Design de som no filme

No cinema (como destacou George Lucas na citação acima), onde o som desempenha um papel importante junto com a imagem e a história. Não se esqueça que o primeiro filme sonoro, The Jazz Singer, foi lançado há 90 anos, em 1927, enquanto o primeiro jogo sonoro, Pong, só apareceu 45 anos depois, em 1972. Então, hoje quero compartilhar algumas histórias sobre excelente design de som em filmes.

Rainbow Spring Slinky ajudou o robô de voz Wall-E

Vamos começar com uma visão geral do design de som de filmes. Um dos meus canais favoritos de cinema no YouTube, o Cinefix, publicou uma seleção de 10 filmes com boa sonorização. Nesta lista, eles revisaram filmes como Star Wars, Stalker, Gravity e Wall-E.

Fiquei particularmente intrigado com a história de Ben Burtt, um dos pioneiros dos novos sons cinematográficos, que criou um nome para a sua profissão – designer de som. Aconteceu em 1977, quando ele assumiu o papel de dublador de Star Wars. Falarei mais sobre o trabalho dele mais tarde, mas por enquanto mencionarei apenas que naquela época Ben não tinha sintetizadores digitais e, portanto, ele criava e gravava a maior parte dos sons à mão! Para criar a voz de R2-D2, ele deu um passo além e gravou sua própria voz e depois a converteu usando um sintetizador analógico ARP 2600.

Depois de trabalhar em seis filmes da saga estelar e 29 anos de trabalho nela, Ben decidiu que não queria mais fazer dublagem para robôs. Mas apenas uma semana depois, a Pixar o convenceu a ajudá-los com o filme de animação Wall-E. Foi um desafio completamente único: a “voz” de Wally foi criada do zero, sem o uso de atores ou fontes reais, e Wally não pronunciou uma única palavra (todas as suas emoções tiveram que ser transmitidas apenas através de sons criados artificialmente). Ao mesmo tempo, Valli foi o verdadeiro protagonista do filme com personagem próprio. Graças ao design de som, Ben realmente deu vida a esse personagem na tela. E é engraçado que na hora de criar os sons do Valli ele usou a mola Slinky, que brincávamos quando crianças, subindo as escadas correndo.

A criação de sons para o Star Wars original é detalhada no canal do Kaptain Kristian no YouTube

Em 1977, o designer de som Ben Burt teve um problema técnico: os sons de ficção científica não existiam no mundo real. Por exemplo, que som escolher para o feixe de um sabre de luz?

Apenas 15% da trilha sonora final do filme foi gravada no local durante as filmagens, os 85% restantes tiveram que ser criados pelo próprio Ben. O filme continha muitas cenas que seriam incompreensíveis sem os sons apropriados, principalmente batalhas no espaço. Na época, os cinemas nem tinham som estéreo, muito menos som surround nos anos 70.

Graças ao trabalho habilidoso de Ben, esta tarefa foi resolvida de forma brilhante. Ele gravou os sons de dois projetores de cinema oscilantes e um cátodo de televisão de tubo de raios para criar o som de um sabre de luz. Este som se tornou canônico para toda a saga Star Wars e se tornou um símbolo da ficção científica. A propósito, no próprio vídeo há uma cena de batalha de sabres de luz sem adição de som, que parece ingênua e engraçada. Portanto, sem a contribuição de Ben, Star Wars teria perdido sua vibração épica.

Ao criar sons para Godzilla, decidiu-se dispensar completamente o uso de sons de animais vivos: todos os sons foram criados e gravados especialmente para o filme

O último filme do Godzilla é como um jogo da Lara Croft: ótimo som, mas o filme em si deixa muito a desejar. Esta entrevista em vídeo de Michael Coleman com os designers de som Eric Adahl e Ethan Van der Ryn concentra-se no som de Godzilla.

Uma história particularmente interessante é a dublagem do Godzilla japonês original em 1954. O designer de som Akira Ifukube viajou por todo o Japão gravando muitos sons de animais, mas nenhum deles cabia. No final, para gravar o rugido do Godzilla original, ele usou o som de luvas de couro rangendo nas cordas de um contrabaixo!

Os designers de som do novo filme do Godzilla não estão revelando todos os seus segredos, mas o vídeo mostra como eles dublaram o kaiju do filme (recomendo prestar atenção no trecho de 1:50 a 3:50 aproximadamente). Assim, o rangido dos tênis no tambor e o barulho dos cabides quebrando se tornaram a voz do kaiju voador do filme. Basta assistir e ouvir isso.

Os filmes atuais da Marvel definitivamente carecem de uma composição musical cativante

Tony Zhou, em seu ensaio em vídeo, analisou cuidadosamente as trilhas sonoras dos filmes da Marvel Studios. Vamos fazer uma pequena experiência: tente lembrar de alguma música de Star Wars. Sinta-se à vontade para cantarolar em voz alta. Tenho certeza de que você pode facilmente pensar na marcha imperial ou no hino da resistência. Agora vamos para a segunda parte do experimento: tente lembrar de alguma música dos filmes da Marvel. É praticamente impossível, certo? Também tive a mesma dificuldade (e assisti todos os filmes, inclusive o “estúpido” Thor). Talvez Os Vingadores tenha um tema impressionante, mas não é memorável.

Tony tem uma teoria interessante sobre as razões desta situação. Em primeiro lugar, o cinema moderno procura garantir que a música seja discreta e simplesmente enfatize as emoções na tela. Certamente funciona, mas torna os filmes monótonos e chatos.

Em segundo lugar, isto se deve à nova tendência de utilização de música temporária (música temporária) no processo de edição. Com o advento da tecnologia de edição digital, tornou-se fácil pegar uma faixa existente e usá-la como música temporária para novo material. Os cineastas estão usando massivamente efeitos sonoros de filmes anteriores de sucesso como música temporária. Eles então pedem aos compositores que escrevam algo muito semelhante a uma trilha sonora original. Por que isso está acontecendo? Por exemplo, uma cena pode ser editada com música de um determinado ritmo com acentos em determinados momentos e, sem essa trilha sonora, a cena pode simplesmente não funcionar.

É difícil explicar em palavras, mas no vídeo Tony dá exemplos específicos de cenas de diferentes filmes onde as melodias são quase idênticas. Fiquei especialmente surpreso que meu filme favorito da década, Mad Max: Fury Road, usou o tema de Capitão América: Guerra Civil quase literalmente. Mas em “Mad Max” este tema tornou-se mais memorável, porque o compositor Junkie XL tornou-o mais agressivo, dinâmico e perceptível. Além disso, toda a trilha sonora de Mad Max foi construída propositadamente com sons ásperos e crus, o que a torna mais memorável (e é ótima!).

“Baby Driver”, de Edgar Wright, é um dos meus filmes favoritos deste verão

Em sua análise em vídeo da cena de abertura do filme (recomendo assistir na íntegra), Thomas Flyte analisa aos poucos e explica por que faz tanto sucesso. O diretor Edgar Wright incorpora muitas técnicas diferentes, mas uma delas é a base de todo o filme: o personagem principal, Baby, foge da perseguição policial em seu carro, e cada fuga é cuidadosamente coordenada com uma música específica. Wright corta essa perseguição para a música de sua escolha, resultando em uma cena que se mistura harmoniosamente com o acompanhamento musical, lembrando o videoclipe da música. Essa técnica torna a música memorável e impressionante. Wright seleciona conscientemente faixas incríveis e as incorpora ao filme em vários níveis.

O filme “Dunquerque” teve o impacto emocional mais profundo em mim neste verão

Christopher Nolan transmite com maestria a sensação de ameaça e tensão em Dunquerque. Cada segundo cria a impressão de que os personagens se encontram em uma situação cada vez mais desesperadora. Em resenha no canal Vox, Christoph Haubursin explica como o som do cinema contribui para esse efeito.

O compositor Hans Zimmer utiliza duas técnicas para atingir esse objetivo. Em primeiro lugar, o som de um relógio serve de base à melodia, que chama a atenção do espectador para o conceito de tempo, que se tornou o principal inimigo dos militares, presos na praia de Dunquerque. Em segundo lugar, Zimmer cria a ilusão de um tom musical infinitamente crescente, simbolizando o perigo crescente. A tonalidade da música aumenta constantemente, como se o perigo aumentasse cada vez mais, sem limites.

Para criar esta ilusão, Zimmer usa o efeito Shepard. Ele combina três faixas de áudio com notas crescentes (cada faixa uma oitava acima da anterior). Gradualmente, o compositor silencia a faixa mais alta e ao mesmo tempo aumenta o volume da faixa mais baixa. Isso cria a impressão de que o tom da melodia aumenta constantemente e esse efeito afeta significativamente a percepção emocional. Anteriormente, uma técnica semelhante foi usada por Shigeru Miyamoto em um jogo Mario para criar a ilusão de uma escada sem fim.