicati madrigali inglesi per voci diverse, indicando che potevano essere suonati in modi diversi. Tuttavia, è stato realizzato per essere utilizzato in diversi mercati.

L'arrangiamento della musica era popolare anche durante il periodo barocco, quando molti grandi musicisti prendevano in prestito da altri artisti o riorganizzavano le proprie opere. Un grande esempio di quell'epoca è Bach. Alcune delle sue opere erano arrangiamenti di opere di Antonio Vivaldi. Il remix non è una novità!

Anche altri musicisti, come George Friedrich Handel e Francesco Geminiani, hanno lasciato il segno nel periodo barocco per quanto riguarda gli arrangiamenti. In effetti, Handel era meglio conosciuto per aver rielaborato il proprio materiale.

Puoi vedere gli arrangiamenti nel lavoro di Beethoven. Ha rielaborato alcuni dei temi delle creazioni di Prometeo per adattarli alla fine della sinfonia eroica o della sinfonia n. 3.

Nel XIX secolo, con la crescente popolarità del pianoforte, anche gli arrangiamenti divennero più popolari che mai. Molte trascrizioni orchestrali e brani da camera sono stati arrangiati e pubblicati per l'esecuzione al pianoforte.

Arrangiare musica era un evento frequente tra i grandi musicisti. Rimarrà forte in futuro.

Musica moderna

Le registrazioni di musica popolare spesso includono parti di corni di rame, archi ad arco e altri strumenti che sono stati aggiunti dagli arrangiatori e non composti dagli autori originali. Alcuni arrangiatori pop aggiungono persino sezioni utilizzando un'intera orchestra, anche se questo è meno comune a causa dei costi. Gli arrangiamenti musicali popolari possono anche includere nuove versioni di brani esistenti con nuovi trattamenti musicali. Questi cambiamenti comportano cambiamenti di tempo, dimensioni, tonalità, strumentazione e altri elementi musicali.

Esempi ben noti di arrangiamenti di musica rock includono la versione di Joe Cocker di "With a Little Help from My Friends" dei Beatles, "Crossroads" dei Cream e la versione di Ike e Tina Turner di "Proud Mary" dei Creedence Clearwater Revival. La band americana Vanilla Fudge e la band britannica Yes hanno basato le loro prime carriere su rielaborazioni radicali di successi moderni. Bonnie Poynter ha eseguito versioni disco e Motown di "Heaven Must Have Sent You". Anche i remix nella musica da ballo, ad esempio, possono essere considerati arrangiamenti.

Jazz

Gli arrangiamenti di musica per piccole composizioni jazz erano generalmente informali, minimali e non elencati nei titoli di coda. I grandi ensemble tendevano ad avere maggiori esigenze sugli arrangiamenti degli spartiti, sebbene la prima big band di Count Basie sia nota per i suoi numerosi arrangiamenti, che erano sviluppati dagli stessi musicisti e memorizzati ("nella testa del musicista"). Tuttavia, la maggior parte degli arrangiamenti di big band sono stati registrati e attribuiti a un particolare arrangiatore, come il lavoro di Sammy Nestico e Neil Hefty per le successive big band di Count Basie.

Don Redman ha innovato nell'arrangiamento jazz con la Fletcher Henderson Orchestra negli anni '20. I lavori di Redman hanno introdotto un tono melodico più complesso e performance da solista per varie parti di big band. Benny Carter divenne il principale arrangiatore di Henderson all'inizio degli anni '30, diventando famoso per le sue abilità sul campo oltre al suo talento come interprete.

Gli arrangiamenti di big band sono ufficiosamente chiamati grafici. Nell'era dello swing, erano rielaborazioni di canzoni popolari o composizioni completamente nuove. Gli arrangiamenti di Duke Ellington e Billy Strayhorn per la big band di Duke Ellington erano di solito nuove composizioni, e anche alcuni lavori di Eddie Soter per la band di Benny Goodman e Artie Shaw per la sua band erano nuove composizioni. Dopo l'era bop, è diventato più comune arrangiare snippet composizioni jazz combo per big band.

Dopo il 1950, il numero di big band è diminuito. Tuttavia, diverse band continuarono. Gil Evans ha scritto una serie di arrangiamenti per big band alla fine degli anni '50 e all'inizio degli anni '60, destinati solo alle registrazioni delle sessioni.

Nel 21 ° secolo, gli arrangiamenti jazz della musica hanno fatto un modesto ritorno. Gordon Goodwin, Roy Hargrove e Christian McBride hanno introdotto nuove big band sia con composizioni originali che con nuovi arrangiamenti di brani standard.

Conclusione

L'arrangiamento musicale è una parte importante del processo di creazione e produzione di brani nel mondo di oggi e si è evoluto nel corso dei secoli con i grandi compositori del mondo. Utilizzando i suggerimenti di cui sopra puoi iniziare a fare i tuoi primi arrangiamenti in questo momento. Non è necessario disporre di conoscenze speciali e attrezzature speciali. Con il programma online Amped Studio, disponibile direttamente dal browser del tuo computer, puoi realizzare arrangiamenti di buona qualità per le tue canzoni. Qui troverai un gran numero di plug-in, strumenti e campioni e potrai condividere il tuo lavoro con amici o colleghi in pochi clic.