Come fare musica

Fino a poco tempo fa, chiunque fosse interessato alla domanda su come fare musica doveva capire che il processo stesso richiede un'attenta preparazione e pratica. L'assenza di plug-in e sequencer multitraccia ha reso necessario provare ripetutamente il materiale fino a renderlo quasi automatico. In studio, tutto doveva essere suonato in modo impeccabile, sincronizzato e senza errori.

Tuttavia, con l'avvento dei programmi per computer, i musicisti hanno acquisito la possibilità di registrare più riprese e modificare le tracce senza sforzo con pochi clic del mouse. Al giorno d'oggi, si può facilmente produrre una canzone di successo comodamente da casa, come hanno dimostrato molti cantanti contemporanei attraverso le loro esperienze.

Quali sono i requisiti per creare musica?

Senza dubbio, uno studio professionale di fascia alta vanta notevoli vantaggi in termini di attrezzature. Questi studi in genere offrono ampie sale insonorizzate con un'acustica eccezionale, nonché compressori ed equalizzatori di alta qualità, un'ampia selezione di microfoni, una console analogica, una sala di controllo ben attrezzata con più linee di monitor e molto altro.

Tuttavia, un home studio ha i suoi vantaggi in termini di budget ed efficienza. Se stai creando musica elettronica utilizzando un computer e plug-in, non avrai bisogno di stanze insonorizzate o di una moltitudine di microfoni. Dopo tutto, non registrerai un'intera orchestra, una batteria o un pianoforte a coda. Tutto quello che devi fare è concentrarti sull'essenziale e iniziare. Quindi, di quale attrezzatura hai bisogno per allestire uno studio di produzione casalingo completo?

• Computer;
• Sequencer con plugin;
• Interfaccia audio;
• Monitor;
• Cuffie;
• Microfono;
• tastiera MIDI;
• Chitarra, basso (se suoni);
• Stanza sommessa;
• Rack e fili.

Al giorno d'oggi, non è più necessario installare gigabyte di software sul computer per comporre la propria musica. Con un sequencer come Amped Studio, puoi produrre musica direttamente nel tuo browser web, poiché tutte le funzionalità, gli strumenti e i plug-in essenziali sono già inclusi. Puoi trovare un editor audio , un editor MIDI , sintetizzatori, campionatori ed effetti di elaborazione in questo sequencer online. Pertanto, in realtà, un sequencer online ti consente di lavorare senza alcun software aggiuntivo.

Quale altra attrezzatura non è necessaria per fare musica? I monitor possono essere sostituiti con cuffie di alta qualità, eliminando la necessità di un trattamento acustico della stanza. Se non hai una tastiera MIDI, puoi semplicemente disegnare note con una matita nell'editor MIDI. In Amped Studio puoi persino disegnare interi accordi con un solo clic. Mentre un microfono è utile per registrare la voce, non è necessario.

Di conseguenza, tutto ciò di cui hai bisogno per fare musica è un computer, cuffie, un'interfaccia audio e una connessione Internet. Tuttavia, se non si dispone di monitor o microfono, è possibile rinunciare anche all'interfaccia audio. È possibile creare musica completamente senza un computer? Al giorno d'oggi, questo è realizzabile con la produzione musicale mobile su smartphone o tablet.

Quali sono i modi per creare musica senza usare un computer?

Un sequencer online funziona all'interno di un browser Web su un computer, laptop, tablet o smartphone, consentendo di utilizzare qualsiasi dispositivo mobile connesso a Internet per comporre musica. Questi programmi non hanno requisiti di sistema speciali e non richiedono il download di software, librerie di campionatori o strumenti virtuali ed effetti plug-in.

Il formato online semplifica il processo di composizione musicale, consentendoti di catturare rapidamente idee musicali, anche quando sei lontano dal tuo computer con un sequencer. Apri semplicemente il sito Web sul tuo smartphone o tablet e annota una melodia, un ritmo o un hook. Più tardi, quando torni al tuo computer, puoi facilmente finalizzare il tuo progetto.

Amped Studio, un sequencer online, è incredibilmente facile da usare e offre una vasta gamma di funzionalità di composizione musicale. Funziona in un formato multitraccia, registra audio e MIDI da fonti esterne e modifica clip audio e MIDI. Inoltre, fornisce una varietà di loop, campionatori e pattern MIDI e include strumenti virtuali e plug-in integrati. Con queste caratteristiche, è già possibile creare musica solo con il loro aiuto. Ecco un elenco di attrezzature di base:

• sintetizzatore;
• campionatore;
• Batteria;
• Compressore;
• Equalizzatore;
• Ritardo;
• Riverbero;
• Horo;
• Distorsione.

Inoltre, Amped Studio consente la connessione di VST da un computer, che non è tipicamente una caratteristica dei sequencer online. Inoltre, offre una caratteristica unica che converte una melodia cantata in una sequenza di note MIDI. Inoltre, Amped Studio consente a più utenti di collaborare allo stesso progetto da diversi computer, caratteristica che non si trova comunemente nei programmi fissi.

Questo software è particolarmente utile per beatmaker, compositori e cantautori che cercano di creare musica in modo rapido ed efficiente. È anche eccellente per arrangiare la musica e cantanti, chitarristi e tastieristi troveranno particolarmente utile la funzione di registrazione del suono. Anche i tecnici del mix possono trarre vantaggio dalle capacità di Amped Studio per bilanciare le tracce e applicarvi effetti.

Hai bisogno di avere una conoscenza della teoria musicale per creare musica?

Potrebbe deluderti, ma avere una certa conoscenza della teoria musicale è essenziale per un musicista. Tuttavia, la buona notizia è che non è necessario memorizzarlo tutto. Mentre ti immergi nel mondo musicale, acquisirai familiarità con i suoi concetti e le sue leggi in modo naturale. Anche se non hai familiarità con la terminologia, non ti impedisce di creare una melodia. Alcuni musicisti hanno padronanza delle tecniche e possono trovare rapidamente idee interessanti senza conoscere i loro nomi tecnici.

Quando fai musica, devi distinguere tra scale maggiori e minori (e altri modi), intervalli, tempi in chiave, accordi e così via. Potresti essere in grado di differenziare gli stati d'animo evocati da un quarto o un sesto, anche se non conosci i loro nomi. Non è necessario conoscere alcun termine. Se puoi indicare il tempo con un numero, ad esempio 120 bpm, perché devi ricordare cosa significano “adagio”, “moderato”, “allegro”, ecc.?

Molte persone si chiedono se sia possibile fare musica senza conoscere la notazione musicale. In realtà, è difficile trovare un produttore musicale che usi la notazione musicale nel proprio lavoro e metta puntini con bandierine sul pentagramma. La lettura rapida a prima vista è utile solo per i musicisti d'orchestra ma non per i compositori e gli arrangiatori. Sebbene la conoscenza possa rendere il tuo lavoro più facile, più veloce e più interessante.

Alcune persone fanno musica a caso, scegliendo le note a orecchio. Anche questo è un metodo, ma chi conosce il circolo di quarte e quinte, gli intervalli, i tasti, la disposizione dei diesis e dei bemolli nelle diverse tonalità, può facilmente immaginare tutte le note nella sua testa e trovarle velocemente sulla tastiera o tastiera. Quando un musicista manca di ispirazione, può fare affidamento sulla logica e sulla conoscenza, ma non dovrebbe mai rallentarlo. La pratica dovrebbe sempre venire prima.

Quali sono gli elementi di una canzone?

La maggior parte delle canzoni contemporanee progettate per un vasto pubblico sono costruite utilizzando strutture ripetitive. Non devi escogitare arrangiamenti complicati e trame contorte come nei romanzi polizieschi per creare musica per canzoni, tranne nei casi di opera o opere classiche. I seguenti sono i componenti principali di una tipica canzone:

• Introduzione (Intro);
• Distico (verso);
• Entrare nel ritornello (Pre-ritornello);
• Coro;
• Riproduzione (ponte);
• Culmine (Medio, Costruzione);
• Interscambio (Drop, Solo);
• Conclusione (Outro, Coda).

Scrivere musica non sempre segue un codice o una formula rigida. Non tutti i pezzi devono includere un climax o seguire una certa struttura. Alcune canzoni possono terminare con un assolo o un ritornello, mentre altre ripetono solo una strofa e un ritornello con un arpeggio in loop continuo come accompagnamento. Anche l'ingresso del coro non è sempre richiesto. Nonostante ciò, è importante prestare particolare attenzione a tutti gli elementi della composizione.

Introduzione . Per fare musica non c'è una regola rigida da seguire. Alcune canzoni popolari iniziano con una strofa, mentre altre iniziano con un ritornello. La struttura standard della canzone di solito include un'introduzione, un ponte e una coda. L'introduzione può ripetere la melodia del ritornello, una melodia specifica o uno dei ritornelli, ma può anche essere del tutto unica.

Parte principale . L'approccio convenzionale alla composizione della musica è semplicemente alternare strofe e ritornelli, di solito ripetendo ogni sezione due o tre volte. Tuttavia, è importante incorporare ancora dinamiche e drammaticità. I versi dovrebbero essere più sommessi, narrativi e diretti, spesso cantati in una gamma più bassa per preparare il terreno per l'evento principale. L'evento principale è il ritornello, che dovrebbe essere più dinamico, vibrante, forte, melodico e riccamente arrangiato con note più alte. In sostanza, l'intera canzone conduce al ritornello.

Pre-ritornello . Il pre-ritornello è un componente che viene spesso trascurato quando si crea musica. Tuttavia, incorporare un pre-ritornello può migliorare il dramma e rendere la musica più intrigante. Il pre-ritornello altera l'atmosfera della strofa e crea un'atmosfera più intensa. Serve da ponte tra la parte pacifica e la parte esplosiva della canzone, preparando l'ascoltatore al cambiamento. È simile a un semaforo giallo, che indica che sta per accadere qualcosa di eccitante.

Accumulo . Questo metodo può migliorare lo sviluppo drammatico di un brano musicale. Crea un momento di calma, un rallentamento e un cambiamento di umore. In alcuni casi, la parte di batteria può essere omessa, mentre la melodia vocale subisce tipicamente un cambiamento. Ci sono varie possibilità per questa sezione, incluso il passaggio da minore a maggiore, alterazione del ritmo, creazione di un guasto o transizione a una tonalità diversa. Tuttavia, è anche possibile rinunciare completamente a questa parte.

Solo o drop . Quando si scrive musica con una chitarra, è importante evitare assoli interminabili. Tieni presente che c'è un punto designato in cui brillerà la chitarra solista. Gli stili elettronici in genere non hanno assoli, ma hanno cali in cui la musica passa da una sezione calma o lenta a un potente ritmo dance con sintetizzatori pesanti. A questo punto, potrebbe esserci un rap o solo un riassunto del verso.

Coda . In genere, la parte finale della composizione della musica viene spesso trascurata. A questo punto, puoi reintrodurre il bridge, portare l'assolo al culmine o ripetere il ritornello per creare una conclusione per la canzone. La scelta è tua. Hai l'opportunità di creare un finale memorabile creando una sezione finale unica e creativa.

Ponti e ritagli . Creare musica che passi senza soluzione di continuità da una parte all'altra può essere impegnativo e non tutti gli ascoltatori potrebbero apprezzarlo. Può essere efficace includere una breve pausa o un interludio dopo un ritornello potente, come una progressione di accordi o un assolo nel bridge. Riempimenti di batteria, ganci o piccoli spostamenti armonici vengono spesso aggiunti all'interno di ogni sezione per aggiungere interesse e mantenere la canzone coinvolgente.

Lo sviluppo è uno dei principi fondamentali del fare musica . È vero che molte canzoni consistono in parti ripetitive, ma ciò non significa che debbano essere monotone. Ogni parte, inclusa la seconda strofa e il ritornello, dovrebbe comunque avere qualche evoluzione o variazione rispetto alla precedente per mantenere le cose interessanti. Ciò può essere ottenuto aggiungendo nuovi elementi o modificando le cose. Infatti, è l'ideale per introdurre qualcosa di nuovo ogni battito per mantenere il coinvolgimento dell'ascoltatore.

Come puoi creare varietà nella tua musica quando si tratta di versi? Puoi aggiungere uno strumento melodico con contrappunto alla seconda strofa, includere percussioni, cori o una seconda chitarra, addensare il basso, regolare leggermente l'hi-hat, cambiare l'arpeggio della chitarra, inserire un pad di riempimento o far suonare il basso riempimenti extra. Queste tecniche possono essere applicate anche al coro.

Non è necessario utilizzare tutti questi trucchi contemporaneamente. Ci sono infinite possibilità per creare musica interessante e inventare qualcosa di nuovo è l'essenza della creatività. Più le tue idee sono originali e innovative, meglio è. Tuttavia, la ripetizione è anche essenziale per far sì che la tua canzone rimanga impressa nella mente dell'ascoltatore.

Il processo di fare musica richiede un equilibrio tra l'uso di tecniche collaudate e la sperimentazione di nuove. Implica la creazione di aspettative e quindi il loro sovvertimento per mantenere l'ascoltatore impegnato. La ripetizione crea un effetto ipnotico che attira l'ascoltatore, ma rompere questo schema può sorprenderlo ed eccitarlo. In definitiva, si tratta di controllare l'esperienza dell'ascoltatore attraverso l'uso attento della ripetizione e della variazione.

Strumentazione e arrangiamento . Da una prospettiva dinamica, abbiamo esplorato come fare musica considerando gli strumenti ei gruppi strumentali in un aspetto sincrono. Ogni canzone ha un set unico di strumenti che suonano per tutta la composizione, e il nucleo della canzone non dovrebbe essere alterato, altrimenti suonerà sconnesso. Quindi, in cosa consiste questo nucleo?

La strumentazione di una canzone può essere suddivisa in diversi componenti chiave, tra cui:

• Strumento principale, che può essere la voce o un sintetizzatore principale, e funge da punto focale della canzone;
• Sezione ritmica, composta da batteria e basso, che forniscono il groove fondamentale e il polso della musica.;
• Strumenti di supporto, che possono includere chitarra ritmica, pianoforte, organo o altri strumenti che forniscono supporto armonico e ritmico;
• Secondo strumento solista, che può essere una chitarra solista, un synth solista che interagisce con lo strumento principale, o un altro strumento melodico utilizzato per il drop o altre sezioni;
• Filler, che includono pad, effetti, percussioni e altri elementi che aggiungono consistenza e atmosfera alla musica.

Per scrivere musica piacevole e coesa, tutte le parti devono essere costruite nella stessa tonalità e devono essere evitate le dissonanze. Se due strumenti suonano contemporaneamente intervalli dissonanti come tritoni o settime, può essere sgradevole all'orecchio. Tuttavia, se suonati da un singolo strumento in uno stile e in un contesto specifici, questi intervalli possono suonare alla grande. Inoltre, la confusione ritmica dovrebbe essere evitata.

Fare musica implica intrecciare linee strumentali, limitate solo dall'immaginazione del compositore. Il dialogo e la melodia comune tra strumenti, così come il suonare all'unisono, sono tecniche comuni, specialmente tra chitarra e basso. Per creare un ritmo chiaro, tutti gli elementi dovrebbero essere adattati al ritmo, con il basso che spesso ripete parzialmente la melodia vocale e la batteria che guida il ritmo.

Attenersi alle norme di stile quando si scrive musica è importante, ma c'è sempre spazio per la sperimentazione. Ad esempio, il basso funk è noto per l'uso della sincope e nel metal un riff ripetuto forma lo schema della canzone invece degli accordi.

Comprendere la teoria musicale è essenziale per una composizione efficace, ma è importante impararla nel contesto dell'uso pratico. Termini tecnici come "sincope", "ritmo debole", "septima" e "contrappunto" possono richiedere chiarimenti, ma padroneggiarli attraverso una pratica deliberata è la chiave per conservare la conoscenza.

Come nasce la canzone?

Ancora oggi, scrivere musica rimane un compito impegnativo. Per la persona media, l'aspetto più magico, complesso e cruciale del processo è la composizione stessa. Questo potrebbe essere vero per gli autori che non producono la loro musica in modo indipendente. Tuttavia, in realtà, prima che una canzone venga rilasciata a un vasto pubblico, subisce diverse fasi di perfezionamento. Ci sono diversi passaggi coinvolti nel perfezionamento di un'idea approssimativa:

• Scrittura di canzoni;
• Disposizione;
• Registrazione del suono;
• La modifica;
• Miscelazione;
• Padroneggiare.

In uno scenario ideale, diversi ruoli sono coinvolti nel processo di creazione della musica: l'autore scrive la musica, l'arrangiatore fa l'arrangiamento, l'ingegnere del suono si occupa della registrazione, l'assistente tecnico del suono fa il montaggio, l'ingegnere del mix si occupa del missaggio , e infine, l'ingegnere del mastering fa gli ultimi ritocchi. Tuttavia, in realtà, l'autore spesso arrangia le proprie canzoni e solo un tecnico del suono può essere responsabile della registrazione, dell'editing e del missaggio.

Scrittura di canzoni . La persona che crea la composizione musicale è conosciuta come l'autore. L'autore è responsabile della creazione della melodia vocale e della creazione di un accompagnamento di base al pianoforte o alla chitarra. In questa fase, un'altra persona può incaricarsi di scrivere i testi. Una volta stabilite le basi della canzone, l'autore in genere invia la bozza a un arrangiatore esperto per un ulteriore perfezionamento.

Arrangiamento . In realtà, la parte più magica del creare musica avviene durante la fase di arrangiamento. L'arrangiatore è responsabile della selezione degli strumenti, della finalizzazione delle armonie, dello sviluppo di idee musicali, della creazione di transizioni e hook. È solo dopo che l'arrangiamento è completato che la musica prende vita in tutto il suo splendore.

Registrazione del suono . Come minimo, una volta terminato l'arrangiamento, è necessario registrare le voci pulite. Se hai scritto musica con strumenti dal vivo, allora devi registrare anche batteria, chitarre, violini, trombe, pianoforte a coda e tutti gli altri strumenti che l'arrangiatore ha incluso nella canzone. Ciò richiede sia musicisti che uno studio di registrazione.

Modifica . La quantizzazione delle parti MIDI è un processo semplice, ma gestire le tracce microfoniche può essere impegnativo. Anche se lavori solo con registrazioni vocali, devi selezionare attentamente le riprese, regolarne il tempo e il volume, correggere eventuali problemi di intonazione e rimuovere rumori indesiderati come clic, pop e suoni di sottofondo.

Miscelazione . Una volta che tutte le tracce sono state rifinite alla perfezione, l'ingegnere del suono inizia a lavorarci sopra. Regolano i livelli del volume, utilizzano equalizzatori, compressori, saturatori e riverberi per elaborare le tracce. Anche questo è un processo che richiede tempo e, a volte, il missaggio può essere impegnativo tanto quanto comporre la musica.

Padronanza . Quando l'ingegnere del suono ha finito di lavorare con più tracce, l'ingegnere del mastering riceve un singolo file: il mix completo. Il loro compito è quello di perfezionare il suono con l'aiuto di monitor di alta gamma, apparecchiature di alta qualità e una stanza idealmente trattata acusticamente.

Promozione . Sebbene questa fase non coinvolga il processo stesso di scrittura della musica, è ugualmente cruciale. È fondamentale allocare un certo budget per la pubblicità, le campagne promozionali e il rilascio del brano sulle piattaforme di streaming. Senza un'adeguata promozione, anche un potenziale super successo potrebbe passare inosservato. Pertanto, è essenziale tenerlo a mente mentre si lavora sulla musica.

Alcuni consigli da ricordare

1. Non lasciare che la teoria ti trattenga . Iniziare a scrivere musica è semplice se non ti lasci bloccare pensando di non saperne abbastanza o di non avere le competenze necessarie. Usa la teoria solo se necessario e fai riferimento ad essa quando ritieni di aver bisogno di più conoscenza;
2. Analizza le tue canzoni preferite . Un ottimo modo per migliorare le tue capacità di scrittura musicale è analizzare i successi. Comprendendo la logica dietro le canzoni di successo, puoi imparare a scrivere come un professionista. Scomponi brani popolari e prova a replicarli, prendendo nota di soluzioni interessanti. Fare riferimento a canzoni di successo può anche essere utile quando si lavora sul proprio materiale;
3. Punta all'originalità . Molte persone credono che i creatori di musica di successo seguano alcune regole universali. Tuttavia, se esamini alcuni successi senza tempo, scoprirai che ognuno di essi ha il suo sapore unico. Pertanto, non aver paura di sperimentare e provare a inventare qualcosa che affascinerà il pubblico con la sua originalità;
4. Guarda le tendenze . Prendi in considerazione l'idea di esplorare le preferenze del pubblico di oggi per creare musica che sia popolare. Sebbene sia importante rimanere fedeli al proprio stile musicale, potresti trovare ispirazione nello scoprire ciò che risuona con gli ascoltatori nel mercato odierno;
5. Scrivi musica facilmente . Non impantanarti ad arrangiare la musica per troppo tempo. Cerca di completarlo rapidamente ed evita di rimanere bloccato nel processo. Molti musicisti lottano con demo incompiute perché si lasciano prendere dal tentativo di renderle perfette. È importante sapere quando dare la priorità al completamento rispetto al perfezionismo.

Il consiglio più importante è agire. Non aspettare di avere una perfetta comprensione della teoria musicale, acquista apparecchiature costose o plug-in. La pratica e l'esperienza ti insegneranno più di qualsiasi conoscenza o strumento teorico.

Se non hai monitor da studio, usa le cuffie. Se non puoi permetterti il ​​software, usa il sequencer online gratuito. Oggi puoi iniziare a fare musica semplicemente accendendo il tuo computer. Alla fine acquisirai l'attrezzatura che desideri, ma nel frattempo concentrati sull'utilizzo di ciò che hai per sviluppare le tue abilità. Chissà, potresti già essere un grande produttore quando avrai l'attrezzatura dei tuoi sogni. Dipende tutto da te.