Wie man Musik macht

Bis vor Kurzem musste jeder, der sich für die Frage interessierte, wie man Musik macht, verstehen, dass der Prozess selbst eine sorgfältige Vorbereitung und Übung erfordert. Das Fehlen von Plug-Ins und Mehrspur-Sequenzern machte es notwendig, das Material wiederholt zu proben, bis es fast automatisch lief. Im Studio musste alles fehlerfrei, synchron und ohne Fehler abgespielt werden.

Mit dem Aufkommen von Computerprogrammen erhielten Musiker jedoch die Möglichkeit, mit nur wenigen Mausklicks mühelos mehrere Takes aufzunehmen und Tracks zu bearbeiten. Heutzutage kann man einen Hit problemlos von zu Hause aus produzieren, wie viele zeitgenössische Sänger durch ihre Erfahrungen bewiesen haben.

Was sind die Voraussetzungen, um Musik zu machen?

Zweifellos bietet ein professionelles High-End-Studio erhebliche Vorteile, wenn es um die Ausstattung geht. Diese Studios verfügen in der Regel über geräumige, schallisolierte Räume mit hervorragender Akustik sowie über hochwertige Kompressoren und Equalizer, eine große Auswahl an Mikrofonen, eine analoge Konsole, einen gut ausgestatteten Regieraum mit mehreren Monitorleitungen und vieles mehr.

Ein Heimstudio hat jedoch seine eigenen Vorteile in Bezug auf Budget und Effizienz. Wenn Sie elektronische Musik mit einem Computer und Plug-Ins erstellen, benötigen Sie keine schallisolierten Räume oder eine Vielzahl von Mikrofonen. Schließlich werden Sie kein komplettes Orchester, Schlagzeug oder einen Flügel aufnehmen. Sie müssen sich nur auf das Wesentliche konzentrieren und loslegen. Welche Ausrüstung benötigen Sie also, um ein komplettes Heimproduktionsstudio einzurichten?

• Computer;
• Sequenzer mit Plugins;
• Audio-Schnittstelle;
• Monitore;
• Kopfhörer;
• Mikrofon;
• Midi-Tastatur;
• Gitarre, Bassgitarre (falls Sie spielen);
• Gedämpftes Zimmer;
• Gestelle und Drähte.

Heutzutage müssen Sie nicht mehr Gigabyte an Software auf Ihrem Computer installieren, um Ihre eigene Musik zu komponieren. Mit einem Sequenzer wie Amped Studio können Sie Musik direkt in Ihrem Webbrowser produzieren, da alle wesentlichen Funktionen, Tools und Plug-Ins bereits enthalten sind. finden Sie einen Audio-Editor , einen MIDI-Editor , Synthesizer, Sampler und Verarbeitungseffekte. Daher ermöglicht ein Online-Sequenzer in der Realität das Arbeiten ohne zusätzliche Software.

Welche andere Ausrüstung ist zum Musizieren nicht notwendig? Monitore können durch hochwertige Kopfhörer ersetzt werden, wodurch eine akustische Raumaufbereitung entfällt. Wenn Sie kein MIDI-Keyboard haben, können Sie im MIDI-Editor einfach mit einem Bleistift Noten zeichnen. In Amped Studio können Sie sogar ganze Akkorde mit nur einem Klick zeichnen. Ein Mikrofon ist zwar für die Aufnahme von Gesang nützlich, aber nicht unbedingt erforderlich.

Daher benötigen Sie zum Musizieren lediglich einen Computer, Kopfhörer, ein Audio-Interface und eine Internetverbindung. Wer jedoch keinen Monitor oder kein Mikrofon hat, kann auch auf das Audio-Interface verzichten. Ist es möglich, Musik ganz ohne Computer zu machen? Heutzutage ist dies mit der mobilen Musikproduktion auf einem Smartphone oder Tablet möglich.

Welche Möglichkeiten gibt es, Musik ohne Computer zu erstellen?

Ein Online-Sequenzer läuft in einem Webbrowser auf einem Computer, Laptop, Tablet oder Smartphone und ermöglicht es Ihnen, jedes mit dem Internet verbundene Mobilgerät zum Komponieren von Musik zu verwenden. Diese Programme stellen keine besonderen Systemanforderungen und erfordern keinen Download von Software, Sampler-Bibliotheken oder virtuellen Instrumenten und Effekt-Plug-Ins.

Das Online-Format optimiert den Musikkompositionsprozess und ermöglicht Ihnen die schnelle Erfassung musikalischer Ideen, auch wenn Sie nicht an Ihrem Computer mit einem Sequenzer sitzen. Öffnen Sie einfach die Website auf Ihrem Smartphone oder Tablet und notieren Sie eine Melodie, einen Beat oder einen Hook. Später, wenn Sie wieder an Ihrem Computer sitzen, können Sie Ihr Projekt ganz einfach abschließen.

Amped Studio, ein Online-Sequenzer, ist unglaublich benutzerfreundlich und bietet eine breite Palette an Funktionen zur Musikkomposition. Es arbeitet im Mehrspurformat, zeichnet Audio und MIDI von externen Quellen auf und bearbeitet Audio- und MIDI-Clips. Darüber hinaus bietet es eine Vielzahl von Loops, Samplern und MIDI-Patterns sowie integrierte virtuelle Instrumente und Plug-Ins. Mit diesen Funktionen ist es bereits möglich, allein mit ihrer Hilfe Musik zu erstellen. Hier ist eine Grundausstattungsliste:

• Synthesizer;
• Probenehmer;
• Trommelmaschine;
• Kompressor;
• Equalizer;
• Verzögerung;
• Hall;
• Horus;
• Verzerrung.

Darüber hinaus ermöglicht Amped Studio den Anschluss von VSTs von einem Computer, was bei Online-Sequenzern normalerweise nicht der Fall ist. Darüber hinaus bietet es eine einzigartige Funktion, die eine gesungene Melodie in eine Folge von MIDI-Noten umwandelt. Darüber hinaus ermöglicht Amped Studio mehreren Benutzern die Zusammenarbeit an demselben Projekt von verschiedenen Computern aus, eine Funktion, die in stationären Programmen nicht häufig zu finden ist.

Diese Software ist besonders nützlich für Beatmaker, Komponisten und Songwriter, die schnell und effizient Musik erstellen möchten. Es eignet sich auch hervorragend zum Arrangieren von Musik, wobei Sänger, Gitarristen und Keyboarder die Tonaufnahmefunktion besonders nützlich finden werden. Sogar Mix-Ingenieure können die Möglichkeiten von Amped Studio nutzen, um Tracks auszubalancieren und Effekte darauf anzuwenden.

Benötigt man musiktheoretische Kenntnisse, um Musik zu machen?

Es mag Sie enttäuschen, aber für einen Musiker sind gewisse Kenntnisse der Musiktheorie unerlässlich. Die gute Nachricht ist jedoch, dass es nicht notwendig ist, sich alles zu merken. Wenn Sie in die Welt der Musik eintauchen, werden Sie auf natürliche Weise mit deren Konzepten und Gesetzen vertraut. Auch wenn Sie mit der Terminologie nicht vertraut sind, hindert Sie das nicht daran, eine Melodie zu kreieren. Manche Musiker beherrschen die Techniken und können schnell auf interessante Ideen kommen, ohne ihre technischen Namen zu kennen.

Wenn Sie Musik machen, müssen Sie zwischen Dur- und Moll-Tonleitern (und anderen Modi), Intervallen, Taktarten, Akkorden usw. unterscheiden. Möglicherweise können Sie die Stimmungen unterscheiden, die ein Quart- oder Sextton hervorruft, auch wenn Sie deren Namen nicht kennen. Es ist überhaupt nicht erforderlich, irgendwelche Begriffe zu kennen. Wenn Sie das Tempo mit einer Zahl angeben können, z. B. 120 Schläge pro Minute, warum müssen Sie sich dann merken, was „Adagio“, „Moderato“, „Allegro“ usw. bedeutet?

Viele Menschen fragen sich, ob es möglich ist, Musik zu machen, ohne die Notenschrift zu kennen. In der Realität ist es schwierig, einen Musikproduzenten zu finden, der in seiner Arbeit die Notenschrift verwendet und Punkte mit Flaggen auf dem Notensystem platziert. Schnelles Blattlesen ist nur für Orchestermusiker sinnvoll, nicht jedoch für Komponisten und Arrangeure. Obwohl Wissen Ihre Arbeit einfacher, schneller und interessanter machen kann.

Manche Leute machen Musik nach dem Zufallsprinzip und wählen Noten nach Gehör aus. Auch das ist eine Methode, aber wer mit dem Quarten- und Quintenzirkel, den Intervallen, den Bünden, der Anordnung der Kreuze und Bs in verschiedenen Tonarten vertraut ist, kann sich alle Noten leicht im Kopf vorstellen und sie schnell auf der Tastatur bzw. finden Griffbrett. Wenn es einem Musiker an Inspiration mangelt, kann er sich auf Logik und Wissen verlassen, aber das sollte ihn niemals ausbremsen. Übung sollte immer an erster Stelle stehen.

Aus welchen Bestandteilen besteht ein Lied?

Die meisten zeitgenössischen Lieder, die für ein breites Publikum konzipiert sind, basieren auf repetitiven Strukturen. Um Musik für Lieder zu komponieren, müssen Sie sich keine komplizierten Arrangements und verwickelten Handlungsstränge wie in Kriminalromanen ausdenken, außer bei Opern oder klassischen Werken. Im Folgenden sind die Hauptbestandteile eines typischen Liedes aufgeführt:

• Einleitung (Intro);
• Couplet (Vers);
• Eintritt in den Refrain (Vorchor);
• Chor;
• Wiedergabe (Brücke);
• Höhepunkt (Mitte, Aufbau);
• Austausch (Drop, Solo);
• Fazit (Outro, Coda).

Das Schreiben von Musik folgt nicht immer einem strengen Code oder einer strengen Formel. Nicht alle Stücke müssen einen Höhepunkt beinhalten oder einer bestimmten Struktur folgen. Einige Lieder enden möglicherweise mit einem Solo oder Refrain, während andere nur eine Strophe und einen Refrain mit einem fortlaufenden Arpeggiator als Begleitung wiederholen. Auch der Einsatz des Refrains ist nicht immer erforderlich. Dennoch ist es wichtig, allen Elementen der Komposition besondere Aufmerksamkeit zu schenken.

Einführung . Um Musik zu machen, gibt es keine strengen Regeln, die man befolgen muss. Einige beliebte Lieder beginnen mit einer Strophe, während andere mit einem Refrain beginnen. Die Standard-Songstruktur umfasst normalerweise ein Intro, eine Bridge und eine Coda. Das Intro kann die Melodie des Refrains, eine bestimmte Melodie oder einen der Hooks wiederholen, es kann aber auch völlig einzigartig sein.

Hauptteil . Der herkömmliche Ansatz beim Komponieren von Musik besteht darin, einfach zwischen Versen und Refrains zu wechseln und jeden Abschnitt normalerweise zwei- oder dreimal zu wiederholen. Dennoch ist es wichtig, Dynamik und Dramatik mit einzubeziehen. Die Verse sollten gedämpfter, erzählerischer und geradliniger sein und oft in tieferen Lagen gesungen werden, um die Bühne für das Hauptereignis zu bereiten. Das Hauptereignis ist der Refrain, der dynamischer, lebendiger, kräftiger, melodischer und reichhaltiger mit höheren Tönen arrangiert sein sollte. Im Wesentlichen leitet das gesamte Lied zum Refrain über.

Vorchor . Der Vorchor ist eine Komponente, die beim Erstellen von Musik oft übersehen wird. Allerdings kann die Einbindung eines Vorchors die Dramatik verstärken und die Musik faszinierender machen. Der Vorchor verändert die Stimmung der Strophe und sorgt für eine intensivere Atmosphäre. Es dient als Brücke zwischen dem friedlichen Teil und dem explosiven Teil des Liedes und bereitet den Hörer auf die Veränderung vor. Es ähnelt einer gelben Ampel und zeigt an, dass etwas Aufregendes passieren wird.

Aufbau . Diese Methode kann die dramatische Entwicklung eines Musikstücks verbessern. Es schafft einen Moment der Ruhe, einer Entschleunigung und eines Stimmungswandels. In manchen Fällen kann der Schlagzeugpart weggelassen werden, während die Gesangsmelodie typischerweise eine Veränderung erfährt. Für diesen Abschnitt gibt es verschiedene Möglichkeiten, darunter den Wechsel von Moll nach Dur, die Änderung des Rhythmus, die Erstellung eines Breakdowns oder den Übergang zu einer anderen Tonart. Es ist jedoch auch möglich, auf diesen Teil ganz zu verzichten.

Solo oder Drop . Beim Schreiben von Musik mit Gitarre ist es wichtig, endlose Soli zu vermeiden. Denken Sie daran, dass es eine bestimmte Stelle gibt, an der die Leadgitarre glänzen wird. Elektronische Stile haben normalerweise keine Soli, dafür aber Drops, bei denen die Musik von einem ruhigen oder langsamen Abschnitt zu einem kraftvollen Tanzrhythmus mit schweren Synthesizern übergeht. An dieser Stelle kann es einen Rap oder nur einen Durchlauf des Verses geben.

Coda . Typischerweise wird der letzte Teil des Musikkomponierens oft übersehen. An dieser Stelle können Sie entweder die Brücke wieder einführen, das Solo zu einem Höhepunkt bringen oder den Refrain wiederholen, um einen Abschluss für das Lied zu schaffen. Es ist deine Entscheidung. Sie haben die Möglichkeit, einen unvergesslichen Schluss zu schaffen, indem Sie einen einzigartigen und kreativen Schlussabschnitt gestalten.

Brücken und Ausschnitte . Musik zu machen, die nahtlos von einem Teil zum anderen übergeht, kann eine Herausforderung sein, und nicht alle Zuhörer werden es zu schätzen wissen. Es kann effektiv sein, nach einem kraftvollen Refrain, etwa einer Akkordfolge oder einem Solo im Steg, eine kurze Pause oder ein Zwischenspiel einzufügen. In jedem Abschnitt werden oft Drum-Fills, Hooks oder kleine harmonische Verschiebungen hinzugefügt, um das Lied interessanter zu machen und es fesselnd zu halten.

Entwicklung ist eines der Grundprinzipien des Musikmachens . Es stimmt, dass viele Lieder aus sich wiederholenden Teilen bestehen, aber das bedeutet nicht, dass sie eintönig sein müssen. Jeder Teil, einschließlich der zweiten Strophe und des Refrains, sollte noch eine gewisse Weiterentwicklung oder Variation gegenüber dem vorherigen aufweisen, um die Sache interessant zu halten. Dies kann durch das Hinzufügen neuer Elemente oder das Ändern von Dingen erreicht werden. Tatsächlich ist es ideal, bei jedem Schlag etwas Neues einzuführen, um die Spannung des Zuhörers aufrechtzuerhalten.

Wie können Sie bei den Versen für Abwechslung in Ihrer Musik sorgen? Sie können der zweiten Strophe ein melodisches Instrument mit Kontrapunkt hinzufügen, Percussion, Hintergrundgesang oder eine zweite Gitarre hinzufügen, den Bass dicker machen, die Hi-Hat leicht anpassen, das Gitarren-Arpeggio ändern, ein Füllpad einfügen oder den Bass spielen lassen zusätzliche Füllungen. Diese Techniken können auch auf den Refrain angewendet werden.

Sie müssen nicht alle diese Tricks auf einmal anwenden. Es gibt endlose Möglichkeiten, interessante Musik zu machen, und etwas Neues zu erfinden ist die Essenz der Kreativität. Je origineller und innovativer Ihre Ideen sind, desto besser. Aber auch Wiederholungen sind wichtig, damit Ihr Song im Gedächtnis des Zuhörers hängen bleibt.

Der Prozess des Musikmachens erfordert ein Gleichgewicht zwischen der Verwendung bewährter Techniken und dem Experimentieren mit neuen. Es geht darum, Erwartungen zu wecken und diese dann zu untergraben, um den Zuhörer zu fesseln. Wiederholung erzeugt einen hypnotischen Effekt, der den Zuhörer in seinen Bann zieht, aber ein Ausbrechen aus diesem Muster kann ihn überraschen und begeistern. Letztendlich geht es darum, das Hörerlebnis durch den sorgfältigen Einsatz von Wiederholungen und Variationen zu steuern.

Instrumentierung und Arrangement . Aus einer dynamischen Perspektive haben wir untersucht, wie man Musik macht, indem man die Instrumente und Instrumentengruppen in einem synchronen Aspekt betrachtet. Jedes Lied verfügt über einzigartige Instrumente, die während der gesamten Komposition zum Einsatz kommen. Der Kern des Liedes sollte nicht verändert werden, da es sonst unzusammenhängend klingt. Woraus besteht dieser Kern?

Die Instrumentierung eines Liedes kann in mehrere Schlüsselkomponenten unterteilt werden, darunter:

• Hauptinstrument, das entweder Gesang oder ein Lead-Synthesizer sein kann und als Mittelpunkt des Songs dient;
• Rhythmusgruppe, bestehend aus Schlagzeug und Bass, die den grundlegenden Groove und Puls der Musik liefern.;
• Unterstützende Instrumente, zu denen Rhythmusgitarre, Klavier, Orgel oder andere Instrumente gehören können, die harmonische und rhythmische Unterstützung bieten;
• Zweites Soloinstrument, das eine Leadgitarre, ein Synthesizer-Lead, der mit dem Hauptinstrument interagiert, oder ein anderes Melodieinstrument sein kann, das für den Drop oder andere Abschnitte verwendet wird;
• Füller, zu denen Pads, Effekte, Percussion und andere Elemente gehören, die der Musik Textur und Atmosphäre verleihen.

Um angenehme und zusammenhängende Musik zu schreiben, müssen alle Teile in der gleichen Tonart aufgebaut sein und Dissonanzen sollten vermieden werden. Wenn zwei Instrumente gleichzeitig dissonante Intervalle wie Tritonus oder Septimen spielen, kann dies für das Ohr unangenehm sein. Wenn diese Intervalle jedoch von einem einzelnen Instrument in einem bestimmten Stil und Kontext gespielt werden, können sie großartig klingen. Darüber hinaus sollten rhythmische Verwirrungen vermieden werden.

Beim Musizieren geht es darum, Instrumentallinien miteinander zu verweben, wobei nur die Vorstellungskraft des Komponisten Grenzen setzt. Dialog und gemeinsame Melodie zwischen Instrumenten sowie Unisono-Spiel sind gängige Techniken, insbesondere zwischen Gitarre und Bass. Um einen klaren Beat zu erzeugen, sollten alle Elemente an den Rhythmus angepasst werden, wobei die Bassgitarre oft teilweise die Gesangsmelodie wiederholt und das Schlagzeug den Rhythmus antreibt.

Beim Schreiben von Musik ist es wichtig, sich an Stilnormen zu halten, aber es gibt immer Raum für Experimente. Beispielsweise ist der Funk-Bass dafür bekannt, Synkopen zu verwenden, und im Metal bildet ein sich wiederholendes Riff anstelle von Akkorden das Muster des Songs.

Das Verständnis der Musiktheorie ist für eine effektive Komposition unerlässlich, es ist jedoch wichtig, sie im Kontext der praktischen Anwendung zu erlernen. Technische Begriffe wie „Synkope“, „schwacher Schlag“, „Septima“ und „Kontrapunkt“ bedürfen möglicherweise einer Klärung, aber die Beherrschung dieser Begriffe durch bewusstes Üben ist der Schlüssel zum Behalten des Wissens.

Wie entsteht das Lied?

Auch heute noch ist das Schreiben von Musik eine herausfordernde Aufgabe. Für den Durchschnittsmenschen ist die Komposition selbst der magischste, komplexeste und entscheidendste Aspekt des Prozesses. Dies gilt möglicherweise für Autoren, die ihre Musik nicht unabhängig produzieren. Doch bevor ein Song einem breiten Publikum zugänglich gemacht wird, durchläuft er in der Realität mehrere Stufen der Verfeinerung. Zur Verfeinerung einer groben Idee sind mehrere Schritte erforderlich:

• Songwriting;
• Anordnung;
• Tonaufnahme;
• Bearbeitung;
• Mischen;
• Beherrschen.

Im Idealfall sind am Entstehungsprozess von Musik unterschiedliche Rollen beteiligt: ​​Der Autor schreibt die Musik, der Arrangeur kümmert sich um das Arrangement, der Tontechniker kümmert sich um die Aufnahme, der stellvertretende Tontechniker kümmert sich um den Schnitt, der Tontechniker kümmert sich um die Mischung , und schließlich erledigt der Mastering-Ingenieur den letzten Feinschliff. In der Realität arrangiert der Autor seine Songs jedoch häufig selbst und möglicherweise ist nur ein Tontechniker für die Aufnahme, Bearbeitung und Mischung verantwortlich.

Songwriting . Die Person, die die Musikkomposition erstellt, wird als Autor bezeichnet. Der Autor ist für die Gestaltung der Gesangsmelodie und die Erstellung einer Grundbegleitung entweder auf dem Klavier oder der Gitarre verantwortlich. In dieser Phase kann eine andere Person das Schreiben des Liedtextes übernehmen. Sobald die Grundlage für den Song geschaffen ist, schickt der Autor den Rohentwurf in der Regel zur weiteren Verfeinerung an einen erfahrenen Arrangeur.

Anordnung . In Wirklichkeit findet der magischste Teil des Musikschaffens in der Arrangierphase statt. Der Arrangeur ist für die Auswahl der Instrumente, die Finalisierung der Harmonien, die Entwicklung musikalischer Ideen sowie die Gestaltung von Übergängen und Hooks verantwortlich. Erst wenn das Arrangement abgeschlossen ist, erwacht die Musik in ihrer ganzen Pracht zum Leben.

Tonaufnahme . Sobald das Arrangement fertig ist, müssen mindestens klare Vocals aufgenommen werden. Wenn Sie Musik mit Live-Instrumenten geschrieben haben, müssen Sie auch Schlagzeug, Gitarren, Violinen, Trompeten, Flügel und alle anderen Instrumente aufnehmen, die der Arrangeur in das Lied einbezogen hat. Dafür braucht es sowohl Musiker als auch ein Aufnahmestudio.

Bearbeiten . Die Quantisierung von MIDI-Parts ist ein unkomplizierter Vorgang, der Umgang mit Mikrofonspuren kann jedoch eine Herausforderung sein. Auch wenn Sie nur mit Gesangsaufnahmen arbeiten, müssen Sie die Aufnahmen sorgfältig auswählen, deren Timing und Lautstärke anpassen, etwaige Tonhöhenprobleme korrigieren und unerwünschte Geräusche wie Klicks, Knallgeräusche und Hintergrundgeräusche entfernen.

Mischen . Sobald alle Spuren perfekt ausgefeilt sind, beginnt der Tontechniker mit der Bearbeitung. Sie passen die Lautstärke an und nutzen Equalizer, Kompressoren, Sättiger und Hall, um die Tracks zu bearbeiten. Dies ist ebenfalls ein zeitaufwändiger Prozess, und manchmal kann das Mischen genauso herausfordernd sein wie das Komponieren der Musik.

Meistern . Wenn der Tontechniker mit der Arbeit an mehreren Spuren fertig ist, erhält der Mastering-Ingenieur eine einzige Datei – den fertigen Mix. Ihre Aufgabe ist es, mithilfe erstklassiger Monitore, hochwertigem Equipment und einem ideal akustisch behandelten Raum den Klang zu perfektionieren.

Beförderung . Auch wenn es in dieser Phase nicht um den eigentlichen Prozess des Musikschreibens geht, ist sie dennoch von entscheidender Bedeutung. Es ist wichtig, ein bestimmtes Budget für Werbung, Promotion-Kampagnen und die Veröffentlichung des Songs auf Streaming-Plattformen bereitzustellen. Ohne angemessene Werbung kann sogar ein potenzieller Superhit unbemerkt bleiben. Daher ist es wichtig, dies bei der Arbeit an Musik zu berücksichtigen.

Einige Tipps, die Sie sich merken sollten

1. Lassen Sie sich nicht von der Theorie zurückhalten . Es ist einfach, mit dem Schreiben von Musik zu beginnen, wenn man nicht denkt, dass man nicht genug weiß oder nicht über die nötigen Fähigkeiten verfügt. Verwenden Sie die Theorie nur bei Bedarf und beziehen Sie sich darauf, wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie mehr Wissen benötigen.
2. Analysieren Sie Ihre Lieblingslieder . Eine gute Möglichkeit, Ihre Fähigkeiten im Musikschreiben zu verbessern, ist die Analyse von Hits. Wenn Sie die Logik hinter erfolgreichen Songs verstehen, können Sie lernen, wie ein Profi zu schreiben. Teilen Sie beliebte Titel auf und versuchen Sie, sie zu reproduzieren, wobei Sie sich interessante Lösungen notieren. Auch bei der Arbeit an eigenem Material kann es hilfreich sein, auf erfolgreiche Songs zu verweisen;
3. Streben Sie nach Originalität . Viele Menschen glauben, dass erfolgreiche Musikschaffende einigen universellen Regeln folgen. Wenn Sie sich jedoch ein paar zeitlose Hits ansehen, werden Sie feststellen, dass jeder von ihnen seinen eigenen, einzigartigen Geschmack hat. Scheuen Sie sich daher nicht vor Experimenten und versuchen Sie, etwas zu finden, das das Publikum durch seine Originalität fesselt;
4. Achten Sie auf Trends . Erwägen Sie, die Vorlieben des heutigen Publikums zu erkunden, um Musik zu schaffen, die beliebt ist. Während es wichtig ist, Ihrem eigenen Musikstil treu zu bleiben, können Sie sich auch inspirieren lassen, indem Sie herausfinden, was bei den Zuhörern auf dem heutigen Markt Anklang findet.
5. Einfach Musik schreiben . Verlieren Sie sich nicht zu lange mit dem Arrangieren von Musik. Versuchen Sie, den Vorgang schnell abzuschließen, und vermeiden Sie, dass Sie dabei stecken bleiben. Viele Musiker haben mit unvollendeten Demos zu kämpfen, weil sie damit beschäftigt sind, sie perfekt zu machen. Es ist wichtig zu wissen, wann der Abschluss Vorrang vor dem Perfektionismus haben sollte.

Der wichtigste Ratschlag ist, Maßnahmen zu ergreifen. Warten Sie nicht, bis Sie ein perfektes Verständnis der Musiktheorie haben, sondern kaufen Sie teure Geräte oder Plugins. Durch Praxis und Erfahrung lernen Sie mehr als jedes theoretische Wissen oder Werkzeug.

Wenn Sie keine Studiomonitore haben, verwenden Sie Kopfhörer. Wenn Sie sich keine Software leisten können, nutzen Sie den kostenlosen Sequenzer. Heute können Sie mit dem Online-Musikmachen , indem Sie einfach Ihren Computer einschalten. Sie werden irgendwann die Ausrüstung erwerben, die Sie sich wünschen, aber in der Zwischenzeit konzentrieren Sie sich darauf, das zu nutzen, was Ihnen zur Verfügung steht, um Ihre Fähigkeiten weiterzuentwickeln. Wer weiß, vielleicht sind Sie bereits ein großartiger Produzent, wenn Sie Ihre Traumausrüstung bekommen. Es liegt ganz bei Ihnen.