アルバムカバーの作り方

アルバム カバーは、音楽に注目を集める上で重要な役割を果たします。視覚的な要素こそが、人があなたの作品に興味を持ち、あなたの曲を聴くきっかけとなる可能性があります。明るく記憶に残る画像は、あなたのリリースを他の多くのリリースと区別することができ、成功の可能性を高めます。多くのミュージシャンは、カバーを作成することが、トラックの録音とミキシングと同じくらい難しい作業であるという事実に直面しています。

このテキストでは、音楽リリースのデザインが時間の経過とともにどのように進化してきたか、カバーが効果的で魅力的なものとなっているものについて考察し、さらに自分の手でアルバム カバーを作成するためのヒントも共有します。ビジュアル デザインのどの要素が音楽を強調し、聴衆の目に留まるようにするのに役立つかを学びます。

音楽絵画

有名なアメリカの歌手トニー・ベネットは、1950 年代、アルバムのジャケットはリスナーに音楽とアートを組み合わせた何かユニークなものを手に持っているような気分にさせたと回想しました。これらの言葉は今日でも意味があります。カバーは今でも音楽リリースの認識において重要な役割を果たしており、曲自体の印象を補完し、強化します。 「アルバム」という概念が音楽で使用されるようになったのは、20 世紀初頭、第一次世界大戦の直前でした。当時、音楽はシェラックのディスクでリリースされ、厚い紙の封筒に入れて販売されていました。当時はデザインに特別な注意が払われていませんでした。通常、ジャケットにはアーティスト名、レコードのタイトル、そしてシンプルな画像が含まれていました。 78 rpm で再生されるレコードが、写真アルバムを思わせる革製の本に詰め込まれていることもあり、これが「アルバム」という用語の由来となりました。

最初のカラフルなイラスト付きアルバムカバーは 1930 年代に登場し、ベートーベンや人気歌手ポール・ロブソンの音楽を使用したアルバムをデザインしたアーティスト、アレックス・スタインワイスの作品が売上の大幅な増加につながりました。これらの設計の変更は、33 1/3 rpm で再生されるビニール レコードへの移行によって可能になり、1 枚のレコードにより多くの情報を保存できるようになりました。

以前は、78 rpm ディスクは粗い紙で作られたスリーブに梱包されていたため、表面が損傷する可能性がありました。ビニールへの移行により、梱包にはより慎重なアプローチが必要となり、レコードはイラストを適用するのに最適なボール紙のスリーブに入れられるようになりました。したがって、アルバムのデザインはミュージシャンやレーベルにとって重要な仕事となり、すぐに才能のあるアーティストを見つけることがリリースを作成するプロセスの不可欠な部分になりました。

そのジャケットが米国で幅広い聴衆の注目を集めた最初のアルバムの 1 つは、ナット・キング・コールの『キング・コール・トリオ』でした。コントラバス、ギター、ピアノに王冠をかぶせた抽象的なイメージは、世間の関心を集めただけでなく、売上の大幅な増加にも貢献しました。 1945 年 3 月、このアルバムはビルボードのベストセラー ポピュラー レコード アルバム チャートで 1 位を獲得し、ほぼ 1 年間この位置を維持しました。このリリースの成功は、ジャケットがアルバムの認識とその商業的成功に大きな影響を与える可能性があることを示しました。

1950年代、ジャズの隆盛に伴い、アルバムジャケットは前衛的なスタイルでデザインされました。知識人のための音楽であるジャズには、複雑に入り組んだイラストが添えられ、レーベルはアート部門全体を創設し、独創性と創造性を競い合いました。 1960 年代にロックンロールが登場すると、デザインの重点は写真に移り、アルバムのジャケットはミュージシャンの明るく珍しい写真で飾られるようになりました。表紙用の写真の作成はマーケティングの重要な部分になりました。

1970 年代までに、アルバムのジャケットはより大胆で挑発的なものになりました。シンプルだが挑発的なイメージを好むアーティストもいれば、型破りなビジョンを持つアーティストに目を向けたアーティストもいます。この時代には、ザ・ローリング・ストーンズの「スティッキー・フィンガーズ」、ザ・クラッシュの「ロンドン・コーリング」、アンディ・ウォーホルの「ザ・ベルベット・アンダーグラウンド＆ニコ」などの象徴的なカヴァーが登場しました。白地に黄色のバナナは象徴的なシンボルとなり、レコードの最初のバッチには、剥がすとピンクのバナナが現れるインタラクティブな要素も含まれていました。この実験的なアプローチは、制作費は高価ではありましたが、アートと音楽がどのようにお互いを豊かにし得るかを示す輝かしい例でした。

1980 年代までに、アルバム アートの問題はより複雑になってきました。アーティストたちは、成功には単に良い音楽以上のものが必要であることに気づきました。彼らは他のアーティストとは一線を画すユニークなビジュアルを必要としていました。この時期は、ロゴとブランディングが多用され始め、バンドのアイデンティティの重要な部分となった時期でした。シカゴ、レッド ツェッペリン、デフ レパード、モーターヘッドなどのバンドは、音楽だけでなく、その有名なシンボルや商品のアイコンにもなりました。

アルバム カバーは、以前と同じ販売上の役割を果たさなくなりましたが、音楽リリースの重要な部分であり続けています。音楽がオンラインで消費されるデジタル時代では、ジャケットはミュージック ビデオ、グッズ、写真撮影と同様にマーケティング戦略の要素となっています。ビジュアルはよりシンプルかつスタイリッシュになり、アーティストのイメージやリリースのタイトルといった基本に立ち返ることが多くなりました。しかし、変化はあっても、ジャケットは音楽の第一印象を決める重要なツールであることに変わりはありません。

音楽消費の形式が変化しているにもかかわらず、リリースの詳細に対するリスナーの関心は依然として高いままです。この関心により、リリースと同時にダウンロードできる大きな PDF ファイルである「デジタル ブックレット」が登場しました。このようなブックレットには、トラックやレコーディング参加者、ソーシャル ネットワークやメディアへのアクティブなリンク、写真、さらには広告に関する情報が含まれている場合もあります。

アルバムジャケットはどのようなものであるべきですか？

音楽業界では第一印象が重要な役割を果たします。リスナーがトラックを再生する前であっても、オンラインで音楽を提示する方法が、あなたの作品に注目を集める決定的な要因となる可能性があります。多くの人にとって、ストリーミング プラットフォームやオンライン ストアで音楽を選ぶときの主な基準はアルバムのジャケットです。デザインが興味深く独創的であればあるほど、あなたのリリースが注目され、聴かれる可能性が高くなります。

もちろん、すべての人を喜ばせることは不可能ですが、アルバムのジャケットがどうあるべきかを考えるプロセスを複雑にするべきではありません。まず、自分のジャンルのアルバム アートを分析して、どのようなスタイルが人気で、何が自分の音楽に最適であるかを確認します。アイデアが思い浮かばない場合は、次のことを試してください。

• あなたと似たスタイルや雰囲気を持つアーティストのアルバム アートを見てください。アートの何が魅力的で、何が気に入らないのかを考えてみましょう。これは、アートワークに対する独自のビジョンを策定するのに役立ちます。
• Dribbble、Behance、DeviantArt などのプラットフォームでアーティストやデザイナーのブログを探索します。また、Google 画像検索を使用してインスピレーションを見つけ、何がトレンドになっているかを確認してください。
• 自分のジャンルで何が人気で、音楽業界を支配しているビジュアル トレンドを分析します。これにより、どのようなデザイン要素がアルバム カバーを関連性があり、思い出に残るものにすることができるかがわかります。

アイデアを借りたり、アーティストやデザイナーに直接連絡したりすることを恐れないでください。もしかしたら、そのうちの 1 人が応答して、あなたのリリース用にユニークなアートワークを作成するのを手伝ってくれるかもしれません。自分でカバーを作成したい場合は、他のアーティストのアートを研究したときに特定した原則を使用してください。これにより、音楽を調和的に補完し、リスナーの注目を集めるビジュアルイメージを作成することができます。