作曲のヒント

1. 歌詞とメロディー

高品質の人気曲の作成は、レコーディングスタジオに入るずっと前から始まります。成功する作曲の基礎となるのは、優れた歌詞とキャッチーなメロディーです。歌詞が退屈でメロディーが覚えられない場合は、たとえ最高級のボーカルマイクであってもトラックを保存することはできません。

いつも驚かされるのは、曲が書かれる前に、多くのホームミュージシャンが機材や録音テクニックについて話し始めることです。レコーディングについて考える前に、素晴らしい曲が必要です。まだ存在しないものを記録することはできません。

「ヒット」という言葉は非常に主観的なものですが、成功した曲にはいくつかの重要な特徴があると私は考えています。

材料 1: 思い出に残るメロディー

曲を記憶に残り、聴き手の心に残るものにするのはメロディーです。メロディーラインがシンプルすぎたり、退屈だったりすると、すぐに忘れられてしまいます。覚えやすく、何度もリピートしたくなるようなメロディーを作ってみてください。

材料 2: 思い出に残る歌詞

曲の歌詞はメロディーと密接に結びついている必要があります。これらは深い哲学的思考である必要はありません。聞き手の心に残る、たった 1 つの強いセリフやフレーズだけでも構いません。優れた歌詞とキャッチーなメロディーの組み合わせにより、曲に必要な記憶力が与えられます。

成分 3: 珍しい要素

ほとんどの曲は、バース、コーラス、ヴァース、コーラスなどの標準的な構造に従っています。これはまったく普通のことですが、珍しい要素を追加すると、曲がユニークになります。それは、予期せぬアレンジメントの変更、珍しい楽器、または独特のボーカルテクニックである可能性があります。リスナーは「すごい！」と思う瞬間が大好きです。

EDM、ロック、ジャズ、ポップスなど、ジャンルに関係なく、あなたの目標は、キャッチーなメロディー、記憶に残る歌詞、そして曲に少なくとも 1 つの珍しい要素を作成することです。これは難しい作業ですが、経験を積むとスキルが身につきます。曲に取り組めば取り組むほど、より良い曲になります。

音楽の制作は一貫性と勤勉さを必要とする作業であることを忘れないでください。座ってインスピレーションが湧くのを待っているのではなく、曲作りを仕事として扱えば、あなたの作曲がどのように改善され始めるかがわかります。これら 3 つの重要な要素を実践して熱心に取り組めば、素晴らしいソングライターになれるでしょう。

2. 手配と計画

曲のアレンジや計画に取り組む段階は、ミュージシャンによって過小評価されることが多く、完全に無視されることもあります。ただし、この段階でトラックを成功させるための基礎が築かれるため、これを無視すると最終結果に大きな影響を与える可能性があります。

アレンジやプランニングは、単に楽器や音を選ぶだけではありません。これは、曲のさまざまな要素がいつどのように聞こえるかについての決定を含むプロセス全体です。アレンジの目標は、多様性を加えるだけではなく、最初から最後までリスナーの注意を引きつけるダイナミックな音楽の物語を作り出すことです。

自分の曲がラジオで流れたらどう受け止められるかを考えてみましょう。曲が何も新しいものを提供しない場合、リスナーは最初のヴァースとコーラスを聞いた後も聴き続ける可能性がどのくらいありますか?曲が単調に聞こえると、リスナーはすぐに興味を失ってしまう可能性があります。

現代のヒット曲は、慎重に考え抜かれたアレンジメントのおかげで、単調さを避けることがよくあります。作曲家はさまざまなテクニックを使用して、聴くたびに何か新しいものをもたらします。聴衆の注意を引き続けるのに役立ついくつかの方法を次に示します。

ボーカルエフェクト: たとえば、チューブエフェクトやディストーションエフェクトを使用してユニークなサウンドを作成します。
パーカッション: シェイカー、タンバリン、その他のパーカッション要素を追加します。
新しい楽器: シンセサイザー、ストリングス、またはパッドの導入。
ボーカルパート: 追加のボーカルパートまたはハーモニーを導入します。
アレンジメントの変更: 新しいギターパートを追加したり、既存のギターパートを変更したりします。
テンポの変更: 重要な瞬間にテンポを遅くしたり変更したりします。

各変更は、曲の重要なポイントに戦略的に配置する必要があります。たとえば、最初のバースの完全なアレンジメントから始めて、その後ボーカルとギターだけのよりシンプルなアレンジメントに進むことができます。あるいは、曲をいくつかのセクションに分割し、各セクションに独自の音響空間を持たせて、多様性と面白さを生み出すこともできます。

アレンジメントの目標は、リスナーをエキサイティングでユニークな音楽の旅に連れて行くことです。同じことを何度も繰り返すだけではなく、曲の各ポイントで新しくて興味深い視点を提供したいと考えています。

アレンジメントを作成するプロセスでは、利用可能なすべての要素を使用することと冗長性を避けることの間のバランスを見つける能力が必要です。リスナーの興味を維持し、圧倒されないようにするには、いつ、どのように新しい要素を導入するかを理解する必要があります。これには、慎重な計画と、構成の各セクションに対する慎重なアプローチが必要です。

あなたの曲を注意深く研究してください。各セクションでどのような新しくて興味深いものを提供できるかを判断します。作品内の違いやユニークな瞬間を分離して分析できたら、次のステップに進む準備は完了です。

3. 録音

曲の準備が整い、アレンジが完成すると、トラックの成功を大きく左右するレコーディングの段階に入ります。追跡として知られるこの段階は非常に重要であり、真剣なアプローチが必要です。多くのミュージシャンは、本当の魔法はミキシング段階で起こると信じていますが、レコーディングでも同じ注意を払う必要があります。

この段階ではアイデアが現実となり、録音の品質が最終結果に直接影響します。しかし、多くの場合、ホームスタジオは不注意や性急な問題に直面し、最終製品の品質を著しく悪化させる可能性があります。こんなことは起こらないでください！

記録プロセス中により良い結果を達成するのに役立つ 3 つの重要なルールを次に示します。

ゆっくりしてください。録音は徹底的かつ思慮深く行う必要があります。すべての音、すべての音は重要です。録音を開始する前に、機器のセットアップとサウンドのチェックに十分な時間を費やしてください。
録音には注意して取り組んでください。すべてのテイクを使用してサウンドを改善します。レコーディングを単なる固定観念として扱わないでください。それはトラックの基礎です。マテリアルが適切に記録されていれば、次の段階での作業が容易になり、最終製品の品質が向上します。
録音の品質を確認してください。録音された素材を定期的に聞いて、品質が良いことを確認してください。何かが正しくない場合は、恐れずに再録音してください。これにより、ミキシングやマスタリング中の多くの問題を回避できます。

トラッキングは単なる技術的なプロセスではなく、作品全体のトーンを設定する重要な段階であることを忘れないでください。真剣かつ注意深く取り組めば、あなたのトラックがどのようにして望み通りに聞こえるようになるかがわかります。

ルール 1. マイクの配置が録音を成功させる鍵です

適切なマイクを選択するだけでなく、正しく配置することも重要です。部屋の中でのマイクの位置は、サウンドに大きな違いをもたらす可能性があります。音源からの距離がわずかに変化しただけでも、最終結果に顕著な影響を与える可能性があります。マイクをアンプの真前に直接配置するなど、標準的な方法に限定されないでください。実現したい音のイメージを最も正確に伝える最適な配置を見つけるまで、時間をかけて実験してください。

ルール2. 音量を上げすぎない

最もよくある間違いの 1 つは、可能な限り大きなレベルで録音することです。多くのミュージシャンは、できるだけ大きな音で録音する必要があると考えていますが、これは歪みを引き起こす可能性があります。クリッピングを回避し、録音をクリーンに保つために、入力レベルをピーク値の 50 ～ 75% に設定します。これにより、楽器がクリアで音楽的に聞こえるようになります。

ルール 3. プロデューサーのようにレコーディングに取り組む

スタジオには通常、エンジニアに加えて、最終的なサウンドがどうあるべきかを決定するプロデューサーがいます。エンジニアとプロデューサーの両方の役割を引き受ける必要があります。録音を開始する前に、どのようなサウンドを実現したいかを決めてください。頭の中でその曲の音のイメージを構築し、それを録音に移します。

プロデューサーとしてのスキルを磨くテクニックを使ってみてください。お気に入りの曲を 3 つ選び、形容詞を使ってそのサウンドを説明してください。ドラムの音はどんな感じですか？ボーカルはどんな感じですか？これは、達成したいサウンドをより深く理解するのに役立ちます。

これらのルールに従うことで、録音プロセスに時間と練習がかかる場合でも、高品質のサウンドを実現することができます。レコーディングは経験によって発展する芸術であることを忘れないでください。

4. 編集

最新のデジタルオーディオレコーディングを使用すると、自分の演奏でも他のミュージシャンの作品でも、素材を簡単かつ効率的に調整および強化できます。これは、プロセスがはるかに労働集約的で複雑だったデジタル編集以前の時代に比べて、大幅な改善です。

デジタル技術が登場する前、サウンドエンジニアはカミソリを使ってテープを切り、手作業でつなぎ合わせていました。現在、DAW でシンプルで素早い手順で、品質を損なうことなくオーディオを編集できるようになりました。

ただし、デジタル編集は簡単であるにもかかわらず、このプロセスには注意が必要です。編集を誤るとサウンドが簡単に台無しになり、生気のない不自然なものになってしまいます。このような問題を回避するには、編集を 4 つの基本的な手順に分割することをお勧めします。

ステップ 1. テイクの操作

ほとんどすべての DAW では、同じパートの複数のテイクを録音できます。たとえば、ボーカルのいくつかのバージョンを録音し、最終的な組み立てに最適な瞬間を選択できます。編集を開始する前に、すべてのテイクを聞いて最良の部分を特定し、録音してください。これにより、編集の過程で道に迷うことがなくなります。

ステップ2. ボーカルの編集（オートチューン）

スタジオではオートチューンやその他のピッチ補正ツールを使用するのが一般的です。経験豊富なボーカリストであっても、ステージスキルに関係なく、レコーディングの際には間違いを犯す可能性があります。ピッチ補正機能は、小さな不正確さを取り除き、サウンドを改善するのに役立ちます。自動調整に全面的に依存するべきではありませんが、賢く使用すれば録音の品質を大幅に向上させることができます。

これらのルールに従えば、録音の表現力と生き生きとした状態を維持しながら、録音を適切に編集することができます。編集は練習と注意力を必要とする芸術であることを忘れないでください。

ステップ 3. 不要な音を除去する

テイクの組み立てとボーカルの修正が完了したら、次のステップは不要なサウンドを削除することです。ボーカルを録音する場合、あえぎ、ため息、唇を閉じるなどの意図しない音が発生する場合があります。これらの小さな音はメインメロディーから気を散らし、録音のサウンドをプロフェッショナルらしくなくする可能性があります。

楽器の場合、これは、誤って弦に触れることによって引き起こされる不自然なギター音や、マイクフィールドに入ったその他の無関係な音などのランダムノイズである可能性があります。ボーカリストのランダムなあえぎ声やその他の不要なノイズが全体の印象を台無しにしてしまう曲を多く聞いてきました。これらの小さな欠陥を取り除くためにもう少し時間を費やすと、トラックのサウンドが大幅に改善され、よりクリーンでプロフェッショナルなサウンドになります。

このプロセスにはさまざまなアプローチがあります。エンジニアによっては、最も微細な音であっても不要なサウンドをすべて完全に除去することを好む人もいますが、より選択的なアプローチを選択するエンジニアもいます。私はバランスを考えながらハイブリッド方式を採用しています。小さな不完全さがトラックに生命力とダイナミクスを加える可能性があるため、体験を本当に妨げるサウンドのみを削除することが重要です。

クリーニングが多すぎると、サウンドが無味乾燥で生気のないものになる可能性があり、このステップにあまり注意を払わないと、濁った不快なオーディオが生成されます。サウンドがクリーンでありながら自然さを失わないように、最適なメディアを見つけてください。

編集のヒント

マルチトラックのドラム録音を扱う場合は、すべてのトラックがグループ化されていることを確認してください。これにより、すべてのトラックを一度に操作できるようになり、位相や同期の問題を回避できます。また、クリックやポップ音を避けるために、編集のたびにわずかにクロスフェードすることを忘れないでください。

ステップ 4: ベースとドラムをクオンタイズする

録音された素材の編集には多くの可能性がありますが、ミュージシャンは多くの場合、完全にすべてを修正しようとして過剰修正の罠に陥ります。覚えておくことが重要です。本当に修正が必要な要素のみを修正してください。

ギターとボーカルのクリーンアップが完了したら、次のステップはベースとドラムのクオンタイズです。ただし、このプロセスは慎重に実行し、明らかな不一致のみに注意してください。すべてのヒットとすべてのノートをグリッドに完全に揃えようとしないでください。重大な矛盾や明らかな間違いを修正することに集中し、残りはそのままにしておく方がよいでしょう。

録音された素材を編集する際の重要なルールは、たとえ小さな修正であっても、サウンド全体に大きな影響を与える可能性があることを認識することです。小さな修正でトラックが大幅に改善される場合もありますが、編集が多すぎると曲が台無しになる場合もあります。したがって、サウンドを自然に保ち、本当に必要な箇所のみ修正を行うようにしてください。

クオンタイズへの適切なアプローチは、トラックが不毛になりすぎて曲本来の特徴が失われてしまうことを避けながら、トラックを生き生きとしたダイナミックな状態に保つのに役立ちます。

5.音楽ミキシング

録音によって音楽が捉えられ、編集によって音楽が強化され、ミキシングによって音楽に命が吹き込まれ、トラックがスピーカーを超えてリスナーに感動を与えることができます。

ミキシングは、録音されたすべての要素が結合されて、まとまりのある全体を形成する重要な段階です。パンニング、レベル調整、イコライゼーション、コンプレッション、さまざまなエフェクトを使用して、楽器の弱点を解消し、長所を強調します。このプロセスは、トラックを調和のとれたプロフェッショナルなサウンドにするために重要です。

ミュージシャンによってはミキシングの重要性を過小評価している人もいますが、このステージに多大な時間を費やしすぎる人もいます。実際、混合は重要であるだけでなく、正しく取り組めば過度の労力を必要としない非常に簡単なプロセスでもあります。

ボリュームとパンニングのわずかな「見た目の」調整だけを残して完璧なサウンドを実現するには、ミキシングプロセスを 5 つの主要なフェーズに分割する価値があります。このアプローチは、体系的かつ効率的にトラックを最高のサウンドにするのに役立ちます。

フェーズ 1. ボリュームとパンニング

ミキシングプロセスの最初で最も重要なステップは、音量レベルとパンニングを設定することです。トラックをループ再生して、各楽器のバランスが適切であることを確認することに集中してください。特定の要素が優勢になったり、注目を集めすぎたりしないことが重要です。全体像が調和してバランスよく聞こえるように、各楽器がミックスの中で適切な位置を占める必要があります。この段階では、影響に気を取られないようにしてください。主な目標は、ボリュームとパンのみを使用して、クリーンでバランスの取れたサウンドを実現することです。

フェーズ 2. イコライゼーション

イコライゼーションは、クリーンで心地よいサウンドを作成するための強力なツールです。その主な目的は、不要な周波数を除去し、各楽器の長所を強調し、ミックスにスペースを作り出すことです。周波数をブーストするのではなく除去する減算 EQ を使用するのが最善です。これにより、各楽器がそれぞれの楽器の役割を果たし、他の楽器をかき消してしまうことのない、クリアでクリーンなサウンドを生み出すことができます。こうすることで、ミックス内のすべての要素のためのスペースが確保されます。

ミキシングチップ

ミキシングを成功させる主な秘訣はバランスです。すべてのトラックと楽器の間で調和のとれたバランスを作り出すことに重点を置くと、ミキシングプロセスがはるかに簡単になり、結果はよりプロフェッショナルなものになります。

フェーズ 3. 圧縮

EQの後はコンプレッションに移ります。コンプレッサーは複雑なツールのように見えるかもしれませんが、その機能は膨大です。圧縮を使用すると、音量レベルを制御できるだけでなく、トラックに密度とダイナミクスを追加することもできます。コンプレッサーは、トラック内のダイナミックな変化を制御し、サウンドをよりバランスのとれた豊かなものにする自動ボリュームフェーダーと考えてください。

フェーズ 4. リバーブとディレイ

ミックスのバランスが取れ、EQ やコンプレッションで強化されたら、リバーブやディレイなどのアンビエンスエフェクトに進みます。これらのエフェクトは深みとボリュームを加え、トラックをより生き生きとした有機的なものにします。これらのエフェクトをやりすぎると、音がぼやけて不鮮明になります。リバーブはすべての要素を 1 つのサウンド空間に統合するのに役立ち、ディレイは音量を加えて、ドライすぎるサウンドの楽器に活気を与えます。

フェーズ 5. 自動化

自動化は追加の段階ですが、非常に便利です。これにより、トラックをよりダイナミックで興味深いものにすることができます。最新のプログラムを使用すると、作曲のさまざまな部分でプラグイン、インストゥルメント、コントロールのパラメーターを自動的に制御できます。オートメーションを使用して、アクセントを強調したり、個々の楽器の音量やパンニングを変更したり、エフェクトのオン/オフを切り替えたりすることで、ミックスに多様性と個性を生み出します。

ミキシングは、トラックに生命、美しさ、深みを与える芸術です。その影響を確認するには、混合前と混合後のフラグメントを比較します。簡単な変更でサウンドが大幅に改善され、作品がより明るく豊かになります。

6. マスタリング

トラック作成プロセスの重要な段階であるマスタリングに到達しました。これは、曲をリリースする準備が整う前の最後のステップです。
マスタリングは、トラックを際立たせるプロセスであると誤解している新人ミュージシャンにとって、しばしば混乱するトピックです。実際、マスタリングはトラックを完成させてリリースの準備をする、繊細で繊細なプロセスです。

マスタリングは元々、ビニールレコードやコンパクトディスクなどの物理メディアに録音するためにオーディオ素材を準備することを目的としていました。このプロセスは最新のデジタル形式に適応されていますが、その目的は同じままです。マスタリングの専門家がイコライゼーション、コンプレッション、その他の調整などの仕上げを加えて、トラックを完璧に仕上げます。

技術的な詳細にはあまり触れずに、マスタリングの本質を理解することが重要です。マスタリングは、すべてのデバイスとプラットフォームでトラックが高品質に聞こえることを保証する最終段階です。これは、あなたの作品の長所が強調され、小さな欠陥が取り除かれ、リリースの準備が整う瞬間です。

ステップ 1: プロのミックスと比較する (リファレンストラック)

トラックのミキシングが完了したら、それがプロのレコーディングのように聞こえることを確認することが重要です。リファレンストラックと比較することは、作品の最終的なサウンドを改善する効果的な方法です。
自分と同じ音楽スタイルのプロフェッショナルなトラックを選択し、プロジェクトにインポートします。リファレンストラックの音量をミックスのレベルまで下げ、両方のトラックを 1 つずつ聞いてください。これは、欠陥を特定し、トラックを商用品質基準に引き上げるにはどのような改善が必要かを判断するのに役立ちます。
マスターチャンネルのEQを少し調整すると、曲のサウンドが大幅に改善され、プロのレベルに近づき、全体的なエクスペリエンスが向上します。

マスタリングのヒント

マスタリング段階でイコライゼーションやステレオ拡大などの処理を適用する場合は、許容ピーク値を超えないようにすることが重要です（この場合、リミッターは例外です）。音量は必ずしも品質と同じではないことに注意してください。私たちの脳は大きな音をより高品質であると認識しますが、これは幻想です。常に監視システムに注目してください。

ステップ 2: 商用ラウドネスの実現

ミックスがプロのトラックのレベルに達したら、次のステップは音量を業界標準のレベルに調整することです。

DAW では良いサウンドのミックスでも、他のシステムで再生すると音が小さすぎる場合があります。この問題を解決するには、リミッターを使用します。追加のソフトウェアは必要ありません。DAW には必要なツールがすべて含まれています。マスターチャンネルにリミッターを設定し、ボリュームを希望のレベルまで上げて、トラックが他の商用録音と同等に聞こえるようにします。

マスタリングはより複雑なプロセスですが、ホームスタジオの場合は、トラックをプロのミックスと比較することと、リミッターを使用して目的のラウドネスレベルを達成することという 2 つの主要なタスクに集中するだけで十分です。これらの手順は、すぐに公開できる高品質のトラックを作成するのに役立ちます。

音楽を作る時間

これで、ホームスタジオで高品質のトラックを作成するための段階的な計画ができました。成功するトラックは優れた曲とアレンジメントから始まり、レコーディングこそが魔法が起こる場所であることを理解しています。楽器の弱点はミキシングの段階で改善できます。

あとはやり始めるだけです！継続的に音楽を書き、録音し、ミキシングし、リリースすることが熟練への道です。そして、このプロセスの最も良い点は、自分の好きなことをやっているということです。

@ampedstudio