Musikalische Arrangements

Das Arrangieren von Musik gibt es schon seit vielen Jahren und ist ein wesentliches Merkmal jedes Musikstils und Genres. Einige der größten Musiker haben Teile ihrer Arbeit in anderen Werken arrangiert und/oder die Arbeit anderer Musiker adaptiert.

Bach, Beethoven, Korsakov, Ravel und viele andere haben zum Bereich der Musikarrangements beigetragen, aber es lohnt sich zu verstehen, dass der Prozess eine andere Bedeutung haben kann, wenn es um das Schaffen moderner Musik geht.

Unter Arrangieren versteht man das Schaffen von Musik unter Verwendung vorhandener Musikstücke. Dazu gehören beispielsweise Arrangements eines bestimmten Instruments in einem Popsong oder die Neuanordnung eines Songs durch Zusammensetzen verschiedener Teile oder Abschnitte eines Songs.

In verschiedenen Musikstilen gibt es unterschiedliche Arrangement-Strukturen wie die 32-taktige A/A/B/A-Form der Rhythmuswechsel im Jazz oder eine 12-taktige Blues-Struktur, und innerhalb der Struktur können Akkordstimmen, Rhythmusgefühl und Tempo das musikalische Arrangement einzigartig machen .

Es gibt drei Arten von Arrangements, die Sie berücksichtigen müssen, um Ihre eigene Musik von hoher Qualität zu machen.

1. Strukturell, also die Bewegung von Energie, Abschnitten und Übergängen in Ihrer Musik.
2. Instrumental, d. h. Noten, Akkorde und Melodien werden von den verschiedenen Instrumenten gespielt. Denken Sie daran, dass es sich im Laufe Ihrer Strecke ändern kann! Wenn Sie eine Melodie von Gesang auf Synthesizer übertragen, kann sie neu und erfrischend klingen.
3. Positionsanordnung, das heißt, wie der Sound in Ihrem Mix positioniert ist. Definieren ihrer Lautstärke, Schwenkung, Tiefe und des Gefühls der Präsenz.

In diesem Artikel informieren wir Sie ausführlich über die Bedeutung von Arrangements in der Musikproduktion.

Tipps für Anfänger im Pop-Arrangeur

Stellen Sie sicher, dass der Song von alleine läuft

Funktioniert das Lied von alleine, wenn man es beim Singen alleine auf dem Klavier oder der Gitarre spielt? Wenn der Song für sich genommen noch nicht „großartig“ ist, kann das auch durch noch so viel Arrangement oder Musikproduktionstechnik nicht behoben werden.

Betrachten Sie die folgenden Fragen:

• Hast du einen starken Refrain?
• Ist die Hauptmelodie vorhanden?
• Hast du einen guten melodischen oder harmonischen „Hook“?
• Hat es einen liedrhythmischen Puls (sogar Balladen haben einen starken Puls)?

Arbeiten Sie an Ihrem Song, bis er „nackt“ großartig klingt, nur mit Klavier/Gitarre und Stimme. Es ist äußerst wichtig, diesen Schritt zu befolgen. Ein schlechter Song bleibt schlecht, selbst mit den besten Arrangements und der besten Produktion. Ein gutes Lied bleibt ein gutes Lied.

Überprüfen Sie, welche Genres der Song abdeckt

Bevor Sie mit dem Arrangieren von Musik oder einem Lied beginnen, sollten Sie sich fragen: Welche(s) Genre(s) deckt es ab?

Sobald das entschieden ist, kann es sehr hilfreich sein, ein paar Referenztitel zu finden. Referenzspuren sind sowohl in der Arrangement-/Produktionsphase als auch in der Mixing-/Mastering-Phase jeder Aufnahme unglaublich wichtig. Manche Leute sagen vielleicht: „Ich möchte niemanden kopieren, weil ich völlig originell sein möchte.“

Aber die Wahrheit ist, dass selbst die Profis an der Spitze, die sehr originell sind, ständig auf anderes Material verweisen. Machen Sie sich keine Sorgen darüber, jemand anderen zu kopieren, es sei denn, Sie kopieren buchstäblich Note für Note, Instrument für Instrument usw.

Stellen Sie sicher, dass das Lied ausreichend lang ist

Dieser Schritt ähnelt ein wenig dem ersten. Allerdings möchte der Arrangeur/Produzent möglicherweise die Form des Songs für die Aufnahme ändern. Manchmal unterscheidet sich die Art und Weise, wie ein Interpret einen Song live vorträgt, von der Studioversion. Bei der aufgenommenen Version ist es sehr wichtig, dass der Song möglichst prägnant ist.

Stellen Sie sicher, dass Sie eine anständige Hauptstimme haben

Die Aufnahme eines Hauptgesangs hilft Ihnen bei der Entscheidungsfindung beim Arrangieren. Ohne die Hauptstimme zu hören, kann es beispielsweise leicht passieren, dass die Musik zu dicht arrangiert wird. Dies führt nicht nur zu einer weniger angenehmen endgültigen Aufnahme, sondern erschwert auch die Arbeit während des Mixes erheblich. Die besten aufgenommenen Songs verfügen über Arrangements, die die perfekte Balance der Produktionsdichte aufweisen.

Alle verschiedenen Elemente des Arrangements/der Produktion sollten ihren eigenen Raum und ihre eigene Klangpalette haben.

Sie möchten beispielsweise nicht, dass der Bass eine Zeile spielt und die Keyboards eine andere im gleichen Bereich.

Trommeln und andere rhythmische Komponenten

Neben dem Hauptgesang sind die Percussion-/Rhythmuskomponenten des Liedes der wichtigste Teil des Musikarrangements. Sie nehmen den größten Teil des Hörraums ein, geben dem Zuhörer einen „Groove“ und bestimmen maßgeblich das Gefühl des Songs.

Wenn an dem Track ein echter Schlagzeuger beteiligt ist, sollte Ihr Arrangement lediglich die allgemeine Richtung darlegen, in die der Schlagzeuger spielen soll.

Konzentrieren Sie sich nicht zu sehr darauf, den Track mit Beats zu programmieren. Ein guter Schlagzeuger wird diese Entscheidungen für Sie treffen.

Das bringt uns zu einem anderen Punkt. Sie benötigen einen wirklich großartigen Schlagzeuger, der im Takt spielen kann, wenn Sie akustische Trommeln hinzufügen möchten. Sie müssen perfekt aufgenommen werden.

Wenn das Schlagzeug nicht perfekt aufgenommen ist, werden das Feeling und der Song stark beeinträchtigt, und bei der Bearbeitung wird es schwieriger, Abschnitte aufeinander abzustimmen. Denken Sie daran, dass Sie den Klang jederzeit rauer oder im Lo-Fi-Stil gestalten können. Wählen Sie einfach aus, wie viele Mikrofonkanäle in den endgültigen Mix einfließen und welche Art der Verarbeitung verwendet werden soll.

Wenn Sie das Schlagzeug selbst programmieren, was im Amped Studio Online-Sequenzer ganz einfach möglich ist, sollten Sie wie ein Schlagzeuger denken und über Übergänge in den verschiedenen Songabschnitten nachdenken. Sie können im Refrain von der Hi-Hat zum Ride-Becken wechseln und zwischen den Abschnitten eine kleine Füllung einbauen. Versuchen Sie außerdem, beim Programmieren ein zum Song passendes Schlagzeug zu verwenden. Sie möchten wahrscheinlich kein 808-Kit für einen Hardrock-Song verwenden, wenn Sie versuchen, einen Live-Schlagzeuger in diesem Genre zu emulieren.

Wenn Sie mit der Drum-Programmierung nicht vertraut sind oder keine Erfahrung damit haben, halten Sie es einfach und stellen Sie sicher, dass der Drum-Part den Song hervorhebt und nicht vom Song ablenkt.

Einige erfahrene Produzenten manipulieren das Spielgefühl oft, indem sie die Trommel ein paar Millisekunden vor dem Takt bewegen und die Hi-Hat nach hinten schieben. Dies hängt vom Lied ab und sollte mit Geschmack ausgewählt werden. Es gibt wunderbare „Groove“-Plugins für MIDI, die die Geschwindigkeit und das Timing beim Programmieren Ihres Schlagzeugs subtil ändern. Nur Regel – experimentieren!

Bass und Basselemente

Nachdem das Schlagzeug im Musikarrangement festgelegt wurde, folgt in den meisten Fällen der Bass (oder die Basselemente).

Wenn es sich um einen Standard-Popsong handelt, müssen Sie darauf achten, dass sich der Bass im Refrain „öffnet“, d. h. der Bass spielt nicht leise in einer hohen Lage, wenn der Refrain nachlässt.

Wenn Ihr Track einen „echten“ Bassisten hat, ist es äußerst wichtig, dass er professionell aufgenommen und wie das Schlagzeug gespielt wird. Es gibt nichts Schlimmeres für Ihren Track als die mangelnde Klarheit der Bässe und tiefen Frequenzen. Stellen Sie sicher, dass der Drum-Kick-Part und der Bass-Part zusammenarbeiten.

Wenn Ihr Track synthetische Bässe hat, seien Sie vorsichtig mit Subbass und stilvollen Voreinstellungen. Wenn der Subwoofer der einzige Bass in Ihrem Track ist, sollte der Patch so gestaltet sein, dass er Obertöne im mittleren Bereich aufweist, damit das Ohr sie beim Hören von Lautsprechern finden kann, die keine guten Bassfrequenzen haben.

Beispielsweise können Sie bestimmte Subwoofer-Patches auf Laptops, iPhones und einigen Kopfhörern und Autoradios nicht hören. Aus diesem Grund ist es immer gut, den Songmix vor der Fertigstellung auf verschiedenen Geräten anzuhören.

Was in einem Studio oder Club mit großartigen Low-End-Systemen großartig klingt, aber auf anderen Geräten oder Orten klingt es „kopflastig“.

Während Sie mit einem Ihrer Lieblings-Synthesizer in Amped Studio arbeiten, können Sie ein Bass-Preset finden, das isoliert großartig klingt, aber nicht zum Arrangement passt oder den Song dominiert. Achten Sie darauf, mit „Stereo“-Bässen und Patches zu arbeiten, die viele High-End-Frequenzen enthalten.

In den meisten Fällen möchten Sie einen Bass-Patch, der monophon ist und nicht zu hoch im Frequenzspektrum liegt. Es gibt jedoch Ausnahmen! Erfahrung hilft Ihnen, die richtigen Entscheidungen zu treffen.

Dieser Artikel basiert auf Pop-Song-Arrangements, daher gelten einige dieser Tipps für bestimmte Genres nicht, insbesondere wenn es um Bass und Schlagzeug geht.

Die wichtigste treibende harmonische Komponente

Dieser Teil des Musikarrangierens kann recht offen und frei sein, aber Sie sollten diesen Punkt mit großer Verantwortung angehen. Um zu verstehen, welche Instrumente Sie nutzen können, lohnt es sich, Ihre Lieblingstitel anzuhören.

In vielen Liedern ist das Hauptinstrument, das den Hauptgesang ergänzt, die Gitarre oder das Klavier. Diese Instrumente werden höchstwahrscheinlich während des gesamten Liedes gespielt. Sobald Sie sich für dieses Thema entschieden haben, können Sie die Räume und das Arrangement mit dem von Ihnen gewählten Material ausstatten.

Es ist äußerst schwierig, dies allein durch das Lesen eines Artikels zu erlernen. Es geht um Versuch und Irrtum und Erfahrung. Anschließend können Sie Ihre harmonischen Instrumente nutzen, um den Grundriss des Liedes zu gestalten. Akkordstimmen, Akkordübergänge und Leittöne sind gute Werkzeuge zur Verbesserung der grundlegenden Akkordstruktur in einem Arrangement. Wenn Sie mit Akkorden noch nicht vertraut sind, probieren Sie Chord Creator in Amped Studio aus, um zu sehen und zu hören, wie Akkorde und Akkorde funktionieren können. Dies ist ein großartiger Ort, um anzufangen und etwas über harmonische Strukturen zu lernen.

Es gibt Liedtendenzen in den harmonischen Abschnittsaspekten von Pop, wie etwa in den Refrainabschnitten. Sie werden mehr Instrumente oder Dichte verwenden, um das Arrangement straffer zu gestalten. Was die Versabschnitte betrifft, werden Sie sie wahrscheinlich spärlicher gestalten.

Klassische Beispiele sind das Duplizieren von Gitarren im Chorus-Bereich (und das Schwenken nach links und rechts) oder das Umwandeln einer beliebigen Quelle von Mono in Stereo.

Wenn Sie sich dafür entscheiden, in Ihrem Arrangement eine Bläsersektion oder Streicher zu verwenden, müssen Sie sicherstellen, dass die Teile besonders gut zum Song passen. Die meisten Lieder können kein kompliziertes Musikarrangement haben. In den meisten Fällen möchten Sie Horninstrumente verwenden, um die Lücken mit wunderbar einfachen Linien zu füllen oder um die Teile zu „ergänzen“, in denen der Sänger singt. Das Gleiche gilt für Saiten. Es gibt einige großartige Beispielbibliotheken für Streicher und Hörner, deren Verwendung ist jedoch schwierig, ohne die grundlegenden Akkordbeziehungen und die Anordnung von Streichern und Hörnern zu studieren und zu verstehen. Wenn Sie das Glück haben, mit einem erfahrenen Streicher-Arrangeur zusammenzuarbeiten und Live-Streicher oder Horn-Ensembles aufzunehmen, ist es ein wahrer Genuss, dies zu hören und zu erleben.

Ein Rückblick auf moderne Popmusik und EDM

Beim Erstellen eines Musikarrangements ist es sehr wichtig, viele Titel in diesem Stil anzuhören und zu verstehen, wie alle Stücke zusammenpassen.

Es gibt viele verschiedene Stile innerhalb des EDM, daher ist es wichtig, zuzuhören und die grundlegenden Eigenschaften der Tracks zu verstehen, die Sie in einem bestimmten Stil mögen. Denken Sie an Tempo, Bass- und Kick-Sounds sowie Synth-Rhythmusmuster und Hooks. Jeder Stil hat spezifische Elemente, die in den Arrangierstil einfließen.

Die meisten einfachen Popsongs bestehen aus einem Intro, einer Strophe, einem Refrain (Refrain oder Hook), einer Bridge und einem Outro.

Wirkungsergänzung

Was ist der letzte Schritt beim Erlernen des Arrangierens einer Musik oder eines Liedes? Um die Effekte hinzuzufügen.

Bei einem akustischen Arrangement könnte dies eine Percussion-Ergänzung zu verschiedenen Teilen des Arrangements sein. Klassische Beispiele wären der Shaker-Part in der zweiten Strophe und das Tamburin im Steg.

In moderneren Stilen wären es all das „weiße Rauschen“ und Soundeffekte wie Pausen, Riser, Uplifter, Downlifter usw.

Bei der Verwendung dieser Effekte ist es sehr wichtig, dass sie zum Song passen.

Beispielsweise funktioniert nicht jedes Effektpaket für jedes Musikarrangement. Noch besser ist es, wenn Sie für jedes Lied einen eigenen Spezialeffekt erstellen. Es dauert länger, kann aber zu großartigen Ergebnissen führen. Wenn Sie fertige Lösungen verwenden (was vollkommen in Ordnung ist), stellen Sie einfach sicher, dass Sie Zugriff auf viele verschiedene Bibliotheken haben, damit Sie nicht auf die Verwendung nur einiger weniger Favoriten angewiesen sind.

Weiter geht es mit dem Aufnahme- und Produktionsprozess

Sobald Ihre Musik- und Gesangsarrangements fertig sind, können Sie mit der Aufnahme und/oder dem Mischen fortfahren.

In diesem Stadium kann es häufig vorkommen, dass sich die Spur geringfügig ändert. Der Mischvorgang kann beispielsweise darauf hinweisen, dass Sie bestimmte Elemente aus dem Arrangement löschen oder hinzufügen müssen, und das ist völlig in Ordnung. Alle der Songaufnahme gehen gewissermaßen ineinander über. Behalten Sie einfach im Auge, wie das Lied als Ganzes klingt. Hören Sie es direkt nach dem Hören Ihrer Lieblingstitel in dem Stil, den Sie nachahmen möchten.

Das Endprodukt ist viel wichtiger als all die kleinen Details, die hier besprochen werden, und es ist sehr leicht, sich von all den Details verwirren zu lassen.

Ein guter Song ist ein guter Song. Stellen Sie daher beim Arrangieren und Erstellen der Musik sicher, dass Sie den Song verbessern.

Ein schlechter Song ist ein schlechter Song, und egal wie gut er gemacht, arrangiert oder gemischt ist, wenn Ihnen das Arrangement gefällt, schreiben Sie den Song um, damit er besser wird.

Arrangements in der klassischen Musik

Die Kunst, Musik zu arrangieren und zu bearbeiten, gibt es schon seit Jahrhunderten. Während der Renaissance war die Tabellierung (eine Art Anordnung) sehr beliebt. Dabei ging es darum, Vokal- oder Ensemblestücke so zu arrangieren, dass sie auf dem Solokeyboard oder der Laute gespielt werden können.

Im gleichen Zeitraum wurden englische Madrigale für verschiedene Stimmen veröffentlicht, was darauf hindeutet, dass sie auf unterschiedliche Weise gespielt werden konnten. Es wurde jedoch für den Einsatz in mehreren Märkten entwickelt.

Das Arrangieren von Musik war auch im Barock beliebt, als viele große Musiker Anleihen bei anderen Künstlern machten oder ihre eigenen Werke neu arrangierten. Ein großartiges Beispiel dieser Ära ist Bach. Einige seiner Werke waren Bearbeitungen von Werken Antonio Vivaldis. Remixen ist nicht neu!

Auch andere Musiker wie Georg Friedrich Händel und Francesco Geminiani prägten die Barockzeit in ihren Arrangements. Tatsächlich war Händel vor allem für die Überarbeitung seines eigenen Materials bekannt.

Sie können Arrangements in Beethovens Werk sehen. Er überarbeitete einige der Themen von Prometheus‘ Schöpfungen, um sie an den Schluss der Heroischen Symphonie oder Symphonie Nr. 3 anzupassen.

Im 19. Jahrhundert, mit der zunehmenden Beliebtheit des Klaviers, erfreuten sich auch Arrangements größerer Beliebtheit als je zuvor. Viele Orchestertranskriptionen und Kammermusikstücke wurden für die Aufführung auf dem Klavier arrangiert und veröffentlicht.

Das Arrangieren von Musik war bei großen Musikern eine häufige Angelegenheit. Es wird auch in Zukunft stark bleiben.

Moderne Musik

Aufnahmen populärer Musik enthalten oft Teile von Kupferhörnern, Streichinstrumenten und anderen Instrumenten, die von Arrangeuren hinzugefügt und nicht von den ursprünglichen Songwritern komponiert wurden. Einige Pop-Arrangeure fügen sogar Abschnitte mit einem kompletten Orchester hinzu, obwohl dies aus Kostengründen seltener vorkommt. Populäre Musikarrangements können auch neue Versionen bestehender Lieder mit neuen musikalischen Bearbeitungen umfassen. Diese Änderungen beinhalten Änderungen in Tempo, Größe, Tonalität, Instrumentierung und anderen musikalischen Elementen.

Bekannte Beispiele für Rockmusik-Arrangements sind Joe Cockers Version von „With a Little Help from My Friends“ der Beatles, Creams „Crossroads“ und Ike und Tina Turners Version von „Proud Mary“ von Creedence Clearwater Revival. Die amerikanische Band Vanilla Fudge und die britische Band Yes basierten ihre frühen Karrieren auf radikalen Überarbeitungen moderner Hits. Bonnie Poynter spielte Disco- und Motown-Versionen von „Heaven Must Have Sent You“. Als Arrangements kommen beispielsweise auch Remixe in der Tanzmusik in Frage.

Jazz

Musikarrangements für kleine Jazzkompositionen waren meist informell, minimalistisch und nicht im Abspann aufgeführt. Große Ensembles stellten tendenziell höhere Ansprüche an die Notenarrangements, obwohl die frühe Big Band von Count Basie für ihre vielen Arrangements bekannt ist, die von den Musikern selbst entwickelt und („im Kopf des Musikers“) auswendig gelernt wurden. Allerdings wurden die meisten Big-Band-Arrangements aufgenommen und einem bestimmten Arrangeur zugeschrieben, wie zum Beispiel die Arbeit von Sammy Nestico und Neil Hefty für die späteren Count Basie Big Bands.

Don Redman brachte in den 1920er Jahren mit dem Fletcher Henderson Orchestra Innovationen im Jazz-Arrangement hervor. Redmans Werke führten eine komplexere melodische Tonhöhe und Soloauftritte für verschiedene Big-Band-Parts ein. Benny Carter wurde in den frühen 1930er Jahren Hendersons Hauptarrangeur und wurde neben seinem Talent als Interpret auch für seine Fähigkeiten auf diesem Gebiet berühmt.

Big-Band-Arrangements werden inoffiziell als Charts bezeichnet. In der Swing-Ära handelte es sich entweder um Überarbeitungen populärer Lieder oder um völlig neue Kompositionen. Die Arrangements von Duke Ellington und Billy Strayhorn für Duke Ellingtons Big Band waren in der Regel Neukompositionen, und einige Werke von Eddie Soter für Benny Goodmans Band und Artie Shaw für seine eigene Band waren ebenfalls Neukompositionen. Nach der Bop-Ära wurde es üblicher, Snippet-Jazz-Combo-Kompositionen für Big Bands zu arrangieren.

Nach 1950 ging die Zahl der Bigbands zurück. Dennoch machten mehrere Bands weiter. Gil Evans schrieb in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren eine Reihe von Arrangements für Big Bands, die ausschließlich für Session-Aufnahmen gedacht waren.

Im 21. Jahrhundert erlebten Jazz-Musikarrangements ein bescheidenes Comeback. Gordon Goodwin, Roy Hargrove und Christian McBride stellten neue Big Bands mit Originalkompositionen und neuen Arrangements von Standardmelodien vor.

Abschluss

Musikarrangements sind in der heutigen Welt ein wichtiger Teil des Prozesses der Erstellung und Produktion von Titeln und haben sich im Laufe der Jahrhunderte mit den großen Komponisten der Welt weiterentwickelt. Mit den oben genannten Tipps können Sie schon jetzt mit den ersten Vorbereitungen beginnen. Sie benötigen keine besonderen Kenntnisse und keine spezielle Ausrüstung. Mit dem Online-Programm Amped Studio, das direkt im Browser Ihres Computers verfügbar ist, können Sie hochwertige Arrangements für Ihre Songs erstellen. Hier finden Sie eine große Anzahl an Plug-Ins, Instrumenten und Samples und können Ihre Arbeit mit nur wenigen Klicks mit Freunden oder Kollegen teilen.