Hoe je muziek maakt

Tot voor kort moest iedereen die geïnteresseerd was in de vraag hoe muziek te maken, begrijpen dat het proces zelf een zorgvuldige voorbereiding en oefening vereist. De afwezigheid van plug-ins en multitrack-sequencers maakte het noodzakelijk om het materiaal herhaaldelijk te repeteren totdat het bijna automatisch ging. In de studio moest alles feilloos, synchroon en zonder fouten worden afgespeeld.

Met de komst van computerprogramma's kregen muzikanten echter de mogelijkheid om meerdere opnames op te nemen en nummers moeiteloos te bewerken met slechts een paar muisklikken. Tegenwoordig kun je gemakkelijk vanuit je luie stoel een hit produceren, zoals veel hedendaagse zangers door hun ervaringen hebben bewezen.

Wat zijn de vereisten om muziek te maken?

Een professionele studio van topkwaliteit biedt zonder twijfel aanzienlijke voordelen als het om apparatuur gaat. Deze studio's bieden u doorgaans ruime, geluiddichte kamers met een uitstekende akoestiek, evenals hoogwaardige compressoren en equalizers, een ruime keuze aan microfoons, een analoge console, een goed uitgeruste controlekamer met meerdere monitorlijnen en nog veel meer.

Een thuisstudio heeft echter zijn eigen voordelen op het gebied van budget en efficiëntie. Als je elektronische muziek maakt met behulp van een computer en plug-ins, heb je geen geluiddichte kamers of een groot aantal microfoons nodig. Je gaat tenslotte geen volledig orkest, drums of vleugel opnemen. Het enige dat u hoeft te doen, is u concentreren op de essentie en aan de slag gaan. Welke apparatuur heb je nodig om een ​​complete thuisproductiestudio op te zetten?

• Computer;
• Sequencer met plug-ins;
• Audio interface;
• Monitoren;
• Koptelefoon;
• Microfoon;
• Midi-toetsenbord;
• Gitaar, basgitaar (als je speelt);
• Ingetogen kamer;
• Rekken en draden.

Tegenwoordig hoef je niet langer gigabytes aan software op je computer te installeren om je eigen muziek te componeren. Met een sequencer zoals Amped Studio kun je muziek rechtstreeks in je webbrowser produceren, omdat alle essentiële functies, tools en plug-ins al aanwezig zijn. vindt u een audio-editor , een MIDI-editor , synthesizers, samplers en verwerkingseffecten. Daarom kunt u met een online sequencer in werkelijkheid zonder extra software werken.

Welke andere apparatuur is niet nodig om muziek te maken? Monitoren kunnen worden vervangen door hoofdtelefoons van hoge kwaliteit, waardoor er geen akoestische kamerbehandeling nodig is. Als je geen MIDI-toetsenbord hebt, kun je eenvoudig noten tekenen met een potlood in de MIDI-editor. In Amped Studio kun je met slechts één klik zelfs hele akkoorden tekenen. Hoewel een microfoon handig is voor het opnemen van zang, is deze niet vereist.

Het enige wat je dus nodig hebt om muziek te maken is een computer, een koptelefoon, een audio-interface en een internetverbinding. Als u echter geen monitoren of microfoon heeft, kunt u ook afzien van de audio-interface. Is het mogelijk om muziek geheel zonder computer te maken? Tegenwoordig is dit haalbaar met mobiele muziekproductie op een smartphone of tablet.

Wat zijn de manieren om muziek te maken zonder een computer te gebruiken?

Een online sequencer werkt in een webbrowser op een computer, laptop, tablet of smartphone, waardoor u elk mobiel apparaat dat met internet is verbonden, kunt gebruiken om muziek te componeren. Deze programma's stellen geen speciale systeemvereisten en vereisen geen download van software, samplerbibliotheken of virtuele instrumenten en effectplug-ins.

Het online formaat stroomlijnt het muziekcompositieproces, waardoor u snel muzikale ideeën kunt vastleggen, zelfs als u niet achter uw computer zit met een sequencer. Open eenvoudig de website op uw smartphone of tablet en noteer een melodie, beat of hook. Als u later weer achter uw computer zit, kunt u uw project eenvoudig afronden.

Amped Studio, een online sequencer, is ongelooflijk gebruiksvriendelijk en biedt een breed scala aan functies voor muziekcompositie. Het werkt in een multitrack-formaat, neemt audio en MIDI op van externe bronnen en bewerkt audio- en MIDI-clips. Bovendien biedt het een verscheidenheid aan loops, samplers en MIDI-patronen en bevat het ingebouwde virtuele instrumenten en plug-ins. Met deze functies is het al mogelijk om uitsluitend met behulp hiervan muziek te maken. Hier is een lijst met basisuitrusting:

• Synthesizer;
• Monsternemer;
• Drum machine;
• Compressor;
• Equalizer;
• Vertraging;
• Nagalm;
• Horus;
• Vervorming.

Bovendien maakt Amped Studio het mogelijk om VST's vanaf een computer aan te sluiten, wat normaal gesproken niet gebruikelijk is bij online sequencers. Bovendien biedt het een unieke functie die een gezongen melodie omzet in een reeks MIDI-noten. Bovendien zorgt Amped Studio ervoor dat meerdere gebruikers vanaf verschillende computers aan hetzelfde project kunnen samenwerken, een functie die niet vaak wordt aangetroffen in stationaire programma's.

Deze software is vooral nuttig voor beatmakers, componisten en songwriters die snel en efficiënt muziek willen maken. Het is ook uitstekend geschikt voor het arrangeren van muziek, en zangers, gitaristen en toetsenisten zullen de geluidsopnamefunctie bijzonder nuttig vinden. Zelfs mixingenieurs kunnen profiteren van de mogelijkheden van Amped Studio om tracks in balans te brengen en er effecten op toe te passen.

Heb je kennis van muziektheorie nodig om muziek te maken?

Het zal je misschien teleurstellen, maar enige kennis van de muziektheorie is essentieel voor een muzikant. Het goede nieuws is echter dat het niet nodig is om alles uit je hoofd te leren. Terwijl je jezelf onderdompelt in de muzikale wereld, zul je op natuurlijke wijze vertrouwd raken met de concepten en wetten ervan. Zelfs als je niet bekend bent met de terminologie, belet dit je niet om een ​​melodie te creëren. Sommige muzikanten beheersen technieken en kunnen snel op interessante ideeën komen zonder hun technische namen te kennen.

Als je muziek maakt, moet je onderscheid maken tussen majeur- en mineurtoonladders (en andere modi), intervallen, maatsoorten, akkoorden, enzovoort. Misschien kun je onderscheid maken tussen de stemmingen die een vierde of zesde oproep oproept, zelfs als je hun naam niet kent. Het is helemaal niet nodig om termen te kennen. Als je het tempo kunt aangeven met een getal, bijvoorbeeld 120 bpm, waarom moet je dan onthouden wat ‘adagio’, ‘moderato’, ‘allegro’ enz. betekenen?

Veel mensen vragen zich af of het mogelijk is om muziek te maken zonder de muzieknotatie te kennen. In werkelijkheid is het moeilijk om een ​​muziekproducent te vinden die muzieknotatie in zijn werk gebruikt en stippen met vlaggen op de notenbalk plaatst. Snel lezen is alleen nuttig voor orkestmuzikanten, maar niet voor componisten en arrangeurs. Hoewel kennis uw werk gemakkelijker, sneller en interessanter kan maken.

Sommige mensen maken willekeurig muziek en kiezen noten op het gehoor. Dit is ook een methode, maar degenen die bekend zijn met de cirkel van kwarten en kwinten, intervallen, frets, de rangschikking van kruisen en mollen in verschillende toonsoorten, kunnen zich gemakkelijk alle noten in hun hoofd voorstellen en ze snel vinden op het toetsenbord of toets. Wanneer een muzikant geen inspiratie heeft, kan hij vertrouwen op logica en kennis, maar dit mag hem nooit vertragen. De praktijk moet altijd voorop staan.

Wat zijn de componenten van een lied?

De meeste hedendaagse liedjes, ontworpen voor een breed publiek, zijn opgebouwd uit repetitieve structuren. Je hoeft geen ingewikkelde arrangementen en ingewikkelde verhaallijnen te bedenken zoals in detectiveromans om muziek voor liedjes te maken, behalve in het geval van opera of klassieke werken. Dit zijn de belangrijkste componenten van een typisch nummer:

• Introductie (Inleiding);
• Couplet (vers);
• Het refrein invoeren (Pre-refrein);
• Refrein;
• Afspelen (brug);
• Culminatie (midden, opbouw);
• Uitwisseling (Drop, Solo);
• Conclusie (Outro, Coda).

Het schrijven van muziek volgt niet altijd een strikte code of formule. Niet alle stukken hoeven een climax te hebben of een bepaalde structuur te volgen. Sommige nummers eindigen mogelijk met een solo of refrein, terwijl andere alleen een couplet en refrein herhalen met een doorlopende looping-arpeggio als begeleiding. Zelfs de deelname van het refrein is niet altijd vereist. Desondanks is het belangrijk om zorgvuldige aandacht te besteden aan alle elementen van de compositie.

Introductie . Om muziek te maken, is er geen strikte regel die je moet volgen. Sommige populaire liedjes beginnen met een couplet, terwijl andere beginnen met een refrein. De standaard songstructuur omvat meestal een intro, een bridge en een coda. De intro kan de melodie van het refrein, een specifiek deuntje of een van de hooks herhalen, maar kan ook geheel uniek zijn.

Grootste deel . De conventionele benadering bij het componeren van muziek is om eenvoudigweg af te wisselen tussen verzen en refreinen, waarbij elke sectie gewoonlijk twee of drie keer wordt herhaald. Het is echter belangrijk om dynamiek en drama te behouden. De verzen moeten ingetogener, verhalender en rechtlijniger zijn en vaak in een lager bereik worden gezongen om het toneel te bereiden voor het hoofdevenement. Het hoofdevenement is het refrein, dat dynamischer, levendiger, sterker, melodieuzer en rijker gearrangeerd moet zijn met hogere noten. In wezen leidt het hele nummer naar het refrein.

Pre refrein . Het pre-refrein is een onderdeel dat vaak over het hoofd wordt gezien bij het maken van muziek. Het opnemen van een pre-refrein kan echter het drama versterken en de muziek intrigerend maken. Het pre-refrein verandert de sfeer van het couplet en creëert een intensere sfeer. Het dient als brug tussen het vredige deel en het explosieve deel van het nummer en bereidt de luisteraar voor op de verandering. Het is vergelijkbaar met een geel verkeerslicht, wat aangeeft dat er iets spannends staat te gebeuren.

Opbouwen . Deze methode kan de dramatische ontwikkeling van een muziekstuk bevorderen. Het creëert een moment van kalmte, een vertraging en een stemmingswisseling. In sommige gevallen kan de drumpartij worden weggelaten, terwijl de vocale melodie doorgaans een verandering ondergaat. Er zijn verschillende mogelijkheden voor deze sectie, waaronder het overschakelen van mineur naar majeur, het veranderen van het ritme, het creëren van een uitsplitsing of de overgang naar een andere toonsoort. Het is echter ook mogelijk om dit onderdeel geheel achterwege te laten.

Solo of drop . Bij het schrijven van muziek met een gitaar is het belangrijk om eindeloze solo's te vermijden. Houd er rekening mee dat er een aangewezen plek is waar de leadgitaar zal schitteren. Elektronische stijlen hebben doorgaans geen solo's, maar wel drops waarin de muziek overgaat van een rustig of langzaam gedeelte naar een krachtig dansritme met zware synthesizers. Op dit punt kan er sprake zijn van een rap of gewoon een doorloop van het couplet.

Coda . Meestal wordt het laatste deel van het componeren van muziek over het hoofd gezien. Op dit punt kun je de brug opnieuw introduceren, de solo naar een climax brengen, of het refrein herhalen om een ​​conclusie voor het nummer te creëren. De keuze is aan jou. Je hebt de mogelijkheid om een ​​gedenkwaardig einde te creëren door een uniek en creatief laatste deel te maken.

Bruggen en uitsparingen . Het maken van muziek die naadloos van het ene deel naar het andere overgaat, kan een uitdaging zijn, en niet alle luisteraars zullen dit op prijs stellen. Het kan effectief zijn om een ​​korte pauze of intermezzo op te nemen na een krachtig refrein, zoals een akkoordprogressie of een solo in de brug. Drumfills, hooks of kleine harmonische verschuivingen worden vaak binnen elke sectie toegevoegd om interesse toe te voegen en het nummer boeiend te houden.

Ontwikkeling is een van de basisprincipes van het muziek maken . Het is waar dat veel nummers uit repetitieve delen bestaan, maar dat betekent niet dat ze eentonig hoeven te zijn. Elk deel, inclusief het tweede couplet en refrein, zou nog steeds enige evolutie of variatie moeten hebben ten opzichte van het vorige om het interessant te houden. Dit kan worden bereikt door nieuwe elementen toe te voegen of dingen te veranderen. In feite is het ideaal om elke beat iets nieuws te introduceren om de betrokkenheid van de luisteraar vast te houden.

Hoe kun je variatie in je muziek creëren als het om verzen gaat? Je kunt een melodie-instrument met contrapunt aan het tweede couplet toevoegen, percussie, achtergrondzang of een tweede gitaar toevoegen, de bas dikker maken, de hi-hat iets aanpassen, het arpeggio van de gitaar veranderen, een fill-pad invoegen of de bas laten spelen extra vullingen. Deze technieken kunnen ook op het refrein worden toegepast.

Je hoeft niet al deze trucs tegelijk te gebruiken. Er zijn eindeloze mogelijkheden om interessante muziek te creëren, en iets nieuws bedenken is de essentie van creativiteit. Hoe origineler en innovatiever uw ideeën, hoe beter. Herhaling is echter ook essentieel om ervoor te zorgen dat je nummer in de gedachten van de luisteraar blijft hangen.

Het proces van muziek maken vereist een balans tussen het gebruik van bewezen technieken en het experimenteren met nieuwe. Het gaat om het creëren van verwachtingen en deze vervolgens ondermijnen om de luisteraar betrokken te houden. Herhaling creëert een hypnotiserend effect dat de luisteraar naar binnen trekt, maar het doorbreken van dat patroon kan hem verrassen en opwinden. Uiteindelijk gaat het erom de ervaring van de luisteraar te beheersen door zorgvuldig gebruik te maken van herhaling en variatie.

Instrumentatie en arrangement . Vanuit een dynamisch perspectief onderzochten we hoe je muziek kunt maken door de instrumenten en instrumentale groepen in een synchroon aspect te beschouwen. Elk nummer heeft een unieke set instrumenten die door de hele compositie heen spelen, en de kern van het nummer mag niet worden gewijzigd, anders klinkt het onsamenhangend. Waaruit bestaat deze kern?

De instrumentatie van een nummer kan worden opgesplitst in verschillende belangrijke componenten, waaronder:

• Hoofdinstrument, dat zang of een leadsynth kan zijn, en dat als middelpunt van het nummer dient;
• Ritmesectie, bestaande uit drums en bas, die zorgen voor de fundamentele groove en hartslag van de muziek.;
• Ondersteunende instrumenten, zoals slaggitaar, piano, orgel of andere instrumenten die harmonische en ritmische ondersteuning bieden;
• Tweede solo-instrument, dat een leadgitaar kan zijn, een synth-lead die samenwerkt met het hoofdinstrument, of een ander melodisch instrument dat wordt gebruikt voor de drop of andere secties;
• Fillers, waaronder pads, effecten, percussie en andere elementen die textuur en sfeer aan de muziek toevoegen.

Om aangename en samenhangende muziek te schrijven, moeten alle partijen in dezelfde toonsoort zijn opgebouwd en moet dissonantie worden vermeden. Als twee instrumenten tegelijkertijd dissonante intervallen zoals tritonen of septiemen spelen, kan dit onaangenaam zijn voor het oor. Als ze echter door één enkel instrument in een specifieke stijl en context worden gespeeld, kunnen deze intervallen geweldig klinken. Bovendien moet ritmische verwarring worden vermeden.

Muziek maken betekent het samenweven van instrumentale lijnen, alleen beperkt door de verbeeldingskracht van de componist. Dialoog en gemeenschappelijke melodie tussen instrumenten, evenals unisono spelen, zijn veel voorkomende technieken, vooral tussen gitaar en bas. Om een ​​duidelijke beat te creëren, moeten alle elementen worden aangepast aan het ritme, waarbij de basgitaar vaak de vocale melodie gedeeltelijk herhaalt en de drums het ritme aandrijven.

Het vasthouden aan stijlnormen bij het schrijven van muziek is belangrijk, maar er is altijd ruimte voor experimenteren. Funkbas staat bijvoorbeeld bekend om het gebruik van syncopen, en in metal vormt een herhalende riff het patroon van het nummer in plaats van akkoorden.

Het begrijpen van muziektheorie is essentieel voor effectief componeren, maar het is belangrijk om het te leren in de context van praktisch gebruik. Technische termen als ‘syncope’, ‘zwakke slag’, ‘septima’ en ‘contrapunt’ behoeven wellicht verduidelijking, maar het beheersen ervan door doelbewust oefenen is de sleutel tot het behouden van de kennis.

Hoe is het nummer gemaakt?

Zelfs vandaag de dag blijft het schrijven van muziek een uitdagende taak. Voor de gemiddelde persoon is het meest magische, complexe en cruciale aspect van het proces de compositie zelf. Dit kan gelden voor auteurs die hun muziek niet zelfstandig produceren. In werkelijkheid ondergaat een nummer echter verschillende stadia van verfijning voordat het voor een breed publiek wordt uitgebracht. Er zijn verschillende stappen nodig om een ​​ruw idee te verfijnen:

• Liedjes schrijven;
• Regeling;
• Geluidsopname;
• Bewerken;
• Mengen;
• Beheersen.

In het ideale scenario zijn er verschillende rollen betrokken bij het proces van het maken van muziek: de auteur schrijft de muziek, de arrangeur doet het arrangement, de opnametechnicus verzorgt de opname, de assistent-geluidstechnicus doet de montage, de mixingenieur zorgt voor het mixen. , en ten slotte doet de mastering engineer de laatste hand. In werkelijkheid arrangeert de auteur echter vaak zijn eigen nummers en is er mogelijk slechts één geluidstechnicus verantwoordelijk voor het opnemen, bewerken en mixen.

Liedjes schrijven . De persoon die de muziekcompositie maakt, staat bekend als de auteur. De auteur is verantwoordelijk voor het maken van de vocale melodie en het creëren van een basisbegeleiding op piano of gitaar. In dit stadium kan een andere persoon de leiding nemen over het schrijven van de teksten. Zodra de basis van het nummer is gelegd, stuurt de auteur de ruwe versie doorgaans naar een ervaren arrangeur voor verdere verfijning.

Regeling . In werkelijkheid vindt het meest magische deel van het maken van muziek plaats tijdens de arrangeerfase. De arrangeur is verantwoordelijk voor het selecteren van de instrumenten, het finaliseren van de harmonieën, het ontwikkelen van muzikale ideeën, het creëren van overgangen en hooks. Pas nadat het arrangement is voltooid, komt de muziek echt in al zijn glorie tot leven.

Geluidsopname . Zodra het arrangement klaar is, moet er in ieder geval zuivere zang worden opgenomen. Als je muziek hebt geschreven met live-instrumenten, dan moet je ook drums, gitaren, violen, trompetten, vleugel en andere instrumenten opnemen die de arrangeur in het nummer heeft opgenomen. Hiervoor zijn zowel muzikanten als een opnamestudio nodig.

Bewerken . Het kwantificeren van MIDI-parts is een eenvoudig proces, maar het omgaan met microfoontracks kan een uitdaging zijn. Zelfs als je alleen met vocale opnames werkt, moet je de opnames zorgvuldig selecteren, de timing en het volume ervan aanpassen, eventuele toonhoogteproblemen corrigeren en ongewenste ruis zoals klikken, ploffen en achtergrondgeluiden verwijderen.

Mengen . Zodra alle nummers tot in de perfectie zijn gepolijst, begint de geluidstechnicus ermee te werken. Ze passen de volumeniveaus aan, gebruiken equalizers, compressoren, saturators en reverbs om de nummers te verwerken. Ook dit is een tijdrovend proces, en soms kan het mixen net zo uitdagend zijn als het componeren van de muziek.

Beheersen . Wanneer de geluidstechnicus klaar is met het werken met meerdere tracks, ontvangt de masteringingenieur één bestand: de voltooide mix. Hun taak is het perfectioneren van het geluid met behulp van eersteklas monitoren, hoogwaardige apparatuur en een optimaal akoestisch behandelde ruimte.

Promotie . Hoewel deze fase niet het proces van het schrijven van muziek zelf omvat, is deze fase evenzeer cruciaal. Het is essentieel om een ​​bepaald budget toe te wijzen aan advertenties, promotiecampagnes en het uitbrengen van het nummer op streamingplatforms. Zonder de juiste promotie kan zelfs een potentiële superhit onopgemerkt blijven. Daarom is het essentieel om dit in gedachten te houden tijdens het werken aan muziek.

Enkele tips om te onthouden

1. Laat de theorie je niet tegenhouden . Beginnen met het schrijven van muziek is eenvoudig als je jezelf niet laat vastlopen door te denken dat je niet genoeg weet of niet over de nodige vaardigheden beschikt. Gebruik de theorie alleen als dat nodig is en verwijs ernaar als je het gevoel hebt dat je meer kennis nodig hebt;
2. Analyseer uw favoriete nummers . Een geweldige manier om je schrijfvaardigheid voor muziek te verbeteren, is door hits te analyseren. Door de logica achter succesvolle nummers te begrijpen, kun je leren schrijven als een professional. Breek populaire nummers af en probeer ze te repliceren, waarbij je kennis neemt van interessante oplossingen. Het verwijzen naar succesvolle nummers kan ook nuttig zijn als je aan je eigen materiaal werkt;
3. Streef naar originaliteit . Veel mensen geloven dat succesvolle muziekmakers een aantal universele regels volgen. Als je echter een paar tijdloze hits onderzoekt, zul je ontdekken dat ze allemaal hun eigen, unieke smaak hebben. Wees daarom niet bang om te experimenteren en probeer iets te bedenken dat het publiek zal boeien met zijn originaliteit;
4. Let op trends . Overweeg om de voorkeuren van het hedendaagse publiek te onderzoeken om muziek te creëren die populair zal zijn. Hoewel het belangrijk is om trouw te blijven aan je eigen muziekstijl, kun je inspiratie opdoen door te ontdekken wat resoneert met luisteraars op de huidige markt;
5. Schrijf gemakkelijk muziek . Blijf niet te lang verzanden in het arrangeren van muziek. Probeer het snel af te ronden en voorkom dat je vastloopt in het proces. Veel muzikanten worstelen met onvoltooide demo's omdat ze verstrikt raken in het perfectioneren ervan. Het is belangrijk om te weten wanneer voltooiing prioriteit moet krijgen boven perfectionisme.

Het belangrijkste advies is: onderneem actie. Wacht niet tot je de muziektheorie perfect begrijpt en dure apparatuur of plug-ins aanschaft. Door te oefenen en te ervaren leer je meer dan welke theoretische kennis of hulpmiddelen dan ook.

Als je geen studiomonitors hebt, gebruik dan een koptelefoon. Als u zich geen software kunt veroorloven, gebruik dan de gratis online sequencer. Tegenwoordig kunt u beginnen met het maken van muziek door simpelweg uw computer aan te zetten. Uiteindelijk zul je de apparatuur verwerven die je wenst, maar concentreer je in de tussentijd op het gebruik van wat je hebt om je vaardigheden te ontwikkelen. Wie weet ben je misschien al een geweldige producer tegen de tijd dat je je droomuitrusting krijgt. Het is allemaal aan jou.