Jak tworzyć muzykę

Do niedawna każdy, kto interesował się kwestią tworzenia muzyki, musiał zrozumieć, że sam proces wymaga starannego przygotowania i praktyki. Brak wtyczek i sekwencerów wielościeżkowych spowodował konieczność wielokrotnego powtarzania materiału, aż do uzyskania efektu niemal automatycznego. W studiu wszystko musiało być odtwarzane bezbłędnie, zsynchronizowane i bez błędów.

Jednak wraz z pojawieniem się programów komputerowych muzycy zyskali możliwość nagrywania wielu ujęć i łatwej edycji utworów za pomocą zaledwie kilku kliknięć myszką. W dzisiejszych czasach można z łatwością nagrać przebojową piosenkę w zaciszu własnego domu, co udowodniło na podstawie swoich doświadczeń wielu współczesnych piosenkarzy.

Jakie są wymagania, aby tworzyć muzykę?

Bez wątpienia wysokiej klasy profesjonalne studio może poszczycić się znaczącymi zaletami, jeśli chodzi o sprzęt. Studia te zazwyczaj zapewniają przestronne, dźwiękoszczelne pomieszczenia o wyjątkowej akustyce, a także wysokiej jakości kompresory i korektory, szeroki wybór mikrofonów, konsolę analogową, dobrze wyposażoną reżysernię z wieloma liniami monitorowymi i wiele więcej.

Jednak domowe studio ma swoje zalety pod względem budżetu i wydajności. Jeśli tworzysz muzykę elektroniczną za pomocą komputera i wtyczek, nie będziesz potrzebować dźwiękoszczelnych pomieszczeń ani mnóstwa mikrofonów. Przecież nie nagrasz całej orkiestry, perkusji ani fortepianu. Wszystko, co musisz zrobić, to skupić się na najważniejszych kwestiach i zacząć. Jakiego więc sprzętu potrzebujesz, aby założyć kompletne domowe studio produkcyjne?

• Komputer;
• Sekwencer z wtyczkami;
• Interfejs audio;
• Monitory;
• Słuchawki;
• Mikrofon;
• Klawiatura Midi;
• Gitara, gitara basowa (jeśli grasz);
• Stonowany pokój;
• Stojaki i przewody.

W dzisiejszych czasach nie trzeba już instalować gigabajtów oprogramowania na komputerze, aby komponować własną muzykę. Dzięki sekwencerowi, takiemu jak Amped Studio, możesz tworzyć muzykę bezpośrednio w przeglądarce internetowej, ponieważ wszystkie niezbędne funkcje, narzędzia i wtyczki są już zawarte. W tym sekwencerze online znajdziesz edytor audio , edytor MIDI Dlatego w rzeczywistości sekwencer online pozwala na pracę bez dodatkowego oprogramowania.

Jaki inny sprzęt nie jest niezbędny do tworzenia muzyki? Monitory można zastąpić wysokiej jakości słuchawkami, eliminując potrzebę obróbki akustycznej pomieszczenia. Jeśli nie masz klawiatury MIDI, możesz po prostu rysować notatki ołówkiem w edytorze MIDI. W Amped Studio możesz nawet rysować całe akordy jednym kliknięciem. Chociaż mikrofon jest przydatny do nagrywania wokalu, nie jest on wymagany.

W rezultacie do tworzenia muzyki wystarczy komputer, słuchawki, interfejs audio i połączenie internetowe. Jeśli jednak nie masz monitorów ani mikrofonu, możesz zrezygnować również z interfejsu audio. Czy da się tworzyć muzykę całkowicie bez komputera? Obecnie jest to możliwe dzięki mobilnej produkcji muzyki na smartfonie lub tablecie.

Jakie są sposoby na tworzenie muzyki bez użycia komputera?

Sekwencer online działa w przeglądarce internetowej na komputerze, laptopie, tablecie lub smartfonie, umożliwiając komponowanie muzyki za pomocą dowolnego urządzenia mobilnego podłączonego do Internetu. Programy te nie mają żadnych specjalnych wymagań systemowych i nie wymagają pobierania oprogramowania, bibliotek samplerów ani wirtualnych instrumentów i wtyczek efektów.

Format online usprawnia proces komponowania muzyki, umożliwiając szybkie uchwycenie pomysłów muzycznych, nawet gdy jesteś z dala od komputera z sekwencerem. Po prostu otwórz stronę na smartfonie lub tablecie i zanotuj melodię, rytm lub haczyk. Później, gdy wrócisz do komputera, możesz łatwo sfinalizować swój projekt.

Amped Studio, sekwencer online, jest niezwykle przyjazny dla użytkownika i oferuje szeroką gamę funkcji komponowania muzyki. Działa w formacie wielościeżkowym, nagrywa audio i MIDI ze źródeł zewnętrznych oraz edytuje klipy audio i MIDI. Dodatkowo zapewnia różnorodne pętle, samplery i wzorce MIDI oraz zawiera wbudowane instrumenty wirtualne i wtyczki. Dzięki tym funkcjom możliwe jest już tworzenie muzyki wyłącznie przy ich pomocy. Oto lista podstawowego wyposażenia:

• Syntezator;
• Próbnik;
• Maszyna perkusyjna;
• Kompresor;
• Wyrównywacz;
• Opóźnienie;
• Pogłos;
• Horusa;
• Zniekształcenie.

Ponadto Amped Studio umożliwia podłączenie VST z komputera, co zazwyczaj nie jest cechą sekwencerów online. Co więcej, oferuje unikalną funkcję, która przekształca śpiewaną melodię w sekwencję nut MIDI. Dodatkowo Amped Studio umożliwia wielu użytkownikom współpracę nad tym samym projektem na różnych komputerach, co jest funkcją rzadko spotykaną w programach stacjonarnych.

To oprogramowanie jest szczególnie przydatne dla twórców beatów, kompozytorów i autorów tekstów, którzy chcą szybko i wydajnie tworzyć muzykę. Świetnie nadaje się także do aranżacji muzyki, a dla wokalistów, gitarzystów i klawiszowców szczególnie przydatna będzie funkcja nagrywania dźwięku. Nawet inżynierowie miksu mogą skorzystać z możliwości Amped Studio, aby zrównoważyć ścieżki i zastosować do nich efekty.

Czy do tworzenia muzyki potrzebna jest wiedza z zakresu teorii muzyki?

Może cię to rozczaruje, ale posiadanie pewnej wiedzy z teorii muzyki jest niezbędne dla muzyka. Dobra wiadomość jest jednak taka, że ​​nie trzeba wszystkiego zapamiętywać. Zanurzając się w muzyczny świat, w naturalny sposób zaznajomisz się z jego koncepcjami i prawami. Nawet jeśli nie jesteś zaznajomiony z terminologią, nie przeszkadza to w tworzeniu melodii. Niektórzy muzycy opanowali techniki i potrafią szybko wpaść na ciekawe pomysły, nie znając ich technicznych nazw.

Tworząc muzykę, musisz rozróżnić skalę durową i molową (i inne tryby), interwały, metrum, akordy i tak dalej. Być może będziesz w stanie rozróżnić nastroje, jakie wywołuje czwarta lub szósta, nawet jeśli nie znasz ich nazw. Nie ma potrzeby znać żadnych terminów. Jeśli możesz wskazać tempo za pomocą liczby, np. 120 bpm, dlaczego musisz pamiętać, co oznaczają „adagio”, „moderato”, „allegro” itp.?

Wiele osób zastanawia się, czy można tworzyć muzykę bez znajomości zapisu nutowego. W rzeczywistości trudno znaleźć producenta muzycznego, który w swojej twórczości stosuje notację muzyczną i umieszcza na pięciolinii kropki z flagami. Szybkie czytanie a vista przydaje się tylko muzykom orkiestrowym, ale nie kompozytorom i aranżerom. Chociaż wiedza może sprawić, że Twoja praca będzie łatwiejsza, szybsza i ciekawsza.

Niektórzy ludzie tworzą muzykę losowo, wybierając nuty ze słuchu. To też jest metoda, ale ci, którzy znają okrąg kwinty i kwinty, interwały, progi, układ krzyży i bemolów w różnych tonacjach, z łatwością wyobrażają sobie wszystkie nuty w głowie i szybko je odnajdują na klawiaturze lub podstrunnica. Kiedy muzykowi brakuje inspiracji, może polegać na logice i wiedzy, ale to nigdy nie powinno go spowalniać. Praktyka powinna być zawsze na pierwszym miejscu.

Jakie są elementy utworu?

Większość współczesnych piosenek przeznaczonych dla szerokiego grona odbiorców zbudowana jest przy użyciu powtarzalnych struktur. Aby stworzyć muzykę do piosenek, nie trzeba wymyślać skomplikowanych aranżacji i zawiłych fabuł jak w powieściach kryminalnych, z wyjątkiem opery lub dzieł klasycznych. Poniżej znajdują się główne elementy typowej piosenki:

• Wprowadzenie (Wprowadzenie);
• Kuplet (werset);
• Wejście do refrenu (przed refrenem);
• Chór;
• Odtwarzanie (mostek);
• Kulminacja (środek, rozbudowa);
• Wymiana (upuszczenie, solo);
• Zakończenie (Outro, Coda).

Pisanie muzyki nie zawsze opiera się na ścisłym kodeksie i formule. Nie wszystkie utwory muszą zawierać punkt kulminacyjny lub mieć określoną strukturę. Niektóre utwory mogą kończyć się solówką lub refrenem, podczas gdy inne powtarzają jedynie zwrotkę i refren z ciągłym, zapętlonym arpeggio jako akompaniamentem. Nawet wejście chóru nie zawsze jest wymagane. Mimo to ważne jest, aby zwrócić szczególną uwagę na wszystkie elementy kompozycji.

Wprowadzenie . Tworząc muzykę, nie ma ścisłych zasad, których należy przestrzegać. Niektóre popularne piosenki zaczynają się zwrotką, inne zaś refrenem. Standardowa struktura utworu zwykle obejmuje intro, przejście i kodę. Intro może powtarzać melodię refrenu, konkretną melodię lub jeden z haczyków, ale może też być całkowicie wyjątkowe.

Główna część . Konwencjonalne podejście do komponowania muzyki polega po prostu na zmienianiu zwrotek i refrenów, zwykle powtarzając każdą sekcję dwa lub trzy razy. Jednak ważne jest, aby nadal uwzględniać dynamikę i dramaturgię. Zwrotki powinny być bardziej stonowane, narracyjne i proste, często śpiewane w niższym tonie, aby przygotować scenę dla głównego wydarzenia. Głównym wydarzeniem jest refren, który powinien być bardziej dynamiczny, wibrujący, mocny, melodyjny i bogato zaaranżowany z wyższymi tonami. Zasadniczo cała piosenka prowadzi do refrenu.

Przed refrenem . Refren wstępny to element często pomijany podczas tworzenia muzyki. Jednakże dodanie refrenu wstępnego może zwiększyć dramaturgię i sprawić, że muzyka będzie bardziej intrygująca. Refren poprzedzający zmienia nastrój zwrotki i tworzy bardziej intensywną atmosferę. Służy jako pomost pomiędzy spokojną i wybuchową częścią utworu, przygotowując słuchacza na zmianę. Przypomina żółte światło sygnalizujące, że wkrótce wydarzy się coś ekscytującego.

Budowa . Ta metoda może poprawić dramatyczny rozwój utworu muzycznego. Tworzy chwilę spokoju, spowolnienia i zmiany nastroju. W niektórych przypadkach partia perkusyjna może zostać pominięta, a melodia wokalu zazwyczaj ulega zmianie. Istnieją różne możliwości tej sekcji, w tym przejście z moll na dur, zmiana rytmu, utworzenie załamania lub przejście na inną tonację. Można jednak również całkowicie zrezygnować z tej części.

Samodzielnie lub upuść . Pisząc muzykę na gitarze, ważne jest, aby unikać niekończących się solówek. Pamiętaj, że jest wyznaczone miejsce, w którym będzie świecić gitara prowadząca. Style elektroniczne zazwyczaj nie zawierają solówek, ale są w nich spadki, w których muzyka przechodzi od spokojnej lub wolnej sekcji do potężnego tanecznego rytmu z ciężkimi syntezatorami. W tym momencie może nastąpić rap lub po prostu powtórzenie wersetu.

Koda . Zazwyczaj końcowa część komponowania muzyki jest często pomijana. W tym momencie możesz ponownie wprowadzić łącznik, doprowadzić solówkę do punktu kulminacyjnego lub powtórzyć refren, aby stworzyć zakończenie utworu. Wybór nalezy do ciebie. Masz okazję stworzyć niezapomniane zakończenie, tworząc wyjątkową i kreatywną sekcję końcową.

Mostki i wycięcia . Tworzenie muzyki, która płynnie przechodzi z jednej części do drugiej, może być wyzwaniem i nie wszyscy słuchacze mogą to docenić. Skuteczne może być włączenie krótkiej pauzy lub przerywnika po mocnym refrenie, takim jak sekwencja akordów lub solówka w przejściu. W każdej sekcji często dodawane są wypełnienia perkusyjne, haczyki lub niewielkie zmiany harmoniczne, aby zwiększyć zainteresowanie utworem i utrzymać jego wciągający charakter.

Rozwój jest jedną z podstawowych zasad tworzenia muzyki . To prawda, że ​​wiele piosenek składa się z powtarzających się części, ale to nie znaczy, że muszą być monotonne. Każda część, łącznie z drugą zwrotką i refrenem, powinna nadal podlegać pewnym zmianom lub zmianom w stosunku do poprzedniej, aby całość była interesująca. Można to osiągnąć poprzez dodanie nowych elementów lub zmianę. W rzeczywistości idealnym rozwiązaniem jest wprowadzanie czegoś nowego w każdym takcie, aby utrzymać zaangażowanie słuchacza.

Jak możesz urozmaicić swoją muzykę, jeśli chodzi o zwrotki? Możesz dodać instrument melodyczny z kontrapunktem do drugiej zwrotki, włączyć perkusję, chórki lub drugą gitarę, zagęścić bas, lekko wyregulować hi-hat, zmienić arpeggio gitary, wstawić pad wypełniający lub sprawić, by bas grał dodatkowe wypełnienia. Techniki te można również zastosować do refrenu.

Nie musisz używać wszystkich tych trików na raz. Możliwości tworzenia ciekawej muzyki są nieograniczone, a wymyślanie czegoś nowego jest esencją kreatywności. Im bardziej oryginalne i innowacyjne będą Twoje pomysły, tym lepiej. Jednak powtarzanie jest również niezbędne, aby piosenka utkwiła w pamięci słuchacza.

Proces tworzenia muzyki wymaga równowagi pomiędzy stosowaniem sprawdzonych technik a eksperymentowaniem z nowymi. Polega na tworzeniu oczekiwań, a następnie ich podważaniu, aby utrzymać zaangażowanie słuchacza. Powtarzanie tworzy efekt hipnotyczny, który wciąga słuchacza, ale zerwanie z tym schematem może go zaskoczyć i podekscytować. Ostatecznie chodzi o kontrolowanie wrażeń słuchacza poprzez ostrożne stosowanie powtórzeń i wariacji.

Instrumentacja i aranżacja . Z perspektywy dynamicznej badaliśmy, jak tworzyć muzykę, rozważając instrumenty i grupy instrumentalne w aspekcie synchronicznym. Każda piosenka ma unikalny zestaw instrumentów, które grają przez całą kompozycję, a rdzeń utworu nie powinien być zmieniany, gdyż w przeciwnym razie będzie brzmiał chaotycznie. Z czego więc składa się ten rdzeń?

Instrumentację utworu można podzielić na kilka kluczowych elementów, w tym:

• Instrument główny, którym może być wokal lub syntezator prowadzący, i służy jako centralny punkt utworu;
• Sekcja rytmiczna, składająca się z perkusji i basu, które zapewniają podstawowy rytm i puls muzyki.;
• Instrumenty pomocnicze, które mogą obejmować gitarę rytmiczną, fortepian, organy lub inne instrumenty zapewniające wsparcie harmoniczne i rytmiczne;
• Drugi instrument solowy, którym może być gitara prowadząca, syntezator współpracujący z instrumentem głównym lub inny instrument melodyczny używany w dropie lub innych sekcjach;
• Wypełniacze, które obejmują pady, efekty, instrumenty perkusyjne i inne elementy, które dodają muzyce tekstury i atmosfery.

Aby pisać muzykę przyjemną i spójną, wszystkie jej części muszą być zbudowane w tej samej tonacji i unikać dysonansów. Jeśli dwa instrumenty grają jednocześnie dysonansowe interwały, takie jak trytony lub septymy, może to być nieprzyjemne dla ucha. Jeśli jednak gra się na jednym instrumencie w określonym stylu i kontekście, interwały te mogą brzmieć świetnie. Ponadto należy unikać zamieszania rytmicznego.

Tworzenie muzyki polega na splataniu ze sobą linii instrumentalnych, ograniczonym jedynie wyobraźnią kompozytora. Dialog i wspólna melodia między instrumentami, a także gra unisono to powszechne techniki, zwłaszcza między gitarą i basem. Aby uzyskać wyraźny beat, należy dopasować wszystkie elementy do rytmu, przy czym gitara basowa często częściowo powtarza melodię wokalu, a perkusja wyznacza rytm.

Trzymanie się standardów stylu podczas pisania muzyki jest ważne, ale zawsze jest miejsce na eksperymenty. Na przykład funkowy bas znany jest z synkopowania, a w metalu powtarzający się riff tworzy wzór utworu zamiast akordów.

Zrozumienie teorii muzyki jest niezbędne do skutecznego komponowania, ale ważne jest, aby uczyć się jej w kontekście praktycznego zastosowania. Terminy techniczne, takie jak „omdlenie”, „słabe uderzenie”, „septima” i „kontrapunkt” mogą wymagać wyjaśnienia, ale opanowanie ich poprzez świadomą praktykę jest kluczem do utrwalenia wiedzy.

Jak powstaje piosenka?

Nawet dzisiaj pisanie muzyki pozostaje trudnym zadaniem. Dla przeciętnego człowieka najbardziej magicznym, złożonym i kluczowym aspektem procesu jest sama kompozycja. Może to dotyczyć autorów, którzy nie produkują samodzielnie swojej muzyki. Jednak w rzeczywistości, zanim utwór trafi do szerszej publiczności, przechodzi kilka etapów udoskonalania. Udoskonalenie przybliżonego pomysłu obejmuje kilka etapów:

• Pisania piosenek;
• Układ;
• Nagrywanie dźwięku;
• Redagowanie;
• Mieszanie;
• Opanowanie.

W idealnym scenariuszu w procesie tworzenia muzyki odgrywają różne role: autor pisze muzykę, aranżer zajmuje się aranżacją, inżynier dźwięku zajmuje się nagrywaniem, asystent inżyniera dźwięku zajmuje się montażem, inżynier miksu zajmuje się miksowaniem i na koniec inżynier masteringu dokonuje ostatnich poprawek. Jednak w rzeczywistości autor często aranżuje własne utwory, a za nagrywanie, montaż i miksowanie może odpowiadać tylko jeden inżynier dźwięku.

Pisanie piosenek . Osoba tworząca kompozycję muzyczną nazywana jest autorem. Autor jest odpowiedzialny za opracowanie melodii wokalu i stworzenie podstawowego akompaniamentu na fortepianie lub gitarze. Na tym etapie pisaniem tekstu może zająć się inna osoba. Po ustaleniu podstaw utworu autor zazwyczaj wysyła wstępną wersję utworu doświadczonemu aranżerowi w celu dalszego dopracowania.

Układ . W rzeczywistości najbardziej magiczna część tworzenia muzyki ma miejsce na etapie aranżacji. Aranżer jest odpowiedzialny za dobór instrumentów, sfinalizowanie harmonii, opracowanie pomysłów muzycznych, stworzenie przejść i zahaczeń. Dopiero po zakończeniu aranżacji muzyka naprawdę ożywa w całej okazałości.

Nagranie dźwięku . Jako minimum, po zakończeniu aranżacji, należy nagrać czysty wokal. Jeśli pisałeś muzykę na instrumentach na żywo, musisz także nagrać perkusję, gitarę, skrzypce, trąbkę, fortepian i inne instrumenty, które aranżer umieścił w utworze. Wymaga to zarówno muzyków, jak i studia nagraniowego.

Edytowanie . Kwantyzacja partii MIDI jest prostym procesem, ale radzenie sobie ze ścieżkami mikrofonowymi może stanowić wyzwanie. Nawet jeśli pracujesz tylko z nagraniami wokalnymi, musisz uważnie wybierać ujęcia, dostosować ich synchronizację i głośność, skorygować wszelkie problemy z wysokością dźwięku i usunąć niepożądane szumy, takie jak kliknięcia, trzaski i dźwięki tła.

Mieszanie . Gdy wszystkie ścieżki zostaną dopracowane do perfekcji, inżynier dźwięku zaczyna z nimi pracować. Dostosowują poziom głośności, wykorzystują korektory, kompresory, saturatory i pogłosy do przetwarzania ścieżek. Jest to również proces czasochłonny, a czasami miksowanie może być tak samo trudne, jak komponowanie muzyki.

Opanowanie . Kiedy inżynier dźwięku zakończy pracę z wieloma ścieżkami, inżynier masteringu otrzymuje pojedynczy plik – gotowy miks. Ich zadaniem jest doskonalenie dźwięku przy pomocy najwyższej klasy monitorów, wysokiej jakości sprzętu i idealnie wyciszonego pomieszczenia.

Promocja . Choć ten etap nie wiąże się z samym procesem pisania muzyki, jest równie istotny. Konieczne jest przeznaczenie określonego budżetu na reklamę, akcje promocyjne i udostępnienie utworu na platformach streamingowych. Bez odpowiedniej promocji nawet potencjalny superhit może pozostać niezauważony. Dlatego też należy o tym pamiętać podczas pracy nad muzyką.

Kilka wskazówek do zapamiętania

1. Nie pozwól, aby teoria Cię ograniczała . Rozpoczęcie pisania muzyki jest proste, jeśli nie pozwolisz sobie na utknięcie w przekonaniu, że nie wiesz wystarczająco dużo lub nie masz niezbędnych umiejętności. Używaj teorii tylko wtedy, gdy jest to konieczne i odwołuj się do niej, gdy poczujesz, że potrzebujesz więcej wiedzy;
2. Przeanalizuj swoje ulubione piosenki . Świetnym sposobem na udoskonalenie umiejętności pisania muzyki jest analiza hitów. Rozumiejąc logikę stojącą za odnoszącymi sukcesy piosenkami, możesz nauczyć się pisać jak profesjonalista. Rozbij popularne utwory i spróbuj je odtworzyć, zwracając uwagę na ciekawe rozwiązania. Odwoływanie się do udanych piosenek może być również pomocne podczas pracy nad własnym materiałem;
3. Dąż do oryginalności . Wiele osób wierzy, że twórcy muzyki odnoszący sukcesy kierują się pewnymi uniwersalnymi zasadami. Jeśli jednak przeanalizujesz kilka ponadczasowych hitów, odkryjesz, że każdy z nich ma swój niepowtarzalny smak. Dlatego nie bójcie się eksperymentować i spróbujcie wymyślić coś, co zachwyci odbiorców swoją oryginalnością;
4. Obserwuj trendy . Rozważ zbadanie preferencji dzisiejszej publiczności, aby stworzyć muzykę, która będzie popularna. Choć ważne jest, aby pozostać wiernym własnemu stylowi muzycznemu, inspirację możesz znaleźć w odkryciu, co przemawia do słuchaczy na dzisiejszym rynku;
5. Z łatwością pisz muzykę . Nie zatracaj się zbyt długo w aranżowaniu muzyki. Postaraj się ukończyć go szybko i uniknąć utknięcia w procesie. Wielu muzyków ma problemy z niedokończonymi demami, ponieważ starają się, aby były idealne. Ważne jest, aby wiedzieć, kiedy przedłożyć ukończenie nad perfekcjonizm.

Najważniejszą radą jest podjęcie działań. Nie czekaj, aż doskonale zrozumiesz teorię muzyki, kup drogi sprzęt lub wtyczki. Praktyka i doświadczenie nauczą Cię więcej niż jakakolwiek wiedza teoretyczna czy narzędzia.

Jeśli nie masz monitorów studyjnych, użyj słuchawek. Jeśli nie stać Cię na oprogramowanie, skorzystaj z darmowego sekwencera. Dziś możesz zacząć tworzyć muzykę online, po prostu włączając komputer. W końcu zdobędziesz sprzęt, którego pragniesz, ale w międzyczasie skup się na wykorzystaniu tego, co masz, do rozwijania swoich umiejętności. Kto wie, być może będziesz już świetnym producentem, zanim zdobędziesz swój wymarzony sprzęt. Wszystko zależy od Ciebie.