Consejos para escribir canciones

1. Letra y Melodía

La creación de canciones populares y de calidad comienza mucho antes de entrar al estudio de grabación. La base de una composición exitosa son buenas letras y melodías pegadizas. Incluso el micrófono vocal más sofisticado no podrá guardar una pista si la letra es aburrida y la melodía poco memorable.

Siempre me sorprende cuántos músicos locales empiezan a hablar sobre equipos y técnicas de grabación incluso antes de escribir la canción. Antes de que puedas siquiera pensar en grabar, necesitas tener una buena canción. No puedes grabar algo que aún no existe.

Si bien el término "éxito" es muy subjetivo, creo que las canciones exitosas tienen algunas características clave.

Ingrediente 1: una melodía memorable

La melodía es lo que hace que una canción sea memorable y se quede grabada en la mente del oyente. Si su línea melódica es demasiado simple o aburrida, se olvidará rápidamente. Intenta crear una melodía que sea fácil de recordar y que te dé ganas de repetirla una y otra vez.

Ingrediente 2: Letras memorables

La letra de una canción debe estar indisolublemente ligada a la melodía. No es necesario que sean pensamientos filosóficos profundos, solo una línea o frase fuerte que se quede grabada en la mente del oyente. Una buena letra combinada con una melodía pegadiza le dará a tu canción la memorabilidad necesaria.

Ingrediente 3: un elemento inusual

La mayoría de las canciones siguen una estructura estándar: verso, estribillo, verso, estribillo, etc. Si bien esto es completamente normal, agregar un elemento inusual puede hacer que tu canción sea única. Podría tratarse de un cambio inesperado en el arreglo, un instrumento inusual o una técnica vocal única. A los oyentes les encantan los momentos que les hacen decir: "¡Guau!".

Independientemente del género, ya sea EDM, rock, jazz o pop, tu objetivo es crear una melodía pegadiza, una letra memorable y al menos un elemento inusual en la canción. Esta es una tarea difícil, pero con la experiencia viene la habilidad: cuanto más trabajas en las canciones, mejores se vuelven.

Recuerda que crear música es un trabajo que requiere constancia y diligencia. No te quedes sentado esperando a que llegue la inspiración: trata la composición como un trabajo y verás cómo tus composiciones empezarán a mejorar. Puedes convertirte en un gran compositor si trabajas duro y aplicas estos tres ingredientes clave.

2. Disposición y planificación

Los músicos a menudo subestiman y, a veces, ignoran por completo la etapa de trabajo en el arreglo y la planificación de una canción. Sin embargo, es en esta etapa donde se sientan las bases para una pista exitosa, e ignorarla puede afectar significativamente el resultado final.

Arreglar y planificar no se trata sólo de elegir instrumentos y sonidos. Es todo un proceso que incluye decisiones sobre cómo y cuándo sonarán diferentes elementos de la canción. El objetivo de los arreglos no es sólo agregar variedad, sino crear una narrativa musical dinámica que mantenga la atención del oyente de principio a fin.

Piensa en cómo se percibirá tu canción si se reproduce en la radio. ¿Qué posibilidades hay de que el oyente se quede contigo después del primer verso y el estribillo si la canción no ofrece nada nuevo? Si la canción suena monótona, sus oyentes pueden perder rápidamente el interés.

Los éxitos modernos a menudo evitan la monotonía gracias a arreglos cuidadosamente pensados. Los compositores utilizan diversas técnicas para asegurarse de que cada escucha aporte algo nuevo. A continuación se muestran algunos métodos que ayudan a mantener la atención de la audiencia:

• Efectos vocales: por ejemplo, usar efectos de tubo o distorsión para crear un sonido único;
• Percusión: Agregar maracas, panderetas y otros elementos de percusión;
• Nuevos instrumentos: introducción de sintetizadores, cuerdas o pads;
• Partes Vocales: Introducción de partes vocales o armonías adicionales;
• Cambios de arreglo: agregar nuevas partes de guitarra o cambiar las existentes;
• Cambios de tempo: ralentizar o cambiar el tempo en momentos clave.

Cada cambio debe colocarse estratégicamente en puntos importantes de la canción. Por ejemplo, puedes comenzar con un arreglo completo para el primer verso y luego pasar a un arreglo más simple con solo las voces y las guitarras. O puedes dividir la canción en secciones donde cada sección tenga su propio espacio sonoro, creando variedad e interés.

El objetivo de un arreglo es llevar al oyente a un viaje musical emocionante y único. No querrás simplemente repetir lo mismo una y otra vez, sino ofrecer una perspectiva nueva e interesante en cada punto de la canción.

El proceso de creación de un arreglo requiere la capacidad de encontrar un equilibrio entre utilizar todos los elementos disponibles y evitar la redundancia. Es necesario comprender cuándo y cómo introducir nuevos elementos para mantener al oyente interesado y no abrumarlo. Esto requiere una planificación cuidadosa y un enfoque cuidadoso de cada sección de la composición.

Toma tu canción y estúdiala detenidamente. Determina qué cosas nuevas e interesantes puedes ofrecer en cada sección. Una vez que pueda aislar y analizar las diferencias y los momentos únicos en su composición, estará listo para el siguiente paso.

3. Grabación

Una vez que tu canción está lista y se han elaborado los arreglos, llega la etapa de grabación, que determina en gran medida el éxito de tu canción. Esta etapa, conocida como seguimiento, es crítica y requiere un enfoque serio. Aunque muchos músicos creen que la verdadera magia ocurre en la etapa de mezcla, la grabación debe tomarse con la misma atención.

En esta etapa las ideas se hacen realidad y la calidad de la grabación incide directamente en el resultado final. Pero a menudo los estudios caseros se enfrentan al problema del descuido y las prisas, que pueden empeorar significativamente el producto final. ¡No dejes que esto suceda!

Aquí hay tres reglas clave que lo ayudarán a lograr mejores resultados durante el proceso de grabación:

1. Tome su tiempo. La grabación debe ser exhaustiva y reflexiva. Cada sonido, cada nota es importante. Asegúrese de dedicar suficiente tiempo a configurar su equipo y verificar el sonido antes de comenzar a grabar;
2. Acérquese a la grabación con cuidado. Utilice cada toma para mejorar el sonido. No trates la grabación como una simple fijación: es la base de tu pista. Un material bien grabado facilitará el trabajo en las siguientes etapas y mejorará la calidad del producto final;
3. Comprueba la calidad de la grabación. Escuche periódicamente los materiales grabados para asegurarse de que sean de buena calidad. Si algo no está bien, no tengas miedo de volver a grabar. Esto ayudará a evitar muchos problemas durante la mezcla y masterización.

No olvides que el seguimiento no es sólo un proceso técnico, sino una etapa importante que marca el tono de toda tu composición. Acércate con seriedad y cuidado y verás cómo tu pista empezará a sonar exactamente como quieres.

Regla 1. La ubicación del micrófono es clave para una grabación exitosa

No se trata sólo de elegir el micrófono adecuado, sino también de colocarlo correctamente. La posición del micrófono en la sala puede marcar una gran diferencia en el sonido. Incluso un ligero cambio en la distancia desde la fuente de sonido puede tener un impacto notable en el resultado final. No te limites a los métodos estándar, como colocar el micrófono directamente frente al amplificador. Tómese el tiempo para experimentar hasta encontrar la ubicación óptima que transmita con mayor precisión la imagen de sonido que desea lograr.

Regla 2. No te excedas con el volumen

Uno de los errores más comunes es grabar a los niveles más altos posibles. Muchos músicos creen que necesitan grabar lo más alto posible, pero esto puede provocar distorsión. Establezca el nivel de entrada entre el 50 y el 75 % del valor máximo para evitar recortes y mantener la grabación limpia. Esto permitirá que sus instrumentos suenen claros y musicales.

Regla 3. Acérquese a la grabación como un productor

En un estudio, además del ingeniero, suele haber un productor que determina cuál debe ser el sonido final. Tendrás que asumir ambos roles: ingeniero y productor. Antes de comenzar a grabar, determine qué sonido desea lograr. Crea una imagen sonora de la canción en tu mente y trabaja para transferirla a la grabación.

Prueba a utilizar una técnica para desarrollar tus habilidades como productor: elige tres canciones favoritas y describe su sonido usando adjetivos. ¿Cómo suenan los tambores? ¿Cómo son las voces? Esto le ayudará a comprender mejor el sonido que desea lograr.

Seguir estas reglas le ayudará a conseguir un sonido de calidad, aunque el proceso de grabación pueda llevar tiempo y práctica. Recuerda que la grabación es un arte que se desarrolla con la experiencia.

4. Edición

La grabación de audio digital moderna hace que sea fácil y eficiente ajustar y mejorar su material, ya sea su propia interpretación o el trabajo de otros músicos. Esta es una mejora significativa con respecto a la era de la edición anterior a la digital, cuando el proceso era mucho más laborioso y complejo.

Antes de la tecnología digital, los ingenieros de sonido usaban navajas para cortar la cinta y unirla a mano. Hoy en día, puedes editar audio con pasos simples y rápidos en tu DAW sin perder calidad.

Sin embargo, a pesar de la simplicidad de la edición digital, el proceso requiere precaución. Una edición incorrecta puede arruinar fácilmente el sonido, convirtiéndolo en algo sin vida y antinatural. Para evitar este tipo de problemas, recomiendo dividir la edición en cuatro pasos básicos:

Paso 1. Trabajar con tomas

Casi todos los DAW te permiten grabar varias tomas de la misma parte. Por ejemplo, puedes grabar varias versiones de voces y luego seleccionar los mejores momentos para el montaje final. Antes de empezar a editar, escucha todas las tomas, identifica las mejores partes y grábalas para no perderte en el proceso.

Paso 2. Editar voces (autotune)

El uso de autoajuste y otras herramientas de corrección de tono es una práctica común en el estudio. Incluso los vocalistas experimentados pueden cometer errores al grabar, a pesar de sus habilidades escénicas. Los correctores de tono te ayudarán a eliminar pequeñas imprecisiones y mejorar el sonido. No debes confiar completamente en el autoajuste, pero puede mejorar significativamente la calidad de la grabación si se usa con prudencia.

Siguiendo estas reglas podrás editar bien tus grabaciones, conservando su expresividad y vivacidad. Recuerda que la edición es un arte que requiere práctica y atención.

Paso 3. Eliminar sonidos no deseados

Una vez que hayas terminado de montar las tomas y arreglar las voces, el siguiente paso es eliminar los sonidos no deseados. Al grabar voces, estos pueden ser sonidos no intencionales, como jadeos, suspiros y cierre de labios. Estos pequeños sonidos pueden distraer la atención de la melodía principal y hacer que la grabación suene menos profesional.

Para los instrumentos, estos pueden ser ruidos aleatorios, como sonidos de guitarra poco naturales causados ​​​​por tocar accidentalmente las cuerdas u otros sonidos extraños que hayan ingresado al campo del micrófono. He escuchado muchas canciones en las que los jadeos aleatorios del vocalista u otros ruidos no deseados han arruinado la impresión general. Dedicar un poco más de tiempo a eliminar estas pequeñas imperfecciones puede mejorar significativamente el sonido de la pista, haciéndola sonar más limpia y profesional.

Existen diferentes enfoques para este proceso: algunos ingenieros prefieren eliminar por completo todos los sonidos innecesarios, incluso los más sutiles, mientras que otros eligen un enfoque más selectivo. Utilizo un método híbrido, intentando encontrar un equilibrio. Pequeñas imperfecciones pueden añadir vida y dinámica a una pista, por lo que es importante eliminar sólo los sonidos que realmente interfieran con la experiencia.

Demasiada limpieza puede hacer que el sonido sea estéril y sin vida, mientras que muy poca atención a este paso dará como resultado un audio turbio y desagradable. Encuentra un punto medio para que tu sonido sea limpio pero no pierda su naturalidad.

Consejos de edición

Cuando trabaje con grabaciones de batería multipista, asegúrese de que todas las pistas estén agrupadas. Esto le permitirá manipular todas las pistas a la vez, evitando problemas de fase y sincronización. Recuerde también realizar un ligero fundido cruzado en cada edición para evitar clics y pops.

Paso 4: Cuantizar el bajo y la batería

Editar material grabado ofrece muchas posibilidades, pero muchas veces los músicos caen en la trampa de sobrecorregir, intentando arreglar absolutamente todo. Es importante recordar: corregir sólo aquellos elementos que realmente necesiten corrección.

Una vez que hayas terminado de limpiar las guitarras y las voces, el siguiente paso es cuantizar el bajo y la batería. Sin embargo, este proceso debe realizarse con moderación, prestando atención sólo a las inconsistencias obvias. No intentes alinear perfectamente cada golpe y cada nota con la cuadrícula. Es mejor centrarse en corregir discrepancias importantes y errores obvios y dejar el resto como está.

La regla clave al editar material grabado es darse cuenta de que cualquier corrección, incluso pequeña, puede tener un impacto significativo en el sonido general. A veces, una pequeña corrección puede mejorar significativamente una pista, pero hay casos en los que demasiadas ediciones pueden arruinar una canción. Así que trate de mantener el sonido natural y haga correcciones solo en aquellos lugares donde sea realmente necesario.

El enfoque correcto de la cuantización ayudará a mantener la pista viva y dinámica, evitando al mismo tiempo que se vuelva demasiado estéril y pierda el carácter original de la canción.

5. Mezcla de música

La grabación captura la música, la edición la mejora y la mezcla le da vida, permitiendo que las pistas trasciendan los altavoces e impresionen al oyente.

La mezcla es la etapa clave donde todos los elementos grabados se unen para formar un todo cohesivo. Utilizando panorámica, ajuste de nivel, ecualización, compresión y varios efectos, eliminas las debilidades de los instrumentos y resaltas sus fortalezas. Este proceso es fundamental para que su pista suene armoniosa y profesional.

Algunos músicos subestiman la importancia de mezclar, mientras que otros pueden pasar demasiado tiempo en este escenario. De hecho, mezclar no solo es importante, sino también un proceso bastante sencillo que no requiere un esfuerzo excesivo si se realiza correctamente.

Para lograr el sonido perfecto, con sólo pequeños ajustes “cosméticos” de volumen y panorámica restantes, vale la pena dividir el proceso de mezcla en cinco fases principales. Este enfoque le ayudará a lograr el mejor sonido de su pista de forma sistemática y eficiente.

Fase 1. Volumen y panorámica

El primer y más importante paso en el proceso de mezcla es establecer los niveles de volumen y la panorámica. Reproduzca la pista en un bucle y concéntrese en asegurarse de que cada instrumento esté correctamente equilibrado. Es importante que ningún elemento domine o llame demasiado la atención. Cada instrumento debe tener su lugar en la mezcla para que el conjunto suene armonioso y equilibrado. En esta etapa, no te distraigas con los efectos. Su objetivo principal es lograr un sonido limpio y equilibrado utilizando únicamente el volumen y la panorámica.

Fase 2. Igualación

La ecualización es una herramienta poderosa para crear un sonido limpio y agradable. Su objetivo principal es eliminar frecuencias innecesarias, resaltar los puntos fuertes de cada instrumento y crear espacio en la mezcla. Es mejor utilizar un ecualizador sustractivo, que implica eliminar frecuencias en lugar de aumentarlas. Esto ayuda a crear un sonido claro y limpio en el que cada instrumento ocupa su lugar y no ahoga a los demás. De esta manera, dejarás espacio para todos los elementos de la mezcla.

Consejo de mezcla

El principal secreto de una mezcla exitosa es el equilibrio. Si te concentras en crear un equilibrio armonioso entre todas las pistas e instrumentos, el proceso de mezcla será mucho más fácil y el resultado será más profesional.

Fase 3. Compresión

Después del EQ, pase a la compresión. Un compresor puede parecer una herramienta compleja, pero sus capacidades son enormes. Con la compresión, no sólo puedes controlar los niveles de volumen, sino también agregar densidad y dinámica a una pista. Piense en un compresor como un atenuador de volumen automático que ayuda a controlar los cambios dinámicos en una pista, haciendo que el sonido sea más equilibrado y rico.

Fase 4. Reverberación y Delay

Una vez que su mezcla esté equilibrada y mejorada con EQ y compresión, pase a efectos ambientales como reverberación y retardo. Estos efectos añaden profundidad y volumen, haciendo que la pista sea más viva y orgánica. No exagere con estos efectos, de lo contrario el sonido se volverá borroso y poco claro. La reverberación ayuda a unir todos los elementos en un solo espacio sonoro, y el retardo agrega volumen y anima aquellos instrumentos que suenan demasiado secos.

Fase 5. Automatización

La automatización es una etapa adicional, pero muy útil. Te permite hacer la pista más dinámica e interesante. Los programas modernos le permiten controlar automáticamente los parámetros de complementos, instrumentos y controles en diferentes partes de la composición. Utilice la automatización para resaltar acentos, cambiar el volumen y la panorámica de instrumentos individuales, así como para activar y desactivar efectos, lo que creará variedad e individualidad en la mezcla.

Mezclar es un arte que da vida, belleza y profundidad a un track. Para ver su impacto, compare los fragmentos antes y después de mezclarlos. Los cambios simples pueden mejorar significativamente el sonido y hacer que la composición sea más brillante y rica.

6. Masterización

Hemos llegado a una etapa clave en el proceso de creación de tu pista: la masterización. Este es el paso final antes de que tu canción esté lista para su lanzamiento.
La masterización suele ser un tema confuso para los nuevos músicos que pueden creer erróneamente que este es el proceso que hace que una pista se destaque. En realidad, la masterización es un proceso delicado y sutil que completa una pista y la prepara para su lanzamiento.

Originalmente, la masterización estaba destinada a preparar material de audio para grabar en soportes físicos, como discos de vinilo o discos compactos. Aunque el proceso se ha adaptado a los formatos digitales modernos, su finalidad sigue siendo la misma. Los profesionales de la masterización añaden toques finales como ecualización, compresión y otros ajustes para llevar la pista a la perfección.

Sin entrar en demasiados detalles técnicos, es importante comprender la esencia de la masterización: es la etapa final que garantiza que la pista suene de alta calidad en todos los dispositivos y plataformas. Este es el momento en el que se enfatizan los puntos fuertes de su composición, se eliminan las imperfecciones menores y está lista para su lanzamiento.

Paso 1: Comparar con una mezcla profesional (pista de referencia)

Una vez que hayas terminado de mezclar tu pista, es importante asegurarte de que suene como una grabación profesional. Comparar con una pista de referencia es una forma eficaz de mejorar el sonido final de tu composición.
Selecciona una pista profesional con el mismo estilo musical que el tuyo e impórtala a tu proyecto. Reduce el volumen de la pista de referencia al nivel de tu mezcla y escucha ambas pistas una por una. Esto le ayudará a identificar cualquier defecto y determinar qué mejoras son necesarias para que su pista alcance los estándares de calidad comercial.
Pequeños ajustes de ecualización en el canal maestro pueden mejorar enormemente el sonido de tu canción, acercándola a un nivel profesional y mejorando la experiencia general.

Consejos de masterización

Al aplicar cualquier procesamiento durante la etapa de masterización, como ecualización o ampliación estéreo, es importante no exceder los valores de pico permitidos (el limitador es una excepción en este caso). Recuerde que el volumen no siempre es igual a la calidad: nuestros cerebros pueden percibir los sonidos fuertes como de mayor calidad, pero esto es una ilusión. ¡Esté siempre atento a su sistema de seguimiento!

Paso 2: lograr el volumen comercial

Una vez que su mezcla haya alcanzado el nivel de una pista profesional, el siguiente paso es ajustar el volumen a los niveles estándar de la industria.

Las mezclas que suenan bien en su DAW pueden resultar demasiado silenciosas cuando se reproducen en otros sistemas. Para solucionar este problema, utilice un limitador. No necesitas ningún software adicional: tu DAW ya tiene todas las herramientas que necesitas. Configure el limitador en el canal maestro y aumente el volumen al nivel deseado para que su pista suene a la par con otras grabaciones comerciales.

Si bien la masterización es un proceso más complejo, para un estudio en casa es suficiente concentrarse en dos tareas principales: comparar su pista con una mezcla profesional y usar un limitador para lograr el nivel de sonoridad deseado. Estos pasos te ayudarán a crear pistas de calidad que estén listas para publicar.

Es hora de hacer música

Ahora tienes un plan paso a paso para crear una pista de calidad en el estudio de tu casa. Entiendes que una canción exitosa comienza con una buena canción y arreglo, y en la grabación es donde ocurre la magia. Las debilidades de los instrumentos se pueden mejorar en la etapa de mezcla.

¡Ya sólo queda empezar a hacerlo! Escribir, grabar, mezclar y publicar música constantemente es el camino hacia la maestría. Y la mejor parte de este proceso es que estás haciendo lo que amas.