Gerenciamento musical

Como se tornar um gerente musical?

Você não pode simplesmente entrar na profissão de gerente musical “fora da rua” – você precisa de conexões na indústria musical, um profundo conhecimento da música e conhecimento das preferências do público. Se você não tem experiência, comece trabalhando com artistas emergentes: muitos deles contratam amigos, conhecidos ou pessoas recomendadas por outros músicos como empresários. Outra forma é aprender com profissionais para construir conexões, adquirir o conhecimento necessário e conhecer artistas, o que mais tarde pode levar a um emprego de tempo integral no setor.

Como é estruturada a equipe de um artista?

O gestor pessoal do artista é uma figura chave que interage com o próprio músico e coordena o trabalho de toda a equipe. Independentemente de ele mesmo executar as tarefas ou delegá-las a terceiros, sua principal função é ser o elo entre o artista e todos os demais membros da equipe.

O produtor é responsável pelo material musical. Dependendo da escala do artista, podem existir vários produtores, cada um deles envolvido na finalização das faixas, arranjos, colocação das músicas no álbum e outros aspectos. Na Rússia, o produtor costuma ser um engenheiro de som que mixa o material.

O gerente de marketing atua em todas as plataformas digitais: envio de materiais promocionais, trabalho com a mídia, organização de atividades, manutenção de redes sociais e interação com o público. Sua tarefa é promover a música e aumentar a popularidade do artista.

O targetologista é responsável pela publicidade nas redes sociais. Ele define o público-alvo, analisa a eficácia das campanhas publicitárias e decide a melhor forma de divulgar a música.

Um diretor de concertos organiza shows, desenvolve estratégias de turnê e garante que os shows sejam lucrativos.

O advogado é um membro indispensável da equipe. Ele verifica contratos com gravadoras, auxilia na elaboração de documentos para shows, entende questões de direitos autorais e assessora em questões jurídicas, o que é especialmente importante para prevenir possíveis problemas.

Um contador é responsável pelos impostos e relatórios financeiros.

Por que um músico precisa de gerenciamento?

A gestão artística é um processo complexo que envolve diferentes especialistas dependendo de suas funções e funções. À medida que as necessidades do artista crescem, novas pessoas são acrescentadas à sua equipe, capazes de atender a essas necessidades. Se um músico está apenas começando sua carreira, seu gerente pessoal pode desempenhar todas as funções sozinho, ou o artista cuida de sua própria gestão.

O gestor atua como intermediário entre o artista e o mundo exterior, gerindo os seus recursos musicais, de imagem e de concerto.

O recurso musical inclui a criação de músicas, gravação e produção de fonogramas. O gestor trabalha com esse recurso em todas as etapas – desde a ideia até a cópia master finalizada das trilhas.

O recurso de imagem diz respeito à base de fãs, à imagem pública do artista e ao interesse por ele por parte da mídia. O gestor desenvolve esse recurso, contribuindo para o crescimento da popularidade do músico.

O recurso concerto está associado a apresentações em eventos diversos, desde concertos a solo a eventos promocionais.

Todos os artistas têm empresários?

Nem todos. Os aspirantes a artistas muitas vezes fazem tudo sozinhos, já que sua principal tarefa é escrever músicas e se apresentar. É necessário um gerente para transformar a música em um produto e colocá-lo no mercado. É a pessoa que conecta o artista ao público e ao mundo da indústria musical. Os músicos geralmente não têm tempo suficiente para realizar todas essas tarefas.

De quais qualidades um gerente precisa?

Um gestor artístico deve ser generalista, capaz de lidar com diferentes tarefas. Ele deve ser capaz de verificar contratos, dar feedback sobre o som e interagir com marcas e fãs. Embora não precise ser advogado profissional, é importante entender as nuances jurídicas e supervisionar o trabalho dos especialistas.

A independência é uma qualidade fundamental de um gestor. Um músico muitas vezes não sabe exatamente o que seu empresário deve fazer, então a falta de iniciativa e a passividade são inaceitáveis ​​​​aqui. Além disso, um gestor precisa ser bem versado na indústria musical, entender questões de streaming, direitos autorais, promoção e outros aspectos do trabalho. Se ele delegar tarefas a outros especialistas, deverá entendê-las nos mínimos detalhes.

Um gerente ou uma equipe?

A maioria dos artistas iniciantes tem um empresário que assume todas as responsabilidades. À medida que a popularidade do músico cresce, ele pode ter uma equipe onde cada membro tem sua própria função. Por exemplo, artistas de sucesso que já têm um grande público geralmente têm um tour manager separado. No caso de artistas contratados por uma grande gravadora, costuma-se utilizar uma opção de gestão híbrida, onde a gravadora e um empresário pessoal trabalham juntos.

Por que é importante trabalhar o posicionamento do artista?

O posicionamento claro do artista é a base do seu sucesso. O artista deve entender a que público se dirige e transmitir uma mensagem clara. O posicionamento deve corresponder ao seu caráter: você não pode tentar transformar uma pessoa modesta em uma estrela do rock ousada – isso não parecerá natural.

O mesmo se aplica aos lançamentos. O gestor deve avaliar o clima do próximo single ou álbum, entender o que o artista quer transmitir aos ouvintes e verificar o quanto o componente visual combina com a música. No contexto de uma enorme quantidade de música nova, é importante tornar o produto competitivo. O gestor deve encontrar maneiras de fazer o artista se destacar da multidão – pode ser um posicionamento incomum, soluções criativas nas redes sociais ou uma imagem brilhante que atraia a atenção. Um posicionamento bem desenvolvido ajuda o músico a encontrar seu nicho e reter a atenção do público, apesar da alta concorrência na indústria musical.

Como saber se você pode ganhar dinheiro com a música de um artista?

É difícil. Claro, existem gestores que podem dizer, a partir de uma faixa, se um artista pode se tornar um sucesso comercial, mas isso requer muita experiência, bem como um bom entendimento do mercado e do público. Na maioria dos casos, a compreensão ocorre durante o processo de trabalho. Nesse período, ela aconselha atentar para a dinâmica de crescimento do público, os valores das apresentações que serão oferecidas ao artista, a quantidade de ingressos vendidos para os shows e o interesse dos anunciantes. Se o público não estiver crescendo, os anunciantes estiverem relutantes e os ingressos não estiverem vendendo bem, você precisará revisar a estratégia de promoção ou se separar do artista.

Como um gestor deve trabalhar com um recurso musical

Muitos artistas trabalham com recursos musicais de forma independente e não querem que um empresário participe desse processo. Às vezes, o papel do gestor é apenas reservar um estúdio ou comprar a batida de uma música, mas há situações em que o gestor se envolve mais ativamente no processo criativo: por exemplo, ele ou ela está totalmente empenhado em organizar o tempo do artista, controla prazos, cria condições confortáveis ​​para eles e procura um equilíbrio entre incentivo e algumas críticas razoáveis. Ao trabalhar com o recurso musical do artista, é importante que o gestor entenda o quão independente é o seu cliente e que tipo de ajuda ele precisa. O trabalho pessoal com o artista às vezes se assemelha ao trabalho de um psicólogo: escrever música é o processo número um em que é importante manter a ética no trabalho. Ao trabalhar no material, o artista se encontra no estado mais vulnerável. Você deve inspirar o músico e ajudá-lo. É muito importante criar conforto para o artista. Lembre-se que você está sempre do lado deles: mesmo que estejam completamente errados, as conversas devem começar com apoio. Ao mesmo tempo, é importante prevenir o próprio esgotamento: o gestor deve apresentar um horário de trabalho e regras de interação.

Ok, então quanto você pode ganhar?

Se um artista tem um empresário, então, via de regra, ele trabalha por uma porcentagem dos honorários do músico – geralmente 10-20%. Se o artista tiver uma equipe, o esquema de ganhos pode ser mais complicado. Em alguns casos, os honorários do artista, por maiores que sejam, são divididos entre toda a equipe do músico. Em outros casos, alguns funcionários recebem uma taxa fixa e outros recebem uma porcentagem da renda. Por exemplo, um tour manager receberá uma parte da receita dos shows, e um assessor de imprensa (ou seja, a pessoa responsável pela comunicação com a mídia e os anunciantes) receberá um salário.

Ok, por onde começar a trabalhar?

Uma das primeiras tarefas de um gestor é distribuir a música do artista no maior número possível de plataformas: redes sociais, mídia e, claro, serviços de streaming. Eles podem promover a música do artista através de seu sistema de recomendação, incluí-la nas principais playlists, o que ajudará o músico a conquistar um novo público. Concordar com a cooperação com parceiros de streaming e explicar-lhes por que é o seu artista que precisa ser promovido é precisamente o trabalho do gestor.

Como organizar o trabalho em lançamentos promocionais

A preparação para a promoção de um próximo lançamento deve começar muito antes da data de lançamento. Isto dá aos meios de comunicação tempo para se familiarizarem com o material, e ao gestor – a oportunidade de estabelecer contacto com os serviços musicais e preparar toda a informação necessária para as diversas plataformas. Cada distribuidor tem seus próprios requisitos para inscrições promocionais e é importante familiarizar-se com eles com antecedência para evitar atrasos. No processo de campanhas promocionais, são utilizadas ferramentas como publicidade direcionada e propagação publicitária, que auxiliam no alcance do público-alvo.

Embora a influência da mídia tradicional sobre os ouvintes já não seja tão grande como antes, não se deve ignorar a imprensa, os blogs, os canais de TV e o rádio. Por exemplo, as estações de rádio podem aumentar significativamente o número de Shazams, especialmente para faixas dos gêneros dance ou pop. Cada recurso pode oferecer suas próprias vantagens e é importante aproveitá-las ao máximo. Além disso, a mídia pode criar uma imagem do artista que é difícil para ele formar sozinho.

O artista deve ter um plano de conteúdo que cubra todas as plataformas – do Instagram e TikTok ao YouTube. Também é importante realizar atividades de fãs nas redes sociais, como concursos de covers, para manter o interesse do público. Sem interação constante com a base de fãs, ela pode diminuir gradualmente. Quanto mais famoso o artista, mais oportunidades para a criatividade. Embora as estrelas mundiais possam pagar promoções em grande escala e projetos especiais, os aspirantes a músicos também devem desenvolver-se nesta direção. Mesmo sem grande fama, você pode participar de projetos especiais de nicho, gravar coletâneas temáticas, criar versões ao vivo ou remixes com DJs interessantes.

Como organizar concertos?

É importante que o empresário de um artista iniciante domine as habilidades de organização de concertos de forma independente. Este processo inclui quatro etapas principais:

1. Definir o objetivo e o público do evento. Compreender quem é o seu potencial espectador irá ajudá-lo a preparar-se melhor e escolher as estratégias de promoção certas;
2. Escolhendo um local. O local deve corresponder à escala do evento e às expectativas do público;
3. Cálculo da estimativa e determinação do preço do bilhete. Esta etapa inclui o cálculo de todos os custos e a definição do preço do ingresso que será benéfico tanto para o artista quanto para o público;
4. Realização de campanha promocional. Isso inclui anúncios nas redes sociais, notícias na mídia, impressão de cartazes e folhetos.

O que procurar ao organizar um concerto?

Na era do streaming, a indústria de concertos mudou muito. A música é facilmente acessível e a promoção é quase instantânea, mas isso não garante sucesso nos concertos. Por exemplo, uma faixa pode se tornar viral, mas isso não significa que o artista conseguirá reunir um grande público em uma apresentação ao vivo. Pelo contrário, uma banda de rock pouco popular no streaming pode atrair grandes salas, enquanto os autores de sucessos de dança e rap com milhões de peças só conseguem reunir um pequeno público em shows ao vivo.

A publicidade de concertos baseia-se nos mesmos princípios da publicidade de lançamentos. É importante que o gestor encontre um empreiteiro confiável que irá efetivamente montar campanhas publicitárias e garantir a venda de ingressos. Os shows também são uma excelente oportunidade de venda de produtos, e o gerente precisa organizar a entrega e venda no local com antecedência. Ao planejar um passeio, o gestor deve levar em consideração todos os detalhes: pensar na logística, criar um cronograma de passeio, anotar cuidadosamente os pilotos domésticos e técnicos, mantendo o equilíbrio entre o conforto e os custos do artista, e também estudar os sistemas de ingressos e estabelecer um processo de venda de ingressos.

Concertos e distribuição de discos – isso é tudo?

Claro que não. O trabalho de um gestor musical não se limita à organização de concertos e distribuição de discos. Uma parte importante da atividade é a cooperação com marcas, participação em projetos de patrocínio e colaborações. Hoje, as marcas procuram ativamente artistas para cooperação, oferecendo-lhes a oportunidade de se tornarem embaixadores, participarem em festivais ou projetos especiais em diversas plataformas. Outra forma de ganhar dinheiro é licenciar música, o que inclui a venda de faixas para uso em filmes, televisão ou publicidade. Nesse caso, o gestor deve ser capaz de trabalhar de forma eficaz com editoras musicais e advogados.

Como se comunicar com artistas?

A comunicação com os artistas deve basear-se nos princípios do profissionalismo. É importante separar claramente as relações pessoais e de trabalho, bem como definir detalhadamente as responsabilidades para evitar possíveis conflitos. Artistas são pessoas com grande sensibilidade emocional e trabalhar com eles pode ser difícil. Como dizem muitos gestores profissionais, “um bom artista é uma fábrica de emoções”, e a interação com eles será inevitavelmente acompanhada de certas dificuldades. Portanto, uma das tarefas importantes de um gestor é manter a própria estabilidade emocional e objetividade. “Sua cabeça deve estar sempre um pouco mais fria”, observam os especialistas. Relacionamentos adequadamente construídos com um artista também ajudarão o gerente a proteger seus interesses em caso de separação, tanto financeira quanto de reputação.

Por que um gerente deve entender as questões legais?

Primeiro, um gestor deve garantir que o artista esteja devidamente registrado legalmente. Se o músico continuar sendo pessoa física, isso pode levar a muitos problemas com contratos e impostos. Portanto, recomenda-se registrar o artista como autônomo ou empresário individual (EI).

Manter os registros financeiros e monitorar o pagamento de impostos também são responsabilidades do gestor para evitar problemas com a lei. Até que o artista ganhe quantias significativas, você pode adiar a declaração de impostos, mas assim que sua renda começar a crescer, essa questão passa a ser uma prioridade.
Além disso, o gestor precisa controlar o licenciamento das faixas. O artista que escreveu a música é o autor e dono do fonograma. Para rentabilizar uma faixa, é necessário transferir os direitos da sua utilização à editora ou distribuidora através da celebração de um acordo adequado. O gestor deve compreender todas as nuances de tais acordos para proteger os direitos de seu artista e evitar a transferência definitiva dos direitos da faixa ou a conclusão de condições desfavoráveis.

Por que é importante definir os termos de cooperação com o artista

Um dos erros mais comuns que os gestores cometem é a falta de contrato formal com o artista para o seu trabalho. Isto pode gerar sérios problemas, pois a qualquer momento pode surgir um conflito ou mal-entendido quanto aos termos da cooperação. Para evitar tais situações, é necessário garantir legalmente todos os acordos. Termos claramente definidos no contrato ajudarão a criar uma base sólida para uma cooperação bem-sucedida e garantirão clareza no relacionamento.

O padrão internacional de cooperação entre empresário e artista varia de 10 a 20% da renda. Para superestrelas, esse percentual costuma ficar em torno de 10%, enquanto para iniciantes é de 20%. É importante considerar de que valor esse percentual é calculado: da receita bruta (todas as receitas do artista) ou do lucro líquido. Se o gestor recebe uma porcentagem de todo o dinheiro que entra, é importante entender quais despesas o artista arca. Em alguns casos, a receita pode ser mínima e as despesas significativas, e então faz sentido concordar com termos mais flexíveis. Por exemplo, um gestor pode receber 15% do rendimento total de um artista, mas não mais de 50% dos seus lucros líquidos, para garantir uma distribuição justa do rendimento.

Por que é importante para um gestor se adaptar às mudanças do setor

Os papéis na equipe de um artista mudaram significativamente nos últimos anos, e isso não é algo ensinado nas escolas de música ou nos livros tradicionais. A indústria é tão dinâmica que tudo muda a cada seis meses. Informações que eram relevantes há alguns anos podem estar desatualizadas e ineficazes hoje. É importante que um gestor atualize constantemente seus conhecimentos e acompanhe as últimas tendências.

As mudanças tecnológicas também afetaram muito o processo de gravação musical. Hoje, a qualidade do som não depende mais do custo do equipamento de estúdio. Cada vez mais artistas criam discos de sucesso em casa, o que faz com que o empresário se concentre em revelar o talento do artista, e não nas condições de gravação.

O processo de lançamento de música também mudou dramaticamente. A distribuição tornou-se mais acessível graças ao surgimento de muitas gravadoras e agregadores independentes. Cada vez mais artistas de nicho estão encontrando seus ouvintes em uma variedade de gêneros. As gravadoras não investem mais grandes quantias de dinheiro na promoção de novas estrelas, mas se concentram na análise de mídias sociais. Nessas condições, é melhor para o artista começar a trabalhar de forma independente, em vez de esperar a ajuda das gravadoras. O limite de idade para entrar na indústria também mudou. Se antes os jovens artistas muitas vezes se tornavam estrelas, hoje, mesmo depois dos 30-35 anos, lançando seus primeiros sucessos gravados com recursos próprios, tornam-se músicos de sucesso.

A monetização dos lançamentos também passou por mudanças significativas. Hoje, os artistas recebem royalties não apenas pelas vendas e streaming de músicas, mas também por contas em redes sociais, vídeos no YouTube e outras plataformas digitais. É importante distribuir conteúdo tanto quanto possível em todas as plataformas disponíveis para aumentar a receita e a popularidade.

As redes sociais mudaram radicalmente o mecanismo de interação entre um artista e um público. Já o músico não é uma figura inatingível, mas pode se comunicar diariamente com seus fãs, recebendo feedback deles e falando sobre si mesmo. No entanto, isto também cria novos desafios, uma vez que os músicos começam a ser vistos como pessoas comuns, o que pode complicar o trabalho com uma base de fãs.

Até a contabilidade e a gestão documental estão a mudar na era digital. Cada vez mais surgem serviços online que simplificam os cálculos fiscais e os relatórios financeiros. Contudo, a legislação nem sempre acompanha estas mudanças e muitas vezes é necessário trabalhar com um grande número de documentos.

Quanto tempo leva para aprender?

O aprendizado na indústria musical é um processo contínuo. A indústria está em constante mudança, com o surgimento de novas plataformas de distribuição, locais e festivais. É importante estar preparado para aprender e se adaptar continuamente, como em qualquer outra profissão.