음악에서의 패닝
음악을 패닝하는 것은 음악 감상 경험을 즐거운 것에서 흥미로운 것으로 바꾸는 가장 좋은 방법 중 하나입니다. 전체 스테레오 스펙트럼에 음악을 퍼뜨리는 것은 청취자에게 유익할 뿐만 아니라 믹스에 꼭 필요한 공간을 만들어 트랙이 의도한 대로 빛날 수 있게 해줍니다.
일반적으로 음악에서 패닝이란 스테레오 또는 모노 트랙을 가져와 스테레오 필드의 왼쪽 및 오른쪽 채널에 퍼뜨리는 것을 의미합니다. 오디오 팬 또는 패닝 슬라이더를 사용하여 스테레오 이미지의 트랙 위치를 제어할 수 있습니다.
오디오 패닝을 사용하면 프로듀서와 음악가가 더 넓은 오디오 경험을 만들 수 있으며, 이는 또한 다양한 패닝 위치에서 믹싱 및 음향 가능성을 열어줍니다. 오늘날 대부분의 스튜디오 트랙은 일종의 스테레오 패닝을 사용하지만 아래에서 설명하는 것처럼 오래된 음악에서도 패닝의 예를 찾을 수도 있습니다.
사람은 어떻게 듣나요?
사람은 귀를 통해 주변 세계의 소리에 대한 정보를 받습니다. 다음으로, 수신된 정보는 뇌로 들어갑니다. 거기에서 처리되어 완성된 사운드 그림으로 변환됩니다.
이 경우 뇌는 사람 주변의 공간에 소리를 배치합니다.
즉, 주변 세계의 3차원 파노라마를 생성합니다. 뇌는 각 귀에서 개별적으로 정보를 수신하고 수신된 데이터를 합산합니다. 이것은 흥미로운 효과를 제공합니다. 같은 거리를 두고 두 개의 스피커 앞에 앉으면 소리가 좌우에서 나오는 것이 아니라 얼굴 바로 앞에서 나오는 듯한 느낌을 받을 수 있습니다.
인간의 뇌는 공간에서 저음은 왼쪽에, 고음은 오른쪽에 있다고 가정합니다. 피아노 건반을 보면 낮은 음이 왼쪽에 있고 높은 음이 오른쪽에 있는 것을 알 수 있습니다. 이퀄라이저의 주파수는 정확히 동일하게 표시됩니다. 왼쪽은 베이스, 오른쪽은 하이입니다.
이전에는 어땠나요?
음악 패닝은 녹음 시대 이전부터 존재해 왔습니다. 오케스트라에서 연주자들은 항상 고정된 자리를 갖고 있었습니다. 드럼은 일반적으로 리드 악기의 약간 뒤쪽 중앙에 배치됩니다. 현과 관악기는 왼쪽과 오른쪽에 그룹화되어 있습니다. 리드 보컬이나 악기는 대부분 무대 중앙에 위치합니다.
지난 세기에는 제한된 기술적 능력으로 인해 많은 개별 트랙을 녹음할 수 없었습니다. 대신, 모든 연주자들이 함께 연주하면서 깊이 효과를 내기 위해 마이크에서 서로 다른 거리에 위치했습니다. 마일스 데이비스(Miles Davis), 하울링 울프(Howlin' Wolf)와 같은 뮤지션들의 전설적인 녹음이 탄생한 과정이 바로 이것이다.
현대 스튜디오에서 음악가는 단일 작곡에 대해 여러 개의 개별 트랙을 녹음할 수 있습니다. 그런 다음 사운드 엔지니어는 이를 믹싱하여 최종 음악 트랙을 만듭니다.
오디오 패닝의 도구 공간 구성
우선, 문제를 효과적으로 해결하기 위해서는 트랙의 사운드 픽처를 명확하게 이해해야 합니다. 이 프로세스를 더 쉽게 만들려면 각 도구의 위치를 시각적으로 표현한 다이어그램을 만드세요.
예를 들어, 록 트랙의 경우 특정 방식으로 보입니다.
작업할 때 이 다이어그램을 지침으로 사용하십시오. 그에 따라 악기를 배치한 다음 완성된 믹스를 들어보세요. 필요에 따라 조정합니다.
최종 믹스는 스타일 감각, 오디오 인식 및 전문 기술의 조합입니다. 각 믹스에는 고유한 접근 방식이 필요합니다. 창의적인 비전에 따라 파노라마 너비를 조정하세요.
오디오 패닝의 주파수 균형
음악 자료를 작업할 때 각 악기마다 고유한 주파수 범위가 있다는 점을 명심하세요.
- 낮은 음역은 베이스와 드럼으로 표시됩니다.
- 중간 범위에는 보컬, 탐, 리듬 기타, 키보드, 현악기 및 목관 악기가 포함됩니다.
- 고음역은 타악기, 보컬 파트 및 주요 악기로 구성됩니다.
작곡에 포함된 각 악기 사운드의 순도와 명료성을 유지하려면 공간에 올바르게 배포해야 합니다. 예를 들어 리듬 기타, 호른, 건반을 중앙에 배치하면 해당 사운드가 서로 섞여서 듣기 어려워질 수 있습니다.
청중의 관점에서 본 음악 패닝 도구
청취자의 눈을 통해 사운드가 이동하는 경우 목표는 라이브 콘서트의 분위기를 재현하는 것입니다. 이 경우 악기의 공간적 배치는 마치 관객이 가상의 무대 앞에 서 있는 것처럼 구성된다.
음악가의 관점에서 본 악기 패닝
아티스트의 관점에서 음악을 패닝하는 목적은 청취자를 라이브 공연의 분위기에 몰입시키는 것입니다.
이 배치는 청취자가 연주자와 같은 무대에 있는 듯한 느낌을 받을 수 있도록 구성되었습니다.
믹스에서 효과적인 패닝을 위한 팁
패닝은 과학이자 예술입니다. 많은 유명한 작곡이 확인하는 것처럼 엄격하고 빠른 규칙은 없습니다.
그러나 오랜 시간 테스트를 거친 기술이 있습니다. 초기 단계에서 적용하십시오.
- 믹스 중간에는 일반적으로 베이스, 킥, 스네어가 있습니다. 그들은 작곡의 리듬과 추진력을 형성합니다. 채널 간에 분할하면 트랙의 볼륨과 다이내믹이 손실될 수 있습니다.
- 메인 보컬과 주요 악기도 중심을 차지합니다. 그들은 작곡의 주요 메시지를 전달합니다.
- 주파수의 균형을 맞추세요. 과도한 고음은 거친 소리를 내는 반면, 너무 낮으면 믹스 사운드가 둔해지고 퇴색됩니다.
- 파노라마로 모든 악기를 100% 분리하려고 하지 마세요. 너무 넓은 스테레오 필드는 트랙의 무결성을 손상시킬 수 있습니다.
- 왼쪽 채널과 오른쪽 채널 간의 불균형을 피하십시오. 에너지의 흐름은 균일해야 합니다.
- 현대 기술을 사용하십시오. 오늘날의 VST 플러그인을 사용하면 작업이 훨씬 쉬워집니다.
- 당신의 직감을 믿으십시오. 실험하고 표준에서 벗어나는 것을 두려워하지 마십시오. 때때로 트랙을 독특하게 만드는 것은 "잘못"입니다.
