Sounddesign im Film

Im Kino (wie George Lucas im Zitat oben betonte), wo neben Bild und Geschichte auch der Ton eine wichtige Rolle spielt. Vergessen Sie nicht, dass der erste Tonfilm, The Jazz Singer, vor 90 Jahren, im Jahr 1927, herauskam, während das erste Spiel mit Ton, Pong, erst 45 Jahre später, im Jahr 1972, erschien. Deshalb möchte ich heute etwas mitteilen ein paar Geschichten über herausragendes Sounddesign in Filmen.

Rainbow Spring Slinky hat dem Sprachroboter Wall-E geholfen

Beginnen wir mit einem Überblick über das Sounddesign von Filmen. Einer meiner Lieblings-YouTube-Kanäle zum Thema Kino, Cinefix, hat eine Auswahl von 10 Filmen mit gutem Sounddesign veröffentlicht. Auf dieser Liste rezensierten sie Filme wie Star Wars, Stalker, Gravity und Wall-E.

Besonders fasziniert hat mich die Geschichte von Ben Burtt, einem der Pioniere neuer Filmtöne, der sich einen Namen für seinen Beruf einfallen ließ – Sounddesigner. Es geschah 1977, als er die Rolle des Star Wars-Sprechers übernahm. Ich werde später mehr über seine Arbeit sprechen, aber vorerst möchte ich nur erwähnen, dass Ben zu dieser Zeit keine digitalen Synthesizer hatte und daher die meisten Sounds von Hand erstellt und aufgenommen hat! Um die Stimme von R2-D2 zu erstellen, ging er noch einen Schritt weiter und nahm seine eigene Stimme auf und konvertierte sie dann mit einem analogen ARP 2600-Synthesizer.

Nachdem er an sechs Filmen der Star-Saga und 29 Jahren daran gearbeitet hatte, beschloss Ben, dass er nicht mehr als Synchronsprecher für Roboter arbeiten wollte. Doch nur eine Woche später überzeugte ihn Pixar, ihnen beim Animationsfilm Wall-E zu helfen. Es war eine völlig einzigartige Herausforderung: Wallys „Stimme“ wurde von Grund auf neu erstellt, ohne den Einsatz von Schauspielern oder echten Quellen, und Wally sagte kein einziges Wort (alle seine Emotionen mussten nur durch künstlich erzeugte Geräusche vermittelt werden). Gleichzeitig war Valli mit seiner eigenen Figur der eigentliche Protagonist des Films. Dank des Sounddesigns hat Ben diese Figur auf der Leinwand wirklich zum Leben erweckt. Und es ist lustig, dass er beim Kreieren der Geräusche für Valli die Slinky-Springfeder verwendet hat, mit der wir als Kinder gespielt haben, als wir die Treppe hinaufgerannt sind.

Die Entstehung der Sounds für das Original von Star Wars wird auf dem YouTube-Kanal von Kaptain Kristian ausführlich beschrieben

1977 hatte Sounddesigner Ben Burt ein technisches Problem: Science-Fiction-Sounds gab es in der realen Welt nicht. Welchen Sound soll man beispielsweise für einen Lichtschwertstrahl wählen?

Nur 15 % der endgültigen Tonspur des Films wurden während der Dreharbeiten vor Ort aufgenommen, die restlichen 85 % musste Ben selbst erstellen. Der Film enthielt viele Szenen, die ohne die entsprechenden Geräusche nicht zu verstehen gewesen wären, insbesondere Schlachten im Weltraum. Damals gab es in Kinos noch nicht einmal Stereoton, geschweige denn in den 70er Jahren Surround-Sound.

Dank der geschickten Arbeit von Ben konnte diese Aufgabe hervorragend gelöst werden. Er nahm die Geräusche zweier oszillierender Filmprojektoren und einer Kathode eines Röhrenfernsehers auf, um den Klang eines Lichtschwerts zu erzeugen. Dieser Sound ist zum Kanon der gesamten Star Wars-Saga geworden und zum Symbol der Science-Fiction geworden. Im Video selbst gibt es übrigens eine Lichtschwert-Kampfszene ohne zusätzlichen Ton, die naiv und lustig wirkt. Ohne Bens Beitrag hätte „Star Wars“ seinen epischen Charakter verloren.

Bei der Sound-Erstellung für Godzilla wurde beschlossen, komplett auf die Verwendung von Geräuschen lebender Tiere zu verzichten: Alle Geräusche wurden speziell für den Film erstellt und aufgenommen

Der neueste Godzilla-Film ist wie ein Lara-Croft-Spiel: toller Sound, aber der Film selbst lässt zu wünschen übrig. Dieses Videointerview von Michael Coleman mit den Sounddesignern Eric Adahl und Ethan Van der Ryn konzentriert sich auf den Sound in Godzilla.

Eine besonders interessante Geschichte ist die Sprachausgabe des ursprünglichen japanischen Godzilla aus dem Jahr 1954. Der Sounddesigner Akira Ifukube reiste durch ganz Japan und nahm viele Tiergeräusche auf, aber keine davon passte. Um das Dröhnen des ursprünglichen Godzilla aufzunehmen, nutzte er schließlich das Geräusch von Lederhandschuhen, die auf den Saiten eines Kontrabasses quietschten!

Die Sounddesigner des neuen Godzilla-Films verraten nicht alle ihre Geheimnisse, aber das Video zeigt, wie sie den Kaiju im Film geäußert haben (ich empfehle, auf den Ausschnitt von ungefähr 1:50 bis 3:50 zu achten). So wurde das Knarren von Turnschuhen auf der Trommel und das Geräusch knirschender Kleiderbügel zur Stimme des fliegenden Kaiju im Film. Schauen und hören Sie sich das einfach an.

Den aktuellen Marvel-Filmen mangelt es definitiv an eingängiger Musikkomposition

Tony Zhou analysierte in seinem Videoessay sorgfältig die Soundtracks der Marvel Studios-Filme. Machen wir ein kleines Experiment: Versuchen Sie, sich an eine Melodie aus Star Wars zu erinnern. Fühlen Sie sich frei, es sogar laut zu summen. Ich bin mir sicher, dass Sie leicht an den Kaisermarsch oder die Widerstandshymne denken können. Kommen wir nun zum zweiten Teil des Experiments: Versuchen Sie, sich an eine Melodie aus den Marvel-Filmen zu erinnern. Es ist praktisch unmöglich, oder? Ich bin auch auf die gleiche Schwierigkeit gestoßen (und habe mir alle Filme angeschaut, auch „Der dumme“ Thor). Vielleicht hat The Avengers ein beeindruckendes Thema, aber es ist nicht einprägsam.

Tony hat eine interessante Theorie über die Gründe für diese Situation. Erstens strebt das moderne Kino danach, dass die Musik unauffällig ist und lediglich die Emotionen auf der Leinwand hervorhebt. Es funktioniert sicherlich, aber es macht die Filme eintönig und langweilig.

Zweitens ist dies auf den neuen Trend zurückzuführen, temporäre Musik (temporäre Musik) im Bearbeitungsprozess zu verwenden. Mit dem Aufkommen der digitalen Bearbeitungstechnologie ist es einfacher geworden, einen vorhandenen Titel als temporäre Musik für neues Material zu verwenden. Filmemacher nutzen in großem Umfang Soundeffekte aus früheren erfolgreichen Filmen als temporäre Musik. Anschließend bitten sie die Komponisten, etwas ganz Ähnliches als Original-Soundtrack zu schreiben. Warum passiert das? Beispielsweise kann eine Szene zu Musik in einem bestimmten Tempo mit Akzenten auf bestimmte Momente bearbeitet werden, und ohne einen solchen Soundtrack funktioniert die Szene möglicherweise einfach nicht.

Es ist schwer, es mit Worten zu erklären, aber im Video gibt Tony konkrete Beispiele für Szenen aus verschiedenen Filmen, in denen die Melodien fast identisch sind. Ich war besonders überrascht, dass mein Lieblingsfilm des Jahrzehnts, Mad Max: Fury Road, das Thema von Captain America: Civil War fast wörtlich verwendete. Aber in „Mad Max“ wurde dieses Thema einprägsamer, weil der Komponist Junkie XL es aggressiver, dynamischer und auffälliger machte. Darüber hinaus wurde der gesamte Mad Max-Soundtrack speziell mit rauen und rauen Sounds erstellt, was ihn unvergesslicher macht (und es ist großartig!).

„Baby Driver“ von Edgar Wright ist einer meiner Lieblingsfilme diesen Sommer

In seiner Videoanalyse der Eröffnungsszene des Films (ich empfehle, sie vollständig anzusehen) schlüsselt Thomas Flyte sie Stück für Stück auf und erklärt, warum sie so erfolgreich ist. Regisseur Edgar Wright verkörpert viele verschiedene Techniken, aber eine davon ist die Grundlage des gesamten Films: Die Hauptfigur, Baby, flüchtet in seinem Auto vor der Verfolgung durch die Polizei, und jede dieser Fluchten ist sorgfältig auf ein bestimmtes Lied abgestimmt. Wright schneidet diese Verfolgungsjagd auf die Musik seiner Wahl, was dazu führt, dass die Szene harmonisch mit der musikalischen Untermalung verschmilzt und an das Musikvideo zum Lied erinnert. Diese Technik macht Musik einprägsam und beeindruckend. Wright wählt bewusst erstaunliche Titel aus und integriert sie auf mehreren Ebenen in den Film.

Der Film „Dunkirk“ hatte in dieser Sommersaison den tiefsten emotionalen Einfluss auf mich

Christopher Nolan vermittelt meisterhaft das Gefühl der Bedrohung und Spannung in Dunkirk. Mit jeder Sekunde entsteht der Eindruck, dass sich die Charaktere in einer zunehmend aussichtslosen Situation befinden. Wie Filmton zu diesem Effekt beiträgt, erklärt Christoph Haubursin in einer Rezension auf dem Sender Vox.

Der Komponist Hans Zimmer nutzt zwei Techniken, um dieses Ziel zu erreichen. Zunächst dient das Geräusch einer tickenden Uhr als Grundlage der Melodie, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Begriff der Zeit lenkt, der zum Hauptfeind des am Strand von Dünkirchen festsitzenden Militärs geworden ist. Zweitens erzeugt Zimmer die Illusion eines unendlich zunehmenden musikalischen Tons, der die wachsende Gefahr symbolisiert. Die Tonalität der Musik nimmt ständig zu, als ob die Gefahr grenzenlos immer höher steigt.

Um diese Illusion zu erzeugen, nutzt Zimmer den Shepard-Effekt. Es kombiniert drei Audiospuren mit ansteigenden Noten (jede Spur eine Oktave höher als die vorherige). Nach und nach schaltet der Komponist den höchsten Titel stumm und erhöht gleichzeitig die Lautstärke des niedrigsten Titels. Dadurch entsteht der Eindruck, dass die Tonhöhe der Melodie ständig ansteigt, und dieser Effekt beeinflusst die emotionale Wahrnehmung erheblich. Zuvor verwendete Shigeru Miyamoto eine ähnliche Technik in einem Mario-Spiel, um die Illusion einer endlosen Treppe zu erzeugen.