メロディーとハーモニー: 類似点と相違点

音楽芸術には、メロディーライン、ハーモニーの伴奏、リズミック構造という 3 つの重要な要素が含まれます。ボーカル作品の場合、歌詞の内容という別の要素が追加されます。メロディーとハーモニーは、音楽のピッチのさまざまな組み合わせによって作成されます。メロディーとハーモニーは密接に関係していますが、それぞれが音楽の中で独自の役割を果たしているため、これらの概念を混同しないことが重要です。

メロディーとは何ですか？

メロディーは、調和のとれた全体に結合された一連の音楽音です。多くの音楽作品は、相互作用するさまざまなメロディーの組み合わせに基づいています。ロックバンドでは、ボーカリスト、ギタリスト、キーボード奏者、ベーシストのいずれのメンバーも、楽器でメロディーを演奏することで全体のメロディーサウンドに貢献します。ドラマーが後ろに座っている打楽器にもメロディックな機能があります。

音楽のメロディーは 2 つの主要な要素で構成されます。

ステップ

これは、楽器によって生成される実際の音響波を指します。これらのオーディオ周波数は一連に配置され、C4 や D#5 などの名前で指定されます。

間隔

メロディーの説明には、各ピッチ成分の音の長さも含まれています。これらの時間間隔は、全音符、2分音符、4分音符、3連符などのさまざまな長さに分類されます。

調和とは何ですか？

ハーモニーはさまざまな音楽の流れが組み合わされたサウンドから生まれ、総合的な視聴覚画像を形成します。オーケストラを例に挙げてみましょう。フルート奏者は 1 つのピッチの音を出し、ヴァイオリニストは別のピッチの音を、トロンボーン奏者は 3 番目の音を出します。それぞれの音は別々のメロディーラインを生み出しますが、同時に演奏される瞬間にハーモニーが生まれます。

倍音の組み合わせは、多くの場合、一連のコードです。従来のオーケストラでは、フルート奏者が高い G 音を演奏し、ヴァイオリニストが B 音を演奏し、トロンボーン奏者が E 音を曲に取り入れたとします。これらの音は一緒になって E マイナーコードを形成します。したがって、各音楽家は 1 つの音だけを生成しますが、一緒に E マイナーコードの倍音を作成します。

メロディーとハーモニー: 違いは何ですか?

緊密なコラボレーションにもかかわらず、メロディーとハーモニーには明確な違いがあります。西洋音楽の伝統では、メロディーとハーモニーは両方とも 12 音の共通のセットから発展します。クラシックから現代のヒット曲まで、大部分の音楽は特定の音楽キーで作成されており、これら 12 音のうち 7 つだけを使用しています。

C メジャーのキーを例に挙げてみましょう。

C、D、E、F、G、A、B の音が含まれます。

したがって、C メジャーのキーのメロディーはすべて、これらの音だけで構成されます。

ハ長調のハーモニーは、ハ長調スケールの音から組み立てられた和音に基づいて形成されます。たとえば、C メジャーハーモニーには D マイナーコードが含まれる場合があります。これは、そのコンポーネント (DFA) がすべて C メジャースケール内にあるためです。同時に、DF#-Aで構成されているため、Dメジャーコードの余地はなく、F#はCメジャースケールの音域に含まれていません。

協和音と不協和音

ハ長調の作品はハ長調スケールの音のみを使用しますか? 答えは否定的に聞こえます。多くの場合、音楽には基本的な音階を超える要素があり、それが現代音楽に積極的に存在する協和音と不協和音の概念につながります。

協和音のメロディーとハーモニーは音階に基づいて直接構築されますが、不協和音部分には主な調性を超える音が含まれます。

ロネッツの「Be My Baby」という曲を例に挙げてみましょう。

彼女の詩は 16 小節あり、前半は完全に子音で、曲の主音階 (ホ長調) の音に基づいたメロディーとハーモニーがあり、3 つのコード (ホ長調、ヘ短調、ロ長調) で構成されています。このスケール。ただし、その後の小節では G# メジャー、C# メジャー、F#7 のコードが導入されており、これらのコードにはすべて E メジャースケールに属さない音が含まれています。

したがって、詩の後半は適度に不協和音になります。コード G# メジャー、C# メジャー、および F#7 は、E メジャースケールの外側にそれぞれ 1 つの音のみを寄与するため、不協和音はリスナーにとって許容できるものになります。

曲内のマイナーな不協和音の例としては、わずかに不協和音ではあるものの、そのコードの音に対応するメロディーが含まれるコードが挙げられます。たとえば、G# メジャーコードには、E メジャースケールに属さない B# ノートが含まれています。この曲のボーカルラインでは、この B# ノートをコードと組み合わせて使用することで、不協和音を強調し深めています。

作曲家へのアドバイス。メロディーを作成するときは、メインコードのハーモニーを強調するようにしてください。これは、曲全体のハーモニーを強化する上でより重要です。

音楽におけるメロディーの例

音楽のメロディーラインには、ボーカルパフォーマンスと楽器の断片という 2 つの主な形式があります。音楽作品におけるそれらの表現の例は次のとおりです。

リードボーカル

楽曲の中心にはメインの歌手が演奏するメインのメロディーラインがあります。それは、モーツァルトの作品からオペラのソプラノ歌手が演奏するアリアかもしれませんし、ロックボーカリストが演奏するヘヴィメタルトラックの大音量のボーカルかもしれません。どちらの場合でも、それらの役割は似ています。

バッキング・ヴォーカル

バックボーカリストは通常、楽曲にハーモニーを加えることによって、楽曲のメロディーの豊かさを高めます。たとえば、メインボーカリストが A の音を (ヘ長調コードの 3 番目の要素として) 演奏する場合、バッキングボーカリストは C の音を (同じコードの 5 番目の要素として) 追加し、より柔らかいイントネーションで追加します。

したがって、バッキングボーカリストはヘ長調のハーモニーを強調するだけでなく、メロディーにも貢献し、彼のラインは主にリードボーカリストのパートを補完するように設計されています。

インストゥルメンタルのリフ

楽器もメロディーを生み出します。それは、レス・ポール・ギターで「移民の歌」の冒頭部分を見事に演奏するジミー・ペイジかもしれないし、スタインウェイ・グランド・ピアノでバッハの前奏曲を見事に演奏するグレン・グールドかもしれない。楽器のメロディーは、ボーカルラインと同じくらい音楽にとって重要です。

ソロ

ギターやサックスソロがメロディーラインでないとしたら何でしょうか? ジョン・コルトレーンが「ジャイアント・ステップス」の冒頭であらかじめ決められた一連の音符を演奏すると、メロディーが生まれます。そして、彼が広大なソロの過程で音符の流れを広げるとき、それもまたメロディーです。メロディーは必ずしも厳密に書き留める必要はないことを理解することが重要です。それらは、即興演奏の過程でも同様に発生する可能性があります。

音楽におけるハーモニーの例

メロディーと同様、ハーモニーもさまざまな形で音楽に現れます。これらには次のものが含まれます。

スタティックコード

ピアニストが 4 度に基づいてコードを保持する場合、またはギタリストが 1 ～ 2 小節にわたってコードのサウンドを維持する場合、これらは静的コードと呼ばれます。それらは変更されておらず、少なくともそのピアニストやギタリストによってメロディーラインが追加されることはありません。このアプローチは、すべての音楽スタイルに共通するハーモニーの最も基本的な形式の 1 つを表します。

メロディーラインが散りばめられたコード

ハーモニーとメロディーを厳密に分離しなければならず、絡み合ってはいけないという法律はありません。多くの演奏家、特に高いレベルのパフォーマンスアートの演奏家は、場合によっては同じ曲内であっても、ハーモニーからメロディーにシームレスに移動したり、また戻ったりすることができます。

ジミ・ヘンドリックスはこの分野での熟練を体現しています。「Castles Made of Sand」や「Little Wing」などの曲で、コードと個々のノートを簡単に切り替える彼の能力に注目してください。ピアノは、その生来のポリフォニー能力により、メロディー要素とハーモニー要素を同時に演奏するのにも優れています。

ベースライン

ベースラインは多くの場合、一度に 1 つの音を演奏するのが特徴ですが、これらの個々の音がコード全体を表す場合もあります。たとえば、ベースが対応する D マイナースケールの 7 つの音を使用して D マイナー範囲でハーモナイズし、ベーシストが F の音を演奏すると、リスナーは自動的にこれを F メジャーコードと関連付けます。これは、ヘ短調コードとは対照的に、ヘ長調コードはニ短調スケールの要素であるためです。

合唱の抜粋

合唱団は、同様の楽器を使用することで団結したユニークな演奏者のグループです。たとえば、合唱団は高音のソプラノから重低音までさまざまな声で構成されており、中には中間のピッチで声を発する演奏者もいます。

作曲家は、合唱団のさまざまな声に音楽パートを分割することで、複雑なハーモニーを作成できます。作曲家はバスの場合は Eb、テナーの場合は Db、アルトの場合は Bb、ソプラノの場合は Gb を指定できます。これらの音は合わせて Eb マイナーコードを形成し、メロディーは 3 番目の音 (Gb) を運びます。合唱団は、弦楽器、サックス、ギターなど、あらゆる楽器のグループから編成できることは注目に値します。

対位法

コードの要素は、小節の同じ部分で同時に発音される必要はありません。多くの音楽作家は、必ずしも時間的に一致しなくても交差する可能性のある独立したメロディーラインを開発します。この音の相互作用により、単一のユニットとして提示されずに、聴衆が直感的に認識できるコードが作成されます。

この方法は対位法と呼ばれ、ヨハン・ゼバスティアン・バッハのフーガで最も明確に実証されており、音楽の創造性の最も複雑で洗練された形式の 1 つです。