Drum-Programmierung

Die Beherrschung der Drum-Programmierkenntnisse ist ein Schlüsselelement in den Fähigkeiten eines jeden Musikproduzenten. Die Praxis begann mit dem Aufkommen der ersten Drum Machines in den 1980er Jahren, die schnell an Popularität gewannen, Live-Schlagzeuger ersetzten und den Einsatz von Trommeln in der Musikproduktion ausweiteten.

Heutzutage, da moderne Musik so stark vom Rhythmus abhängt, kann die Fähigkeit, Schlagzeug effektiv zu programmieren, den entscheidenden Unterschied für den Erfolg eines Musikproduzenten ausmachen. Menschen spüren instinktiv einen guten Rhythmus, ohne es bewusst zu bemerken. Auch ohne Musikkenntnisse werden Sie einen Song mit hochwertiger Drum-Programmierung erkennen.

Professionelle Drum-Programmierer legen Wert auf die Liebe zum Detail. Ein herkömmliches Drum-Pattern wie Four to the Floor mit Standard-808-Patterns kann kitschig klingen. Aber die Ergänzung mit einzigartigen Samples, Synkopen, Effekten und anderen Elementen wird dem Ganzen Neuheit verleihen und den Hörer interessieren.

Entdecken Sie mit uns die Feinheiten der Drum-Programmierung und lernen Sie, wie Sie professionelle Techniken auf Ihre Projekte anwenden. Es ist erwähnenswert, dass sich die Drum-Programmierung von der Synthese unterscheidet: Dabei geht es nicht immer darum, Samples oder Sounds von Grund auf neu zu erstellen, obwohl viele Produzenten die Drum-Synthese in ihren Workflow integrieren. Die Hauptaufgabe besteht darin, Drum-Patterns zu erstellen und zu manipulieren und daraus Permutationen, Loops und Variationen zu erstellen.

Die Bedeutung einer hervorragenden Drum-Programmierung

Es ist schwer, genau zu erklären, warum ein Drum-Loop uns gegenüber einem anderen ein besonderes Gefühl der Verbundenheit vermittelt, aber das Wort, das dieses Gefühl am besten beschreibt, ist Groove. Groove ist für Musik notwendig, denn ohne ihn ist es schwierig, in den Rhythmus von Tanz und Bewegung zu kommen.

Für fast jeden Track, den Sie machen, ist der Groove die Grundlage, es sei denn, es handelt sich um ungewöhnliche, atmosphärische oder experimentelle Werke. Höchstwahrscheinlich besteht Ihr Ziel darin, Menschen zum Tanzen zu bringen und ihre Bewegungen zu fördern, während Sie Ihre Titel hören.

Glücklicherweise gibt es nicht den einen richtigen Weg, diesen Groove zu finden, und es gibt viele verschiedene Ansätze, egal ob Sie an einem 100-BPM-Hip-Hop-Track oder einem 175-BPM-Drum-and-Bass-Track arbeiten.

Grundlagen der Drum-Programmierung

Um zu verstehen, wie ein Groove funktioniert, ist es wichtig, zunächst die Grundlagen der Drum-Programmierung zu erlernen. Durch die Analyse und Aufschlüsselung erfolgreicher Grooves können Sie erhebliche Erfolge erzielen. Wie ich bereits erwähnt habe, ist das Schlagzeug die Grundlage fast aller modernen Musik. Der Produzent muss lernen, diese Grundlage zu schaffen, bevor er sich den komplexeren Aspekten der Drum-Programmierung zuwendet.

Schauen wir uns vor diesem Hintergrund die verschiedenen Elemente eines typischen Drum-Grooves genauer an und wie diese Komponenten zusammenwirken können, um das rhythmische Gerüst eines Tracks zu bilden.

Kiсk

Die Kickdrum oder Kick dient oft als Grundlage für die meisten Drum-Grooves. In Genres von Rock über Hip-Hop bis hin zu House ist die Kickdrum das Element, das unsere Aufmerksamkeit fesselt und uns mit dem Rhythmus der Komposition verbindet. Ich stelle mir die Kick gerne als das kraftvollste und wirkungsvollste Element in einem Schlagzeug vor.

Beim Programmieren von Drum-Parts halte ich die Kick lieber strenger im rhythmischen Raster als andere Drum-Elemente. Der Kick hat großen Einfluss auf die klanglichen Eigenschaften eines Tracks, einschließlich seiner Genre- und Stilmerkmale.

Rückschlag

Eines der ersten Elemente, die ein Produzent normalerweise zu einem Kick-Drum-Loop hinzufügt, ist ein Backbeat. Der Backbeat, auch bekannt als zwei und vier Schläge in einem Trommelrhythmus, wird normalerweise mit einer kleinen Trommel oder einem Klatschen ausgeführt. Dieses Element dient als wichtige Form der Synkope und fügt Schwung und Energie hinzu, die dabei hilft, den Groove des Trommelmusters zu definieren. Später werden wir uns auch ansehen, wie Backbeats manipuliert werden können, um ihnen einen natürlicheren Klang zu verleihen.

Gerichte

Becken nehmen das obere Register des traditionellen Schlaginstrumentensatzes ein. Die Verwendung von Sechzehntelnoten oder asynchronen Patterns auf der Hi-Hat kann dem gesamten Drum-Pattern zusätzliche Energie verleihen, während Crash-Becken und andere Arten von Becken dabei helfen, verschiedene Teile des Tracks hervorzuheben und seine Dynamik zu verbessern.

Ich schließe gerne andere hochfrequente Rhythmusinstrumente in diese Kategorie ein, wie zum Beispiel das Tamburin und den Shaker. Diese zusätzlichen Schlaginstrumente können verwendet werden, um Standard-Grooves Schwung und strukturelle Nuancen zu verleihen.

Percussion-Sounds

Neben Shakern und Tamburinen gibt es viele andere Schlaginstrumente, die synkopierte Akzente setzen, Ebenen erzeugen und Ihren Trommelmustern einzigartige Strukturelemente hinzufügen können. Das Schöne an Percussion im Kontext der Drum-Programmierung sind die vielfältigen Möglichkeiten zur Sample-Auswahl und -Platzierung.

Die Auswahl an Schlaginstrumenten ist riesig: von Bongos bis Triangeln, von Holzblöcken bis Marimba und vielem mehr. Hier kommt es darauf an, qualitativ hochwertige Samples auszuwählen, die harmonisch zusammenpassen, Dynamik verleihen und sich auf natürliche Weise in den Gesamt-Groove einfügen.

Erwägen Sie die Verwendung von Schleifen

Wenn Sie neu in der Musikproduktion sind oder diesen Artikel gerade lesen, sind Sie möglicherweise auf einige negative Ansichten über die Verwendung von Loops in der Musikproduktion gestoßen. Allerdings können gesampelte Loops ein wertvolles Werkzeug sein, um die Komplexität zu erhöhen und Ihre Drum-Programmierung zu beleben.

Ich glaube auch, dass gesampelte Loops besonders nützlich sein können, um Audio- und MIDI-Kombinationen zu lehren. Auch wenn Sie nicht vorhaben, sie in den endgültigen Mix einzubinden, kann ein gut ausgewählter Loop die Kreativität anregen und den Musikproduktionsprozess beschleunigen.

Indem Sie Schleifen wegen ihres unverdient schlechten Rufs nicht verwenden, entziehen Sie sich eines wichtigen Werkzeugs in Ihrem Arbeitsablauf und schaffen unnötige Hindernisse.

Über das Konventionelle hinausgehen

Sobald Sie die grundlegenden Fähigkeiten der Drum-Programmierung beherrschen, können Sie beginnen, die fortgeschritteneren Aspekte der Kunst zu beherrschen. Durch die Einführung von Synkopen, einzigartigen Rhythmusmustern und subtilen Nuancen können Sie Ihren Drum-Groove auf die nächste Stufe heben.

Es ist auf jeden Fall hilfreich, mit klassischen Drum-Patterns zu beginnen, aber mit der Zeit werden Sie wahrscheinlich auch unkonventionellere Methoden zur Drum-Programmierung ausprobieren wollen. Dies trägt dazu bei, dass Ihre Titel hervorstechen und ihren eigenen, einzigartigen Platz im Rest der Musik einnehmen.

Synkopierung

Synkopen können für Sie sehr nützlich sein, wenn Sie sich eingehender mit einem Thema befassen. Für die Zwecke dieses Artikels möchte ich einen kurzen Überblick über Synkopen geben und erklären, wie sie Ihren kreativen Horizont erweitern und Sie dazu ermutigen können, sich der Musik aus einer unkonventionellen Perspektive zu nähern.

Rückschlag

Synkopen mit Akzenten auf dem zweiten und vierten Schlag wurden im letzten Jahrhundert populär. Dieser Stil ist in der modernen Musik so tief verwurzelt, dass man sich kaum vorstellen kann, dass er nicht einst führend in der Synkopierung war. Bei der Synkopierung liegt der Schwerpunkt normalerweise auf den „zwei und vier“ Schlägen, im Gegensatz zu den traditionellen „eins und drei“ Schlägen.

Durch Experimentieren mit einem Standard-Backbeat können Sie Dynamik, Amplitude oder andere Eigenschaften hinzufügen, die erforderlich sind, um den gewünschten atmosphärischen Effekt zu erzielen.

Unkonventionell

Off-Beat-Synkopen werden verwendet, um einen Rhythmus hervorzuheben, der außerhalb des normalen Downbeat-Musters liegt. Becken und andere perkussive Elemente werden oft verwendet, um Off-Beat-Synkopen zu erzeugen. Wenn Sie sich die meisten House-Tracks anhören, werden Sie einige Off-Beat-Synkopen in den Hi-Hats bemerken. Diese Hi-Hats befinden sich normalerweise auf dem „i“ in der 1-2-3-4-Zählung – zwischen 1 und 2, 3 und 4.

Suspension

Suspensive Synkopen können eine spürbare Betonung bewirken, indem sie ein Element aus dem vorherigen Takt in den nächsten hineinziehen oder verlängern. Diese Art der Synkopierung ist insofern einzigartig, als sie konventionelle Vorstellungen von Rhythmus verletzt und einen Kaskadeneffekt erzeugt. Dies verbindet die Takte miteinander und verleiht der Musikkomposition mehr Flexibilität und Flüssigkeit.

Fehlschlag

Diese Art der Synkopierung ist eine meiner Lieblingssynkopen, weil sie den Schwerpunkt auf unerwartete Stellen legt. Durch das Überspringen von Synkopen können Sie ungewöhnliche und originelle Drum-Grooves erzeugen, die den Zuhörer dazu bringen, Drum- oder Percussion-Hits zu erwarten, die entweder nicht oder etwas früher als erwartet eintreten.

Dies macht sich besonders bei Trap-Musik bemerkbar, wo Produzenten Kickdrums oft an unerwarteten Stellen platzieren und so ein Gefühl der Vorfreude oder Spannung erzeugen.

Trommelumschläge

Einer der wichtigsten, aber oft übersehenen Aspekte der Drum-Programmierung sind die Pausen zwischen den Schlägen. Die Konzepte von Raum und Stille spielen in der Musik eine wichtige Rolle und müssen bei der Schaffung musikalischer Werke sorgfältig berücksichtigt werden.

Bedenken Sie, dass die meisten Mixe ohne den effektiven Einsatz von EQ und Komprimierung nicht harmonisch klingen. Ebenso erreichen die meisten Drum-Grooves nicht ihr volles Potenzial ohne eine sorgfältige Abstimmung der Hüllkurven.

Beispielsweise können lange perkussive Elemente in einem schnellen Groove ein Gefühl von Langsamkeit oder Distanz erzeugen. Ein langes Drum-Sample in einem 160-BPM-Track kann sich langsam anfühlen.

Mit modernen, mit Samplern ausgestatteten DAWs können die ADSR-Hüllkurven von Samples manipuliert werden, um straffere oder lockerere Grooves zu erzeugen und so den dringend benötigten Platz in Drum-Arrangements zu schaffen.

In einem Fast Track können Sie die Dauer der Drums verkürzen, um Überlappungen mit anderen Samples zu vermeiden. In einem langsamen Track hingegen können Sie die Dauer des Kicks verlängern, um die Lücke zwischen den Hauptschlägen zu füllen.

Dies verbessert nicht nur die Dichte und Sicherheit Ihrer Grooves, sondern schafft auch mehr Platz für verschiedene Samples, ohne dass diese einander überlappen.

Melodische Percussion

Viele Schlagzeugproduzenten widmen der melodischen Percussion nicht genügend Aufmerksamkeit, obwohl sie eine Schlüsselrolle bei der Erstellung einzigartiger melodischer Hooks spielen kann, ohne auf traditionelle Melodieinstrumente wie Synthesizer, Keyboards oder Gitarren zurückzugreifen.

Wenn Sie melodische Percussion-Instrumente verwenden, um einen melodischen Hook in einem Song zu erzeugen, können Sie Ihrem Groove eine einzigartige und ansprechende Ebene verleihen. Es gibt verschiedene Ansätze, die ich in meinen Kompositionen oft verwende, aber der Schlüssel liegt darin, Schlaginstrumente mit einer ausgeprägten Tonalität zu finden.

Zahlreiche Schlaginstrumente wie Steel Drums und Marimbas haben eine ausgeprägte Tonalität, die es ermöglicht, sie zu Melodien zu formen. Es ist wichtig, dass diese melodischen Trommeln auf Ihren Track abgestimmt sind, damit Sie damit einfache Melodien und Riffs erstellen können.

Auch wenn Sie keine melodischen Percussion-Instrumente verwenden, um eigene Melodien zu erstellen, können sie verwendet werden, um reaktionsfähige Rhythmusmuster zu erstellen, mit bestimmten Melodien oder Phrasen in Ihrem Track zu interagieren oder als Ebenen für Leads wie Gesang oder Synthesizer-Melodien zu dienen. Verbesserung der Gesamtenergiezusammensetzung.

Schlaginstrumente kommen vor allem in Genres wie Techno und House gut zur Geltung. In Stilen, die sich auf Tanzrhythmen konzentrieren, können melodische Schlaginstrumente eine anspruchsvollere Möglichkeit bieten, Melodien zu erzeugen.

Melodische Percussion

Viele Schlagzeugproduzenten widmen der melodischen Percussion nicht genügend Aufmerksamkeit, obwohl sie eine Schlüsselrolle bei der Erstellung einzigartiger melodischer Hooks spielen kann, ohne auf traditionelle Melodieinstrumente wie Synthesizer, Keyboards oder Gitarren zurückzugreifen.

Wenn Sie melodische Percussion-Instrumente verwenden, um einen melodischen Hook in einem Song zu erzeugen, können Sie Ihrem Groove eine einzigartige und ansprechende Ebene verleihen. Es gibt verschiedene Ansätze, die ich in meinen Kompositionen oft verwende, aber der Schlüssel liegt darin, Schlaginstrumente mit einer ausgeprägten Tonalität zu finden.

Zahlreiche Schlaginstrumente wie Steel Drums und Marimbas haben eine ausgeprägte Tonalität, die es ermöglicht, sie zu Melodien zu formen. Es ist wichtig, dass diese melodischen Trommeln auf Ihren Track abgestimmt sind, damit Sie damit einfache Melodien und Riffs erstellen können.

Auch wenn Sie keine melodischen Percussion-Instrumente verwenden, um eigene Melodien zu erstellen, können sie verwendet werden, um reaktionsfähige Rhythmusmuster zu erstellen, mit bestimmten Melodien oder Phrasen in Ihrem Track zu interagieren oder als Ebenen für Leads wie Gesang oder Synthesizer-Melodien zu dienen. Verbesserung der Gesamtenergiezusammensetzung.

Schlaginstrumente kommen vor allem in Genres wie Techno und House gut zur Geltung. In Stilen, die sich auf Tanzrhythmen konzentrieren, können melodische Schlaginstrumente eine anspruchsvollere Möglichkeit bieten, Melodien zu erzeugen.

Sei Schlagzeuger

Eines der wichtigsten, aber einfachen Prinzipien beim Programmieren realistischer Trommeln besteht darin, wie ein echter Schlagzeuger zu denken. Während es Spaß machen kann, mit ungewöhnlichen und extravaganten Rhythmen zu experimentieren, müssen Sie für einen realistischen Eindruck darauf achten, dass Ihre Schlagzeug- und Percussion-Parts von einem Live-Schlagzeuger gespielt werden können.

Das Programmieren von Drum-Parts, die über die menschlichen Fähigkeiten hinausgehen, kann unbeabsichtigt die Verwendung der Software offenbaren. Beispielsweise werden nur wenige echte Schlagzeuger in der Lage sein, einen 64-Noten-Groove auf einer Hi-Hat mit 150 BPM zu spielen, während ein einfacher Four-on-the-Floor-Rhythmus im gleichen Tempo durchaus machbar ist.

Um besser zu verstehen, was ein echter Schlagzeuger spielen kann und was nicht, hilft es, sich Live-Auftritte anzuhören. Hören Sie sich einige Ihrer Lieblingstitel aufmerksam an und achten Sie dabei auf die verwendeten Trommelrhythmen, um eine Vorstellung davon zu bekommen, was beim Trommeln als realistisch gilt.

Verwendung eines MIDI-Instruments

Bei der Programmierung von Trommeln, die in gleicher Lautstärke erklingen und perfekt getimt sind, wird deutlich, dass eine Software zum Einsatz gekommen ist. Eine Möglichkeit, den Klang realistischer zu gestalten, ist die Verwendung von MIDI-Instrumenten. Möglicherweise haben Sie keinen Zugriff auf Live-Schlagzeugaufnahmen, können aber ein mit dem Programm verbundenes elektronisches Schlagzeug verwenden, um das Schlagzeug in Echtzeit zu spielen.

Ich bevorzuge diesen Ansatz oft bei der Arbeit mit Addictive Drums 2, da er für Realismus sorgt, ohne dass man sich auf komplexe Einstellungen einlassen muss. Wenn Sie kein Schlagzeuger sind, können Sie ein MIDI-Keyboard oder ein Drum-Pad verwenden.

Unabhängig von der verwendeten Hardware trägt die Erstellung von Drum-Patterns mithilfe von MIDI dazu bei, dass Ihr Track aufgrund der Variabilität von Timing und Dynamik viel realistischer klingt. Aber auch ohne MIDI-Instrumente können ähnliche Ergebnisse erzielt werden, auch wenn dies möglicherweise mehr Zeit und Mühe erfordert.

Machen Sie sich mit der Quantisierung nicht verrückt

Jeder erfahrene Schlagzeuger wird Ihnen sagen, dass der Schlüssel zum Trommeln in der Kontrolle des Tempos liegt. Aber selbst die besten Schlagzeuger sind nicht perfekt, und bei der Aufnahme von Live-Schlagzeugspielen werden Sie feststellen, dass einige Beats leicht vom rhythmischen Raster in Ihrer DAW abweichen. Diese leichten Temposchwankungen verleihen dem Rhythmus seinen Realismus.

Die meisten modernen DAWs bieten die Möglichkeit, MIDI-Noten zu quantisieren und sie in einem rhythmischen Raster zu fixieren. Mit der Quantisierung können Sie Tempoungenauigkeiten korrigieren, indem Sie Noten an ein Raster binden.

Während die Quantisierung dazu beitragen kann, den Groove zu verstärken, kann ihr übermäßiger Einsatz den Tracks einen künstlichen, mechanischen Klang verleihen. Bei der manuellen Programmierung ist es besser, einige Noten leicht vom Raster versetzt zu belassen, damit sie natürlicher klingen. Sie können damit beginnen, das gesamte Drum-Pattern zu quantisieren, um seine Position zu fixieren, und dann die Noten manuell anpassen, sodass sie leicht vor oder hinter dem Beat liegen.

Die Entscheidung, ob Beats vor oder nach der Zählung platziert werden sollen, hängt von der Art des Tracks ab. Für einen dynamischeren Klang können Sie die Hi-Hats etwas vor dem Raster platzieren, für einen entspannteren Klang können Sie sie etwas dahinter platzieren.

Viele DAWs bieten unterschiedliche Quantisierungsstufen, sodass Produzenten den Grad der Bindung von Noten an das Raster auswählen können. Niedrigere Quantisierungsstufen machen Grooves natürlicher, während höhere Quantisierungsstufen Elemente fest im rhythmischen Raster fixieren.

Geschwindigkeitsanpassung

Ein weiteres Schlüsselelement, um Schlagzeugparts realistischer klingen zu lassen, ist die Anpassung der Beat-Geschwindigkeit. Die MIDI-Notengeschwindigkeit bestimmt die Lautstärke, mit der das Sample ausgelöst wird. Eine mit hoher Geschwindigkeit gespielte Note klingt lauter und energischer, während eine mit niedriger Geschwindigkeit gespielte Note weicher und leiser klingt.

Sie können bestimmte Beats in Ihren Grooves hervorheben, indem Sie die Geschwindigkeit der Noten variieren. Dies ähnelt dem Ansatz eines Schlagzeugers, der die bedeutendsten Hits durch härteres Spielen hervorhebt. Beispielsweise liegt in einem Standard-Punkrock-Groove die Betonung oft auf dem zweiten und vierten Schlag jedes Takts, während in einem One-Beat-Reggae-Groove die Betonung normalerweise auf dem ersten Schlag liegt.

Beim Anpassen der Notengeschwindigkeiten lohnt es sich, darüber nachzudenken, wie Sie den Groove im wirklichen Leben spielen würden. Es kann hilfreich sein, sich beim Klopfen eines Rhythmus aufzuzeichnen, um zu sehen, welche Beats Sie intuitiv betonen. Anschließend können Sie die Geschwindigkeit Ihres MIDI-Grooves entsprechend den Merkmalen anpassen, die Sie in Ihrer Aufnahme bemerken.

Humanisierung

Viele DAWs sind mit „Humanisierungs“-Funktionen ausgestattet, die subtile Anpassungen des Timings und der Geschwindigkeit von Noten vornehmen. Diese „menschliche“ Funktion kann sehr effektiv sein, um MIDI-Grooves natürlicher klingen zu lassen, ohne roboterhaft zu klingen.

Sie müssen jedoch vorsichtig sein, wenn Sie die Humanisierungsfunktion verwenden, da die genaueste Methode zur Bestimmung akzentuierter Noten die Intuition ist. Es kann für einen Computer schwierig sein, Geschwindigkeits- und Timing-Änderungen anhand des Gefühls genau zu erkennen, und die versehentliche Anwendung dieser subtilen Nuancen kann dazu führen, dass Ihr MIDI-Schlagzeug weniger überzeugend klingt.

Verwenden Sie echte Schleifen

Eine einfache und effektive Möglichkeit, Ihren MIDI-Drums mehr Realismus zu verleihen, ist die Verwendung vorgefertigter Loops. Ich finde oft, dass die Kombination programmierter MIDI-Drums mit Live-Loops eine gute Balance zwischen Kontrolle und Realismus bietet.

Mit virtuellen Drum-Instrumenten wie Addictive Drums 2 oder Steven Slate Drums, die integrierte MIDI-Grooves bieten, können Sie mit diesen vorgefertigten MIDI-Loops als Grundlage für Ihre Grooves beginnen. Diese MIDI-Grooves wurden von echten Schlagzeugern aufgenommen, um sicherzustellen, dass die perfekten Tempo- und Geschwindigkeitseigenschaften bereits abgestimmt sind.

Anschließend können Sie einzelne Muster aus diesen vorgefertigten MIDI-Loops in anderen Projekten verwenden und auf verschiedene Instrumente anwenden. Beispielsweise kann ein Drum-Pattern aus einer MIDI-Spur verwendet werden, um andere Samples auszulösen, etwa den Klang eines Reifens oder Klatschens.

Es ist auch möglich, Ihre MIDI-Noten mit Live-Samples zu kombinieren, um eine einzigartige Ebene in Ihrem Drum-Groove zu schaffen. Es kann oft schwierig sein, realistische Hi-Hats zu programmieren, und hier kann die Verwendung von Live-Samples besonders hilfreich sein.

Verwenden Sie Ihren eigenen Hall

Viele professionelle Drum-Programmierprogramme verfügen über eine Hall-Funktion. Auch wenn die Anwendung von Reverb allein schon effektiv sein kann, habe ich festgestellt, dass die gleichzeitige Verwendung verschiedener Reverbs aus verschiedenen Drum-Programmen zu inkonsistenten Sounds führen kann. Deshalb schalte ich normalerweise den eingebauten Hall aus und verwende lieber einen einzelnen Hall für den gesamten Mix.

Nachdem ich den gesamten Drum-Groove programmiert habe, leite ich jedes Element in unterschiedlichem Maße zu diesem einzelnen Hall. Ziel ist es, den Eindruck zu erwecken, als ob alle Elemente im selben Raum aufgenommen würden.

Anschließend können Sie verschiedene Parameter dieses Raumhalls anpassen, um sicherzustellen, dass er harmonisch zum Rest der Mischung passt, einschließlich Größe, Stil, EQ und anderen Einstellungen.

Sättigung hinzufügen

Beim Programmieren von Drum-Sounds in einem VST ist es manchmal sinnvoll, einen Sättigungseffekt hinzuzufügen, um zu verhindern, dass der Sound zu „sauber“ klingt. Sättigung ist einer meiner Lieblingseffekte, da er dem Klang natürliche Artefakte hinzufügt, die typisch für eine Live-Aufnahme sind.

Es ist zwar möglich, einfach ein Sättigungs-Plugin, beispielsweise einen Tape-Emulator, direkt auf eine Drum-Sektion anzuwenden, aber ich habe festgestellt, dass die parallele Sättigung mehr Kontrolle bietet und es ermöglicht, die richtige Schmutzmenge präzise zu dosieren, sodass die Drums effektiv durchdringen die Mischung.

Senden Sie dazu die Drum-Gruppe mit einem Sättigungs-Plugin an eine Hilfsspur. Hören Sie sich die Drum-Sounds an, während Sie den Sättigungspegel im Plugin schrittweise erhöhen. Der Vorteil der parallelen Sättigung besteht darin, dass Sie die Sättigungshilfsspur so verschmutzen können, wie es angemessen ist, da das Hauptziel darin besteht, den Klang der Hauptschlagzeuggruppe nur geringfügig zu verbessern.

Stellen Sie fest, was Ihrem Schlagzeug fehlt, und erwägen Sie die Verwendung von Sättigung, um den Klang zu verbessern. Klingt Ihr Schlagzeug zu dünn? Dann können Sie die Sättigung bei niedrigen und mittleren Frequenzen erhöhen. Oder ist der Ton vielleicht zu dunkel? In diesem Fall trägt die Erhöhung der hohen Frequenzen dazu bei, einen helleren und klareren Klang zu erzielen.

Nachdem Sie den passenden Ton ausgewählt haben, drehen Sie den Pegel der Zusatzspur auf Minimum und erhöhen Sie ihn langsam, bis Sie die optimale Kombination aus sauberem und schmutzigem Klang erreichen.

Füllungen hinzufügen

Sobald Sie einen anständigen Groove haben, der sich durch die verschiedenen Teile des Songs zieht (Strophen, Brücken, Refrains usw.), sollten Sie darüber nachdenken, Fills hinzuzufügen, um diese Abschnitte miteinander zu verbinden. Ich füge oft etwa alle acht Takte Fills ein, um das rhythmische Muster des Drum-Grooves zu variieren und lange Abschnitte aufzubrechen oder zum nächsten Teil des Songs überzugehen.

Einfache Fills in einen Groove zu programmieren ist normalerweise nicht schwierig. Wenn Sie mit VST-Drums arbeiten, finden Sie wahrscheinlich eine Bibliothek vorgefertigter Fills mit einer Vielzahl von Mustern zur Auswahl.

Damit sich eine Füllung harmonisch in ein bestehendes Muster einfügt, ist es wichtig, darauf zu achten, dass sie nicht mit Elementen der Hauptrille in Konflikt gerät. Wenn Sie beispielsweise eine Füllung mit einer Schlinge hinzufügen, möchten Sie möglicherweise die Schlinge aus dem Hauptmuster entfernen, um Platz für die Füllung zu schaffen. Gleichzeitig kann die Beibehaltung anderer Elemente wie Shaker oder Hi-Hats dazu beitragen, einen zusammenhängenderen und stimmigeren Klang zu erzeugen.

Sobald die Füllung an der richtigen Stelle platziert ist, müssen Sie sie richtig in die Mischung einfügen und dabei besonders darauf achten, dass die Geschwindigkeit ihrer Elemente mit der Geschwindigkeit des Hauptmusters übereinstimmt. Wichtig ist, dass der Fill im Vergleich zum Haupt-Groove nicht zu laut oder zu intensiv klingt.

Wenden Sie abschließend eine Quantisierung an oder passen Sie das Timing der Füllelemente an, um sie an den gesamten Drum-Groove anzupassen. Wenn der Haupt-Groove beispielsweise einen Swing aufweist, können die Füllelemente so verschoben werden, dass sie leicht hinter dem Raster liegen und so den Gesamtrhythmus beibehalten.

Die besten Drum-Samples finden

Selbst wenn Sie Ihre Drum-Grooves meisterhaft programmiert und Ihre Drum-VST-Parameter sorgfältig eingestellt haben, kann die Verwendung der falschen Samples dazu führen, dass Ihre Mischungen langweilig werden. Die Suche nach hochwertigen Samples für die Verwendung in Ihren Tracks ist ein entscheidender Aspekt, den Sie berücksichtigen sollten.

Heutzutage gibt es viele großartige Samples und Kits, die für sich genommen großartig klingen. Aber selbst wenn ein Sample alleine perfekt klingt, ist das keine Garantie dafür, dass es im Kontext Ihres Mixes effektiv klingt, insbesondere wenn es mit anderen Sounds kombiniert wird. Mischwerkzeuge wie EQ, Komprimierung und Hüllkurvenformung können zwar bei unvollständigen Samples hilfreich sein, ihre Möglichkeiten sind jedoch begrenzt.

Der Versuch, inkompatible Proben zu mischen, kann zusätzliche Arbeit bedeuten und Komplikationen verursachen. Es ist wichtig, dass Ihre Drum-Loops und Samples von Anfang an so klingen, als wären sie füreinander geschaffen. Kontinuität und Harmonie des Klangs sind äußerst wichtig, um die Aufmerksamkeit des Zuhörers aufrechtzuerhalten.

Auch wenn es verlockend sein kann, das erste Sample auszuwählen, das einem in den Sinn kommt, ist es beim Mixen und Mastern Ihrer Tracks von unschätzbarem Wert, sich die Zeit zu nehmen, die perfekten Sounds zu finden.

Trommelstimmen

Technisch gesehen sind Trommeln unharmonische Instrumente, das heißt, ihre Obertöne folgen keiner bestimmten Tonart. Allerdings haben die meisten Trommeln einen Grundton, der diese unharmonischen Obertöne erzeugt.

Interessanterweise gibt es beim Stimmen von Drum-Samples keine klar definierten Regeln, was den Prozess zum Experimentieren anregt. Allerdings merkt man oft, dass die Sample-Stimmung nicht zum Rest des Drum-Grooves passt.

Das Schlüsselelement zum Stimmen ist die Bassdrum, da eine falsch gestimmte Kick mit dem Bass und anderen niederfrequenten Elementen in Konflikt geraten und zu Disharmonien im Mix führen kann. Dies ist besonders wichtig in Genres wie Trap und Hip-Hop, wo Tracks oft auf 808-Bass basieren. Bei Genres mit kürzeren Kicks kann es schwieriger sein, den spezifischen Ton der Kick Drum zu bestimmen.

Wenn Sie Schwierigkeiten haben, den Grundton einer Trommel zu bestimmen, können Sie einen Spektrumanalysator verwenden. Zusätzlich zur Beibehaltung der Tonalität kann das Stimmen des Schlagzeugs das Gesamtgefühl des Klangs verändern. Wenn Sie beispielsweise die Tonhöhe einer Trommel senken, kann sie dunkler und weicher klingen, während eine Erhöhung der Tonhöhe dafür sorgt, dass sie heller und energischer klingt.

Experimentieren Sie mit dem Stimmen und Transponieren Ihres Schlagzeugs, um zu sehen, wie es in den Gesamtkontext Ihrer Kompositionen passt.

Über das Genre hinausgehen

Die Verwendung von Samples aus atypischen Sets kann Ihren Grooves einen einzigartigen Kontrast verleihen. Sanfte und zarte Samples ohne harte Attacken können beispielsweise den schweren Drums von Dubstep Textur und Leichtigkeit verleihen.

Sie können auch eine Live-Hi-Hat in einem Techno-Groove verwenden, um ihm ein natürliches Gefühl zu verleihen, oder einen digitalen Kick über einen Live-Drum-Groove hinzufügen, um einen kraftvolleren Effekt zu erzielen.

Oft können unerwartete Samples, die nicht zu einem bestimmten Genre gehören, programmierte Drums interessanter machen. Selbst wenn Sie an einem Rockstück arbeiten, können Sie gerne mit aggressiven Snare-Samples aus den Bassmusik-Kits der Zukunft experimentieren.

Anordnung

Ordnen Sie die Drum-Elemente in Ihrem Track so an, dass sich die Energie vom Anfang bis zum Ende allmählich aufbaut. Während es möglich ist, 20 verschiedene Drum-Elemente zusammenzufügen, um einen kraftvollen Groove in einer Hook zu erzeugen, ist es nicht notwendig, in jeder Hook eines Songs denselben vollständigen Satz an Elementen zu verwenden.

Stattdessen sollten Sie einen schrittweisen Aufbau anstreben und in jedem Abschnitt neue Elemente hinzufügen oder einführen, um im letzten Hook, Refrain oder Drop maximale Energie zu erreichen. Beispielsweise kann ein energiegeladener Shaker für den allerletzten Refrain aufgespart werden, um dessen Höhepunkt hervorzuheben.