音楽出版

Music Publishingは、音楽作品の管理、昇進、収益化を扱うビジネスです。出版社は、ソングライターが作曲の使用に対して支払われることを保証し、これらの作曲のパフォーマンスと流通の整理を支援します。

出版は、音楽ビジネスで最も古い分野の1つです。最初の録音装置が発明されるずっと前に存在し、20世紀初頭に音楽業界で重要な役割を果たしました。当時、楽譜のリリースが音楽を配布する主な方法でした。出版社は楽譜を印刷し、店舗に配布し、著者に売り上げのシェアを支払い、それによって収入を確保しました。

テクノロジーが進歩するにつれて、音楽業界は大幅に変化しました。ラジオ、ビニールレコード、磁気テープ、コンパクトディスク、デジタルダウンロード、ストリーミングサービスの出現により、音楽の消費方法が完全に変わりました。ただし、音楽出版の中核は同じままです。出版社は作曲家とソングライターを代表して、仕事の商業的利用に対して支払われることを保証します。今日、出版社は著作権を管理し、ライセンスを処理し、世界中のロイヤリティを収集しています。収益は曲の印刷されたアルバムを販売していたことにかかっていましたが、出版社はストリーミングサービス、ラジオ局、コンサート、その他のソースからの支払いを追跡するようになりました。これらのメカニズムが次のセクションでどのように機能するかについて説明します。

2種類の音楽著作権：作曲とマスター録音

音楽業界では、著作権は、作曲権とマスター記録権の2つのカテゴリに分かれています。これらの条件はしばしば業界で投げられますが、それでもそれらが何を意味するのかわからない場合は、それらを分解しましょう。

作曲は、メロディー、ハーモニー、そして該当する場合は歌詞など、音楽のアイデア自体です。ノートブックで楽譜や歌詞を考えてみてください。これが作品の基礎であり、さまざまな方法で実行できるものです。
マスター録音は、アーティストまたはプロデューサーによって作成された作曲の特定の録音バージョンです。これらは、デジタルプラットフォーム、ラジオ、または物理メディアで聴く録音です。

この区別のため、各曲には効果的に2つの著作権があります。1つは構成自体と特定の録音用です。場合によっては、両方の権利は、アーティストが自分で曲を書いて録音したかなど、同じ人が所有しています。

しかし、より多くの場合、権利は異なる人々と組織の間で共有されます。たとえば、ビートルズの歌の表紙を録音する場合、マスター録音のみを所有しますが、構成自体の権利はバンドのカタログの所有者に残ります。さらに複雑なケースでは、歌が著者のグループによって作成された場合、他のトラックの要素を使用する、またはサンプルを含む場合、権利の分布は本当のパズルになります。同時に、構成を作成して収益化するプロセスには、マスター録音の作業とはまったく異なるアプローチが必要です。どちらの分野も重要ですが、今日はソングライターに属し、出版社が管理する作曲の権利に特に焦点を当てます。

あなたが理解する必要がある3種類の音楽出版ロイヤリティ

音楽のロイヤリティを計算するシステムは著作権法に準拠しており、各国には独自のルールがある場合があります。ただし、出版ビジネスの中核原則は世界中で似ています。この記事では、最大の出版社がどこにあるかであるため、ロイヤリティシステムが米国でどのように機能するかについて説明します。詳細は他の国では異なる場合がありますが、基本原則は同じままです。

米国では、音楽の著作権は、2つの条件を満たしている瞬間からその作成者に属します。それはオリジナル（つまり、著者によってゼロから作成された）であり、具体的な媒体で記録されています。これは、音楽表記、デジタルファイル、またはメロディー付きのテキストメッセージでもあります。

著者が彼の作品の権利を持っていると、彼は次のように排他的な権利を持っています。

彼の音楽を再現して配布します。
公開または公開されています。
元の作品に基づいて新しいバージョンを作成します。

これらの権利により、所有者は誰が自分の音楽を使用できるか、どの条件下で使用できるかを決定することができます。誰かが仕事を複製、実行、または作り直したい場合、彼らはライセンスを必要とし、著者はこのためにロイヤリティを受け取ります。実際には、音楽を公開するためのロイヤリティは3つの主要なカテゴリに分かれており、それぞれが作曲の著作権の特定の側面に関連付けられています。このシステムがどのように機能するか、著者がどのように支払いを受けることができるか。これについてさらに説明します。

機械的ロイヤルティ：どのように機能するか

機械的ロイヤリティは、ソングライターが作曲の再現のために受け取る支払いです。これらの支払いは、音楽作品を記録、リリース、配布したい第三者からのものです。もともと、このタイプの王族は、レコードやCDなどの物理メディアの生産に関連していたため、名前が付けられていました。今日、デジタル時代には、機械的ロイヤルティの主なソースはストリーミングサービスです。

ユーザーがデジタルプラットフォームで特定の曲の再生を開始すると、ロイヤルズは承認されます。著者への支払いの必要性を生み出すトラックを選択する能力です。ただし、Pandora Radioなどの非対話サービスは、音楽がリスナーの選択なしに再生されるため、機械的ロイヤルティを生成しません。

支払いメカニズムは、音楽分布の形式に依存します。ストリーミングの場合、SpotifyやApple Music Transfer Royaltiesなどのサービスは、ロイヤリティを出版社に直接転送します。ダウンロードと物理的な販売に関しては、最初にマスター録音の所有者、つまりラベルの所有者に支払いが行われ、その後パブリッシャーに転送されます。

機械的ロイヤルティは、専門組織によって配布されます。米国では、これはハリーフォックスエージェンシー、英国では機械的著作権保護協会によって行われています。多くのヨーロッパ諸国では、機械的支払いと公共能力の両方のロイヤリティの両方を担当する組織によって同様の機能が実行されます。これらの構造は、著者と出版社に、さまざまなメディアやプラットフォームでの作曲の使用に対する補償を提供します。

米国では、機械的なロイヤリティ率は著作権委員会（CRB）によって規制されており、音楽分布の形式に依存しています。デジタルダウンロードと物理メディアの場合、曲が5分以内になった場合、コピーあたり9.1セントの定額料金が設定されます。トラックが長い場合、1分あたり1.75セントの計算レートが適用されます。
インタラクティブなストリーミングの場合、計算はより複雑です。 CRBは、いわゆるオールインロイヤリティプールを設定します。これは、サービスがソングライターに支払う義務がある金額です。それは3つの式によって決定され、そこから最大値が選択されます。

プラットフォームの総収益の割合。現在、それは11.8％ですが、レートは徐々に増加しており、2022年までに15.1％に達すると想定されていました。
レコードラベルに支払われた金額の割合。現在、それは21〜22％であり、2022年には26％に増加しています。
サービスのサブスクライバーごとに50セントの最低定額。

ストリーミングサービスは3つすべての式を適用し、最大の量を与えるものを選択します。結果の数字は、オールインロイヤリティプールです。これは、サービスが支払わなければならないロイヤリティの合計量です。著作権集団管理組織（PRO）との交渉で確立される公共パフォーマンス料金は、この金額から最初に差し引かれます。残りは機械的な王族であり、その後、作曲のシェアに基づいてソングライターに配布され、録音所有者をマスターするための支払いと同様です。

パブリックパフォーマンスロイヤルティ

公共のパフォーマンスロイヤルティは、公共の場所、ラジオ、テレビ、ストリーミングサービス、その他の放送チャネルでの音楽を使用するために、著者と著作権所有者に支払われます。これらの支払いは、音楽作品の公開パフォーマンスまたは表示に関連する著作権の部分を補います。

ロイヤルズは、歌がラジオ、カフェで演奏される、またはサービスでストリーミングされるたびに獲得されます。ストリーミングを介してヘッドフォンでトラックをプレイしたとしても、これもパブリックパフォーマンスと見なされます。

これらの支払いの収集と配布は、著作権集団管理組織（プロ）によって処理されます。米国では、ASCAP、BMI、およびSESACが含まれます。英国では、PRSです。支払いは、ストリーミングサービスと従来の放送局の2つの主要なソースから形成されます。

SpotifyやApple Musicなどのストリーミングプラットフォームは、収益の割合をプロに支払います。この金額は、システムに登録されているすべての権利所有者間で分割されます。支払いの正確なシェアは、サービスとプロの間の交渉によって決定されますが、通常、プラットフォームの総収益の約6〜7％です。

従来の放送局には、ラジオ局、テレビチャンネル、カフェ、バー、コンサート会場、音楽を使用するその他の会場が含まれます。法的な公演のために、彼らはプロからいわゆる完全なライセンスを購入します。このようなライセンスのコストは、視聴者のサイズに依存します。潜在的なリスナーが多いほど、支払い量が高くなります。

音楽の使用は、プレイリストチェックリスト、ブロードキャストログ、その他のレポートなど、さまざまな方法で記録されます。地下鉄で演奏するストリートミュージシャンでさえ、彼らがプレイする会場が関連するルールによって規制されている場合、彼らが演じる曲に関するデータを提供する必要があります。

次に、Proは多くの要因を考慮して、著者と出版社への支払いを計算します。たとえば、プライムタイム中に全国のテレビチャンネルで曲を演奏することで、夜に学生ラジオ局で演奏するよりも著作権保有者がロイヤルティを大幅に多く導きます。システム全体は、ロイヤルティが音楽の使用量と頻度に関連するように設計されています。

同期ロイヤルティ

このタイプの収入は、音楽作曲に基づいてデリバティブ作品を作成する権利に関連しています。映画、テレビシリーズ、広告、コンピューターゲーム、その他のコンテンツで曲が使用されている場合、クリエイターは著作権所有者から許可を得る必要があります。このプロセスは同期と呼ばれ、音楽を使用するための支払いは同期ライセンスと呼ばれます。

機械的ロイヤルティやパブリックパフォーマンスロイヤルティとは異なり、同期には2つの重要な違いがあります。第一に、それは常に個々の契約を通じて形式化されます。音楽の公演は一般的なライセンスと標準的な支払いによって規制されていますが、同期には音楽ユーザーと著作権所有者との間の合意が必要です。たとえば、トラックのラジオローテーションはすべてのアーティストで同じコストがかかりますが、広告で同じ曲を使用するライセンスのコストは1000回異なります。ドレイクのような有名なアーティストは、商業プロジェクトで音楽を使用するために巨大なロイヤルティを要求しますが、未知のアーティストによるトラックの権利は数倍も少なくなります。

2番目の違いは、同期ライセンスには、作曲の所有者（著者および出版社）と録音の所有者（ラベルまたはアーティスト）の2つの当事者との契約が必要であることです。これにより、同期は音楽ビジネスのユニークな部分になります。お金の流れは異なる業界参加者間で分割されます。

叙情的なロイヤリティなど、出版事業には他の種類の支払いがありますが、同期、機械的ロイヤルティ、公開パフォーマンスロイヤルティに比べて小さいです。出版社の収入の主な源が明確になったので、音楽出版社が何をしていて、彼らが業界でどのような役割を果たすかを理解する価値があります。

パフォーマンスの権利団体とは何ですか？

パフォーマンスの権利団体（Pro）は、作曲家とソングライターに代わって音楽作品の公演のためにロイヤリティを収集します。これらの組織は、特定の国または地域内で運営されており、ラジオ、テレビ、ストリーミングサービス、会場、その他の公共スペースでの音楽の使用のためのロイヤルティの支払いを監視しています。

各国には独自のプロがあります。英国では、ASCAP、BMI、SESACのPRSです。ロイヤリティを受け取るには、著者または作曲家はこれらの組織のいずれかに登録するか、この責任を音楽出版社に委任する必要があります。

プロは音楽出版社とどう違うのですか？

長所は、著者、作曲家、音楽出版社によって作成および管理されています。彼らの主な仕事は、数百万曲のパフォーマンスのためのロイヤリティのライセンスとコレクションを管理し、支払いプロセスを簡素化し、権利所有者のコストを削減することです。彼らは著作権をプールし、デジタルサービス、ラジオ局、テレビチャンネル、会場とのより効率的な交渉を可能にします。

ただし、プロは機械的ロイヤルティを収集しません。これらは、英国のMCPS、MLC、米国のハリーフォックスエージェンシーなどの別々の組織によって管理されています。音楽出版社は通常、両方のタイプの組織のメンバーであり、著者が作曲を使用するためにすべてのロイヤリティを受け取るようにします。

音楽業界の知的財産管理

音楽出版社と出版社は、ソングライターと作曲家が自分の仕事の使用に対して支払われるようにする責任があります。このプロセスは、著者が作曲に対する権利を出版社に転送する出版契約に基づいています。その見返りに、同社はライセンスを処理し、音楽の使用方法と方法を制御し、ロイヤリティを収集し、著者に配布します。

出版社は音楽を宣伝するためにも働いています。映画、テレビシリーズ、広告に作曲を配置し、録音のためにパフォーマーに提供するのに役立ちます。出版社はカスタム音楽の作成を編成し、作品の委員会を著者に提供することがあります。

音楽作品の著作権は、業界で最も重要な知的財産の形態です。作曲の権利に加えて、マスターレコーディングには著作権もあります。これは、ほとんどの場合、レコード会社が所有しています。出版社は、これらの資産を管理する上で重要な役割を果たし、著者が自分の音楽の使用に対してかなり補償されるようにします。

音楽出版社の役割

音楽出版社は、音楽のライセンスと作曲家やソングライターの著作権の管理を担当しています。彼らは、著作権所有者と契約を結び、作曲の使用を制御し、利用可能なすべてのソースからロイヤリティが収集されるようにします。

出版社の作品の最初のステップは、集団管理組織（CMO）に作品を登録することです。これは、著者が公演、機械的ロイヤルティ、同期に対する支払いを受け取ることができるようにするために必要です。

1。出版管理：登録、収集、ロイヤリティコントロール

プロとMROSで構成を登録することは、技術的に難しくありません。米国では、ASCAP、BMI、SESAC、およびHFAがありますが、英国にはPRSとMCPがあります。登録により、著者は機械的複製と公開パフォーマンスの支払いを受け取ることができますが、同期のためのライセンス料は個別の登録が必要です。これで十分のようですが、実際にはプロセスははるかに複雑です。

プロはロイヤリティの収集に焦点を当てていますが、支払い分布の詳細な検証に従事しないでください。彼らの目標は、資金が各著作権所有者に到達することを保証することではなく、資金を蓄積することです。このため、収入のかなりの部分が失われるか、請求されていないままです。業界には、ロイヤリティの「ブラックボックス」の概念さえあります。さまざまな理由で支払われなかったお金です。さまざまな推定によると、収集されたすべてのファンドの10％から25％が毎年ITに含まれています。そのような損失の理由はさまざまです。メタデータのエラー、複製アプリケーション、争われた請求、さらにはシステムを操作しようとする試みです。長年のアーティストと協力して、出版社はロイヤルティアカウンティングで何百ものカオスの症例に遭遇しました。たとえば、1つの曲は一度に複数の企業から請求でき、それぞれが35％の権利を主張しています。その結果、ストリーミングプラットフォームは、組成の140％の需要を受け取ります。これにどのように反応しますか？非常にシンプル - 支払いを正しく分配することは不可能であるため、誰もお金を稼ぎません。

国内の収入に加えて、ソングライターは、海外で作曲を使用するためにロイヤリティを獲得できます。理論的には、さまざまな国の集団管理組織（CMO）がデータを交換し、互いに支払いを譲渡します。ただし、実際には、このプロセスは理想とはほど遠いものです。会計の複雑さと出版業界における絶え間ない意見の相違により、国際的なロイヤルティの大部分は著者に届きません。

サングライターは、すべての支払いを受け取るために、音楽が演奏される各国の集団管理組織に登録する必要があります。自分でこれを行うことはほとんど不可能であるため、出版社は登録を引き受け、発生をチェックし、支払いの申請、紛争の紛争を引き受けます。本質的に、出版社は、収益の一部が見逃されないことを保証する代表として行動します。

国際的なロイヤルティコレクションの複雑さにより、効果的な管理は世界的なリーチでのみ可能です。これが、権利管理がほとんどの場合、大規模なグローバル企業の手に集中する理由です。独立した出版社は、サブパブリッシング契約を通じて国際企業にカタログを外注することがよくあります。この取り決めでは、地元の出版社が母国でロイヤリティを処理し、その後、Sony ATV、Warner Chappell、BMG、UMG、Peermusic、Downtown Music Publishing（Songtrust）、またはKobaltなどの主要なプレーヤーの権利を外部委託し、グローバル市場にサービスを提供します。これらの企業は、ロイヤルティのわずかな割合と引き換えに国際管理を処理し、著者が世界中からの収益にアクセスできるようにします。

2。音楽出版社のA＆R部門：才能を見つけることとソングライターのキャリアを発展させる

アーティストのキャリアにおける音楽出版社の役割は、彼らの創造的な仕事に依存します。多くのパフォーマーにとって、パブリッシングソングは単なる収入源です。たとえば、バンドが自分の音楽を書いて録音する場合、主な収入はレコード、コンサート、商品、その他の商業活動の販売から得られます。この場合、出版社はより多くの管理上の役割を果たし、権利の登録を支援し、ロイヤリティの収集、ライセンスの歌を支援します。

ただし、自分自身だけでなく、他のパフォーマーのためにも書くミュージシャンに関しては、状況は変化し、映画、テレビシリーズ、ビデオゲームのサウンドトラックを作成します。印象的な例はエド・シーランです。多くの人はヒットの「Shape of You」と「Perfect」から彼を知っていますが、彼がジャスティンビーバーやメジャーレイザーなどのアーティストのソングライターでもあることを誰もが知っているわけではありません。

他の人のために音楽を書くことに完全に集中している人もいます。これらの作家は業界の舞台裏に残っていますが、グローバルな音楽市場への影響は巨大です。たとえば、マックス・マーティンは一般大衆にはほとんど知られていない名前ですが、彼の歌は世界の隅々で聞かれます。彼は、ウィークエンドのバックストリートボーイズや他の多くのアーティストであるKaty Perryと協力しており、過去数十年で最も認識できるヒットのいくつかを作成しています。

ソングライターは、地元のバンドの執筆からグローバルスターとのコラボレーションにどのようになりますか？これは、A＆Rの公開が登場する場所です。他のアーティストのために働くソングライターやプロデューサーにとって、出版は単なる管理パートナー以上のものになります。それは彼らの専門能力開発の重要なリンクです。

一般に、公開ラベルとレコードラベルのA＆R機能は類似しています。彼らは、才能を見つけ、契約に署名し、ソングライターを開発し、世界中のアーティスト、プロデューサー、マネージャーとのつながりを確立するのを支援する責任があります。ただし、A＆Rの公開の詳細を定義する2つの間には重要な違いがあります。

A＆R（アーティストとレパートリー）の主な目標は、アーティストとその音楽から作られる長期的な利益を最大化することです。ただし、レコード会社のA＆Rと出版のA＆Rには異なる目標があることを理解することが重要です。たとえば、エド・シーランがジャスティン・ビーバーのために自分自身の歌を書いたとき、彼のレーベルはそこからダイムを作らなかった。一方、彼の出版社は、ロイヤルティとライセンスで何百万ものものを作りました。

レコードレーベルのA＆Rは特定のレコードの成功に焦点を当てていますが、出版社のA＆Rは、（アーティストに関係なく）曲自体がお金を稼ぐことに焦点を当てています。それらの機能は重複していますが、彼らの優先順位、したがって仕事へのアプローチは異なります。

A＆Rの義務の違いを理解するには、2人のアーティストを検討してください：ビートメーカー（別名プロデューサー、ヒップホップについて話している場合）とラッパー。彼らがトラックで一緒に働く場合、彼らの株は次のように分割されます：

ビートメーカー/プロデューサーが取得します：

彼らが作成した楽器部分の歌に対する出版権の50％。
マスター録音のシェア（主要な権利の約2〜3％）。

ラッパーが取得します：

歌詞を書くための出版権の50％。
マスター録音からの収益の主要なシェア（通常はラベルとともに）。

彼らの収入はさまざまなソースに依存しているため、これらのアーティストのA＆Rはさまざまな方向に働いています。ラッパーのA＆Rは、トラックのリリースとプロモーションの成功に焦点を当てています。彼は録音プロセスを整理し、アーティストのイメージを形成し、リリースのマーケティング戦略と昇進に従事しています。

一方、ビートメーカーのA＆Rは、彼の作曲を最も人気のあるアーティストに導くことに焦点を当てています。アーティストの名前が大きければ大きいほど、歌がお金をもたらす可能性が高くなります。ドレイクのようなトップアーティストとのコラボレーションを交渉することができた場合、これはほぼ保証された成功です。

ソングライターと協力するA＆Rにとって、業界のつながりが非常に重要です。作曲家やビートメーカーはめったに成功を達成することはめったにありません。彼らのキャリアはコラボレーションに基づいています。有名なアーティストとの連絡先が多いほど、彼らの音楽が需要があり、お金をもたらす可能性が高くなります。実際、成功の鍵は、すでにチャートのトップポジションを占めている人のために歌を書くことです。

3。音楽の権利交渉

音楽出版社の重要なタスクの1つは、ソングライターの利益を保護し、彼らにとって最も有利な用語を獲得することです。これは、数人が1つの構成に取り組んでいる場合に特に重要です。 4人の作家が歌に取り組んでいる状況を想像してください。標準的な慣行では、誰が何に貢献したかに関係なく、権利がそれらの間で均等に分割されています。しかし、そのような分裂は常に公平ではありません。そのような場合、出版社は各参加者に起因するシェアがどのようなものかを決定するために交渉を締結します。

現代のヒットを作成する過程で、権利の分布はさらに複雑になる可能性があります。時々、ソングライターはトラックの特定の部分で作業するために連れてこられます。 1人の専門家はコーラスを書く責任があります。もう1人はインストゥルメンタルリフのために、3番目は詩の歌詞の作品であり、プロデューサーは最初にアレンジのために雇われ、突然、作品全体の鍵となるラインを示唆しています。そのような場合、分配権の問題は複雑な交渉の対象となります。これは、歌が突然人気になり、かなりの収入をもたらし始めた場合に特に重要です。真実の痛みに関する著作権紛争の物語を覚えておいてください - これらは私たちが話しているケースです。古典的な著者に加えて、いわゆる間接的なコラボレーションもあります。モダンな音楽は、借用と再解釈でいっぱいです。作曲家とプロデューサーは、多くの場合、既存のトラックの要素を使用し、それらに基づいて新しい構成を作成します。サンプリングは、ヒップホップや電子音楽を超えて長い間行き、さまざまなジャンルの一般的なツールになりました。ただし、著作権の観点からは、サンプルが歌に表示されるとすぐに、元の構成の著者は自動的に新しい作品の権利を受け取ります。これは、オーディオフラグメントだけでなく、メロディックラインや借りた歌詞にも当てはまります。

このような場合、等しい分割の標準規則は適用されません。オリジナルの音楽の所有者は、出版社と交渉して、著作権がどれだけの著作権が届くかを決定します。シェアは、サンプルが新しい曲でどれほど顕著であるかに応じて、5パーセントから100パーセントの範囲です。元の資料の著者は、補償をまったく求めないことがありますが、トラックが悪名高い大きな歌のサンプルを使用している場合、RESTは権利を共有する必要があることを安心させます。サンプリング交渉はしばしば複雑で長いプロセスですが、避けることはできません。他の誰かの音楽を使用するトラックを正式に承認することなく収益化する予定がある場合、曲に対するすべての権利を失い、そこからすべての収入を失う危険があります。

4.出版社が音楽を宣伝する方法

多くの人々は、フランク・シナトラによって私のやり方で演奏された曲を知っていますが、その歴史はチャートにぶつかるずっと前に始まりました。元のバージョンはフランスの作曲家クロード・フランソワによって書かれたものであり、カナダの作家ポール・アンカが象徴的な$ 1に適応する権利を獲得したのは1969年になって初めてでした。しかし、この取引には重要な条件がありました。元のクロード・フランソワとジャック・レヴォーの著者は、ANKAによって作成されたあらゆるバージョンでロイヤリティのシェアを保持しました。これは、シナトラからシド・ヴィシャスまで、あらゆるパフォーマンスで私の道がラジオでプレイされるたびに、収入を得るのは元のメロディーの作成者であることを意味します。作曲家にとって、これは金鉱山と比較できます。なぜなら、彼らの仕事は何十年もの間お金をもたらし続けているからです。

音楽作品の昇進は、出版社の仕事の重要な部分です。彼の仕事は、彼が管理するカタログが存在するだけでなく、最大の利益をもたらすことを保証することです。これは、カバーバージョン、サンプリング、適応、および組成のその他の使用形式を通じて達成されます。アクティブな出版社は、単にトラックを使用するリクエストを待つのではなく、自分で協力を開始します。彼らはアーティスト、プロデューサー、企業にアプローチし、新しいプロジェクトに解釈と包含のための作曲を提供します。作業が使用されるほど、商業的価値が高くなり、著者にもたらす収入が増えます。ただし、すべての著者が同じアプローチを必要とするわけではありません。作曲家のキャリアと目標に応じて、異なる出版契約を締めくくることができます。時間が経つにつれて、このような取引のいくつかの標準的なタイプが業界で形成されており、著者は出版社と協力するために最も有利な条件を選択できるようになりました。

5。作家と出版社の間でどのように論争が生じますか

音楽業界では、公開ロイヤルティは通常、70/30：70％がソングライターに送られ、30％がサービスのために出版社に送られます。ただし、実際には、さまざまなタイプの契約があり、作曲家にとって常に有益ではありません。場合によっては、パフォーマーは、特に著者がまだ自分自身の名前を作成していない場合、録音する曲を選択することと引き換えに、出版物のシェアを要求します。ノーマン・ペティとフィル・スペクターがしたように、アーティストのマネージャーやプロデューサーも権利の一部を望んでいます。そして、時には、出版社自身が、モリス・レヴィで何度も起こったように、著者のリストに含まれることを主張します。このような状況は、標準的な業界の実践から、完全に不cru慎なスキームにまで及びます。

最も疑わしいタイプの出版社の1つは、いわゆるソングシャークです。真正な企業とは異なり、これらの出版社は作曲家を促進したり、歌のパフォーマンス料金からお金を稼ぐことをほとんどしません。代わりに、彼らは、通常の出版社が無料で提供する「サービス」を提供することで、経験の浅い著者からお金を稼ぎます。これは、デモの録音、アレンジメント、または「リスニング」および「評価」の曲の架空の料金の支払いかもしれません。もちろん、プロのセミナーや専門家のオーディションに支払うことが完全に正当化される状況がありますが、出版社が彼のために機会を見つけるのではなく作曲家からお金を稼ぐ場合、それは詐欺と見なされる可能性が高くなります。

公開の問題は、多くの場合、ミュージシャンとマネージャーの間に対立を引き起こします。 1958年、バディホリーは、音楽の権利をめぐる論争をめぐって、マネージャーのノーマン・ペティと別れました。ほぼ10年後、バッキンガムはプロデューサーのジェームズ・ウィリアム・ゲルシオと別れたとき、同様の問題に直面しました。音楽業界で最も有名な訴訟の1つは、ジョン・フォガティと彼の元出版社であるサウル・ザアンツの間でした。 ZaentzはFogertyを訴え、彼のソロ曲の1つは、出版社のカタログからのCreedence Clearwater Revival Trackに似ていると主張しています。裁判所はフォガティの味方でしたが、そのような訴訟が提起されたという事実は、アーティストと彼らの歌の所有者との関係がどれほど複雑であるかを示しています。

一部のアーティストは、独自の出版社を作成することでそのような問題を回避しようとします。これにより、彼らは自分の権利を制御し、作曲の使用からすべての利益を受け取ることができます。しかし、すべてのミュージシャンが時間内にこれを行うことができないわけではなく、彼らの歌のコントロールを失うことは彼らにとって壊滅的なものになる可能性があります。ロックンロールの歴史の重要人物の1人であるリトルリチャードは、彼のロイヤルティの重要な部分をだまされ、失いました。ビーチボーイズのブライアンウィルソンとマイクラブは、ウィルソン兄弟の父親であるメリーウィルソンがTunes Publishing CompanyのSeaをA＆Mレコードに売却し、その数倍低いことを知ったとき、本当にショックを受けました。実際の値。

出版権の制御を失うという最も注目すべき事例の1つは、ビートルズに関連しています。 1969年、彼らの出版社のディック・ジェームズは、ノーザンソングスカンパニーのシェアをAssociated Television（ATV）に売却し、かなりの金額を受け取りました。これにより、ビートルズは自分の歌の権利のコントロールを失いました。マネージャーのリー・イーストマンとアレン・クラインがこれを防ぐための試みは失敗し、ATVはグループのカタログの最大の所有者になりました。この後、ジョン・レノンとポール・マッカートニーは残りの株式を売却することを決め、それによって彼ら自身の作品の所有権をあきらめ、ロイヤリティを受け取る権利のみを維持しました。ジョージ・ハリソンとリンゴ・スターは小さな賭け金を保持していましたが、これはもはや彼らに影響を与えませんでした。

音楽出版がどのように機能するか

出版契約には、著作権の一部を出版社に転送することが含まれます。これにより、音楽のライセンスとロイヤルティの収集が可能です。その見返りに、著者はこれらの料金の割合を受け取ります。ただし、権利分布のシステムは、一見するよりも複雑です。

著者の共有対出版社の共有

各曲は自動的に2つの等しい部分に分割されます。50％が著者に行き、50％がパブリッシャーに送られます。歌が1人によって書かれていても、これらの2つの共有で構成されています。著者の共有は常に作品の作成者に属し、他の人に譲渡することはできません。支払いは、集団的権利管理組織（Pro）を通じて直接送られます。

出版社は、著者の利益を表す、曲の出版シェアから収入を集めて増加させるタスクを引き受けます。彼の作品のために、彼は収集されたロイヤルティの割合を受け取ります。作曲家が出版社または彼自身の会社を持っていない場合、彼は著者のシェア、つまり可能なロイヤルティの50％しか頼りません。

今日あなた自身の出版社を設立することはそれほど難しくありません。 Pro（公演のためのロイヤリティを担当）やMRO（機械的ロイヤルティの収集）などの著者からロイヤリティを収集する組織は、権利の自己管理のための著者ツールを提供します。これにより、ミュージシャンは第三者から独立し、すべてのソースから収入を得ることができます。

3種類の音楽出版取引

出版社とソングライターの関係、および出版社の責任は、結論付けられた契約の種類に大きく依存しています。長年にわたり、音楽業界はいくつかの標準的な協力モデルを開発してきました。主なものを見てみましょう。

1。完全な公開取引

この形式が最も一般的でした。そのような取引を締結すると、著者は彼の権利の100％を、書かれた資料に対する出版社に転送します。契約は、その期間中に作成されたすべての作品を対象としており、原則として、曲の数に関する最低義務が含まれています。このような契約に基づいて譲渡された各構成に対する権利は、出版社と永久に残っています。

その見返りに、出版社は著者の完全なサポートを受けています。彼の歌を宣伝し、プロの連絡先を確立し、収益性の高い取引を締めくくりました。彼はまた、前払いを支払い、その後ロイヤルティを通じて返されます。

この形式は20年前よりも一般的ではありませんが、それでも使用されています。ほとんどの場合、そのような契約は、まだ深刻な成功を収めていない最初の著者で結論付けられます。出版社は、著者の発展に投資することにより、財政的および評判の高いリスクを引き受け、このための収入の大部分を受け取ります。

2。共同出版取引

今日、この契約形式はソングライターの間で最も人気があります。このような取引では、著者と出版社は共同で音楽資料をリリースし、出版社のシェアを平等に分割します。その結果、著者は収入の75％を受け取ります。仕事の作成者として50％、彼自身のマイクロコンパニーが所有する出版シェアからさらに25％です。

このタイプの協力は、すでに何らかの成功と影響力を持っているが、まだ出版社のサポートが必要な著者に適しています。完全な公開契約とは異なり、ここでは、著者は契約の終了時にそれに戻ることができるため、権利をより管理することができます。これらの権利の期間は個別であり、数年から数十年にわたって異なります。

それ以外の場合、そのような取引は完全な公開契約に似ています。出版社は、著者の収入から払い戻され、彼の歌を促進し、業界の連絡先を確立し、デモの録音の作成に資金を提供し、有名なアーティストとの協力を組織するのに役立つ前進を提供します。次に、著者は契約期間中に特定の数の曲を書くことを約束します。

広告、映画、テレビの音楽資料のライセンスからの収入の分配は、特定のケースごとに個別に交渉されます。著者の最終シェアは、取引を終了するときに同意できる条件に依存します。

3。管理公開取引

この形式の協力は、ここの出版社が1つの関数のみを実行するという点で、他の協力とは異なります。ロイヤルティを収集して検証します。著者は彼の作品の権利を完全に保持し、出版社は管理手数料として委員会の10％から25％を受け取ります。このような契約により、出版社は契約期間中にのみ株式を受け取り、その満了後、収入の分配への参加が停止します。これが、そのような取引が通常、共同契約よりも長い期間、時には最大5年の間に締結される理由です。

このオプションは、ほとんどの場合、業界ですでにしっかりと確立されており、追加の昇進を必要としない経験豊富なソングライターやパフォーマーによって選択されます。たとえば、Max Martinなどの有名なプロデューサーやソングライターは、出版社のサポートをパフォーマーを見つける必要はありません。彼らはすでにつながりを確立しています。ただし、さまざまな著作権協会に作品を登録したり、ロイヤリティを監査したり、映画や広告で作曲の使用をチェックする際に専門家の助けが必要です。このような取引により、主要な作家やアーティストは、最大のロイヤリティコレクションを確保しながら、曲を完全に制御することができます。このアプローチは、自分自身のためだけに音楽を作成し、他の人に権利を移すことを計画していないミュージシャンにとっても便利です。これが、Tunecore、Cdbaby、Ditto Musicなどの多くのデジタル流通サービスが、ストリーミングプラットフォームでの音楽を配布するとともに、管理パブリッシングサービスを提供する理由です。

同期のための音楽の準備

Syncのライセンスミュージックは、音楽出版の重要な部分です。映画、広告、ビデオゲームなど、ビデオコンテンツと組み合わせてトラックを使用できます。この形式は、著者の収入をライセンスからもたらすだけでなく、視聴者を大幅に拡大します。

同期で動作するサービスに接続すると、ミュージシャンが幅広い機会にアクセスできます。これには、映画、テレビ番組、コマーシャル、ゲームプロジェクトに曲を配置することが含まれます。同期ライセンスは、安定した収入の優れた源となり、国際レベルでのアーティストの認識を高めることができます。

音楽出版社と協力する方法

可能な限り効果的に音楽を収益化するために、著者は管理上の問題に対処する出版社と協力する必要があります。これには、著作権協会に曲の登録、ロイヤリティの追跡、同期の音楽の提出が含まれます。

出版社は次のタスクを実行します。

レジスターは、パフォーマーの権利を保護する国際組織と連携します。
機械的ロイヤルティを収集するためのデータベースに音楽を入力します。
公開パフォーマンスと機械的複製のためにロイヤリティを制御および収集します。
映画、広告、その他のメディア形式で使用するトラックを提供し、ライセンス収益のコレクションを保証します。

音楽出版の未来

出版物は依然としてソングライターのキャリアの重要な部分ですが、その形式は大幅に変化しています。業界の現在の傾向は、多くの点でレコードラベルの進化を連想させます。

20年前、ほとんどのアーティストは、販売の大幅な削減と引き換えに、記録と昇進のコストをカバーする主要なラベルに署名しました。同時に、ソングライターは完全な出版契約に署名し、ほとんどのお金が稼がれているラジオで曲を演奏することを望んでいました。

それが変化しました：デジタルテクノロジーは、ソングライターとアーティストに自己宣伝の機会を増やしました。過去のように大きなスタジオで働く代わりに、ヒットは小さなチームによって自宅で作成され、ソーシャルメディアやストリーミングサービスを通じて宣伝されています。

作家開発に焦点を当てた共同公開契約は引き続き人気がありますが、ますます多くのソングライターが管理契約を選択しています。これは、レコード業界では、アーティストがラベルではなくディストリビューターとますます協力する方法に似ています。独立性は重要な要素になりつつあり、アーティストは大企業に引き渡すのではなく、カタログを制御することができます。

ただし、独立したアーティストがデジタルディストリビューターのサービスを必要としているように、完全に独立したソングライターでさえ、管理を公開することなくできません。 KobaltやSongtrustのような新しい企業はこの方向に進んでおり、ロイヤルティを収集して配布するための自動化されたシステムを作成しています。

今日、音楽ビジネスのさまざまなセクター間の境界線がぼやけています。ディストリビューターは伝統的にラベルのために予約されているサービスを提供し始めており、出版社は将来的にはプロモーション機能を引き受けることで役割を拡大することができます。新しいプレーヤーは、ソングライターの管理と以前にジャイアンツの公開のみが利用可能な機能を組み合わせた市場にまもなく出現する可能性があります。