音楽の作り方

最近まで、音楽の作り方という問題に興味を持っていた人は皆、そのプロセス自体に注意深い準備と練習が必要であることを理解する必要がありました。プラグインやマルチトラックシーケンサーがなかったため、ほぼ自動になるまで素材を繰り返しリハーサルする必要がありました。スタジオでは、すべてが完璧に、同期して、ミスなく演奏される必要がありました。

しかし、コンピュータープログラムの出現により、ミュージシャンはマウスを数回クリックするだけで複数のテイクを録音し、トラックを簡単に編集できるようになりました。多くの現代歌手が経験を通して証明しているように、今日では自宅で快適にヒット曲を生み出すことが簡単にできます。

音楽を作るのに必要なものは何ですか？

音楽を作るのに必要なものは何ですか

ハイエンドのプロフェッショナルスタジオは、機材に関しては間違いなく大きな利点を誇っています。これらのスタジオでは通常、優れた音響効果を備えた広々とした防音室のほか、高品質のコンプレッサーやイコライザー、幅広いマイク、アナログコンソール、複数のモニターラインを備えた設備の整ったコントロールルームなどが提供されます。

ただし、ホームスタジオには予算と効率の面で独自の利点があります。コンピューターとプラグインを使用して電子音楽を作成する場合、防音室や多数のマイクは必要ありません。結局のところ、フルオーケストラ、ドラム、グランドピアノを録音するわけではありません。必要なのは、要点に焦点を当てて開始することだけです。では、完全な自宅制作スタジオをセットアップするにはどのような機材が必要でしょうか?

コンピューター;
プラグインを備えたシーケンサー。
オーディオインターフェース。
モニター;
ヘッドフォン;
マイクロフォン;
ミディキーボード;
ギター、ベースギター (弾く場合);
落ち着いた雰囲気の部屋。
ラックとワイヤー。

今日では、作曲のためにコンピュータに何ギガバイトものソフトウェアをインストールする必要はもうありません。Amped Amped Studio、必要な機能、ツール、プラグインがすべて既に備わっているため、ウェブブラウザで直接音楽制作を行うことができます。オーディオエディター、 MIDIエディター、シンセサイザー、サンプラー、そしてエフェクト処理機能が搭載されています。つまり、オンラインシーケンサーを使えば、実際には追加のソフトウェアなしで作業できるのです。

音楽制作に必要のない機材は他に何があるでしょうか？モニタースピーカーは高品質のヘッドフォンで代用でき、音響設備の調整は不要です。MIDIキーボードをお持ちでない場合は、MIDIエディターで鉛筆を使って音符を描くだけでOKです。Amped Amped Studioでは、ワンクリックでコード全体を描画することもできます。マイクはボーカル録音に便利ですが、必須ではありません。

そのため、音楽を作るために必要なのは、コンピューター、ヘッドフォン、オーディオインターフェイス、インターネット接続だけです。ただし、モニターやマイクがない場合は、オーディオインターフェイスを省略することもできます。コンピューターをまったく使わずに音楽を制作することは可能ですか? 現在、これはスマートフォンやタブレットでのモバイル音楽制作で実現可能です。

パソコンを使わずに音楽を作る方法は何ですか？

オンラインシーケンサーは、コンピューター、ラップトップ、タブレット、またはスマートフォンの Web ブラウザー内で動作し、インターネットに接続されているモバイルデバイスを使用して音楽を作成できるようにします。これらのプログラムには特別なシステム要件はなく、ソフトウェア、サンプラーライブラリ、またはバーチャルインストゥルメントやエフェクトプラグインをダウンロードする必要もありません。

オンライン形式により作曲プロセスが合理化され、シーケンサーを使用するコンピューターから離れた場所にいても、音楽のアイデアをすばやく取り込むことができます。スマートフォンやタブレットでウェブサイトを開いて、メロディー、ビート、フックを書き留めるだけです。後でコンピューターに戻ったときに、プロジェクトを簡単に完成させることができます。

オンラインシーケンサーのAmped Studio、非常に使いやすく、幅広い音楽作曲機能を備えています。マルチトラック形式で動作し、外部ソースからのオーディオとMIDIの録音、オーディオクリップとMIDIクリップの編集が可能です。さらに、豊富なループ、サンプラー、MIDIパターンに加え、内蔵のバーチャルインストゥルメントとプラグインも備えています。これらの機能があれば、それだけで音楽制作が可能です。基本的な機材リストは以下の通りです。

シンセサイザー;
サンプラー;
ドラムマシン;
コンプレッサー;
イコライザ;
遅れ;
リバーブ;
ホルス。
ねじれ。

さらに、 Amped Studio コンピューターからVSTを接続できます。これはオンラインシーケンサーでは通常提供されていない機能です。さらに、歌ったメロディーをMIDIノートのシーケンスに変換する独自の機能も備えています。さらに、 Amped Studio 複数のユーザーが異なるコンピューターから同じプロジェクトで共同作業を行うことも可能で、これは据え置き型プログラムでは一般的に見られない機能です。

このソフトウェアは、迅速かつ効率的に音楽制作を行いたいビートメーカー、作曲家、ソングライターにとって特に有益です。また、楽曲のアレンジにも優れており、ボーカリスト、ギタリスト、キーボーディストにとって特に便利なサウンドレコーディング機能を備えています。ミックスエンジニアにとっても、 Amped Studioの機能を活用してトラックのバランス調整やエフェクトの適用が可能です。

音楽を作るには音楽理論の知識が必要ですか?

音楽理論

がっかりするかもしれませんが、音楽理論の知識は音楽家にとって不可欠です。ただし、良いことに、すべてを暗記する必要はないということです。音楽の世界に浸っていくうちに、自然とその概念や法則に慣れることができます。用語に詳しくなくても、メロディーを作成するのに支障はありません。ミュージシャンの中にはテクニックを習得しており、その技術名を知らなくても興味深いアイデアをすぐに思いつく人もいます。

音楽を作成するときは、長音階と短音階 (および他のモード)、音程、拍子記号、コードなどを区別する必要があります。たとえ名前がわからなくても、4 番目または 6 番目の音が呼び起こす気分を区別できるかもしれません。用語を知る必要はまったくありません。テンポを 120 bpm などの数字で示すことができるのに、なぜ「アダージョ」、「モデラート」、「アレグロ」などの意味を覚える必要があるのでしょうか。

楽譜を知らなくても音楽を作ることができるのかと疑問に思う人は多いでしょう。実際には、仕事で楽譜を使用し、五線に旗の付いた点を配置する音楽プロデューサーを見つけるのは困難です。素早い読譜はオーケストラの演奏者にのみ役立ちますが、作曲家や編曲家には役に立ちません。ただし、知識があれば仕事がより簡単に、より速く、より面白くなります。

耳で音を選んでランダムに音楽を作る人もいます。これも方法の 1 つですが、4 度や 5 度の円、音程、フレット、さまざまなキーのシャープとフラットの配置に慣れている人は、頭の中ですべての音を簡単に想像し、キーボードやキーボード上ですぐに見つけることができます。指板。ミュージシャンがインスピレーションに欠けているとき、論理と知識に頼ることができますが、それが彼らのスピードを遅らせてはなりません。練習は常に第一に行われるべきです。

曲の構成要素は何ですか?

幅広い聴衆向けにデザインされた現代の曲のほとんどは、反復的な構造を使用して構築されています。歌の音楽を作るのに、オペラやクラシック作品の場合を除いて、探偵小説のように複雑なアレンジや複雑なストーリー展開を考案する必要はありません。典型的な曲の主な構成要素は次のとおりです。

はじめに (イントロ);
対句（詩）;
サビに入る（Pre-chorus）
コーラス;
再生 (ブリッジ);
集大成（ミドル、ビルドアップ）;
インターチェンジ（ドロップ、ソロ）;
結論（アウトロ、コーダ）。

音楽を書くことは、必ずしも厳密な規範や公式に従っているとは限りません。すべての作品にクライマックスが含まれたり、特定の構造に従う必要があるわけではありません。曲によってはソロまたはコーラスで終わる場合もありますが、継続的にループするアルペジオを伴奏としてヴァースとコーラスだけを繰り返す曲もあります。コーラスの入りも必ずしも必須ではありません。それにもかかわらず、構成のすべての要素に細心の注意を払うことが重要です。

はじめに。音楽を作るのに、従うべき厳密なルールはありません。人気のある曲にはヴァースから始まるものもあれば、コーラスから始まるものもあります。標準的な曲の構造には通常、イントロ、ブリッジ、コーダが含まれます。イントロは、コーラスのメロディー、特定の曲、またはフックの 1 つを繰り返す場合がありますが、完全にユニークな場合もあります。

メイン部分。音楽を作曲する従来のアプローチは、ヴァースとコーラスを単純に交互に行い、通常は各セクションを 2 ～ 3 回繰り返すというものでした。ただし、ダイナミクスとドラマを組み込むことが重要です。詩はより控えめで、物語的で、直接的なものであるべきで、メインイベントの舞台を整えるために低い音域で歌われることがよくあります。メインイベントはコーラスで、よりダイナミックで、活気に満ち、力強く、メロディックで、より高い音で豊かにアレンジされている必要があります。基本的に、曲全体がコーラスにつながります。

コーラス前。プリコーラスは音楽を作成する際に見落とされがちなコンポーネントです。ただし、プリコーラスを組み込むと、ドラマが強調され、音楽がより興味深いものになります。プレコーラスは詩の雰囲気を変え、より激しい雰囲気を作り出します。これは曲の穏やかな部分と爆発的な部分の間の橋渡しとして機能し、リスナーが変化に備えることができます。これは黄色の信号に似ており、何かエキサイティングなことが起ころうとしていることを示します。

ビルドアップ。この方法により、音楽のドラマチックな展開を高めることができます。それは、静けさ、減速、気分の変化の瞬間を生み出します。場合によってはドラムパートが省略されることもあり、通常はボーカルのメロディーが変更されます。このセクションには、マイナーからメジャーへの変更、リズムの変更、ブレイクダウンの作成、別のキーへの移行など、さまざまな可能性があります。ただし、この部分を完全に省略することも可能です。

ソロでもドロップでも。ギターで曲を書くときは、無限のソロを避けることが重要です。リードギターが光る指定された場所があることに注意してください。エレクトロニックスタイルには通常ソロがありませんが、音楽が穏やかまたは遅いセクションから重いシンセサイザーによる強力なダンスリズムに移行するドロップがあります。この時点では、ラップまたは詩の単なる通し読みがある場合があります。

コーダ。通常、音楽作曲の最後の部分は見落とされることがよくあります。この時点で、ブリッジを再導入するか、ソロをクライマックスに持っていくか、コーラスを繰り返して曲の結論を作成することができます。選択はあなた次第です。ユニークで創造的な最終セクションを作成することで、思い出に残るエンディングを作成する機会があります。

ブリッジとカットアウト。あるパートから別のパートにシームレスに移行する音楽を作成するのは難しい場合があり、すべてのリスナーがそれを理解できるわけではありません。コード進行やブリッジのソロなど、力強いコーラスの後に短い休止や間奏を入れると効果的です。ドラムフィル、フック、または小さなハーモニックシフトが各セクションに追加されることが多く、面白みを加えて曲を魅力的に保ちます。

開発は音楽制作の基本原則の 1 つです。確かに多くの曲は繰り返しの部分で構成されていますが、それは単調である必要があるという意味ではありません。 2 番目のヴァースとコーラスを含む各パートには、物事を面白くするために、前のパートからの進化やバリエーションが必要です。これは、新しい要素を追加したり、変更したりすることで実現できます。実際、リスナーの関心を維持するには、ビートごとに何か新しいものを導入するのが理想的です。

詩に関して、音楽に多様性を生み出すにはどうすればよいでしょうか? 2 番目のバースに対位法付きのメロディー楽器を追加したり、パーカッション、バッキングボーカル、または 2 番目のギターを追加したり、ベースを厚くしたり、ハイハットをわずかに調整したり、ギターのアルペジオを変更したり、フィルパッドを挿入したり、ベースを演奏したりすることができます。追加の塗りつぶし。これらのテクニックはコーラスにも応用できます。

これらすべてのトリックを一度に使用する必要はありません。興味深い音楽を生み出す可能性は無限にあり、何か新しいものを発明することは創造性の本質です。あなたのアイデアが独創的で革新的であればあるほど、より良いものになります。ただし、歌をリスナーの心に定着させるには、繰り返しも不可欠です。

音楽を作るプロセスでは、実証済みのテクニックを使用することと、新しいテクニックを試すことの間のバランスが必要です。期待を生み出し、それを覆してリスナーを引きつけ続けることが必要です。繰り返しはリスナーを引き込む催眠効果を生み出しますが、そのパターンから抜け出すと、リスナーは驚き、興奮する可能性があります。結局のところ、繰り返しとバリエーションを注意深く使用することで、リスナーの体験をコントロールすることがすべてです。

楽器編成と編曲。ダイナミックな観点から、楽器と楽器群を同期的な側面から考慮し、音楽を作る方法を探求しました。すべての曲には、構成全体を通して演奏される独自の楽器セットがあり、曲の核となる部分は変更すべきではありません。変更しないと、バラバラに聞こえてしまいます。では、このコアは何で構成されているのでしょうか?

曲のインストゥルメンテーションは、次のようないくつかの主要なコンポーネントに分類できます。

メイン楽器。ボーカルまたはリードシンセのいずれかであり、曲の中心として機能します。
リズムセクション。ドラムとベースで構成され、音楽の基本的なグルーブとパルスを提供します。
リズムギター、ピアノ、オルガン、またはハーモニックおよびリズミカルなサポートを提供するその他の楽器を含むサポート楽器。
2 番目のソロ楽器。リードギター、メイン楽器と相互作用するシンセリード、またはドロップやその他のセクションに使用される別のメロディック楽器です。
フィラー: パッド、エフェクト、パーカッション、および音楽に質感や雰囲気を加えるその他の要素が含まれます。

心地よくまとまりのある音楽を書くには、すべてのパートが同じ調で構成され、不協和音が避けられる必要があります。 2 つの楽器が三全音や七度などの不協和音程を同時に演奏すると、耳に不快感を与える可能性があります。ただし、特定のスタイルやコンテキストで単一の楽器で演奏すると、これらの音程は素晴らしいサウンドになる可能性があります。さらに、リズムの混乱も避けなければなりません。

音楽を作るには、作曲家の想像力によってのみ制限される楽器ラインを織り合わせることが含まれます。楽器間の対話や共通のメロディー、ユニゾン演奏は、特にギターとベースの間で一般的なテクニックです。明確なビートを作成するには、すべての要素がリズムに一致するように調整する必要があります。ベースギターがボーカルのメロディーを部分的に繰り返し、ドラムがリズムを駆動することがよくあります。

音楽を書くときはスタイルの基準に従うことが重要ですが、実験の余地は常にあります。たとえば、ファンクベースはシンコペーションを使用することで知られており、メタルではコードの代わりにリフの繰り返しが曲のパターンを形成します。

効果的な作曲には音楽理論を理解することが不可欠ですが、実践の文脈で学ぶことが重要です。「失神」、「弱拍」、「中隔」、「対位法」などの専門用語については説明が必要かもしれませんが、意図的な練習を通じてこれらを習得することが知識を保持する鍵となります。

曲はどのようにして作られるのでしょうか？

今でも音楽を書くのは難しい仕事です。一般の人にとって、プロセスの中で最も魔法的で複雑で重要な側面は、作曲そのものです。これは、独立して音楽を制作していない作家にも当てはまるかもしれません。しかし、実際には、曲は幅広い聴衆にリリースされる前に、いくつかの段階の改良を経ます。大まかなアイデアを洗練するには、いくつかの手順が必要です。

作詞作曲。
配置;
録音;
編集;
混合;
マスタリング。

理想的なシナリオでは、音楽作成のプロセスにはさまざまな役割が関与します。つまり、作者が音楽を書き、編曲家が編曲を行い、レコーディングエンジニアが録音を担当し、アシスタントサウンドエンジニアが編集を担当し、ミックスエンジニアがミキシングを担当します。 , そして最後にマスタリングエンジニアが最後の仕上げを行います。しかし実際には、作者が自分で曲を編曲することが多く、録音、編集、ミックスを一人のサウンドエンジニアが担当する場合もあります。

作詞作曲。楽曲を作成した人は作者として知られています。著者は、ボーカルのメロディーを作成し、ピアノまたはギターで基本的な伴奏を作成する責任があります。この段階では、別の人が作詞を担当することもあります。曲の基礎が確立されると、作者は通常、ラフドラフトを経験豊富な編曲家に送り、さらに磨きをかけます。

アレンジメント。実際、音楽制作で最も魔法のような部分はアレンジ段階で起こります。アレンジャーは、楽器の選択、ハーモニーの完成、音楽的なアイデアの開発、トランジションとフックの作成を担当します。アレンジが完成して初めて、音楽が真に輝きを放つのです。

録音。アレンジが完了したら、少なくともクリーンなボーカルを録音する必要があります。生楽器を使用して音楽を書いた場合は、ドラム、ギター、バイオリン、トランペット、グランドピアノ、および編曲者が曲に組み込んだその他の楽器も録音する必要があります。これにはミュージシャンとレコーディングスタジオの両方が必要です。

編集中。 MIDI パートのクオンタイズは簡単なプロセスですが、マイクトラックの処理は困難な場合があります。ボーカル録音のみを扱う場合でも、テイクを慎重に選択し、タイミングとボリュームを調整し、ピッチの問題を修正し、クリック音、ポップ音、背景音などの不要なノイズを除去する必要があります。

混合。すべてのトラックが完璧に磨き上げられると、サウンドエンジニアが作業を開始します。ボリュームレベルを調整し、イコライザー、コンプレッサー、サチュレーター、リバーブを利用してトラックを処理します。これも時間のかかるプロセスであり、場合によっては、ミキシングが音楽の作曲と同じくらい難しい場合もあります。

マスタリング。サウンドエンジニアが複数のトラックの作業を完了すると、マスタリングエンジニアは単一のファイル、つまり完成したミックスを受け取ります。彼らの任務は、最高級のモニター、高品質の機器、理想的に音響処理された部屋を活用してサウンドを完璧にすることです。

プロモーション。この段階には音楽を書くプロセス自体は含まれませんが、同様に重要です。広告、プロモーションキャンペーン、ストリーミングプラットフォームでの曲のリリースには、一定の予算を割り当てることが不可欠です。適切なプロモーションがなければ、潜在的なスーパーヒット作であっても注目されない可能性があります。したがって、音楽に取り組む際には、このことを念頭に置くことが不可欠です。

覚えておくべきいくつかのヒント

理論にとらわれないでください。自分には知識が足りない、必要なスキルが足りない、という考えに囚われなければ、音楽を書き始めるのは簡単です。理論は必要な場合にのみ使用し、さらに知識が必要と感じた場合に参照してください。
お気に入りの曲を分析します。作曲スキルを向上させる優れた方法は、ヒット曲を分析することです。成功した曲の背後にあるロジックを理解することで、プロのように書く方法を学ぶことができます。人気のあるトラックを分析し、興味深い解決策に注目しながら、それらを複製してみます。成功した曲を参照することは、独自の素材に取り組むときにも役立ちます。
オリジナリティを追求します。多くの人は、成功した音楽クリエイターはいくつかの普遍的なルールに従っていると信じています。しかし、時代を超えたヒット曲をいくつか調べてみると、それぞれに独自の味わいがあることがわかります。したがって、実験することを恐れず、そのオリジナリティで視聴者を魅了するものを考え出すようにしてください。
トレンドに注目してください。人気のある音楽を作成するには、今日の聴衆の好みを調査することを検討してください。自分の音楽スタイルに忠実であり続けることは重要ですが、今日の市場でリスナーの共感を呼ぶものを見つけることでインスピレーションが得られるかもしれません。
簡単に音楽を書くことができます。音楽のアレンジに長時間行き詰まりすぎないようにしてください。プロセスで行き詰まらないように、すぐに完了するようにしてください。多くのミュージシャンは、デモを完璧に仕上げようとすることに夢中になり、未完成のデモに苦労しています。完璧主義よりも完了を優先するタイミングを知ることが重要です。

最も重要なアドバイスは、行動を起こすことです。音楽理論を完璧に理解するのを待ったり、高価な機器やプラグインを購入したりする必要はありません。実践と経験は、理論的な知識やツールよりも多くのことを教えてくれます。

スタジオモニターがない場合は、ヘッドフォンを使用してください。ソフトウェアを購入する余裕がない場合は、無料のシーケンサーを使用してください。今日では、コンピューターの電源を入れるだけで、オンラインで音楽制作を最終的には希望する装備を手に入れることになりますが、それまでの間は、自分の持っているものを使ってスキルを磨くことに集中してください。夢のようなギアを手に入れる頃には、あなたはすでに偉大なプロデューサーになっているかもしれません。すべてはあなた次第です。