Was ist Indie -Rock

Indie Rock nahm in den frühen 1980er Jahren in Großbritannien, den USA und Neuseeland erstmals Gestalt an. Zu dieser Zeit bezeichnete der Begriff auf Musik, die von Independent Labels veröffentlicht wurde, aber er stellte bald eine breitere Ästhetik dar - roh, experimentell und von Visionen mehr als von kommerziellen Formeln.

Eine der frühesten Grundlagen des Genres war der „Dunedin -Sound“ aus Neuseeland mit Bändern wie The Chills und The Clean. In den USA waren College -Radiosender maßgeblich daran beteiligt, Künstler wie The Smiths und REM zu fördern und der Musik, die sich außerhalb des Mainstreams anfühlte, Sendezeit zu senken. Mitte der 80er Jahre hatte Indie Rock begonnen, seine eigene Szene zu formen, die von der britischen NME C86-Zusammenstellung und dem unterirdischen Aufstieg von Bands wie Sonic Youth und Dinosaur Jr. in den Staaten gesteigert wurde.

Die 90er Jahre brachten eine Welle neuer Subgenres:

• Slowcore mit seinen launischen, gezogenen Tempos;
• Midwest Emo , bekannt für seine herzlichen Texte;
• Slacker Rock , gekennzeichnet durch entspannte Lieferung und Lo-Fi-Ästhetik;
• Shoegaze , definiert durch starke Verwendung von Gitarrenffekten und introspektiven Gesang.

Als Grunge und Britpop an Dynamik gewann, begann der Mainstream, Indie-Sounds zu kooptieren. Major Labels beugten sich als Marketing -Tool in das „Indie -Image“, das einen Split erzeugt hat: Einige Bänder lehnten sich in die Belichtung, andere verdoppelten sich, wenn sie vom Radar fern blieben.

In den 2000er Jahren machte Indie Rock einen weiteren Sprung ins Rampenlicht. Wirkte wie die Striche, die Libertines, arktischen Affen und die Mörder brachten eine Wiederbelebungsenergie nach dem Punk, die mit einer neuen Generation verbunden war. Dieser Boom führte zu einer Explosion von ähnlich klingenden Bands-eine Welle, die die britische Presse später als Deponie-Indie bezeichnete.

Trotzdem ist Indie Rock durch alle Schichten seinen Wurzeln treu geblieben - konzentriert sich auf die kreative Freiheit, einen DIY -Geist und einen Instinkt, um die Norm herauszufordern.

Was macht ein Lied Indie: Klang, Geist und Stil

Der Begriff „Indie“ trat erstmals Ende der 1970er Jahre in Manchester auf, als die Band BuzzCocks ihren EP -Spiralkratzer ohne die Hilfe eines großen Labels veröffentlichte. In diesem Moment war der Beginn einer neuen Art von musikalischer Unabhängigkeit.

Bei Indie geht es nicht nur darum, wer die Musik veröffentlicht - es geht um kreative Kontrolle. Künstler verwalten ihre eigene Aufnahme, Richtung und Klang ohne Druck der großen Branchenspieler. Diese Freiheit führt zu Musik, die sich von Formeln abbricht und sich persönlicher und origineller anfühlt.

Stylistisch zieht Indie von All Alal: Punk, Grunge, Pop, Hip-Hop, sogar Psych Rock. So bekommt man Bands wie die White Stripes, das Mischen von Garage Rock mit Blues oder Young the Giant, die eingängige Haken mit geschichteten Gitarrentexturen mischen.

Die weißen Streifen

Jung der Riese

Auch bei all dieser Vielfalt trägt Indie -Musik immer noch eine erkennbare Energie. Es ist roh, es ist ehrlich und es wird von der Vision des Künstlers getrieben - nicht von Trends oder kommerziellen Charts.

Definition von Merkmalen von Indie -Rock: Klang, Sehvermögen und Kontrast

Indie Rock ist mehr als nur ein Genre - es ist eine Denkweise, eine Art, Musik zu machen und zu teilen. Das Wort „Indie“ stammt von „Independent“ und bezieht sich ursprünglich auf Künstler und Bands, die Musik auf kleinen Low-Budget-Labels veröffentlichen. Selbst wenn die Vertrieb an großen Unternehmen involviert war, wollten diese Künstler die kreative Kontrolle bewahren und vermeiden, von Branchentrends gesteuert zu werden.

Diese Unabhängigkeit öffnete die Tür zum Experimentieren - mit Klang, Themen und Emotionen - oft weit entfernt von dem, was Mainstream -Musik anbot. Indie Rock hat immer aus einer Vielzahl von Einflüssen stammt:

• Punk und Post-Punk (BuzzCocks, Wire, Fernsehen);
• '60er Psychedelia und Garage Rock (Velvet Underground, die Türen);
• Art Rock und Lo-Fi-Ästhetik;
• Berührungen von Land und Volk.

Laut Allmusic umfasst Indie -Rock Künstler, deren musikalische Ansätze oft mit dem Mainstream -Geschmack zusammenhängen. Es erstreckt sich alles von Gitarre-Lastgrunge bis hin zu Folk-Punk und Avantgarde-Rock. Was alles verbindet, ist kein Stil - es ist ein gemeinsames Antrieb für Autonomie und Originalität.

In seinem Buch hebt Brent Luvaas hervor, wie Indie -Rock in Nostalgie verwurzelt ist - für den Klang der 60er Jahre, für einen DIY -Geist und für Texte, die oft literarische Tiefe tragen. Dieser Einfluss ist in Bändern wie den Smiths und The Stone Roses zu hören, die sowohl die Atmosphäre als auch das Geschichtenerzählen betonten.

Der Musikwissenschaftler Matthew Bannister beschrieb das Genre einmal als „kleine Gruppen weißer Typen mit Gitarren“, zeichnete sich aus Punk und 60er Jahren ab und distanzierte sich absichtlich von kommerziellen Normen. Der Anthropologe Wendy Fonarow identifizierte zwei große Indie -Denkweisen:

• der „Purist“ - Minimalismus, Rohheit und emotionale Ehrlichkeit begünstigen;
• Der „romantische“ - ausdrucksstärkere, exzentrische und stilistisch mutige.

Diese Spaltung war in den neunziger Jahren besonders sichtbar. Die britischen Bands beugten sich zu Leistung und ästhetischem Flair, während viele amerikanische Acts einen lo-fi-, unpolierten Klang als Marker für Authentizität umfassten.

Indie Rock öffnete auch mehr Platz für Frauen. Die Riot Grrrl -Bewegung, angeführt von Bands wie Bikini Kill, Bratmobile, und Team Dresch, forderten die Normen nicht nur auf, indem sie die Bühne betraten, sondern auch die Ideen hinter der Musik. Wie Courtney Harding feststellt, hat sich die gleiche Gleichheit nicht auf Führung ausgedehnt - Frauen, die Indie -Labels leiten, bleiben auch heute noch eine Minderheit.

Bikini Kill

Indie-Rock deckt eine breite Palette von Stilen ab-von synthgetriebenen Indie-Pop bis hin zu Roh-Punk- und sogar Hip-Hop-Einflüssen-, aber die meisten Indie-Bands teilen einige Grundwerte für die Annäherung an Musik.

• DIY Ethos . Die meisten Indie -Künstler arbeiten außerhalb der finanziellen Unterstützung der großen Labels. Sie zahlen für die Studiozeit außerhalb der Tasche oder für die Aufnahme zu Hause mit jeder Ausrüstung, die sie haben. Dieser praktische Ansatz hält den Prozess vollständig unabhängig-von der ersten Demo bis zur endgültigen Veröffentlichung;
• Lo-Fi-Ästhetik . Bevor Software wie Pro -Tools und Logik weithin zugänglich wurden, konnten sich Indie -Musiker oft keine professionellen Studios leisten. Dies führte zu einem erkennbaren LO-Fi-Sound-grobkörnige Gitarren, Hintergrundgeräusche und einem absichtlich rauen Finish. Noch heute halten sich einige Künstler absichtlich an diese Textur und verwenden Unvollkommenheiten als Teil ihrer künstlerischen Identität.
• Internes Songwriting . Im Gegensatz zu Pop- oder Mainstream-Hip-Hop, bei dem Songs häufig von Produzenten und Schriftstellern aufgebaut werden, wird Indie-Musik in der Regel von den Künstlern selbst geschrieben. Das könnte Solo-Singer-Songwriter wie Phoebe Bridgers oder Full Bands wie Fugazi oder Sleater-Kinney bedeuten, wo Songwriting eine Gruppenaufwand ist-nicht an Profis ausgelagert.
• Authentizität über Flash . Bei Indie Rock geht es nicht darum, Soli oder Vokalakrobatik zu zerkleinern. Es lehnt sich in ehrliche, menschliche Auftritte ein. Viele Indie -Bands können ihren aufgenommenen Sound live problemlos replizieren, ohne ein Backup -Team von Studio -Musikern zu benötigen - und dass die rohe, ungeottere Lieferung genau das ist, womit sich die Fans verbinden. Es geht weniger um Perfektion und mehr um echte Emotionen.

Wie die Indie -Rock -Szene begann: Von Buzzcocks bis zum Dunedin -Sound

Die BBC-Dokumentarfilmmusik für Misfits: Die Geschichte von Indie schreibt den Ursprung des Begriffs „Indie“ der Veröffentlichung von Spiral Scratch 1977 zu, einer selbstfinanzierten EP der Manchester Punk Band BuzzCocks, die über ihr eigenes Label New Hormones herausgegeben wurde. Diese Bewegung löste eine Welle von DIY -Aktivitäten aus - Bands begannen mit der Aufnahme, dem Drucken und der Verteilung ihrer eigenen Musik. Bald folgten Gruppen wie Swell Maps, 'O' Level, Fernsehpersönlichkeiten und verzweifelte Fahrräder.

Buzzcocks

Die Verteilung wuchs mit Hilfe des Kartells, eines Netzwerks kleiner Händler wie Red Rhino und Rough Trade Records, was dazu beigetragen hat, dass Indie -Veröffentlichungen in ganz Großbritannien in Plattenläden gebracht werden. Diese Infrastruktur gab unabhängige Musik eine physische Präsenz in Geschäften, sodass sie mit Major-Label-Veröffentlichungen konkurrieren konnte.

Indie -Etiketten machten auch Wellen außerhalb Großbritanniens. In den USA veröffentlichte Beskerkley Records das Debütalbum der Modern Lovers, und Steifhöfe Records haben neue Rose von The Damned herausgestellt, die als erste britische Punk -Single gilt. In Australien veröffentlichten die Heiligen (ich), die durch ihr eigenes Label Fatal Records gestrandet waren, gefolgt von den Go-Betweens, die mit der Indie-Single Lee Remick debütierten.

Ein Schlüsselkapitel in Indie's Entwicklung entfaltete sich in Dunedin, Neuseeland. In den frühen 80ern wurde Flying Nun Records gegründet und wurde zu einer Generation von Künstlern, die das so genannte Dunedin -Sound herstellten. Laut Audioculture war eine der frühesten Bands in dieser Szene der Feind, der von Chris Knox und Alek Bathgate gebildet wurde. Obwohl kurzlebig, hinterließ die Band jüngere Musiker wie Shayne Carter, der doppeltes und Straitjacket-Anfälle, einen bleibenden Eindruck auf den Eindruck.

Nachdem sich der Feind geteilt hatte, fuhr Knox eine Spielzeugliebe und später hohe Zwerge, einen der ersten Acts, die zu Hause aufgenommen wurden, und die Lo-Fi-Ästhetik-Schlüsselelemente in dem, was zum Indie-Sound werden würde.

Der Dunedin -Sound wurde von Jangly -Gitarren, gedämpften Gesang und einer melancholischen Atmosphäre gekennzeichnet. Es wurde durch die Single Tally von Clean 1981 eine breitere Anerkennung! und das 1982 Compilation Dunedin Double, das die Schüttelfrost, hinterhältige Gefühle, die Verlaine und die Steine ​​enthielt. Der Stil breitete sich bald über Dunedin in Städten wie Christchurch und Auckland hinaus und hilft Indie -Rock als eigenständige kulturelle Bewegung.

In den USA wurden College -Radiosender in den 1980er Jahren entscheidend für aufstrebende unabhängige Musik. Sie haben Alternative Rock, Post-Punk, Post-Hardcore und New Wave ausgestrahlt-klingt im kommerziellen Radio selten zu hören. Diese Bänder wurden gemeinsam als College Rock bezeichnet, ein Begriff, der mehr mit der Plattform gebunden ist als an ein einzelnes Genre.

Künstler wie Rem und die Smiths waren besonders einflussreich. Der Musikwissenschaftler Matthew Bannister betrachtet sie einige der ersten wahren Indie -Bands. Ihr Einfluss ist in Gruppen wie Let's Active, The Housemartins und den LAs zu hören. Ungefähr zu dieser Zeit begann der Begriff „Indie Rock“ nicht nur auf Etiketten zu bewerben, sondern auch auf die Künstler, die Musik unabhängig voneinander veröffentlichten.

Der Journalist Steve Taylor wies auch als früher Teil der Indie -Geschichte auf die Untergrundszene in Paisley hin. Das Genre wurde in den Händen von Künstlern wie der Jesus und Maria-Kette und Jean-Paul Sartre, beide mit Flying Nonne, dunkler und atmosphärischer.

Nach der Lobbyarbeit von NPR führte schließlich die Anzahl der College -Radiosender zu einer Verringerung des Begriffs „College Rock“. An seiner Stelle hat ein flexiblerer und dauerhafterer Label-Indie-, das eine Generation von Musik definiert, die Kreativität, Unabhängigkeit und Selbststeuerung priorisierte.

Jesus und Maria Kette

Die Entwicklung des Indie -Rocks: von C86 nach Greb und Shoegaze

In Großbritannien kam ein wichtiger Wendepunkt für die Indie-Szene mit der Veröffentlichung von C86, einer zusammengestellten Kassette von NME im Jahr 1986. Es enthielt Tracks von Primal Scream, The Pastells, The Wedding Present und anderen, die Jangle Pop, Post-Punk und Phil Spector-Stil „Wall of Sound“ -Produktion vermischten. Später nannte der Kritiker Bob Stanley es "den Beginn der Indie -Musik". Der Begriff C86 wuchs schnell über die Kassette selbst und wurde für eine ganze Welle von Bands mit luftigen, lo-Fi-Sounds, oft als Anorak-Pop- oder Muttern-Indie bezeichnet. Während einige Acts wie Suppendrachen, Urschrei und das Hochzeitsgeschenk für den Erfolg des Charts fanden, verblassten viele andere in die Dunkelheit.

In den USA gab REMs Aufstieg eine Alternative zur Intensität von Hardcore und öffnete die Tür für neue Musiker-insbesondere diejenigen, die die Post-Hardcore-Szene wie Minutemen formen würden. Große Labels nahmen es zur Kenntnis und signierte kurz Bands wie Hüsker Dü und die Ersatz, obwohl ihre Veröffentlichungen nicht mit REMs kommerzielle Leistung übereinstimmten. Trotzdem dauerte ihr Einfluss. In den späten 80ern veröffentlichen Acts wie Sonic Youth, Dinosaur Jr. und Unruhen Musik durch Indie -Labels, und bis zum Ende des Jahrzehnts hatten Sonic Youth and Pixies selbst bei den Majors unterschrieben.

Um diese Zeit wurde Shoegaze zu einem Subgenre von Indie -Felsen und erweiterte sich an der von der Kette Jesus und Maria Pionierarbeit pionierischen Art. Shoegaze hat diese Textur mit Elementen von Dinosaur Jr. und Cocteau Twins verschmolzen und eine dunkle, dunstige Atmosphäre erzeugt, in der Instrumente oft zusammen verschwommen sind. Mein blutiger Valentinstag waren frühe Pioniere mit EPS und ihr Debüt ist nichts, was eine neue Welle von Bands aus London und The Thames Valley wie Chapterhouse, Moose und Lush inspirierte. Im Jahr 1990 bezeichnete Steve Sutherland von Melody Maker diese Szene als „die Szene, die sich selbst feiert“.

In der Zwischenzeit trat Madchester als Hybrid der C86-Indie-Rock, der Tanzmusik und der hedonistischen Rave-Kultur mit starkem Einsatz von Psychedelika auf. Die Bewegung in Manchester und im Mittelpunkt des Haçienda -Nachtclubs wurde 1982 inszeniert. Bis 1989 hatte Happy Mondays 'verblüffte und das Debüt der Steinrosen die Szene definiert. Bald folgten bald Acts wie die Charlatans, 808 State und Inspiral Carpets.

Der Madchester-Sound-eine Mischung aus gitarrengetriebenen Indie- und tanzbaren Beats-wurde als Indie-Tanz bekannt oder genauer gesagt das Baggy Subgenre. Einer der entscheidenden Momente der Bewegung war das Spike Island-Konzert von Stone Roses am 27. Mai 1990. Mit 28.000 Fans und einer 12-stündigen Laufzeit war es das erste große Ereignis ihrer Art, das von einer unabhängigen Band organisiert wurde.

Gleichzeitig wuchs eine eigene Szene in Stourbridge, bekannt als Grebo. Bänder gemischte Punk-, Elektronik-, Folk- und sogar Hip-Hop-Einflüsse, die einen schwereren, schmutzigeren Sound erstellen. Angeführt von Pop wird sich selbst, das Wundermaterial und Neds Atomabtauber essen, war die Bewegung nicht so sehr ein Genre wie ein lokalisierter kultureller Moment. Ihre Singles kartierten - weise! Sauger und kannst du es graben? By Pop wird sich beide in den Top 40 in Großbritannien essen - und Stourbridge wurde kurz zu einem Pilgerort für Indie -Fans.

Zwischen 1989 und 1993 fiel die Cornerstone -Alben der Grebo -Szene ab: HUP und liebte Elvis nie von The Wonder Stuff; Gott Futter und bist du normal? aus Neds Atomabtaub; Und Pop wird sich selbst essen. Dies ist der Tag ... das ist die Stunde ... das ist das! Und das Aussehen oder der Lebensstil?. Diese Bands wurden bei Reading Stammgäste, verkauften Millionen von Platten und zierten die Deckungen von NME und Melody Maker.

Was Grebo auszeichnete, war nicht nur seine vielseitigen Einflüsse, sondern die Ablehnung der polierten oder melancholischen Atmosphäre, die einen Großteil des Indie -Rocks definierte. Es umarmte Verzerrung, Prahlerei und eine härtere Kante. Ähnliche Bands aus der nahe gelegenen Leicester - Bomb Party, Gaye -Bykers über Säure, Crazyhead, Hunters Club und Scum Pups - wurden bald Teil der Bewegung und zementierten Grebs kurzen, aber lauten Platz in der Indie -Geschichte.

Der Mainstream gegen unterirdische Split in Indie Rock: Die 1990er Jahre

In den frühen neunziger Jahren explodierte die Grunge -Szene von Seattle in den Mainstream. Bands wie Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden und Alice in Chains wurden zu bekannten Namen, wobei Nirvanas Breakout -Erfolg massiv auf Indie Rock aufmerksam machte. Infolgedessen begann der Begriff Indie -Rock dem Alternativen Rock Platz zu machen - ein Etikett, das im Laufe der Zeit seine ursprüngliche konterkulturelle Bedeutung verlor. Was einst mit Unabhängigkeit und Außenseiter in Verbindung gebracht wurde, wurde für eine kommerziell schmackhaftere Version von Gitarre-gesteuerter Rock, die jetzt die Charts anführte, eine Kurzform.

Carl Swanson, der für das New Yorker Magazin schrieb, argumentierte, dass selbst der Begriff Ausverkauf in dieser neuen Landschaft an die Bedeutung verlor, als Grunge bewies, dass selbst die meisten Nischen- oder radikalen Bewegungen vom Mainstream absorbiert werden könnten. Was auftauchte, war eine zerbrochene, individualistische Kultur, die immer noch unter dem Einfluss großer Beschriftungen und Medien operierte.

Der Medienwissenschaftler Roy Shuker stellte in seinem Buch Populär Musik: Die Schlüsselkonzepte fest, dass Grunge im Wesentlichen zur Mainstream -Version der nordamerikanischen Indie -Rock -Ästhetik der 80er Jahre wurde. Er schlug vor, dass das „unabhängige“ bis dahin genauso ein Marketinginstrument geworden war wie jedes erkennbare klangliche Merkmal. Diese Verschiebung verursachte eine klare Trennung in der Indie -Rock -Welt: Einige Bands lehnten sich in die Zugänglichkeit von alternativem Rock -Radio, während andere das Experimentieren verdoppelten und fest im Untergrund blieben. Laut Allmusic wurde Indie -Rock in dieser Zeit eng definierter - und bezogen sich speziell auf die unterirdischen Handlungen, während ihre kommerziell erfolgreicheren Kollegen als alternativ umbenannt wurden.

Eine der klarsten musikalischen Reaktionen auf diese Verschiebung war Slowcore, die sich in den USA als direkten Kontrast zu Grunge's steigender Dominanz entwickelte. Während die Grenzen von Slowcore verschwommen sind, enthält es normalerweise langsame Tempos, spärliche Instrumente und melancholische Texte. Galaxie 500 - insbesondere ihr 1989er Album in Feuer - hatte einen großen Einfluss auf das Genre. Wie Robert Rubsam für Bandcamp Daily schrieb, waren sie „der Ursprungspunkt für alles, was danach kam“. Die erste Welle von Slowcore -Bändern umfasste Maler des Roten Hauss, Codein, Betthead, IDA und Low. Das Genre war nicht an eine Stadt oder eine Szene gebunden, und viele seiner Künstler entwickelten sich in einer relativen Isolation voneinander.

Um 1991 tauchte ein jüngerer, rauerer Ableger der Grebo -Bewegung auf. Diese Bänder wurden mit Fraggle gekennzeichnet-ein Name, der etwas in den Wangen angewendet wurde, um Gruppen, die stark von Punk, Nirvanas Bleichmittel, und häufig Drum-Maschinen zu verwenden. Stephen Klain von Gigwise beschrieb den Klang als "schmutzige Gitarren, noch schmutzigere Haare und T-Shirts, nur eine Mutter würde sich waschen." Zu den bemerkenswerten Fraggle -Bändern gehörten sinnlose Dinge, Mega City Four und Carter die unaufhaltsame Sexmaschine. Sie trugen den Indie -Geist, aber mit einer chaotischeren Energie und einem visuellen Stil, der trotzig unpoliert war.

Sinnlose Dinge

Der Spin -Schriftsteller Charles Aaron beschrieb Pavement und geleitet von Stimmen als "die beiden Bands, die Indie -Rock in dieser Zeit definierten und für viele immer noch das verkörpern, was der Begriff bedeutet". Beide Gruppen umfassten die LO-Fi-Produktionsstile, die ihr DIY-Ethos widerspiegelten und romantisierten. Pavements 1992er Album Slanted and Enchanted wurde zu einem Eckpfeiler des Slacker Rock Subgenre. Rolling Stone nannte es "The Inbegriff Indie -Rock -Album" und nahm es in ihre Liste der 500 größten Alben aller Zeiten auf.

In North Carolinas Forschungsdreieck wurde die Indie -Szene von Bands geleitet, die unterschrieben wurden, um Rekorde wie Superchunk, Archers of Loaf und Polvo zu verschmelzen. Diese Bänder prägten eine regionale Bewegung, die sowohl von Hardcore-Punk als auch nach dem Punk beeinflusst wurde. Zu dieser Zeit nannten Outlets wie Entertainment Weekly Chapel Hill "den nächsten Seattle". Superchunks Single Slack Motherfucker wurde auch vom Columbia Magazine als eine definierende Hymne des Indie -Rocks der 90er Jahre und als Symbol für das Slacker -Stereotyp ins Rampenlicht gestellt.

In Großbritannien drängte der Aufstieg von Britpop viele frühe Indie -Rock -Bands in den Hintergrund. Unter der Leitung von Blur, Oasis, Pulp und Wildleder positionierten sich Britpop zunächst als unterirdische Alternativen - eine Reaktion auf die Dominanz der amerikanischen Grunge -Szene. Während Britpop Indie Rock einen Großteil seines Stils schuldete und als Teil dieser Abstammung begann, lehnten viele Bands den frühen Anti-Establishment-Geist des Genres ab. Stattdessen brachten sie Indie fest in den Mainstream, mit Akten wie Unschärfe und Zellstoff, die sich an wichtige Etiketten unterschreiben.

In ihrem Aufsatz am Punkt? Die Politik Großbritanniens in „New Britain“, der akademische und der Politiker Rupa Huq, argumentierte, dass Britpop „als Ableger der unabhängigen Musikszene Großbritanniens begann, sie aber letztendlich getötet habe, als Indie und der Mainstream konvergierten - das Protestelement, das die britische Indie -Musik einmal definiert hatte.“ Der Musikjournalist John Harris verfolgte die Ursprünge von Britpop bis zum Frühjahr 1992, als Blurs vierte Single Popscene und Suede's Debütsingle The Dtruners fast gleichzeitig veröffentlicht wurden. "Wenn Britpop irgendwo anfing", schrieb er, "war es in der Welle der Anerkennung, die die frühen Singles von Sudede begrüßte: mutig, triumphierend und unverkennbar britisch." Wildleder war der erste einer neuen Welle von Gitarrenbuden, die von der britischen Musikpresse als Antwort auf Seattle's Grunge angenommen wurden. Ihr selbstbetiteltes Debütalbum wurde zu dieser Zeit zum am schnellsten verkauften Debüt in der Geschichte in Großbritannien.

Diversifizierung von Indie -Rock

Das Debütalbum von Sunny Day Real Estate (1994) half bei der Einführung einer neuen Welle von Emo, indem er emotionale Themen mit Indie -Rock -Ästhetik verschmilzt. Neben Bands wie Piebald, The Promise Ring und Cap'n Jazz distanzierte sich Emo von den Hardcore-Wurzeln und entwickelte sich zu einem melodischeren und strukturell verfeinerten Genre.

Diese neuere Version von Emo brach in den frühen 2000er Jahren mit Platin-Verkauf-Alben wie Jimmy Eat Worlds Bleed American (2001) und dem Dashboard Confessional in den Mainstream ein. Eine besonders einflussreiche Tasche dieser Bewegung tauchte im Mittleren Westen auf, wo Bands wie American Football schimmernde Gitarrentöne und Mathematikelemente zu einem deutlichen Sound vermischten. Emos steigende Popularität trug auch dazu bei, die Sichtbarkeit für „Zwischen“ -Acs wie Death Cab für Cutie, bescheidene Maus und Karate zu steigern-Bands, die nicht genau in Emo oder Indie passten, aber irgendwo in der Überlappung gedieh.

In der Zwischenzeit brachten das Elefant 6 -Kollektiv mit Äpfeln in Stereo, Beulah, Kreislaufsystem, Elf Power, The Minders, Neutral Milk Hotel und der Olivia Tremor Control - eine psychedelische Wendung in Indie Rock. In Gimme Indie Rock bezeichnete der Autor Andrew Earles das Kollektiv - insbesondere neutrale Milchhotel auf Avery Island (1996) - und hielt Indie in einer Zeit, in der andere unterirdische Bewegungen anfingen, zu verblassen oder Mainstream zu gehen, künstlerisch relevant.

Indietronica (oder Indie Electronic) entwickelte sich als weiterer Fusionspunkt, in dem Indie -Gesteinsstrukturen mit elektronischer Produktion kombiniert wurden - Stichproben, Synthesizer, Drum -Maschinen und Software. Indietronica beschrieb eher ein spezifisches Genre in den frühen 90ern, die auf Krautrock, Synth-Pop und experimentelle Traditionen wie die BBC Radiophonic Workshop eine breitere Bewegung beschrieb. Zu den Grundlagen gehörten die britischen Disco -Inferno, Stereolab und Weltraum in Großbritannien, wobei die meisten Künstler an Etiketten wie Warp, Morrmusik, Sub -Pop oder Geister- und Geisterwehr gebunden waren.

Space Rock, ein weiterer Zweig von Indie, ließ sich von psychedelischen Rock, Umgebungstexturen und den kosmischen Stilen von Pink Floyd und Hawkwind inspirieren. Beginnend mit den Raumleuten 3 in den 80ern erweiterte der Stil durch Bands wie Spiritualized, Flying Saucer -Angriff, Gott, Sie! Schwarzer Kaiser und Quickspace, kombiniert Drohne, Atmosphäre und Indie -Struktur.
Als Britpop Ende der 90er Jahre verblasste, schnitt Post-Britpop in britischem Indie-Rock einen eigenen Platz aus. Um 1997 wuchs die Desillusionierung mit coolen Britannia, und die Bands distanzierten sich vom Britpop -Label - auch als sie stilistische Verbindungen aufbewahrten. Mit Britpop im Niedergang erhielten neue Bands breitere kritische und öffentliche Anerkennung. Die Urban Hymns des Verve (1997) war ein globaler Hit und markierte ihren kommerziellen Gipfel, bevor er 1999 aufgeteilt war. Radiohead hatte inzwischen bescheidene Erfolge mit den Bends (1995), brach jedoch mit OK Computer (1997) durch, gefolgt von dem genrefestigen Kid A (2000) und Amnesiac (2001) (2001), Earning Breitread Acclim.

Stereophonics gemischtes Post-Grunge und Hardcore-Einflüsse auf Alben wie Word Get Round (1997) und Performance and Cocktails (1999), bevor sie sich auf die Ausbildung (2001) in Richtung melodischerer Songwriting wechseln, und spätere Veröffentlichungen.

Feeder, ursprünglich in American Post-Grunge verwurzelt, fand auf ihrer Breakout-Single Buck Rogers und dem Album Echo Park (2001) einen schwereren, radiofreundlicheren Sound. Nach dem Tod des Schlagzeugers Jon Lee bewegte sich die Band mit Comfort in Sound (2002) in eine introspektivere Richtung, die zu ihrer kommerziell erfolgreichsten Indie -Rock -Veröffentlichung wurde und eine Reihe von Hit -Singles hervorbrachte.

Die kommerziell dominanteste Indie-Rock-Band des neuen Jahrtausends war Coldplay, dessen erste beiden Alben-Parachts (2000) und A Blood to the Head (2002)-Multi-Platinum gingen, um ihren Platz als globale Superstars zum globalen Superstars zu dem Zeitpunkt zu zementieren.

Der Mainstream -Aufstieg von Indie -Rock: Die 2000er Jahre

Die Wiederbelebung des Postpunks und der Garage Rock

Der Anstieg von Indie Rock ins Rampenlicht in den 2000er Jahren begann mit den Strokes und ihrem Debütalbum von 2001 Is This It. Die Band kanalisiert den Geist der 60er und 70er Jahre wie The Velvet Underground und The Ramones und zielte auf ihre eigenen Worte, wie „eine Gruppe aus der Vergangenheit, die in die Zukunft reiste, um eine Platte zu machen“. Während das Album Platz 33 in den USA erreichte, blieb es zwei Jahre in den Charts und debütierte auf Platz 2 in Großbritannien. Zu dieser Zeit wurde Mainstream-Rock von Post-Grunge, Nu-Metal und Rap-Rock dominiert, wodurch sich die rohen Rohestock-Revival der Stroke wie ein scharfer Kontrast anfühlen-und einen Hauch frischer Luft.

Der Erfolg der Band trug dazu bei, dass andere New Yorker Acts mit Vintage -Einflüssen, darunter Yeah Yeah Yeahs, Interpol und TV im Radio, ins Rampenlicht gerichtet waren. Diese Garage-inspirierte Welle umfasste auch die weißen Streifen, die Reben und die Bienenstöcke, die von den Medien schnell als „The“ -Bands bezeichnet wurden. Rolling Stone eroberte den Moment mit dem Deckung im September 2002: "Rock ist zurück!"

Die Dynamik aus den Schlägen löste auch eine Wiederbelebung im verblassenden Nach-Britpop-Untergrund Großbritanniens aus. Inspiriert von ihrem Sound begann eine Welle britischer Bands, ihren Ansatz zu überarbeiten. Zu den frühen herausragenden herausragenden Leistungen gehörten Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, The Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs und die anderen. Aber die 1997 gegründeten Libertinen wurden als direkte Antwort des Vereinigten Königreichs auf die Schläge angesehen. Allmusic beschrieb sie als "eine der einflussreichsten britischen Bands des 21. Jahrhunderts", während der Independent feststellte: "Die Libertines wollten sich eine wichtige Indie -Rock -Band haben, hätten aber nicht vorhersagen können, wie sehr sie die Szene formen würden."

Die Libertines mischten Einflüsse aus dem Zusammenstoß, den Knichtern, den Smiths und dem Jam und bildeten einen Klang aus dünnen, dreifachen Gitarren und Texten über das britische Leben, die unverkennbar englische Akzente gesungen haben. Ihr Stil breitete sich schnell auf Bands wie die Fratellis, die Kooks und die Aussicht aus, die alle einen großen kommerziellen Erfolg fanden. Aber keine Gruppe hatte einen größeren Einfluss als arktische Affen aus Sheffield - eine der ersten Bands, die die Macht der sozialen Medien zum Aufbau einer Fangemeinde nutzen. Ihr Debüt von 2006, was auch immer die Leute sagen, ich bin nach zwei Singles Nr. 1 nicht das am schnellsten verkaufte Debütalbum in der britischen Chart-Geschichte.

Diese Welle der Popularität hat dazu beigetragen, traditionell unterirdische Handlungen in den Mainstream zu bringen. Die guten Nachrichten von Modest Mouse für Menschen, die Bad News (2004) lieben (2004), brachen in die Top 40 in den USA und erhielten eine Grammy -Nominierung. Bright Eyes landete 2004 zwei Singles Nr. 1 auf der Billboard Hot 100 -Einzelverkaufstafel. Death Cab für Cutie's Plans (2005) debütierte auf Platz 4 in den USA, blieb fast ein Jahr auf der Billboard -Chart, ging Platin und verdiente sich auch ein Grammy -Nicken. Mit „Indie“ plötzlich überall - von Musik zu Mode und Film - begannen einige Kritiker zu argumentieren, dass der Begriff seine Bedeutung insgesamt verloren hatte.

In der Zwischenzeit sahen die USA eine zweite Welle von Indie -Bands, die die globale Anerkennung erreichten. Gruppen wie die Black Keys, Könige von Leon, die Schienbeine, die Tapferkeit, der Löffel, der Halt und der National waren sowohl kritischen als auch kommerziellen Erfolg. Der größte Ausbruch des Haufens waren die Mörder, die 2001 in Las Vegas gegründet wurden. Nachdem sie das gehört hatten, haben sie einen Großteil ihres frühen Materials abgeworfen und es mit dem Einfluss des Schlaganfalls umschrieben.

Ihre Debütsingle Mr. Brightside wurde zu einem Phänomen. Ab April 2021 hatte der Track 260 Wochen (fünf Jahre) in der britischen Singles -Charts verbracht - länger als jedes andere Lied. Bis 2017 erschien es in der Chart 11 der letzten 13 Jahre, einschließlich eines 35-wöchigen Laufs, der in den Jahren 2016–2017 Platz 49 erreichte. Bis Ende 2018 war es der meistgestaltete Indie-Rock-Song in der Geschichte des Vereinigten Königreichs und wurde noch Hunderte von Male pro Woche im Jahr 2017 heruntergeladen. Im März 2018 traf Herr Brightside einen weiteren Meilenstein: 200 kumulative Wochen in den Top 100 in Großbritannien.

Die Ausbreitung von Indie -Felsen und der Aufstieg der Deponie -Indie

Der Erfolg von Bands wie The Strokes, The Libertines und Bloc Party löste eine Welle des Interesses aus wichtigen Labels in der Indie -Rock -Szene aus - ein Trend, der sich nur nach arktischen Monkeys -Breakout intensivierte. In den Jahren nach der Veröffentlichung, was die Leute sagen, ich bin, dass ich das nicht bin. Viele dieser Akte boten eine formelhaftere, verwässerte Übernahme des Klangs ihrer Vorgänger.

Am Ende des Jahrzehnts bezeichneten Kritiker diese Welle als „Deponie -Indie“ - ein Begriff, der von Andrew Harrison des Word -Magazins geprägt wurde, um die Flut von nicht unterscheidbaren Gitarrenbändern zu beschreiben, die den Mainstream überfluten. In einem Vice -Artikel von 2020 wurde Razorlight -Frontmann Johnny Borrell als "der einzige Mann, der Definitionen und Lebendungen von Mülldeponie" bezeichnet. Obwohl Razorlight gegen die rohe Energie und das mythische Hass-Hass-Chaos der Libertinen stürmte, wurde er als emblematisch für eine Band angesehen, die die Oberfläche, aber nicht die Seele, der Bewegung-„beeindruckend durchschnittlich“, wie das Stück es ausdrückte.
In einer Guardian -Kolumne von 2009 erklärte der Journalist Peter Robinson die Deponie -Indie -Ära offiziell für tot. Er zog die Wombats aus und suchte nach Mädchen, und Joe Lean & The Jing Jang Jong als die letzten Nägel im Sarg. "Wenn eine Mülldeponie ein Buckaroo-Spiel wäre", schrieb er, "diese drei hätten den gesamten Arsch von funkfreundlichen monotonischen, fliegenden Himmelshöhen geschickt."

Die Deponie -Indie wurde letztendlich zu einem Symbol dafür, wie Indie -Rock, einst eine rebellische Alternative zum Mainstream, gesättigt, vermarktet und seine Kante beraubt worden war.

Der anhaltende Erfolg von Indie Rock: 2010 bis heute

Der kommerzielle Erfolg von Indie Rock trug gut in die 2010er Jahre mit größeren Veröffentlichungen wie Arcade Fire's The Suburbs (2010), The Black Keys 'Turn Blue (2014), Kings of Leon's Walls (2016) und The Killers' Wonderful (2017), das sowohl in den USA als auch in den offiziellen Charts des offiziellen Albums in Großbritannien in Großbritannien überstieg. Die Vororte nahmen im Jahr 2011 sogar das Grammy für das Album des Jahres mit nach Hause. Andere Indie -Künstler - Florence und The Machine, The Decemberists und LCD Soundsystem - landeten während des Jahrzehnts in den USA Nr. 1 -Singles, während Bands wie Vampire Weekend, Bon Iver, Death Cab für Cutie, The Postal Service und Arctic Monkeys den Verkauf von Platin -Monkeys erzielten.

Das dritte Album Modern Vampires of the City (2013) von Vampire Weekend gewann 2014 das Grammy für das beste alternative Musikalbum, und 2019 beschrieb die Konsequenzautorin Tyler Clark es immer noch als „das Indie -Rock -Banner in der weiteren Musikwelt“. Arctic Monkeys 'AM (2013) wurde zu einem der größten Indie-Rock-Alben des Jahrzehnts-in der ersten Woche auf Platz 1 in Großbritannien und verkaufte 157.329 Exemplare und wurde das zweitschnellste Album des Jahres. Mit AM war die Band der erste Akt auf einem unabhängigen Label, das mit ihren ersten fünf Alben auf Platz 1 in Großbritannien debütierte. Bis Juni 2019 hatte AM 300 Wochen in der britischen Alben -Charts Top 100 verbracht. Das Album traf auch in Australien, Belgien (Flandern), Kroatien, Slowenien, Dänemark, Irland, den Niederlanden, Neuseeland und Portugal und trat in mehreren anderen Ländern die Top 10 ein.

In den USA verkaufte AM in der ersten Woche 42.000 Exemplare und debütierte auf Platz 6 auf der Billboard 200, wodurch die höchste Veröffentlichung der arktischen Affen in den Staaten mit dem höchsten Charting veröffentlichen. Bis August 2017 wurde das Album von der RIAA von der RIAA zertifiziert, wobei über 1 Million entsprechende Einheiten am 14. April 2023 in den USA verkauft wurden. Jeder Track auf dem Album wurde vom BPI mit Silber oder höher zertifiziert, wobei „Mad Sounds“ diesen Meilenstein erreichte.

Arcade Fire

In den frühen 2010er Jahren begann die 1975 mit der Zusammenführung von Indie -Rock mit Pop -Sensibilität - ein Schritt, der zunächst Kritiker polarisierte. Sie wurden bei den NME Awards 2014 als "Worst Band" ernannt, aber bis 2017 hatten sie die Auszeichnung für "Best Live Band" mit nach Hause genommen. Yasmine Summan von Alternative Press schrieb, dass es das selbstbetitelte Debüt des 1975er von 1975 sein würde, wenn 2013 und 2014 in einem einzigen Album für Fans von Indie und Alt Music zusammengefasst werden könnten. In The Guardian schuldete der Journalist Mark Beaumont der Band den „Ushering Indie Rock in den Mainstream“ und verglichen den Einfluss von Frontmann Matty Healy mit dem von Pete Doherty von den Libertines. Pitchfork listete das 1975 auch als eine der einflussreichsten Musik in der Musik seit 1995.

Der Erfolg der Band trug dazu bei, eine Welle ähnlich gestalteter Indie -Pop -Acts zu entfachen, eine Bewegung, die einige Kritiker als „Healywave“ bezeichnet haben. Zu den bemerkenswerten Namen gehörten blasse Wellen, die Asse, Joan, launische Freunde und kein Rom. Unter ihnen stach blassen Wellen kommerziell hervor. Ihr Debüt in meinem Verstand macht Geräusche auf Platz 8 in Großbritannien. Wer bin ich? (2021) Treffer Nr. 3 und unerwünscht (2022) erreichte Nr. 4.

Ungefähr zur gleichen Zeit trat Wolf Alice als Hauptkraft in der Szene auf. Ihr zweites Album Visions of a Life (2017) gewann 2018 den prestigeträchtigen Mercury -Preis und ihr drittes Blue Weekend (2021) wurde nominiert. Martin Young schrieb 2021 für Dork: "Es ist unmöglich zu übertreiben, wie wichtig Wolf Alice ist. Sie waren der Katalysator für fast jede brillante Band, über die Sie in den letzten fünf Jahren in Dork gelesen haben."

Ikonische Indie -Rockalben und Songs

Als BuzzCocks 1977 Spiral Scratch veröffentlichte, wurde es das erste Indie -Album im modernen Sinne. Die Band und die Industrie waren zunächst in bescheidenen Lauf von nur 1.000 Exemplaren gedrückt, als die Nachfrage sie zwang, 15.000 weitere zu drucken. Der Erfolg des EP war der Beginn einer wachsenden Gemeinschaft von Künstlern, die sich der Unabhängigkeit des Hauptlabelsystems verpflichtet haben.

Ein weiteres wegweisendes Indie -Album war Pearl Jams zehn. Obwohl zehn häufiger mit Grunge verbunden sind, spielten sie eine wichtige Rolle bei der Definition des Sounds der Seattle -Szene der 90er Jahre und trugen dazu bei, den Begriff „Grunge“ in die populäre Verwendung zu bringen. Wie viele Indie- und Alternativveröffentlichungen der Zeit war das Album anfangs langsam, um an Traktion zu gewinnen, und dauerte ungefähr ein Jahr, um in die Billboard -Charts einzudringen.

Lyrisch hat sich Indie Rock immer in das Geschichtenerzählen gestreckt - oft zutiefst persönlich und emotional Resonant.
Nirvanas Gerüche nach jugendlichem Geist erfasste die Angst und Verwirrung der Jugend unter Druck.

Weezer sagt, es ist nicht so die Geschichte einer von Alkohol gebrochenen Familie erzählt, die von Frontmann Rivers Cuomos Kindheit inspiriert ist.
Der Mörder der Mörder hat ein lebendiges Bild von Eifersucht und Herzschmerz gemalt - ein Mann, der von dem Gedanken heimgesucht wurde, den zu verlieren, den er an jemand anderen liebt.

Diese Songs haben mit ihrem rohen Emotion und ihrem klanglichen Experimentieren den Kern von Indie -Rock geprägt und weiterhin neue Generationen von Musikern inspirieren.

Die Zukunft des Indie -Rocks

Wenn Indie -Musik zugänglicher und Mainstream wird, glauben viele, dass die Zukunft der Musikindustrie in den Händen unabhängiger Künstler liegen könnte. Mit weniger Gatekeeper stehen Indie -Musiker frei, Grenzen zu überschreiten, neue Sounds zu erkunden und ihre eigenen Identitäten zu ihren eigenen Bedingungen zu entwickeln.

Die heutige neue Welle von Künstlern wird oft als Genre-Fluid beschrieben-die Grenzen zwischen Rock, Pop, Hip-Hop und mehr verwischen. Künstler wie Dominic Fike und Declan McKenna repräsentieren diese Verschiebung und machen Musik, die sich der einfachen Klassifizierung widersetzt. Wenn die Musikindustrie und ihre Zuhörer vielfältiger und aufgeschlossener werden, steht Indie Rock-in all ihren sich entwickelnden Formen-darauf, weiter zu wachsen, zu formen und neu zu definieren, was moderne Musik sein kann.