Estrutura da música

As ideias do compositor são em si apenas a base da futura composição, uma espécie de quadro sobre o qual serão assentados os elementos principais. O verdadeiro trabalho começa no arranjo – ele transforma um conjunto de ideias musicais em uma obra completa que consegue cativar o ouvinte e conduzi-lo por todas as ideias do autor. Quanto mais interessante e agradável for esse caminho musical, maior será a probabilidade de o ouvinte querer retornar a essa música continuamente.

Um arranjo pode ser comparado a um mapa a partir do qual uma música é criada. Este mapa geralmente inclui soluções e rotas testadas pelo tempo que compositores e arranjadores usam continuamente. Isto não significa que abordem o assunto de forma estereotipada – pelo contrário, estas estruturas e fórmulas foram testadas por muitos sucessos e continuam a funcionar, ajudando a criar novas obras-primas musicais.

Estrutura típica da música na música popular

Para entender como funciona uma estrutura musical típica, é importante compreender suas partes básicas. Normalmente, uma música consiste nos oito elementos a seguir:

• Introdução/Introdução;
• Verso;
• Pré-Refrão/Ponte;
• Coro;
• Pós-Refrão/Tag;
• Interlúdio;
• Quebrar;
• Outro.

Nem todas essas partes estão necessariamente presentes em todas as composições, e algumas podem ser repetidas diversas vezes dependendo da intenção do compositor e da carga semântica que carregam.

Introdução

A introdução de uma música é a parte que chega primeiro ao ouvinte. Seu principal objetivo é preparar o público para a composição e conduzir suavemente ao primeiro verso. A percepção geral de toda a música depende muito de quão interessante e emocionante é a introdução. Se a introdução atrair imediatamente a atenção, a probabilidade de o ouvinte ouvir a faixa até o fim aumenta significativamente.

A menos que você esteja trabalhando nos gêneros rock progressivo ou math metal, tente não deixar a introdução muito longa, para não cansar o ouvinte.

Em termos de conteúdo, a introdução pode ser variada – tudo depende da criatividade do autor. Pode consistir em um ou dois elementos da faixa principal, como melodia e bateria ou baixo e teclado, ou repetir a estrutura do refrão. A duração da introdução também varia dependendo da ideia do compositor, mas geralmente leva 2, 4 ou 8 compassos.

Verso

O verso é a parte semântica central de qualquer música, onde o texto principal é revelado e a mensagem informativa da composição é colocada. O verso não apenas transmite a ideia principal, mas também prepara o ouvinte para as partes seguintes da música.

Ao contrário do refrão ou da ponte, o texto do verso geralmente muda de um para o outro, acrescentando variedade e profundidade à narrativa. No entanto, a adesão estrita a esta regra não é necessária – há muitas canções maravilhosas na história musical onde os versos são simples e repetitivos, mas ao mesmo tempo permanecem eficazes e memoráveis.

Um exemplo de estrutura e arranjo de música pode ser assim: a composição começa com uma introdução, seguida por dois versos, depois quatro refrões repetidos, seguidos por um solo ou interlúdio instrumental, e a música termina com um outro. O tempo de execução da faixa é de cerca de 3 minutos e 30 segundos, o que permite uma composição rica e dinâmica que prende a atenção do ouvinte do início ao fim.

Pré-Refrão/Ponte

A ponte, também conhecida como pré-refrão, serve de ligação entre o verso e o refrão. Como o refrão é geralmente a parte mais memorável e emocional da música, a ponte ajuda a suavizar a transição do verso para o refrão, reduzindo o contraste entre eles.

Se a harmonia do verso e do refrão for baseada nos mesmos acordes, a ponte pode adicionar variedade alterando a progressão de acordes e adicionando novos elementos musicais. Na perspectiva do ouvinte, o pré-refrão torna a composição mais interessante e dinâmica, preparando-a para o clímax do refrão.

Refrão (refrão)

O refrão é uma das principais partes culminantes da música, que deve ser memorável, mas não intrusiva. É ideal incluir 2 a 4 refrões de durações variadas na composição. Por ser o refrão a parte mais repetida da faixa, ele concentra as principais ideias líricas e musicais, e também contém a mensagem principal da música e o refrão musical que atrai a atenção do ouvinte.

É importante não sobrecarregar a composição com refrões repetidos. Afinal, estamos criando algo único, e não um hit típico que chama a atenção apenas pela sua intrusividade.

Via de regra, o primeiro refrão é composto por 8 compassos, criando uma única repetição. O segundo refrão pode dobrar, ocupando 16 compassos e incluindo pequenas alterações para manter o interesse. O refrão final, que aparece no final da música, pode variar de 16 a 32 compassos. Porém, por experiência própria, é melhor limitar-se a um número menor de refrões no final da composição para manter sua dinâmica e interesse para o ouvinte.

Pós-Refrão/Tag

Às vezes, a última linha de um refrão pode se estender além dos compassos atribuídos a ela, o que pode ser um problema, especialmente se a letra da próxima seção da música, como um verso, começar com uma captação. Para evitar a sobreposição de palavras e garantir uma transição suave entre as seções da composição, os compositores e arranjadores costumam adicionar uma pausa de 2 a 4 compassos. Isso permite que o vocalista faça uma pequena pausa antes de continuar a música e torna a narrativa musical mais fluida.

O pós-refrão, assim como o pré-refrão, pode assumir qualquer forma: desde uma repetição de elementos do refrão ou uma introdução com um simples canto dos backing vocals até uma pausa instrumental ou uma variação da melodia principal. Tudo depende da intenção criativa do arranjador e compositor, bem como da atmosfera que pretendem criar na música.

O que é música popular?

Quando falamos de música popular, muitas vezes há confusão, e muitos acreditam que estamos falando exclusivamente de música pop. No entanto, este é um equívoco. Os termos “Música Popular” e “Música Pop” não são sinônimos e referem-se a gêneros musicais diferentes.

A música pop refere-se a um gênero específico que se caracteriza pela facilidade de percepção, melodias simples e foco no público de massa.

Ao mesmo tempo, o termo “Música Popular” abrange uma ampla gama de estilos musicais que são populares entre um público amplo, mas não estão necessariamente associados ao gênero pop. Isso inclui rock, fusion, ritmo e blues, industrial, disco, rock and roll, reggae, nu metal, alternativo e muitos outros estilos. Assim, a música popular é uma variedade de estilos voltados para o público de massa.

Ponte (Meio 8)

Na música ocidental, a ponte no final de uma música é frequentemente chamada de Middle 8, que se traduz literalmente como “meio oito”. Às vezes, os músicos também chamam o Middle 8 de ponte. Esta parte da composição geralmente é destinada à seção instrumental: aqui podem ser ouvidos solos ou partes alteradas e melodias, acrescentando dinâmica e variedade.

O objetivo principal do Middle 8 é criar um clímax para a composição antes do último refrão ou intervalo. Ao longo da música, a dinâmica e a energia aumentam gradativamente, atingindo seu ápice nesta ponte. Como o nome sugere, seu comprimento é geralmente de 8 barras, embora também estejam disponíveis versões mais longas.

Quebrar

Após a introdução, às vezes é inserida uma pequena pausa, chamada break (do inglês Break – interrupção, pausa). O intervalo serve para dar ao ouvinte um breve descanso. A saturação constante da composição pode ser cansativa, e a pausa ajuda a equilibrar a energia da música.

A presença de pausa e introdução depende do contexto. Se a composição tiver solo, então é lógico usar uma pausa calma para criar um contraste. Porém, ninguém proíbe adicionar outra introdução instrumental ou vocal após o solo ou mesmo retornar ao verso.

O break costuma ser minimalista e baseado nos mesmos acordes e melodia do refrão. Às vezes pode funcionar como um pequeno pré-refrão antes do refrão final. A duração do intervalo varia de 4 a 16 compassos.

Outro

O outro ou outro é a parte final da música. Pode ecoar a introdução ou ser completamente o oposto. O outro pode ser várias repetições do refrão com um fade out gradual (Fade Out) ou ser completamente único e diferente de outras partes da composição.

É importante não prolongar o final: se for muito longo, o ouvinte pode se cansar e começar a pensar: “Quando isso vai acabar?” Qual será o final depende da natureza de toda a música. Em faixas energéticas, pode ser apropriado encerrar a composição repetindo os refrões, e em baladas, outros acordes podem ser usados ​​para criar um acento final. Em última análise, a escolha do outro cabe ao compositor.

A estrutura final de uma canção na música popular

A música pode ser visualizada como um gráfico, onde o movimento da música e sua dinâmica se assemelham a uma parábola, com subidas e descidas alternadas de tensão.

Ao longo da composição, a energia musical aumenta gradualmente, atinge o seu pico no clímax e depois diminui suavemente no final, criando uma conclusão harmoniosa. Esse gráfico mostra claramente como a música conduz o ouvinte através de altos e baixos emocionais, tornando cada parte da música significativa e interligada.

Parte da música	Comprimento possível
Introdução	2-8 barras
Verso	8-32 barras
Pré-refrão/Ponte	2-16 barras
Coro	8-16 barras
Pós-refrão/Tag	2-4 barras
Ponte	8 compassos (às vezes 16)
Quebrar	4-16 barras
Outro	2-4 barras

Você não deve deixar todas as partes da música futura igualmente longas, por exemplo, 32 compassos cada – cada elemento da composição tem sua própria duração ideal que deve ser levada em consideração. Cada música é única e requer uma abordagem individual, por isso é importante não sobrecarregar o arranjo e não tentar incluir nele todos os elementos possíveis. Uma distribuição equilibrada das partes manterá o interesse do ouvinte e criará uma estrutura harmoniosa da composição.

Estrutura musical típica da música eletrônica

Ao contrário da música popular, a estrutura das faixas eletrônicas possui características próprias. Um dos motivos para isso é a influência dos formatos de rádio, onde as faixas devem caber em um determinado horário de transmissão, o que exclui o uso de mixagens infinitas.

Além disso, o arranjo de dança e música eletrônica deve proporcionar conforto aos bailarinos. Seções longas nessas faixas se alternam com seções curtas para dar aos dançarinos a chance de descansar. Normalmente, uma composição de dança consiste em sete partes principais:

• Batida introdutória;
• Discriminação;
• Acumular;
• Derrubar;
• Intervalo intermediário;
• Segunda queda;
• Batida final.

Um exemplo dessa estrutura típica é a faixa “United We Dance” de Vicetone, que ilustra bem como exatamente os elementos são construídos na música eletrônica, dance e club music.

Esta é uma seção que consiste em dezesseis ou mais compassos de bateria ou percussão. Os traços característicos da introdução na música eletrônica são o minimalismo no uso dos instrumentos, a ênfase no ritmo e o aparecimento gradual e sem pressa da melodia principal. O principal objetivo da batida de introdução é proporcionar ao DJ a oportunidade de mixar de maneira suave e cuidadosa a nova faixa com a anterior, mantendo a harmonia do setlist.

Discriminação

A quebra é o momento em que a composição retorna aos seus elementos principais. Nesta seção, a bateria geralmente está completamente ausente, criando mais espaço para outros componentes musicais. A divisão geralmente inclui a linha melódica principal da faixa, que gradualmente se intensifica e é repleta de instrumentos adicionais, aumentando a densidade do som. A duração da quebra pode variar – de 16 a 32 barras ou mais.

Acumular

A construção serve de preparação para o refrão, semelhante ao pré-refrão da música popular. Esta seção da composição aumenta gradativamente a tensão devido à aceleração das partes de bateria e ao uso de risers – sons de sintetizador que aumentam suavemente de volume e afinação, tornando-se o elemento central do arranjo.

Derrubar

Um drop é o culminar de uma faixa, semelhante a um refrão na música popular. O objetivo é causar uma forte impressão no ouvinte com grooves poderosos, um baixo bombeado, uma batida densa e um gancho de sintetizador brilhante, que é o tema musical principal de toda a faixa.

Pausa intermediária

O intervalo intermediário é a parte central da composição, contendo elementos musicais únicos que não vão além da melodia principal. Esta seção é frequentemente usada para fazer uma transição suave para a próxima construção, que geralmente é mais curta que a primeira. Um intervalo intermediário pode ser uma variação do tema do primeiro intervalo ou drop, mas geralmente difere de outras partes da faixa, trazendo novas ideias e mudanças ao som.

Esta faixa começará com um refrão, estabelecendo o clima e a energia imediatamente. Depois disso, seguirão dois versos diferentes, cada um trazendo novos elementos e variedade à história da música. No meio da composição será inserido um interlúdio solo ou instrumental para adicionar dinâmica e profundidade ao som. A faixa terminará com diversas tags – pequenos interlúdios que vêm logo após o refrão, que vão potencializar o efeito e fixar na memória do ouvinte as ideias musicais chave da composição.

Segunda Queda

A segunda gota geralmente tem estrutura e energia semelhantes à primeira, mas inclui algumas mudanças que acrescentam variedade à composição. Essas diferenças podem ser na forma de um gancho diferente, uma nova linha de baixo ou uma batida modificada, o que ajuda a refrescar o som e manter o interesse do ouvinte.

Outra batida

Semelhante à batida de introdução, a batida final desempenha um papel importante na dance music, ajudando o DJ a mixar suavemente a faixa final na próxima do set. É por isso que esta parte da composição é muitas vezes a mais longa, proporcionando o espaço necessário para a transição.

Estrutura de Outra Canção na Música Eletrônica

Para se adequar ao formato da rádio, são editadas as versões originais das faixas club, que podem durar de 5 a 10 minutos. Como resultado, todas as partes da composição são encurtadas para que a faixa final não exceda 3-4 minutos. Isto permite uma estrutura mais compacta, semelhante a uma música pop padrão, mantendo os elementos-chave e a energia do original.

Parte da música	Comprimento possível
Batida de introdução	a partir de 16 bares
Discriminação	16-32 barras
Acumular	16-32 barras
Derrubar	16 barras
Pausa intermediária	16-32 barras
Segunda Queda	16-32 barras
Outra batida	a partir de 16 bares

Formas básicas de estrutura musical: ABA, AABA, AAA e ABABCB

Ao planejar um arranjo, compositores e arranjadores geralmente recorrem a uma das quatro formas comuns: ABA, AABA, AAA e ABABCB.

A forma ABA é a estrutura musical mais popular. Quando as pessoas falam sobre o padrão verso-refrão-verso, geralmente se referem à forma ABA. Uma característica desta forma é a presença de duas seções idênticas (A) e uma seção contrastante (B). O contraste na seção B é criado alterando a harmonia, tom, ritmo ou alterando o clima geral da música. Na forma ABA, as seções A e B podem ser qualquer parte da música: versos, refrões, pontes ou solos.

Se você imaginar uma estrutura de música no formato ABA, ela pode ser semelhante a uma das seguintes:

Versículo 1 (A)	Refrão 1 (A)
Refrão (B)	Interlúdio (B)
Versículo 2 (A)	Refrão 2 (A)
Refrão 2 (A)	Versículo 1 (A)
Pausa (B)	Pré-refrão (B)
Refrão 3 (A)	Versículo 2 (A)

Um ótimo exemplo da forma ABA é o clássico de jazz “I Got Rhythm” de George Gershwin. Nesta composição, as seções A são tocadas em si bemol, com dois acordes por compasso, o que confere energia e dinâmica à música. Na seção B, o tom muda, o ritmo fica mais lento – um acorde é esticado em dois compassos e a música se torna menos dinâmica, criando um contraste com as seções A.

O formulário AABA é um desenvolvimento do esquema ABA. Nesta estrutura, a seção A é repetida duas vezes, depois há uma transição para uma seção B contrastante, após a qual a composição retorna à seção A. Esta abordagem permite criar uma composição com um tema principal claramente expresso e um meio contrastante. A estrutura de uma música de acordo com o esquema AABA pode ser assim: A (introdução) – A (repetição) – B (contraste) – A (retorno ao tema principal).

Versículo 1 (A)	Refrão 1 (A)
Versículo 2 (A)	Refrão 2 (A)
Refrão (B)	Ponte (B)
Versículo 3 (A)	Refrão 3 (A)
Refrão 2 (A)	Versículo 1 (A)
Refrão 3 (A)	Versículo 2 (A)
Pausa (B)	Pré-refrão (B)
Refrão 3 (A)	Versículo 3 (A)

Embora o formulário AABA comece com duas seções A idênticas, isso não significa que elas devam ser idênticas. Compositores e arranjadores costumam fazer pequenas alterações na harmonia, melodia ou instrumentação à medida que a seção avança para manter o interesse do ouvinte. Às vezes as mudanças são limitadas a partes individuais da melodia, tornando-as mais expressivas. Também é comum ver uma combinação das formas ABA e AABA, onde elementos de ambas as estruturas se entrelaçam para criar variedade na composição.

A forma AAA envolve o uso de três seções idênticas, sejam versos ou refrões, com pequenas variações harmônicas ou melódicas. Isto permite uma composição coesa com alterações mínimas, ao mesmo tempo que mantém o interesse do ouvinte.

O formulário ABABCB oferece uma estrutura mais complexa. O compositor começa com um padrão verso-refrão-verso-refrão e depois adiciona uma seção C, que pode ser uma ponte, um solo ou uma pausa. A composição então retorna ao refrão, criando uma combinação equilibrada de repetição e novidade.

Estrutura musical dos Beatles – De volta à URSS

A música “Back in the URSS” dos Beatles foi escrita como uma espécie de resposta ao hit de Chuck Berry “Back in the USA”. Criada em 1968, esta composição ainda hoje soa relevante e moderna. A canção apareceu durante o período em que o primeiro-ministro britânico Harold Wilson lançou uma campanha política sob o lema “Estou apoiando a Grã-Bretanha”. Este slogan foi amplamente colocado em cartazes de campanha em todo o país. Paul McCartney, inspirado nesta campanha, surgiu com a frase “Estou apoiando (de volta) à URSS”, que se tornou uma espécie de resposta satírica às ideias políticas que dominavam a sociedade inglesa da época. O público britânico apreciou a ironia de McCartney, mas a piada permaneceu incompreensível para muitos ouvintes nos Estados Unidos. A composição foi escrita por Paul McCartney em colaboração com John Lennon e abre o famoso álbum duplo sem título dos Beatles de 1968, também conhecido como “The White Album”.

A peculiaridade de “Back in the URSS” é seu arranjo clássico para música pop e rock. A música é executada em dó menor, com andamento de 120 batidas por minuto e tamanho 4/4.

Como o YouTube costuma ter problemas para postar músicas dos Beatles, em vez da versão de estúdio, sugerimos assistir a uma apresentação ao vivo da composição de Paul McCartney em Moscou em 2002. Porém, na discussão a seguir falaremos sobre a gravação em estúdio.

0:00. Introdução

A música começa com o som característico de um avião pousando, seguido por uma introdução de 4 compassos no acorde E7. Após esses quatro compassos, o acorde A soa no tempo forte, fazendo uma transição suave para o primeiro verso.

0:15. Versículo 1

Quando Paul McCartney começa a cantar sobre uma noite sem dormir e um vôo de Miami, a música ganha ritmo. O primeiro verso é composto por 8 compassos, divididos em dois blocos de 4 compassos, construídos sobre os acordes A, D, C, D.

0:28. Refrão 1

O refrão consiste em seis compassos, o que é incomum na música pop. Os três primeiros compassos são construídos nos mesmos acordes do verso (A, C, D), e aqui aparece o gancho vocal com a frase “Back in the URSS!”. Os próximos três compassos conduzem suavemente o ouvinte ao segundo verso, que repete a estrutura e harmonia do primeiro.

0:52. Refrão 2

Após a segunda estrofe, a música volta para o refrão, que é estrutural e harmonicamente idêntico ao primeiro. O mesmo gancho vocal e riff de guitarra principal são repetidos aqui. No entanto, a duração do segundo refrão é um pouco diferente – consiste em 7,5 compassos: 7 compassos em 4/4 e 1 compasso em 2/4.

1:04. Pós-refrão e intervalo

Na marca de 1:04 começa o pós-refrão, que é uma nova seção da música. Esta parte é baseada em harmonias e backing vocals no estilo dos Beach Boys e inclui a progressão de acordes D, A, D, Bm7, E7, D7, A, A. O pós-refrão consiste em oito compassos, seguidos por dois -compasso nos acordes A e E, preparando a transição para o solo de guitarra.

1:21. Solo de guitarra

O solo de guitarra segue a melodia vocal e é apoiado pelos acordes dos versos. Esta seção é semelhante aos versos e refrões anteriores: os 8 compassos do verso fazem uma transição suave para um refrão de seis compassos e terminam com outro pós-refrão de 10 compassos.

2:01. Versículo 3

O último verso é idêntico aos anteriores, mas com a adição de uma parte de guitarra solo que toca o acorde A. O terceiro verso faz a transição para outro refrão de seis compassos.

2:25. Outro

O final de “Back in the URSS” é construído sobre um riff de blues com um acorde A e harmonias de backing vocal com um canto repetido de “Woo-ooo-oo”. A última seção é composta por 6 compassos e se repete até que o som de um avião pousando apareça na marca de 2:40, encerrando a composição.

A estrutura final da música The Beatles – Back in the URSS

Parte da música	Comprimento
Introdução	4 barras
Versículo 1	8 barras
Refrão 1	6 barras
Versículo 2	8 barras
Refrão 2	7,5 barras
Pós-Refrão	8 barras
Quebrar	2 barras
Solo de guitarra	24 barras
Versículo 3	8 barras
Refrão 3	6 barras
Outro	6 barras

Estrutura da música 2Pac feat. Dre – Amor da Califórnia

Dr. Dre é um dos produtores musicais mais influentes do nosso tempo. Seu talento único e abordagem aos arranjos fizeram do grupo de hip-hop NWA verdadeiros ídolos de milhões. Graças a Dre, tornou-se óbvio que a música criada por artistas negros pode ser não apenas popular, mas também ter sucesso comercial entre um público amplo.

Músicos que trabalharam com o Dr. Dre costumam notar seu perfeccionismo. Ele não lança uma música até ter certeza absoluta de sua qualidade. Às vezes o trabalho em uma composição pode levar meses ou até anos, mas o resultado final sempre atende às expectativas, criando verdadeiros sucessos.

No entanto, a famosa faixa “California Love” foi criada por Dre em 1995 em apenas algumas semanas. Inicialmente, esta música foi preparada para seu álbum solo “The Chronic II: A New World Odor (Poppa's Got A Brand New Funk)”, mas por uma série de razões o álbum nunca foi concluído. Ao mesmo tempo, em 1995, Tupac Shakur, amigo próximo de Dre, foi libertado da prisão. Querendo comemorar este evento e apoiar Tupac, Dre decidiu usar uma faixa de apoio já consagrada e, junto com Roger Troutman, começou a trabalhar em uma faixa que logo se tornaria a lendária “California Love”.

A música foi lançada em outubro de 1995 no primeiro álbum de Tupac, “All Eyez on Me”. O single subiu instantaneamente ao topo de todas as paradas americanas e manteve a liderança por cerca de duas semanas. Posteriormente, a faixa foi indicada a diversos prêmios Grammy e se tornou um dos melhores discos do G-Funk.

A base para “California Love” foi uma amostra de teclado reformulada de uma canção pouco conhecida de Joe Cocker, “Woman To Woman”. A composição é escrita em si bemol maior, com um único acorde, o tamanho é 4/4 e o andamento é de 92 batidas por minuto.

0:00. Introdução

A música começa com Roger Troutman cantando a frase “California Love” em um talkbox. Aos 0:03, a batida começa e nos próximos quatro compassos, bateria, baixo, teclas e uma seção de metais aparecem, tocando o tema musical principal da música. Esses quatro compassos preparam o cenário para o resto da música, com o tema do teclado permanecendo constante ao longo da faixa e os outros elementos musicais entrando e saindo do arranjo.

0:13. Refrão 1

Após quatro compassos de introdução, a seção de metais desaparece, dando lugar a vocais processados ​​que carregam o refrão pelos próximos 12 compassos. Uma das principais características do refrão são os sintetizadores brilhantes que tocam no início de cada compasso, acentuando o acorde principal da faixa (Si bemol maior) e enfatizando sua tonalidade. O refrão transita suavemente para o primeiro verso, que começa com um movimento ascendente dos instrumentos de sopro.

0:45. Versículo 1

O primeiro verso dura 16 compassos, durante os quais Dr. Dre canta suas letras. Assobios são adicionados ao arranjo, e os primeiros oito compassos retêm os elementos presentes na introdução. Os segundos oito compassos são complementados com novas partes de sintetizador e um canto vocal, criando um som mais rico.

1:27. Refrão 2

O segundo refrão é semelhante ao primeiro, mas com uma série de mudanças: aparecem frases vocais adicionais e backing vocals femininos. A transição para a próxima parte da composição é novamente indicada por instrumentos de sopro.

1:58. Ponte

Após o segundo refrão, a ponte começa no lugar do verso esperado. Nas palavras “Shake, shake it, baby” ouve-se um riff e uma batida de teclado, complementados por sons de trovão em cada compasso. Esta ponte dura oito compassos, criando um contraste com as partes anteriores da composição.

2:19. Versículo 2

O segundo verso é idêntico ao primeiro tanto na duração quanto na instrumentação, mas a letra é cantada por 2Pac, o que traz nova energia e dinâmica à faixa.

3:01. Refrão 3

O terceiro refrão coincide com os anteriores e transita suavemente para outro interlúdio, semelhante ao que soou após o segundo refrão.

3:54. Outro

A partir da marca de 3:54, a música começa a se aproximar do fim. O som dos instrumentos desaparece gradualmente e o arranjo torna-se menos saturado. O outro é um loop de 20 compassos composto por elementos do verso e do refrão, com repetição constante da linha principal da música, conduzindo gradativamente o ouvinte ao final da composição.

Estrutura final da música 2Pac feat. Dre - Amor da Califórnia

Parte da música	Comprimento
Introdução	Barra + 4 barras
Refrão 1	12 barras
Versículo 1	16 barras
Refrão 2	12 barras
Ponte 1	8 barras
Versículo 2	16 barras
Refrão 3	12 barras
Ponte 2	8 barras
Outro	8 barras

O arranjo de “California Love” é feito de tal forma que é difícil separar as partes individuais da música umas das outras: seu som é monolítico e um pouco monótono, criando uma sensação de fluxo suave e contínuo sem estruturas óbvias. limites.

Além disso, “California Love” se destaca pela estrutura inusitada. Em vez do esquema padrão “Intro-verse-chorus-verse-chorus”, uma abordagem mais original é usada aqui: “Intro-chorus-verse-chorus-bridge”. Esta estrutura embaralhada acrescenta dinamismo e originalidade à composição, tornando-a única em comparação com as construções musicais tradicionais.

Estrutura da música Martin Garrix – Animals

“Animals” de Martin Garrix, lançado em 2014, tornou-se instantaneamente um sucesso e garantiu o seu lugar no topo das paradas mundiais. Apesar da popularidade, a música tem um arranjo típico do gênero: a ênfase principal está em uma batida 4/4 poderosa e um riff de percussão cativante que anima qualquer pista de dança.

A música é escrita em Fá menor, com andamento de 128 batidas por minuto, padrão para muitas faixas dançantes.

Pode ser difícil encontrar o mix original de 5:04 no YouTube, então um videoclipe com uma versão de rádio da música está anexado ao material. Observe que os tempos podem não corresponder à versão original. Se alguém tiver um link para a versão completa da composição, ficaríamos felizes se você compartilhasse nos comentários.

0:00. Batida de introdução

A composição começa com uma introdução minimalista, onde os primeiros 16 compassos são dominados pelo kick and ride, lembrando um metrônomo. Junto com o ritmo, soa um sintetizador arpejado, cujo som é abundantemente processado com reverberação. Um aumento gradual na força e potência do sintetizador leva suavemente o ouvinte ao próximo segmento da composição.

0:30. Introdução de baixo

Nessa fase entra um baixo grave, que se baseia nas batidas rítmicas do bumbo. O sintetizador arpejado fica em segundo plano e um novo sintetizador aparece na mixagem, fortalecendo gradativamente seu som. Perto do final desta introdução, você pode ouvir uma batida invertida no prato, o que adiciona drama antes da transição.

13h. Mini-pausa

Essa curta pausa de quatro compassos serve como uma espécie de pausa, durante a qual o arranjo congela quase completamente. Os únicos sons são o tique-taque de um relógio, uma linha de baixo gradualmente desaparecendo e um toque de prato. Este momento prepara o ouvinte para o aparecimento da linha melódica principal.

1:08. Repartição 1

O tique-taque de um relógio gradualmente se transforma em uma parte de percussão. Após oito compassos de melodia suave, um sintetizador agressivo entra na composição, repetindo o tema principal com acordes poderosos. Esses sintetizadores são apoiados por batidas de caixa e palmas, acentuando cada batida do compasso.

1:37. Acumular

A construção de oito barras atinge um pico de tensão, preparando a composição para a queda. Batidas aceleradas de caixa, um riff de sintetizador e rajadas de sons de laser levam a um clímax, que termina com uma amostra vocal.

1:53. Queda 1

O primeiro drop oferece uma solução interessante: em vez de usar a linha melódica principal, Garrix introduz um novo riff, que é apoiado por uma batida poderosa e referências ao tema principal da composição.

14h30. Repartição 2

Após outro mini-intervalo de quatro compassos, o sintetizador retorna à mixagem, tocando o tema principal da faixa. Como antes, o colapso transita suavemente para outro acúmulo.

3:15. Queda 2

A segunda queda é quase idêntica à primeira, mas sua duração é aumentada em 16 barras. Após os primeiros oito compassos, a amostra vocal soa novamente, à qual são adicionados acordes de sintetizador.

3:58. Outro

Após uma breve inserção com o tique-taque do relógio, o arranjo retorna aos elementos da introdução. À medida que se aproxima do final, o som da composição torna-se mais suave e sutil. Nos momentos finais da faixa, o sintetizador arpejado volta a ganhar destaque, criando um contraste entre o início e o fim.

Estrutura final da música Martin Garrix — Animals

Seção de músicas	Comprimento
Batida de introdução	Barra + 4 barras
Introdução de baixo	12 barras
Mini Pausa 1	4 barras
Repartição 1	12 barras
Construir 1	8 barras
Queda 1	16 barras
Mini Pausa 2	4 barras
Repartição 2	8 barras
Construir 2	8 barras
Queda 2	32 barras
Outro	32 barras