Como fazer sua própria música

Se você gosta de música, canta ou toca algum instrumento, talvez tenha pensado: “Como escrever a música?” Compor músicas é uma ótima maneira de se abrir emocionalmente, mergulhar na inspiração e encontrar um caminho pessoal para a autoexpressão. É por isso que tantos psicólogos recomendam atividades criativas para todos – elas dão a você a liberdade de se expressar, liberar seus sentimentos e experimentar uma sensação de alívio.

Uma boa ideia de música pode surgir a qualquer momento, por isso vale a pena estar preparado. Mantenha um pequeno caderno e uma caneta na bolsa ou de fácil acesso em casa e no trabalho. Se uma ideia surgir enquanto você estiver fora, você terá uma maneira de salvá-la, mesmo que seja apenas um título no papel. Às vezes, até mesmo uma única palavra pode estabelecer a base para um sucesso futuro, então não perca a chance de capturar qualquer centelha criativa.

Outro hábito útil se você quiser criar sua própria música é aprender a abrir rapidamente o gravador de voz do seu telefone. Às vezes é mais fácil cantarolar uma melodia ou falar algumas letras do que escrever coisas. Dessa forma, você pode voltar à ideia mais tarde e desenvolvê-la quando tiver mais tempo.

Depois de definir as ferramentas, tudo se resume a encontrar inspiração. Todos nós temos artistas e compositores favoritos que deixam uma marca em nossos corações. Faça uma lista de reprodução com as músicas deles - isso o ajudará a manter viva a centelha emocional e a permanecer na zona criativa.

Como começar a escrever uma música

Criar uma música pode parecer uma jornada com começo, processo e fim claros. Decidir por onde começar é sua primeira escolha importante e moldará o desenrolar do restante do processo.

Alguns músicos preferem começar com um título, uma letra ou um tema, enquanto outros começam com acordes, uma melodia ou um ritmo. Não existe uma maneira “certa” universal – o que importa é encontrar a abordagem que funciona melhor para você. Um método pode funcionar para uma música, enquanto uma abordagem completamente diferente pode ser melhor para outra. Quanto mais você experimentar, mais ideias descobrirá.

Como qualquer habilidade, a composição se beneficia da prática regular. Quanto mais você escreve, mais rápido suas habilidades se desenvolvem e, com o tempo, sua coleção crescerá com músicas das quais você se orgulha. Freqüentemente, é necessário criar dezenas de músicas para encontrar algumas “joias” reais. Muitos compositores experientes possuem arquivos repletos de centenas de composições, construídas ao longo dos anos. Se você leva a sério a composição, o melhor momento para começar é agora.

É claro que o conselho de “apenas começar” parece mais fácil do que realmente é, e a questão de por onde começar ainda pode parecer assustadora. Encontre um espaço onde seja fácil entrar em sintonia com a inspiração - seja a natureza, a praia ou uma rua movimentada da cidade. Às vezes, as ideias surgem do nada e é importante estar preparado. Mantenha um pequeno caderno à mão para anotar quaisquer pensamentos ou linhas que surgirem.

Muitos compositores compartilham que tentam capturar tudo o que vem à mente – seja uma letra, uma frase, uma melodia ou uma progressão de acordes. Anote tudo o que desperta interesse para que você possa revisitar essas ideias quando estiver pronto para desenvolvê-las ainda mais.

Compreendendo a estrutura da música

Compreender a estrutura é a chave para criar uma música bem feita. A estrutura serve como base que une todos os elementos e molda a forma como os ouvintes vivenciam sua música. Embora não exista uma fórmula única para estruturar uma música, existem alguns formatos populares que podem ajudar a tornar uma faixa completa e coesa. Conhecer esses formatos é valioso, quer você esteja escrevendo pop, rock, country ou qualquer outro gênero.

Verso – Refrão – Verso – Refrão – Ponte – Refrão

Esta estrutura, muitas vezes escrita como ABABCB, é uma das mais comuns na música popular. Aqui, A representa o verso, B o refrão e C a ponte. Os versos geralmente apresentam a história, as emoções ou a mensagem da música, enquanto o refrão transmite o gancho central ou a ideia principal de uma forma memorável e repetível. A ponte então traz algo novo, quebrando a repetição e conduzindo suavemente de volta ao refrão final para um final poderoso.

Muitas canções de sucesso usam essa estrutura porque é familiar e agradável de ouvir, ao mesmo tempo que deixa espaço para reviravoltas criativas. O padrão alternado de versos e refrões cria antecipação, permitindo que os ouvintes desfrutem do ritmo da repetição e se sintam imersos na melodia.

Verso–Refrão–Verso–Refrão

Este formato (ABAB) é uma versão mais simples da estrutura anterior, sem ponte. Aqui, versos e refrões se alternam, criando um ritmo direto e fácil de seguir. Essa estrutura é ideal para músicas mais curtas, principalmente quando o refrão é forte o suficiente para carregar a melodia sem a necessidade de variações adicionais. Muitas músicas pop e indie seguem essa estrutura, pois permite que a música vá direto ao ponto, sem extras desnecessários. Com um gancho cativante, esse formato pode realmente deixar o refrão brilhar.

Verso-Verso-Ponte-Verso (AABA)

Essa estrutura, especialmente popular no jazz e no rock antigo, envolve dois versos repetidos, seguidos por uma ponte e, em seguida, um verso final. Funciona bem para baladas ou músicas mais suaves, trazendo um toque clássico e descontraído à música. A repetição de versos reforça o tema principal da música, tornando-a memorável, enquanto a ponte oferece uma breve mudança na melodia ou na letra, criando uma mudança refrescante antes de retornar ao verso final.

Estruturas musicais alternativas

Embora as estruturas musicais mencionadas acima sejam algumas das mais populares, você não precisa segui-las rigidamente. Algumas músicas adicionam um pré-refrão para criar tensão antes do refrão principal, enquanto outras fecham com um final que deixa um final memorável. Você também pode começar com uma introdução que define o clima desde as primeiras notas, imergindo os ouvintes na atmosfera da faixa.

Você pode misturar e combinar diferentes elementos estruturais para criar a configuração que melhor se adapta à sua visão. Basta lembrar que a estrutura orienta o ouvinte, por isso é importante encontrar um equilíbrio entre familiaridade e originalidade.

No final das contas, a estrutura é apenas um roteiro, e é você quem decide como navegar por ela. Quer você escolha um formato ABABCB clássico ou algo mais experimental, ter uma estrutura clara em mente ajuda a tornar sua música envolvente e memorável. Quando você está começando, é útil seguir as fórmulas tradicionais para se sentir confortável com o básico. Então, à medida que você ganha confiança, você pode experimentar misturar elementos e adicionar algo novo e inesperado.

Como fazer sua própria música: etapas principais

1. Fazendo música

1.1. Escolha o gênero da sua música

Cada gênero musical tem suas próprias características únicas que podem definir o clima e o tema da sua música. Por exemplo, as músicas country geralmente apresentam slide guitars e letras sobre perdas ou superação de lutas, enquanto as músicas rock podem usar acordes poderosos e focar em temas de rebelião e liberdade.

1.2. Selecione um ritmo e andamento adequados à sua música

Ritmo e andamento são cruciais para definir a vibração. Um andamento rápido funciona bem para gêneros energéticos como techno ou punk rock, enquanto ritmos mais lentos são mais adequados para estilos emocionais ou melancólicos como pop ou country. Um andamento moderado, frequentemente encontrado no rock clássico, pode funcionar bem para músicas que não se enquadram nas categorias rápida ou lenta.

• Por exemplo, o punk rock geralmente tem um ritmo rápido e intenso em 4/4, com cada batida durando um segundo;
• O Reggae utiliza ritmos sincopados para criar um som descontraído e único;
• Observe os ritmos e compassos típicos do gênero que você deseja para encontrar o que melhor se adapta à sua música.

1.3. Crie uma melodia básica no piano ou guitarra

Mesmo que esses instrumentos não acabem na faixa final, eles são ótimos para esboçar uma melodia. Tente trabalhar com tonalidades comuns como Sol, Lá, Dó, Ré, Mi e Fá. Pense no tema da sua música e escolha uma tonalidade que transmita o clima certo.

1.4. Experimente escalas maiores e menores

Usar escalas no tom escolhido pode ajudá-lo a encontrar melodias que correspondam ao tom emocional da sua música. Os tons maiores são geralmente vistos como mais alegres e brilhantes, enquanto os tons menores trazem uma sensação mais emocional ou melancólica.

• Por exemplo, Ré menor é frequentemente considerado a tonalidade mais triste, enquanto Dó maior tem um som alegre;
• Dependendo do tema da música, você pode alternar entre tonalidades maiores e menores para adicionar profundidade e uma variedade de emoções à sua composição.

1.5. Aprenda habilidades básicas de guitarra

Se você deseja expandir suas habilidades, aprender o básico do violão pode ser de grande ajuda na criação de melodias. Você não precisa se tornar um profissional, mas conhecer alguns acordes básicos e como construir melodias pode ajudar muito. Você pode ter aulas com um professor local ou encontrar tutoriais gratuitos online para começar.

1.6. Traga um co-escritor se precisar de ajuda

Se você tem ideias que está lutando para concretizar, trabalhar com um amigo ou co-autor pode ser uma ótima solução. Fale sobre o tema, o clima e a letra da música para ajudar a traduzir essas ideias em música juntos. Se você não conhece ninguém que possa ajudar, considere encontrar um parceiro por meio de fóruns de música on-line ou painéis de empregos.

1.7. Experimente software musical para criação de músicas

Se você não toca nenhum instrumento, um software musical pode ser uma excelente alternativa. Esses programas fornecem extensas bibliotecas de batidas de bateria, linhas de baixo, acordes e melodias que você pode mixar e personalizar. Experimentar essas ferramentas permite que você crie suas próprias músicas, brincando com diferentes efeitos e filtros.

• Muitos programas permitem trabalhar com sintetizadores, efeitos de guitarra e uma ampla gama de outras ferramentas;
• Você também pode adquirir plug-ins adicionais para expandir sua biblioteca de sons e adicionar novas texturas às suas músicas.

2. Adicionando letras à sua música

2.1. Escolha um título para sua música

Uma maneira interessante de começar a desenvolver ideias para músicas é fazer um brainstorming de títulos em potencial. Às vezes, frases que você ouve em filmes, livros ou até mesmo em conversas podem gerar uma ideia para um título atraente. Anote essas frases em um caderno ou telefone para poder revisitá-las mais tarde. Você também pode esperar para nomear sua música até que a melodia e a letra terminem. Não há abordagem certa ou errada aqui – escolha o que parece mais natural.

2.2. Crie um refrão para sua música

O refrão é a peça central que torna uma música memorável e muitas vezes se torna o título da música. Brinque com diferentes frases e melodias até encontrar algo que grude. Se você já tem uma lista de títulos possíveis, tente cantá-los para ver quais funcionam bem como refrão. Experimente várias melodias para encontrar aquela que melhor captura a vibração que você deseja.

2.3. Construa o refrão em torno do seu gancho

Em algumas músicas, o refrão principal torna-se o refrão inteiro, enquanto em outras é apenas uma parte do refrão, geralmente no início ou no final. O refrão geralmente resume os temas principais da música de forma ampla. Deve ser menos detalhado do que os versos, deixando espaço para os ouvintes se conectarem com a ideia sem sobrecarregá-los com detalhes.

2.4. Escreva versos que expandam os temas do refrão

Os versos complementam e baseiam-se nos temas introduzidos no refrão, acrescentando detalhes e imagens. Eles se aprofundam na ideia, usando exemplos vívidos e detalhes que tornam a música mais emocional e significativa.

3. Terminando sua música

3.1. Decida se deseja adicionar uma ponte

Uma ponte é uma seção que aparece apenas uma vez em uma música e traz uma nova dimensão ao tema principal. Ele pode adicionar variedade introduzindo novas letras, alterando o tom ou usando acordes diferentes dentro do mesmo tom.

• Mantenha a letra da sua ponte tão geral quanto o refrão, sem adicionar novos detalhes;
• Você também pode usar a ponte para um solo instrumental para mostrar habilidade em um instrumento específico.

3.2. Defina a estrutura final da sua música

A estrutura musical mais popular hoje é Verso/Refrão/Verso/Refrão/Ponte/Refrão. Mas sinta-se à vontade para adaptá-lo para se adequar à sua visão. Experimente reorganizar seções, repetir partes ou mover coisas até que a estrutura pareça perfeita.

3.3. Adicione instrumentos extras para um som mais completo

Assim que a letra e a melodia estiverem completas, considere enriquecer o som com instrumentos como bateria, baixo ou teclado. Essas adições podem dar profundidade e energia à música. Certifique-se de que todos os instrumentos sejam tocados no mesmo tom e fórmula de compasso.

• Se você não toca instrumentos adicionais, grave a faixa base e use um software de música para adicionar sons extras;
• Você também pode encontrar faixas instrumentais no YouTube e entrar em contato com os criadores para discutir o uso de seu trabalho.

3.4. Pratique sua música até que fique sólida

Divida a música em partes e pratique cada uma individualmente. Em seguida, combine-os, trabalhando nas transições para que você possa tocar a música inteira sem hesitação.

3.5. Grave sua música

Depois de saber a música de cor, é hora de gravá-la. Use seu telefone, um gravador digital ou software de laptop. Certifique-se de salvar um backup da gravação ou enviá-la para a nuvem para não perdê-la acidentalmente.

• Você também pode filmar um vídeo tocando a música, segurando seu iPhone ou Android horizontalmente para uma melhor experiência de visualização.

Técnicas de composição para aumentar a criatividade

1. Desenvolva a habilidade de perceber ideias originais . Mantenha sempre um caderno dedicado para ideias de músicas com você para anotar os pensamentos à medida que surgirem. Dessa forma, a inspiração está sempre ao nosso alcance quando surge;
2. Encontre colaboradores com ideias semelhantes . Faça uma lista de músicos e compositores com quem você gostaria de trabalhar. Marcar reuniões para trocar ideias e trabalhar juntos em novas músicas;
3. Mude seu processo usual de escrita . Tente começar com o refrão ou escrever a letra na ordem inversa. Essas pequenas mudanças podem lhe dar uma nova perspectiva sobre o processo criativo;
4. Inspire-se em outras formas de arte . Visite um museu, ouça música clássica ou leia um conto. As emoções que você experimenta através de outras formas de arte podem inspirar sentimentos que você pode canalizar em uma música;
5. Escreva uma música sobre alguém significativo . Concentre-se em um amigo próximo, membro da família, figura histórica, celebridade ou até mesmo em seu animal de estimação. Se possível, cante a música para aquela pessoa e preste atenção na reação dela;
6. Escreva novas letras para uma música de rap favorita . Pegue o instrumental de uma faixa que você adora e escreva suas próprias letras, explorando como palavras diferentes podem mudar a vibração e o significado;
7. Use Associação Livre . Escolha algumas palavras, defina um cronômetro e escreva o máximo que puder sobre cada palavra em alguns minutos. Depois, veja como você pode integrar essas ideias em uma música;
8. Pratique escrever melodias e progressões de acordes separadamente . Isso permite que você se concentre em cada elemento individualmente, tornando mais fácil combiná-los posteriormente em um som coeso;
9. Aprenda os princípios básicos da proteção de direitos autorais . Compreender as leis de propriedade intelectual ajuda você a proteger, publicar e licenciar sua música. Leia livros, faça cursos ou explore organizações como ASCAP, BMI e SESAC.

O poder da colaboração

Embora a composição possa ser profundamente pessoal, não precisa ser uma jornada solo. Trabalhar com outros compositores pode abrir seus horizontes criativos, proporcionando novas ideias e perspectivas. A colaboração dá a você a chance de crescer como artista, aprender novas técnicas e encontrar inspiração de maneiras inesperadas. A parceria com outras pessoas, especialmente se você costuma escrever sozinho, pode levá-lo por caminhos que talvez nunca tenha considerado.

Os benefícios da colaboração

Um dos aspectos mais valiosos da composição colaborativa é a oportunidade de aprender uns com os outros. Cada compositor traz uma abordagem única ao estilo, estrutura da música e acordes preferidos, e quando você colabora, você ganha um lugar na primeira fila para o processo criativo de outra pessoa. Talvez o seu co-escritor se concentre nas melodias enquanto você gosta mais das letras, ou eles trabalham em um gênero diferente. A combinação desses pontos fortes pode resultar em algo maior do que qualquer um de vocês poderia criar sozinho.

A colaboração também leva você além da sua zona de conforto. Se você tende a se ater a determinados gêneros ou temas, uma nova perspectiva pode encorajá-lo a tentar algo novo. Seu co-autor pode trazer para a mesa ideias nas quais você nunca teria pensado, e essa nova abordagem pode ser um ponto de viragem em sua jornada criativa.

A vulnerabilidade da criatividade colaborativa

Compartilhar seu processo criativo com outra pessoa nem sempre é fácil. Revelar ideias, letras ou melodias cruas e inacabadas exige coragem. Você pode se preocupar com a possibilidade de suas ideias não serem “boas o suficiente” ou com a possibilidade de serem julgadas. Mas a vulnerabilidade é uma parte essencial do processo criativo. Abraçá-lo pode realmente torná-lo um compositor mais forte no longo prazo.

Escrever juntos na mesma sala pode ser estressante, mas também pode levar a avanços emocionantes. Vocês estão compartilhando ideias em tempo real, aproveitando as sugestões uns dos outros e trabalhando juntos em todos os bloqueios. Às vezes, esse tipo de interação em tempo real é exatamente o que uma música precisa para ganhar vida.

Colaboração Remota

Se trabalhar cara a cara não combina com você, a colaboração remota é uma ótima alternativa. Você pode começar uma música sozinho e depois enviá-la para um co-escritor para finalizá-la ou aprimorá-la. Eles podem revisar a letra, adicionar uma nova melodia ou até mesmo reestruturar a composição para dar mais profundidade. Essa abordagem permite que você trabalhe no seu próprio ritmo, sem a pressão de ter ideias na hora. A colaboração remota oferece a ambas as partes a liberdade de criarem o seu melhor trabalho num ambiente mais descontraído, ao mesmo tempo que fundem forças criativas.

Como superar o bloqueio do compositor musical

Todo compositor encontra um bloqueio criativo em algum momento – quando as ideias simplesmente não surgem, não importa o quanto você tente. Isso pode ser especialmente frustrante se você estiver rolando e de repente bater em uma parede. Mas o bloqueio criativo é completamente normal, e a boa notícia é que existem maneiras de superá-lo e fazer com que as ideias fluam novamente.

O que é o bloqueio do compositor de músicas?

O bloqueio de escritor é aquele momento em que você não consegue ter novas ideias ou progredir em uma música, mesmo que esteja se esforçando ao máximo. Você pode sentar-se com seu violão ou em frente ao computador, mas parece que a inspiração desapareceu. As causas possíveis são muitas, desde fadiga mental até perfeccionismo, estresse ou até distrações externas. Muitas vezes, a pressão para criar algo “bom” pode nos impedir de criar qualquer coisa.

A chave para superar o bloqueio de escritor é agitar as coisas e abordar a criatividade de um ângulo diferente. Aqui estão cinco técnicas para atualizar seu processo e trazer de volta a inspiração.

1. Escrita Livre

A escrita livre é um exercício simples, mas eficaz, para romper um bloqueio. Defina um cronômetro para 10 a 15 minutos e escreva o que vier à mente sem se preocupar com rima, estrutura ou significado. O objetivo não é criar letras perfeitas, mas impulsionar seu fluxo criativo. Você pode até encontrar algumas ideias nesta sessão de escrita livre que mais tarde podem ser adaptadas para uma música.

2. Mude seu ambiente

Às vezes, o bloqueio criativo acontece porque você está preso na mesma rotina. Tente mudar seu local habitual de escrita. Se você sempre trabalha em casa, experimente ir a um parque, a uma cafeteria ou até mesmo a outro cômodo da sua casa. Uma mudança de cenário pode trazer novas impressões que geram novas ideias. Apenas ver algo diferente pode ajudá-lo a olhar para conceitos antigos de uma nova perspectiva.

3. Use um prompt específico

Se você estiver com dificuldades para começar, um prompt específico pode ajudar a iniciar o processo criativo. Pode ser uma emoção, como “alegria” ou “decepção”, ou um objeto, como “espelho quebrado” ou “chuva de novembro”. Quanto mais específico for o prompt, melhor, pois lhe dará algo tangível em que se concentrar, em vez de esperar que a inspiração surja. Estreitar o foco pode facilitar o início, e o resto da música pode começar a tomar forma a partir daí.

4. Colabore com um co-escritor

Se você ficou preso em seus próprios pensamentos por muito tempo, trabalhar com outro compositor pode mudar o jogo. Às vezes, uma nova perspectiva é tudo de que você precisa para fazer as ideias fluírem. Seu co-autor pode trazer uma letra, uma melodia ou um conceito que dê uma nova direção para sua música. Apenas conversar sobre suas ideias com outra pessoa pode ajudá-lo a vê-las sob uma nova luz. Além disso, trabalhar com outra pessoa acrescenta uma camada de responsabilidade que pode mantê-lo motivado.

5. Use um gerador de palavras aleatórias

Palavras aleatórias podem ser uma ótima maneira de estimular sua criatividade. Gere algumas palavras aleatórias online e desafie-se a escrever uma linha ou versículo incorporando-as. Isso força você a pensar fora da caixa e pode levar a ideias ou metáforas inesperadas. Às vezes, uma única palavra incomum é suficiente para impulsionar sua criatividade em uma nova direção, ajudando você a ver suas letras de um novo ângulo.

Como escrever a música usando inteligência artificial

A inteligência artificial já está transformando a forma como a música é criada e provavelmente desempenhará um papel ainda maior no futuro. A IA se tornou uma ferramenta poderosa para inspiração e processo criativo: os programas podem gerar progressões de acordes, sugerir letras e até criar melodias inteiras para ajudar os compositores a começar. Para aqueles que se sentem presos ou apenas desejam explorar novas ideias, a IA serve como um “co-autor” adicional que pode fornecer rapidamente ideias aproximadas para desenvolver.

No entanto, como acontece com qualquer tecnologia, também há uma desvantagem. Uma das maiores preocupações é que a IA possa retirar um pouco da profundidade emocional do processo de composição. Uma música escrita por uma pessoa é repleta de experiência pessoal, e parte de sua magia vem das emoções e histórias que fluem através da letra e da melodia. Se os artistas começarem a depender demasiado da IA ​​para criar música, existe o risco de as músicas se tornarem excessivamente estereotipadas e perderem o seu toque humano único.

Outra preocupação é como a IA poderá remodelar a indústria musical, tornando mais difícil para os compositores se destacarem. Quando a IA pode produzir músicas de forma rápida e eficiente, o que resta para os artistas que colocam seu coração em cada linha? Em última análise, como qualquer ferramenta, a IA pode melhorar o processo de composição se usada com sabedoria. A chave é garantir que não substitua o elemento humano que torna a música verdadeiramente especial.