드럼 프로그래밍

드럼 프로그래밍 기술을 익히는 것은 모든 음악 프로듀서의 기술 세트에서 핵심 요소입니다. 이러한 관행은 1980년대 최초의 드럼 머신의 출현과 함께 시작되었으며, 이는 빠르게 인기를 얻었으며 라이브 드러머를 대체하고 음악 제작에 드럼 사용을 확대했습니다.

오늘날 현대 음악은 리듬에 크게 의존하므로 드럼을 효과적으로 프로그래밍하는 능력은 음악 프로듀서의 성공에 큰 영향을 미칠 수 있습니다. 사람들은 의식 수준에서 깨닫지도 못한 채 본능적으로 좋은 리듬을 느낍니다. 음악 지식이 없어도 고품질 드럼 프로그래밍이 적용된 노래를 알아볼 수 있습니다.

전문 드럼 프로그래머는 세부 사항에 대한 관심의 중요성을 강조합니다. 표준 808 패턴을 사용하는 4개 바닥과 같은 기존 드럼 패턴은 진부하게 들릴 수 있습니다. 하지만 독특한 샘플, 당김음, 효과 및 기타 요소를 추가하면 참신함을 선사하고 청취자의 관심을 끌 것입니다.

우리와 함께 드럼 프로그래밍의 복잡성을 탐구하고 전문적인 기술을 프로젝트에 적용하는 방법을 배우십시오. 드럼 프로그래밍이 합성과 다르다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 비록 많은 프로듀서가 드럼 합성을 작업 흐름에 통합하더라도 항상 샘플이나 사운드를 처음부터 생성하는 것은 아닙니다. 주요 작업은 드럼 패턴을 생성 및 조작하여 순열, 루프 및 변형을 생성하는 것입니다.

우수한 드럼 프로그래밍의 중요성

하나의 드럼 루프가 다른 드럼 루프와 특별한 연결감을 주는 이유를 정확히 설명하기는 어렵지만, 이 느낌을 설명하는 가장 가까운 단어는 그루브입니다. 음악에는 그루브가 필요합니다. 그루브가 없으면 춤과 움직임의 리듬을 잡기가 어렵기 때문입니다.

당신이 만드는 거의 모든 트랙에서 그루브는 기본입니다. 예외적이거나 주변적이거나 실험적인 작업의 경우는 예외입니다. 아마도 당신의 목표는 당신의 트랙을 들으면서 사람들이 춤을 추게 만들고 그들의 움직임을 격려하는 것입니다.

다행히도 그루브를 찾는 올바른 방법은 없으며 100BPM 힙합 트랙이든 175BPM 드럼 및 베이스 트랙이든 관계없이 다양한 접근 방식이 있습니다.

드럼 프로그래밍 기초

그루브의 작동 방식을 이해하려면 드럼 프로그래밍의 기본을 배우는 것부터 시작하는 것이 중요합니다. 성공적인 그루브를 분석하고 분해함으로써 상당한 성공을 이룰 수 있습니다. 이미 언급했듯이 드럼은 거의 모든 현대 음악의 기초입니다. 프로듀서는 드럼 프로그래밍의 보다 복잡한 측면으로 넘어가기 전에 이러한 기반을 만드는 방법을 배워야 합니다.

이러한 배경을 바탕으로 일반적인 드럼 그루브의 다양한 요소와 이러한 구성 요소가 어떻게 상호 작용하여 트랙의 리듬 프레임워크를 형성할 수 있는지 자세히 살펴보겠습니다.

킥

킥 드럼 또는 킥은 종종 대부분의 드럼 그루브의 기초 역할을 합니다. 록부터 힙합, 하우스까지 다양한 장르에서 킥드럼은 우리의 시선을 사로잡고 작곡의 리듬과 연결시켜주는 요소이다. 나는 킥을 드럼 키트에서 가장 강력하고 영향력 있는 요소로 생각하고 싶습니다.

드럼 파트를 프로그래밍할 때 나는 다른 드럼 요소보다 리듬 그리드 내에서 킥을 더 엄격하게 유지하는 것을 좋아합니다. 킥은 장르와 스타일 특성을 포함하여 트랙의 음향 특성에 큰 영향을 미칩니다.

백비트

프로듀서가 일반적으로 킥 드럼 루프에 추가하는 첫 번째 요소 중 하나는 백비트입니다. 드럼 리듬의 2박자 및 4박자라고도 알려진 백비트는 일반적으로 스네어 드럼이나 클랩을 사용하여 연주됩니다. 이 요소는 당김음의 중요한 형태로 작용하여 드럼 패턴의 그루브를 정의하는 데 도움이 되는 추진력과 에너지를 추가합니다. 나중에 우리는 백비트를 조작하여 보다 자연스러운 사운드를 제공하는 방법도 살펴보겠습니다.

그릇

심벌즈는 전통적인 타악기 세트의 상위 음역을 차지합니다. 하이햇에 16분 음표나 비동기식 패턴을 사용하면 전체 드럼 패턴에 추가 에너지를 추가할 수 있으며, 크래시 심벌즈 및 기타 유형의 심벌즈는 트랙의 다양한 부분을 강조하고 다이내믹을 향상시키는 데 도움이 됩니다.

나는 이 범주에 탬버린이나 셰이커와 같은 다른 고주파 리듬 악기를 포함시키는 것을 좋아합니다. 이러한 추가 타악기를 사용하여 표준 그루브에 스윙 및 질감의 뉘앙스를 추가할 수 있습니다.

타악기 소리

셰이커와 탬버린 외에도 당김음 악센트를 추가하고, 레이어를 만들고, 드럼 패턴에 독특한 질감 요소를 추가할 수 있는 다른 많은 타악기가 있습니다. 드럼 프로그래밍 측면에서 타악기의 장점은 샘플 선택 및 배치에 대한 가능성이 넓다는 것입니다.

타악기의 범위는 봉고부터 삼각형, 나무 블록부터 마림바까지 다양합니다. 여기서 핵심은 조화롭게 서로 어울리고, 역동성을 추가하며 전체 그루브에 자연스럽게 어울리는 고품질 샘플을 선택하는 것입니다.

루프 사용을 고려해보세요

음악 제작이 처음이거나 이 기사를 읽는 중이라면 음악 제작에 루프를 사용하는 것에 대해 부정적인 인식을 접했을 수도 있습니다. 그러나 샘플링된 루프는 복잡성을 추가하고 드럼 프로그래밍에 활기를 불어넣는 데 유용한 도구가 될 수 있습니다.

또한 샘플링된 루프는 오디오와 MIDI 조합을 가르치는 데 특히 유용할 수 있다고 생각합니다. 최종 믹스에 루프를 포함할 계획이 없더라도 잘 선택된 루프는 창의성을 불러일으키고 음악 제작 과정의 속도를 높일 수 있습니다.

평판이 나쁘기 때문에 루프를 사용하지 않으면 작업 흐름에서 중요한 도구를 빼앗기고 불필요한 장애물을 만드는 것입니다.

기존의 틀을 뛰어넘는

드럼 프로그래밍의 기본 기술을 익히고 나면 드럼 프로그래밍의 고급 측면을 익히기 시작할 수 있습니다. 당김음, 독특한 리듬 패턴, 미묘한 뉘앙스를 도입하면 드럼 그루브를 한 단계 더 발전시킬 수 있습니다.

클래식 드럼 패턴으로 시작하는 것은 확실히 도움이 되지만, 시간이 지남에 따라 좀 더 색다른 드럼 프로그래밍 방법을 탐구하고 싶을 것입니다. 이렇게 하면 트랙이 눈에 띄고 나머지 음악 중에서 고유한 위치를 차지하는 데 도움이 됩니다.

당김음

당김현상(Syncopation)은 주제를 더 깊이 연구할 때 매우 유용할 수 있는 것입니다. 이 글의 목적에 맞게 당김음에 대한 간략한 개요와 이것이 어떻게 창작의 지평을 확장하고 틀에 얽매이지 않는 관점에서 음악에 접근하도록 독려하는지 설명하고 싶습니다.

백비트

두 번째와 네 번째 박자에 강세가 있는 당김음은 지난 세기에 인기를 끌었습니다. 이 스타일은 현대 음악에 너무나 뿌리 깊게 박혀 있어 한때 당김음의 선두주자가 아니었음을 상상하기 어렵습니다. 당김음에서는 전통적인 "1박과 3박"이 아닌 "2박과 4박"에 중점을 둡니다.

표준 백비트를 실험하여 원하는 대기 효과를 얻는 데 필요한 역학, 진폭 또는 기타 특성을 추가할 수 있습니다.

색다른

오프비트 싱코페이션은 일반적인 다운비트 패턴을 벗어난 리듬을 강조하는 데 사용됩니다. 심벌즈와 기타 타악기 요소는 색다른 당김음을 만들기 위해 종종 사용됩니다. 대부분의 하우스 트랙을 들어보면 하이햇에서 약간의 색다른 당김음을 느낄 수 있습니다. 이러한 하이햇은 일반적으로 1-2-3-4 카운트(1과 2, 3과 4 사이)의 "i"에 위치합니다.

보류

서스펜스 당김기는 이전 소절에서 다음 소절로 요소를 드래그하거나 연장하여 눈에 띄는 강조를 만들 수 있습니다. 이러한 유형의 당김음은 전통적인 리듬 개념을 위반하여 계단식 효과를 생성한다는 점에서 독특합니다. 이는 마디를 서로 연결하고 음악 구성에 더 큰 유연성과 유동성을 제공합니다.

놓친 히트

이런 유형의 당김음은 예상치 못한 곳에 강조점을 두기 때문에 제가 가장 좋아하는 것 중 하나입니다. 당김 건너뛰기를 사용하면 청취자가 드럼이나 타악기의 히트가 예상보다 없거나 약간 일찍 나올 것으로 예상하도록 유도하는 독특하고 독창적인 드럼 그루브를 만들 수 있습니다.

특히 트랩 음악에서는 프로듀서들이 예상치 못한 장소에 킥 드럼을 배치하여 기대감이나 긴장감을 조성하는 경우가 많기 때문에 더욱 두드러집니다.

드럼 봉투

드럼 프로그래밍의 핵심이지만 종종 간과되는 측면 중 하나는 히트 사이의 쉼표입니다. 공간과 침묵의 개념은 음악에서 중요한 역할을 하며 음악 작품을 만들 때 신중하게 고려해야 합니다.

EQ와 압축을 효과적으로 사용하지 않으면 대부분의 믹스가 조화롭게 들리지 않는다는 점을 고려하십시오. 마찬가지로, 대부분의 드럼 그루브는 엔벨로프를 주의 깊게 튜닝하지 않으면 최대 잠재력을 발휘할 수 없습니다.

예를 들어 빠른 그루브의 긴 타악기 요소는 느린 느낌이나 거리감을 만들 수 있습니다. 160BPM 트랙의 긴 드럼 샘플은 느리게 느껴질 수 있습니다.

최신 샘플러가 장착된 DAW를 사용하면 샘플의 ADSR 엔벨로프를 조작하여 더 촘촘하거나 느슨한 그루브를 만들 수 있어 드럼 배열에 꼭 필요한 공간을 제공할 수 있습니다.

빠른 트랙에서는 드럼의 지속 시간을 줄여 다른 샘플과 겹치는 것을 방지할 수 있습니다. 반면, 느린 트랙에서는 킥 지속 시간을 늘려 주요 타격 사이의 공백을 채울 수 있습니다.

이렇게 하면 그루브의 밀도와 신뢰도가 향상될 뿐만 아니라 서로 다른 샘플이 서로 겹치지 않고 들어갈 수 있도록 더 많은 공간이 생성됩니다.

멜로디 타악기

많은 드럼 프로듀서들은 멜로디 타악기가 신디사이저, 키보드 또는 기타와 같은 전통적인 멜로디 악기에 의존하지 않고 독특한 멜로디 후크를 만드는 데 중요한 역할을 할 수 있음에도 불구하고 멜로디 타악기에 충분한 주의를 기울이지 않습니다.

멜로디 타악기를 사용하여 노래에 멜로디 후크를 생성하면 그루브에 독특하고 매력적인 레이어를 추가할 수 있습니다. 제가 작곡에 자주 사용하는 접근 방식은 여러 가지가 있지만, 중요한 것은 뚜렷한 음색을 지닌 타악기를 찾는 것입니다.

스틸 드럼, 마림바 등 수많은 타악기는 멜로디를 형성할 수 있는 뚜렷한 음색을 가지고 있습니다. 간단한 멜로디와 리프를 만드는 데 사용할 수 있도록 이러한 멜로디 드럼을 트랙에 맞게 조정하는 것이 중요합니다.

멜로디 타악기를 사용하여 자체적으로 멜로디를 생성하지 않더라도 반응형 리듬 패턴을 생성하고 트랙의 특정 멜로디 또는 프레이즈와 상호 작용하거나 보컬 또는 신스 멜로디와 같은 리드용 레이어 역할을 하는 데 사용할 수 있습니다. 전반적인 에너지 구성을 향상시킵니다.

타악기는 테크노, 하우스 등의 장르에서 특히 효과적입니다. 댄스 리듬에 초점을 맞춘 스타일에서 멜로디 타악기는 멜로디를 만드는 보다 정교한 방법을 제공할 수 있습니다.

멜로디 타악기

드러머가 되어보세요

사실적인 드럼을 프로그래밍하는 핵심이지만 간단한 원칙 중 하나는 실제 드러머처럼 생각하는 것입니다. 독특하고 화려한 리듬을 실험하는 것은 재미있을 수 있지만 사실감을 얻으려면 드럼과 타악기 파트를 라이브 드러머가 연주할 수 있는지 확인해야 합니다.

인간의 능력을 넘어서는 드럼 부품을 프로그래밍하면 소프트웨어의 사용이 의도치 않게 드러날 수 있습니다. 예를 들어, 하이햇에서 150BPM으로 64노트 그루브를 연주할 수 있는 실제 드러머는 거의 없지만 동일한 템포로 간단한 4-on-the-floor 리듬을 완벽하게 연주할 수 있습니다.

실제 드러머가 연주할 수 있는 것과 연주할 수 없는 것을 더 잘 이해하려면 라이브 연주를 듣는 것이 도움이 됩니다. 사용된 드럼 리듬에 주의하면서 좋아하는 트랙 몇 개를 주의 깊게 들어보면 드럼 연주에서 무엇이 현실적으로 간주되는지 알 수 있습니다.

MIDI 악기 사용

동일한 볼륨으로 소리가 나고 완벽한 타이밍에 맞춰 드럼을 프로그래밍할 때 소프트웨어가 사용되었다는 것이 분명해집니다. 사운드를 보다 사실적으로 만드는 한 가지 방법은 MIDI 악기를 사용하는 것입니다. 라이브 드럼 녹음에 액세스할 수 없더라도 프로그램에 연결된 전자 드럼 키트를 사용하여 실시간으로 드럼을 연주할 수 있습니다.

저는 Addictive Drums 2로 작업할 때 복잡한 설정을 거치지 않고도 현실감을 제공하는 이 접근 방식을 선호하는 경우가 많습니다. 드러머가 아닌 경우 MIDI 키보드나 드럼 패드를 사용할 수 있습니다.

사용하는 하드웨어에 관계없이 MIDI를 사용하여 드럼 패턴을 생성하면 타이밍과 다이내믹의 가변성으로 인해 트랙 사운드가 훨씬 더 현실감 있게 들립니다. 그러나 MIDI 악기가 없어도 비슷한 결과를 얻을 수 있지만 더 많은 시간과 노력이 필요할 수 있습니다.

양자화에 너무 열중하지 마세요

숙련된 드러머라면 누구나 드럼 연주의 핵심은 템포 조절이라고 말할 것입니다. 그러나 최고의 드러머라도 완벽하지는 않습니다. 라이브 드럼 연주를 녹음할 때 일부 비트가 DAW의 리듬 그리드에서 약간 벗어나는 것을 알 수 있습니다. 템포의 이러한 약간의 변동은 리듬에 사실감을 부여합니다.

대부분의 최신 DAW는 MIDI 노트를 양자화하여 리듬 그리드에 고정하는 기능을 제공합니다. 퀀타이즈를 사용하면 음표를 그리드에 연결하여 템포의 부정확성을 수정할 수 있습니다.

양자화는 그루브를 향상시키는 데 도움이 되지만 과도하게 사용하면 트랙에 인위적이고 기계적인 사운드를 줄 수 있습니다. 수동으로 프로그래밍할 때 더 자연스럽게 들리도록 일부 음표를 그리드에서 약간 오프셋된 상태로 두는 것이 좋습니다. 전체 드럼 패턴을 퀀타이즈하여 위치를 고정한 다음 음표가 비트보다 약간 앞이나 뒤에 있도록 수동으로 조정할 수 있습니다.

비트를 카운트 전이나 후에 배치할지 결정하는 것은 트랙의 성격에 따라 다릅니다. 보다 역동적인 사운드를 원할 경우 하이햇을 그리드 약간 앞쪽에 배치할 수 있고, 보다 편안한 사운드를 원할 경우 하이햇을 약간 뒤에 배치할 수 있습니다.

많은 DAW는 다양한 수준의 양자화를 제공하므로 제작자는 노트가 그리드에 고정되는 정도를 선택할 수 있습니다. 양자화 수준이 낮을수록 그루브가 더욱 자연스러워지고, 양자화 수준이 높을수록 요소가 리듬 그리드에 단단히 고정됩니다.

속도 조정

드럼 파트의 사운드를 더욱 사실적으로 만드는 또 다른 핵심 요소는 비트 속도를 조정하는 것입니다. MIDI 노트 속도는 샘플이 트리거되는 볼륨을 결정합니다. 빠른 속도로 연주한 음표는 더 크고 활력있게 들리는 반면, 낮은 속도로 연주한 음표는 더 부드럽고 조용하게 들립니다.

음표의 속도를 변경하여 그루브의 특정 비트를 강조할 수 있습니다. 이는 가장 중요한 히트를 더 세게 연주하여 강조하는 드러머의 접근 방식과 유사합니다. 예를 들어, 표준 펑크 록 그루브에서는 종종 각 마디의 두 번째 및 네 번째 비트에 강조가 있는 반면, 1비트 레게 그루브에서는 일반적으로 첫 번째 비트에 강조가 있습니다.

음표 속도를 조정할 때 실제 생활에서 그루브를 어떻게 연주할지 생각해 보는 것이 좋습니다. 어떤 비트를 직관적으로 강조하는지 확인하기 위해 리듬을 두드리는 자신을 녹음하는 것이 도움이 될 수 있습니다. 그런 다음 녹음에서 발견한 기능에 따라 MIDI 그루브의 속도를 적절하게 조정할 수 있습니다.

인간화

많은 DAW에는 음표의 타이밍과 속도를 미묘하게 조정하는 "인간화" 기능이 탑재되어 있습니다. 이 "인간성" 기능은 기계적인 소리 없이 MIDI 그루브 소리를 더욱 자연스럽게 만드는 데 매우 효과적일 수 있습니다.

하지만 강세 음을 가장 정확하게 판단하는 방법은 직관을 통해서이기 때문에 Humanize 기능을 사용할 때는 주의가 필요합니다. 컴퓨터가 느낌에 따라 속도와 타이밍의 변화를 정확하게 감지하는 것은 어려울 수 있으며 실수로 이러한 미묘한 뉘앙스를 적용하면 MIDI 드럼 사운드의 설득력이 떨어질 수 있습니다.

실제 루프 사용

MIDI 드럼에 사실감을 더하는 간단하고 효과적인 방법은 미리 만들어진 루프를 사용하는 것입니다. 프로그래밍된 MIDI 드럼과 라이브 루프를 결합하면 제어와 현실감 사이에 훌륭한 균형이 제공된다는 사실을 종종 발견합니다.

MIDI 그루브가 내장된 Addictive Drums 2 또는 Steven Slate Drums와 같은 가상 드럼 악기를 사용하면 이미 만들어진 MIDI 루프를 그루브의 기초로 시작할 수 있습니다. 이 MIDI 그루브는 실제 드러머가 녹음하여 완벽한 템포와 속도 특성이 이미 조정되어 있음을 보장합니다.

그런 다음 미리 만들어진 MIDI 루프의 개별 패턴을 다른 프로젝트에서 사용하여 다른 악기에 적용할 수 있습니다. 예를 들어 MIDI 트랙의 드럼 패턴을 사용하여 후프나 박수 소리와 같은 다른 샘플을 트리거할 수 있습니다.

MIDI 노트를 라이브 샘플과 결합하여 드럼 그루브에 독특한 레이어를 생성하는 것도 가능합니다. 사실적인 하이햇을 프로그래밍하는 것은 종종 어려울 수 있으며, 이때 라이브 샘플을 사용하는 것이 특히 도움이 될 수 있습니다.

자신만의 리버브를 사용하세요

많은 전문 드럼 프로그래밍 프로그램에는 리버브 기능이 포함되어 있습니다. 리버브를 적용하는 것은 그 자체로 효과적일 수 있지만, 서로 다른 드럼 프로그램의 다양한 리버브를 동시에 사용하면 사운드가 일관되지 않을 수 있다는 사실을 발견했습니다. 그래서 저는 보통 내장된 리버브를 끄고 전체 믹스에 단일 리버브를 사용하는 것을 선호합니다.

전체 드럼 그루브를 프로그래밍한 후 각 요소를 이 단일 리버브에 다양한 각도로 라우팅합니다. 목표는 모든 요소가 같은 방에서 녹음된 것처럼 보이도록 만드는 것입니다.

그런 다음 이 룸 리버브의 다양한 매개변수를 조정하여 크기, 스타일, EQ 및 기타 설정을 포함한 나머지 믹스와 조화롭게 맞도록 할 수 있습니다.

채도 추가

VST에서 드럼 사운드를 프로그래밍할 때 사운드가 너무 "깨끗하게" 들리는 것을 방지하기 위해 채도 효과를 추가하는 것이 유용한 경우가 있습니다. 채도는 라이브 녹음의 전형적인 사운드에 자연스러운 아티팩트를 추가하므로 제가 가장 좋아하는 효과 중 하나입니다.

테이프 에뮬레이터와 같은 새츄레이션 플러그인을 드럼 섹션에 직접 적용하는 것도 가능하지만, 병렬 새츄레이션을 사용하면 더 많은 제어가 가능하고 올바른 양의 먼지를 정확하게 주입하여 드럼이 효과적으로 절단할 수 있다는 것을 알았습니다. 믹스.

이렇게 하려면 새츄레이션 플러그인을 사용하여 드럼 그룹을 보조 트랙으로 보냅니다. 플러그인의 채도 레벨을 점차적으로 높이면서 드럼 사운드를 들어보세요. 병렬 세츄레이션의 장점은 세츄레이션 보조 트랙을 적절하게 더티로 만들 수 있다는 것입니다. 주요 목표는 메인 드럼 그룹의 사운드를 약간만 향상시키는 것이기 때문입니다.

드럼 세트에 누락된 것이 무엇인지 확인하고 채도를 사용하여 사운드를 개선하는 것을 고려하십시오. 드럼 소리가 너무 가늘게 들리나요? 그런 다음 낮은 주파수와 중간 주파수에서 채도를 높일 수 있습니다. 아니면 소리가 너무 어둡나요? 이 경우 고주파수를 높이면 더 밝고 선명한 사운드를 얻을 수 있습니다.

적절한 톤을 선택한 후 보조 트랙 레벨을 최소로 낮추고 깨끗하고 더러운 사운드의 최적 조합을 얻을 때까지 천천히 높이십시오.

채우기 추가

노래의 다양한 부분(절, 브리지, 코러스 등)에 적절한 그루브가 있으면 해당 부분을 함께 묶기 위해 필을 추가하는 것을 고려해 볼 가치가 있습니다. 나는 드럼 그루브의 리듬 패턴을 변화시키고 긴 부분을 분리하거나 노래의 다음 부분으로 전환하기 위해 8마디마다 필을 삽입하는 것을 좋아합니다.

홈에 간단한 채우기를 프로그래밍하는 것은 일반적으로 어렵지 않습니다. VST 드럼으로 작업하는 경우 선택할 수 있는 다양한 패턴이 포함된 미리 만들어진 필 라이브러리를 찾을 수 있습니다.

채우기가 기존 패턴에 조화롭게 어울리려면 기본 홈의 요소와 충돌하지 않는지 확인하는 것이 중요합니다. 예를 들어, 스네어를 사용하여 채우기를 추가하는 경우 채우기를 위한 공간을 만들기 위해 기본 패턴에서 스네어를 제거할 수 있습니다. 동시에 셰이커나 하이햇과 같은 다른 요소를 유지하면 더욱 응집력 있고 응집력 있는 사운드를 만드는 데 도움이 될 수 있습니다.

채우기가 올바른 위치에 배치되면 요소의 속도와 기본 패턴의 속도를 일치시키는 데 특별한 주의를 기울여 혼합물에 올바르게 맞춰야 합니다. 필이 메인 그루브에 비해 너무 크거나 강렬하게 들리지 않는 것이 중요합니다.

마지막으로 양자화를 적용하거나 채우기 요소의 타이밍을 조정하여 전체 드럼 그루브와 일치시킵니다. 예를 들어, 메인 그루브에 스윙이 있는 경우 채우기 요소를 그리드보다 약간 뒤로 이동하여 전체 리듬을 유지할 수 있습니다.

최고의 드럼 샘플 찾기

드럼 그루브를 능숙하게 프로그래밍하고 드럼 VST 매개변수를 주의 깊게 설정했더라도 잘못된 샘플을 사용하면 믹스가 플랫해질 수 있습니다. 트랙에 사용할 고품질 샘플을 찾는 것은 고려해야 할 중요한 측면입니다.

오늘날 그 자체로 훌륭하게 들리는 훌륭한 샘플과 키트가 많이 있습니다. 그러나 샘플이 단독으로 완벽하게 들리더라도 믹스 환경에서 효과적인 사운드를 보장할 수는 없습니다. 특히 다른 사운드와 결합할 때 더욱 그렇습니다. EQ, 압축, 엔벨로프 형성과 같은 믹싱 도구는 불완전한 샘플을 처리하는 데 도움이 될 수 있지만 기능에는 제한이 있습니다.

호환되지 않는 샘플을 혼합하려고 하면 추가 작업이 추가되고 문제가 발생할 수 있습니다. 드럼 루프와 샘플이 처음부터 서로를 위해 만들어진 것처럼 들리는 것이 중요합니다. 소리의 연속성과 조화는 청취자의 주의를 유지하는 데 매우 중요합니다.

첫 번째 샘플을 선택하고 싶은 유혹이 들 수 있지만, 완벽한 사운드를 찾는 데 시간을 투자하는 것은 트랙을 믹싱하고 마스터링하는 과정에서 매우 귀중한 것입니다.

드럼 튜닝

기술적으로 드럼은 불협화음 악기입니다. 즉, 배음이 특정 음악 키를 따르지 않습니다. 그러나 대부분의 드럼에는 이러한 불협화음 배음을 생성하는 기본 톤이 있습니다.

흥미롭게도 드럼 샘플을 튜닝하는 과정에는 명확하게 정의된 규칙이 없으므로 실험이 가능합니다. 그러나 샘플 튜닝이 드럼 그루브의 나머지 부분과 맞지 않는 경우가 종종 있습니다.

튜닝의 핵심 요소는 킥 드럼입니다. 부적절하게 튜닝된 킥은 베이스 및 기타 저주파 요소와 충돌하여 믹스에 부조화를 일으킬 수 있습니다. 이는 트랙이 종종 808 베이스에 의존하는 트랩 및 힙합과 같은 장르에서 특히 중요합니다. 킥이 짧은 장르에서는 킥 드럼의 특정 톤을 결정하는 것이 더 어려울 수 있습니다.

드럼의 기본 톤을 결정하는 데 어려움이 있는 경우 스펙트럼 분석기를 사용할 수 있습니다. 음조를 유지하는 것 외에도 드럼을 튜닝하면 사운드의 전반적인 느낌이 바뀔 수 있습니다. 예를 들어, 드럼의 피치를 낮추면 소리가 더 어둡고 부드러워지고, 피치를 높이면 더 밝고 활기차게 들립니다.

드럼을 튜닝하고 조옮김하여 작곡의 전반적인 맥락에 어떻게 어울리는지 확인하세요.

장르를 뛰어넘다

비정형 세트의 샘플을 사용하면 그루브에 독특한 대비를 더할 수 있습니다. 예를 들어 거친 어택이 없는 부드럽고 섬세한 샘플은 덥스텝의 무거운 드럼에 질감과 가벼움을 더할 수 있습니다.

테크노 그루브에 라이브 하이햇을 사용하여 자연스러운 느낌을 주거나, 라이브 드럼 그루브 위에 디지털 킥을 추가하여 더욱 강력한 효과를 낼 수도 있습니다.

종종 특정 장르에 속하지 않는 예상치 못한 샘플이 프로그래밍된 드럼을 더욱 흥미롭게 만들 수 있습니다. 록 곡을 작업 중이더라도 미래형 베이스 음악 키트의 공격적인 스네어 샘플을 자유롭게 실험해 보세요.

준비

처음부터 끝까지 에너지가 점차 쌓이도록 트랙의 드럼 요소를 구성하세요. 20개의 서로 다른 드럼 요소를 함께 사용하여 후크에 강력한 그루브를 만드는 것이 가능하지만 노래의 모든 후크에 동일한 전체 요소 세트를 사용할 필요는 없습니다.

대신, 최종 후크, 코러스 또는 드롭에서 최대 에너지를 달성하기 위해 각 섹션에 새로운 요소를 추가하거나 도입하여 점진적인 구축을 목표로 해야 합니다. 예를 들어, 에너지 넘치는 셰이커를 마지막 코러스에 사용하기 위해 저장하여 클라이막스를 강조할 수 있습니다.