Diseño de sonido en el cine.

En el cine (como señaló George Lucas en la cita anterior), donde el sonido juega un papel importante junto con la imagen y la historia. No olvides que la primera película sonora, The Jazz Singer, se estrenó hace 90 años, en 1927, mientras que el primer juego con sonido, Pong, no apareció hasta 45 años después, en 1972. Por eso hoy quiero compartir Algunas historias sobre el excelente diseño de sonido en películas.

Rainbow Spring Slinky ayudó al robot de voz Wall-E

Comencemos con una descripción general del diseño de sonido cinematográfico. Uno de mis canales favoritos de YouTube sobre cine, Cinefix, ha publicado una selección de 10 películas con buen diseño de sonido. En esta lista, reseñaron películas como Star Wars, Stalker, Gravity y Wall-E.

Me intrigó especialmente la historia de Ben Burtt, uno de los pioneros de los nuevos sonidos cinematográficos, a quien se le ocurrió un nombre para su profesión: diseñador de sonido. Sucedió en 1977, cuando asumió el papel de dar voz a Star Wars. Hablaré más sobre su trabajo más adelante, pero por ahora solo mencionaré que en ese momento Ben no tenía sintetizadores digitales y, por lo tanto, creó y grabó la mayoría de los sonidos a mano. Para crear la voz de R2-D2, fue un paso más allá y grabó su propia voz y luego la convirtió usando un sintetizador analógico ARP 2600.

Luego de trabajar en seis películas de la saga estelar y 29 años de trabajo en la misma, Ben decidió que ya no quería hacer doblaje para robots. Pero apenas una semana después, Pixar lo convenció para que los ayudara con la película animada Wall-E. Fue un desafío completamente único: la “voz” de Wally fue creada desde cero, sin el uso de actores ni fuentes reales, y Wally no pronunció una sola palabra (todas sus emociones debían transmitirse únicamente a través de sonidos creados artificialmente). Al mismo tiempo, Valli fue el verdadero protagonista de la película con su propio personaje. Gracias al diseño de sonido, Ben realmente dio vida a este personaje en la pantalla. Y es curioso que al crear los sonidos para Valli, utilizó el resorte Slinky, con el que jugábamos cuando éramos niños, subiendo corriendo las escaleras.

La creación de sonidos para el Star Wars original se detalla en el canal de YouTube de Kaptain Kristian.

En 1977, el diseñador de sonido Ben Burt tuvo un problema técnico: los sonidos de ciencia ficción no existían en el mundo real. Por ejemplo, ¿qué sonido elegir para el rayo de un sable de luz?

Sólo el 15% de la banda sonora final de la película se grabó en exteriores durante el rodaje, el 85% restante tuvo que ser creado por el propio Ben. La película contenía muchas escenas que habrían sido incomprensibles sin los sonidos adecuados, especialmente las batallas en el espacio. En aquella época, las salas de cine ni siquiera tenían sonido estéreo, y mucho menos sonido envolvente en los años 70.

Gracias al hábil trabajo de Ben, esta tarea se resolvió brillantemente. Grabó los sonidos de dos proyectores de películas oscilantes y un cátodo de televisión con tubo de rayos para crear el sonido de un sable de luz. Este sonido se ha convertido en canon para toda la saga Star Wars y se ha convertido en un símbolo de la ciencia ficción. En el vídeo en sí, por cierto, hay una escena de batalla con sables de luz sin sonido añadido, que parece ingenua y divertida. Entonces, sin el aporte de Ben, Star Wars habría perdido su vibra épica.

Al crear sonidos para Godzilla, se decidió prescindir por completo del uso de sonidos de animales vivos: todos los sonidos fueron creados y grabados especialmente para la película.

La última película de Godzilla es como un juego de Lara Croft: gran sonido, pero la película en sí deja mucho que desear. Esta entrevista en vídeo realizada por Michael Coleman con los diseñadores de sonido Eric Adahl y Ethan Van der Ryn se centra en el sonido de Godzilla.

Una historia particularmente interesante es la actuación de voz del Godzilla japonés original en 1954. El diseñador de sonido Akira Ifukube viajó por todo Japón grabando muchos sonidos de animales, pero ninguno de ellos encajaba. Al final, para grabar el rugido del Godzilla original, utilizó el sonido de unos guantes de cuero chirriando contra las cuerdas de un contrabajo.

Los diseñadores de sonido de la nueva película de Godzilla no desvelan todos sus secretos, pero el vídeo muestra cómo pusieron voz al kaiju de la película (recomiendo prestar atención al extracto del minuto 1:50 al 3:50 aproximadamente). Así, el crujido de las zapatillas de deporte en el tambor y el sonido del crujido de las perchas se convirtieron en la voz del kaiju volador de la película. Sólo mira y escucha esto.

Las películas actuales de Marvel definitivamente carecen de una composición musical pegadiza

Tony Zhou, en su videoensayo, analizó cuidadosamente las bandas sonoras de las películas de Marvel Studios. Hagamos un pequeño experimento: intentemos recordar cualquier melodía de Star Wars. Siéntete libre incluso de tararearlo en voz alta. Estoy seguro de que puedes pensar fácilmente en la marcha imperial o el himno de la resistencia. Ahora pasemos a la segunda parte del experimento: intenta recordar cualquier melodía de las películas de Marvel. Es prácticamente imposible, ¿verdad? También me encontré con la misma dificultad (y he visto todas las películas, incluida la “estúpida” Thor). Quizás Los Vengadores tenga algún tema impresionante, pero no es memorable.

Tony tiene una teoría interesante sobre los motivos de esta situación. En primer lugar, el cine moderno se esfuerza por que la música pase desapercibida y simplemente enfatice las emociones en la pantalla. Ciertamente funciona, pero hace que las películas sean monótonas y aburridas.

En segundo lugar, esto se debe a la nueva tendencia de utilizar música temporal (música temporal) en el proceso de edición. Con la llegada de la tecnología de edición digital, se ha vuelto fácil tomar una pista existente y usarla como música temporal para material nuevo. Los cineastas utilizan masivamente efectos de sonido de películas exitosas anteriores como música temporal. Luego piden a los compositores que escriban algo muy similar a una banda sonora original. ¿Por qué está pasando esto? Por ejemplo, una escena se puede editar con música de un cierto tempo con acentos en ciertos momentos, y sin esa banda sonora, es posible que la escena simplemente no funcione.

Es difícil de explicar con palabras, pero en el vídeo, Tony da ejemplos específicos de escenas de diferentes películas donde las melodías son casi idénticas. Me sorprendió especialmente que mi película favorita de la década, Mad Max: Fury Road, utilizara el tema de Capitán América: Civil War casi palabra por palabra. Pero en “Mad Max” este tema se volvió más memorable, porque el compositor Junkie XL lo hizo más agresivo, dinámico y notorio. Además, toda la banda sonora de Mad Max fue creada específicamente con sonidos ásperos y crudos, lo que la hace más memorable (¡y es genial!).

“Baby Driver” de Edgar Wright es una de mis películas favoritas este verano

En su análisis en vídeo de la escena inicial de la película (recomiendo verla completa), Thomas Flyte la desglosa poco a poco y explica por qué tiene tanto éxito. El director Edgar Wright encarna muchas técnicas diferentes, pero una de ellas es la base de toda la película: el personaje principal, Baby, escapa de la persecución policial en su coche, y cada fuga está cuidadosamente coordinada con una canción específica. Wright corta esta persecución con la música elegida, lo que da como resultado que la escena se mezcle armoniosamente con el acompañamiento musical, lo que recuerda al vídeo musical de la canción. Esta técnica hace que la música sea memorable e impresionante. Wright selecciona conscientemente temas sorprendentes y los incorpora a la película en varios niveles.

La película “Dunkerque” tuvo en mí el impacto emocional más profundo de este verano.

Christopher Nolan transmite magistralmente la sensación de amenaza y tensión en Dunkerque. Cada segundo crea la impresión de que los personajes se encuentran en una situación cada vez más desesperada. En una reseña del canal Vox, Christoph Haubursin explica cómo el sonido cinematográfico contribuye a este efecto.

El compositor Hans Zimmer utiliza dos técnicas para lograr este objetivo. En primer lugar, la base de la melodía es el tictac del reloj, que llama la atención del espectador sobre el concepto del tiempo, que se ha convertido en el principal enemigo de los militares encerrados en la playa de Dunkerque. En segundo lugar, Zimmer crea la ilusión de un tono musical que aumenta infinitamente, simbolizando el peligro creciente. La tonalidad de la música aumenta constantemente, como si el peligro aumentara cada vez más, sin límite.

Para crear esta ilusión, Zimmer utiliza el efecto Shepard. Combina tres pistas de audio con notas ascendentes (cada pista una octava más alta que la anterior). Poco a poco, el compositor silencia la pista más alta y al mismo tiempo sube el volumen de la pista más baja. Esto crea la impresión de que el tono de la melodía aumenta constantemente y este efecto afecta significativamente la percepción emocional. Anteriormente, Shigeru Miyamoto utilizó una técnica similar en un juego de Mario para crear la ilusión de una escalera interminable.