음악을 만드는 방법

최근까지 음악을 만드는 방법에 관심이 있는 사람이라면 누구나 그 과정 자체에 세심한 준비와 연습이 필요하다는 점을 이해해야 했습니다. 플러그인과 멀티트랙 시퀀서가 없기 때문에 거의 자동으로 만들어질 때까지 반복해서 연습해야 했습니다. 스튜디오에서는 모든 것이 완벽하고 동기화되어 실수 없이 재생되어야 했습니다.

그러나 컴퓨터 프로그램의 출현으로 음악가들은 단 몇 번의 마우스 클릭만으로 손쉽게 여러 테이크를 녹음하고 트랙을 편집할 수 있는 능력을 갖게 되었습니다. 요즘에는 많은 현대 가수들이 경험을 통해 입증했듯이 집에서 편안하게 히트곡을 쉽게 제작할 수 있습니다.

음악을 만들기 위한 요구사항은 무엇인가요?

의심의 여지 없이, 고급 전문 스튜디오는 장비 측면에서 상당한 이점을 자랑합니다. 이러한 스튜디오는 일반적으로 뛰어난 음향을 갖춘 넓은 방음실은 물론 고품질 압축기 및 이퀄라이저, 다양한 마이크, 아날로그 콘솔, 다중 모니터 라인을 갖춘 잘 갖춰진 제어실 등을 제공합니다.

그러나 홈 스튜디오는 예산과 효율성 측면에서 나름대로의 이점을 가지고 있습니다. 컴퓨터와 플러그인을 사용하여 전자 음악을 만드는 경우 방음실이나 다수의 마이크가 필요하지 않습니다. 결국 전체 오케스트라, 드럼 또는 그랜드 피아노를 녹음할 수는 없습니다. 당신이 해야 할 일은 본질적인 것에 집중하고 시작하는 것뿐입니다. 그렇다면 완전한 홈 프로덕션 스튜디오를 구축하려면 어떤 장비가 필요합니까?

• 컴퓨터;
• 플러그인이 포함된 시퀀서;
• 오디오 인터페이스;
• 모니터;
• 헤드폰;
• 마이크로폰;
• 미디 키보드;
• 기타, 베이스 기타(연주하는 경우);
• 차분한 방;
• 랙 및 전선.

오늘날에는 자신만의 음악을 작곡하기 위해 더 이상 컴퓨터에 기가바이트급의 소프트웨어를 설치할 필요가 없습니다. Amped Studio와 같은 시퀀서를 사용하면 모든 필수 기능, 도구 및 플러그인이 이미 포함되어 있으므로 웹 브라우저에서 직접 음악을 제작할 수 있습니다. 오디오 편집기 , MIDI 편집기 , 신디사이저, 샘플러 및 처리 효과를 찾을 수 있습니다 따라서 실제로 온라인 시퀀서를 사용하면 추가 소프트웨어 없이 작업할 수 있습니다.

음악을 만드는 데 필요하지 않은 다른 장비는 무엇입니까? 모니터를 고품질 헤드폰으로 대체할 수 있어 어쿠스틱 룸 처리가 필요하지 않습니다. MIDI 키보드가 없다면 MIDI 편집기에서 연필로 간단하게 음표를 그릴 수 있습니다. Amped Studio에서는 단 한 번의 클릭으로 전체 코드를 그릴 수도 있습니다. 마이크는 보컬 녹음에 유용하지만 필수는 아닙니다.

결과적으로 음악을 만드는 데 필요한 것은 컴퓨터, 헤드폰, 오디오 인터페이스 및 인터넷 연결뿐입니다. 그러나 모니터나 마이크가 없다면 오디오 인터페이스도 생략할 수 있습니다. 컴퓨터 없이도 음악을 만드는 것이 가능합니까? 요즘에는 스마트폰이나 태블릿을 이용한 모바일 음악 제작을 통해 이러한 작업이 가능합니다.

컴퓨터를 사용하지 않고 음악을 만드는 방법은 무엇입니까?

온라인 시퀀서는 컴퓨터, 노트북, 태블릿 또는 스마트폰의 웹 브라우저 내에서 작동하므로 인터넷에 연결된 모든 모바일 장치를 사용하여 음악을 작곡할 수 있습니다. 이러한 프로그램에는 특별한 시스템 요구 사항이 없으며 소프트웨어, 샘플러 라이브러리, 가상 악기 및 효과 플러그인을 다운로드할 필요가 없습니다.

온라인 형식은 음악 작곡 과정을 간소화하므로 컴퓨터에서 떨어져 있을 때에도 시퀀서를 사용하여 음악적 아이디어를 빠르게 포착할 수 있습니다. 스마트폰이나 태블릿에서 웹사이트를 열고 멜로디, 비트, 후크를 적기만 하면 됩니다. 나중에 컴퓨터로 돌아오면 프로젝트를 쉽게 마무리할 수 있습니다.

온라인 시퀀서인 Amped Studio는 놀라울 정도로 사용자 친화적이며 다양한 음악 작곡 기능을 제공합니다. 멀티트랙 형식으로 작동하고, 외부 소스의 오디오 및 MIDI를 녹음하고, 오디오 및 MIDI 클립을 편집합니다. 또한 다양한 루프, 샘플러 및 MIDI 패턴을 제공하며 내장된 가상 악기 및 플러그인도 포함되어 있습니다. 이러한 기능을 사용하면 이미 이들의 도움만으로 음악을 만드는 것이 가능합니다. 기본 장비 목록은 다음과 같습니다.

• 합성기;
• 샘플러;
• 드럼 머신;
• 압축기;
• 평형 장치;
• 지연;
• 리버브;
• 호루스;
• 왜곡.

또한 Amped Studio를 사용하면 컴퓨터의 VST를 연결할 수 있는데 이는 일반적으로 온라인 시퀀서의 기능이 아닙니다. 또한, 노래하는 멜로디를 일련의 MIDI 음표로 변환하는 독특한 기능을 제공합니다. 또한 Amped Studio를 사용하면 여러 사용자가 서로 다른 컴퓨터에서 동일한 프로젝트에 대해 공동 작업을 할 수 있는데, 이는 고정 프로그램에서는 흔히 볼 수 없는 기능입니다.

이 소프트웨어는 빠르고 효율적으로 음악을 만들고자 하는 비트메이커, 작곡가, 작곡가에게 특히 유용합니다. 또한 음악 편곡에도 탁월하며 보컬리스트, 기타리스트, 키보드 연주자에게는 사운드 녹음 기능이 특히 유용할 것입니다. 믹스 엔지니어라도 Amped Studio의 기능을 활용하여 트랙의 균형을 맞추고 효과를 적용할 수 있습니다.

음악을 창작하려면 음악 이론에 대한 지식이 필요합니까?

실망스러울 수도 있지만 음악이론에 대한 지식은 음악가에게 필수적입니다. 그러나 좋은 소식은 그 내용을 모두 외울 필요는 없다는 것입니다. 음악의 세계에 빠져들다 보면 자연스럽게 그 개념과 법칙에 익숙해지게 됩니다. 용어에 익숙하지 않더라도 멜로디를 만드는 데 방해가 되지는 않습니다. 일부 음악가는 기술을 익히고 기술 이름을 모르더라도 흥미로운 아이디어를 빠르게 생각해 낼 수 있습니다.

음악을 만들 때 메이저와 마이너 스케일(및 기타 모드), 간격, 박자 기호, 코드 등을 구별해야 합니다. 이름을 모르더라도 네 번째나 여섯 번째 아이가 불러일으키는 기분을 구별할 수 있을 수도 있습니다. 용어를 전혀 알 필요가 없습니다. 120bpm과 같은 숫자로 템포를 표시할 수 있다면 "adagio", "moderato", "allegro" 등이 무엇을 의미하는지 기억해야 하는 이유는 무엇입니까?

많은 사람들은 기보법을 모르더라도 음악을 만드는 것이 가능한지 궁금해합니다. 실제로 기보법을 작품에 활용하고, 오선보에 점을 찍는 음악 프로듀서를 찾아보기 힘들다. 빠른 초견은 오케스트라 연주자에게만 유용할 뿐 작곡가나 편곡자에게는 유용하지 않습니다. 지식은 작업을 더 쉽고, 더 빠르고, 더 흥미롭게 만들 수 있습니다.

어떤 사람들은 귀로 음을 선택하여 무작위로 음악을 만듭니다. 이것도 하나의 방법이지만, 4도와 5도의 원, 음정, 프렛, 서로 다른 키의 샤프와 플랫의 배열에 익숙한 사람이라면 머릿속의 모든 음을 쉽게 상상하고 건반이나 키보드에서 빠르게 찾을 수 있습니다. 지판. 음악가에게 영감이 부족할 때는 논리와 지식에 의존할 수 있지만, 그렇다고 해서 속도가 느려져서는 안 됩니다. 연습이 항상 먼저 이루어져야 합니다.

노래의 구성요소는 무엇인가요?

광범위한 청중을 대상으로 디자인된 대부분의 현대 노래는 반복적인 구조를 사용하여 구성됩니다. 오페라나 클래식 작품의 경우를 제외하고는 노래에 맞는 음악을 만들기 위해 탐정소설처럼 복잡한 편곡이나 난해한 줄거리를 고안할 필요가 없습니다. 다음은 일반적인 노래의 주요 구성 요소입니다.

• 소개 (소개);
• 대련(절);
• 코러스에 들어가기(Pre-chorus);
• 합창;
• 재생(브리지);
• 정점(중간, 빌드업);
• 인터체인지(드롭, 솔로);
• 결론(아우트로, 코다).

작곡이 항상 엄격한 코드나 공식을 따르는 것은 아닙니다. 모든 작품이 클라이막스를 포함하거나 특정 구조를 따라야 하는 것은 아닙니다. 일부 노래는 솔로나 코러스로 끝날 수 있는 반면, 다른 노래는 반주로 계속 반복되는 아르페지오와 함께 절과 코러스만 반복합니다. 합창단의 입장도 항상 요구되는 것은 아닙니다. 그럼에도 불구하고 구성의 모든 요소에 세심한 주의를 기울이는 것이 중요합니다.

소개 . 음악을 만들 때 따라야 할 엄격한 규칙은 없습니다. 일부 인기곡은 절로 시작하는 반면, 일부 인기곡은 코러스로 시작합니다. 표준 노래 구조에는 일반적으로 인트로, 브리지, 코다가 포함됩니다. 인트로는 코러스의 멜로디, 특정 곡 또는 후크 중 하나를 반복할 수 있지만 완전히 독특할 수도 있습니다.

주요 부분 . 음악을 작곡하는 전통적인 접근 방식은 단순히 절과 합창을 번갈아 가며 각 부분을 2~3회 반복하는 것입니다. 그러나 여전히 역동성과 드라마를 통합하는 것이 중요합니다. 구절은 더욱 차분하고 서술적이며 직설적이어야 하며, 메인 이벤트의 무대를 마련하기 위해 종종 낮은 음역으로 노래해야 합니다. 메인 이벤트는 코러스인데, 코러스는 더욱 역동적이고, 활기차고, 강하고, 선율적이고, 높은 음으로 풍부하게 편곡되어야 합니다. 본질적으로 전체 노래는 후렴구로 이어집니다.

사전합창 . 프리코러스는 음악을 만들 때 종종 간과되는 구성요소이다. 그러나 사전 코러스를 통합하면 드라마를 향상시키고 음악을 더욱 흥미롭게 만들 수 있습니다. 프리코러스는 벌스의 분위기를 바꿔주며 더욱 강렬한 분위기를 만들어낸다. 노래의 평화로운 부분과 폭발적인 부분 사이의 다리 역할을 하며, 청취자가 변화에 대비할 수 있도록 준비시킵니다. 이는 노란색 신호등과 유사하며 흥미로운 일이 곧 일어날 것임을 나타냅니다.

빌드업 . 이 방법은 음악의 극적인 전개를 향상시킬 수 있습니다. 이는 평온한 순간, 둔화, 기분 전환을 만들어냅니다. 어떤 경우에는 드럼 파트가 생략되기도 하고, 보컬 멜로디에 변화가 생기는 경우가 많습니다. 이 섹션에는 단조에서 장조로 전환, 리듬 변경, 고장 생성 또는 다른 키로 전환 등 다양한 가능성이 있습니다. 그러나 이 부분을 완전히 생략하는 것도 가능하다.

솔로 또는 드롭 . 기타로 음악을 작곡할 때 끝없는 솔로를 피하는 것이 중요합니다. 리드 기타가 빛날 지정된 지점이 있다는 것을 명심하세요. 일렉트로닉 스타일에는 일반적으로 솔로가 없지만 음악이 조용하거나 느린 섹션에서 무거운 신디사이저를 사용하는 강력한 댄스 리듬으로 전환되는 드롭이 있습니다. 이 시점에서는 랩이 있을 수도 있고 단지 구절을 훑어볼 수도 있습니다.

코다 . 일반적으로 작곡의 마지막 부분은 간과되는 경우가 많습니다. 이 시점에서 브리지를 다시 도입하거나, 솔로를 클라이맥스로 가져오거나, 코러스를 반복하여 노래의 결론을 만들 수 있습니다. 선택은 당신의 것입니다. 독특하고 창의적인 최종 섹션을 만들어 기억에 남는 엔딩을 만들 수 있는 기회가 있습니다.

브리지 및 컷아웃 . 한 부분에서 다른 부분으로 원활하게 전환되는 음악을 만드는 것은 어려울 수 있으며 모든 청취자가 이를 높이 평가할 수는 없습니다. 코드 진행이나 브릿지의 솔로와 같은 강력한 코러스 뒤에 잠시 멈춤이나 막간을 포함시키는 것이 효과적일 수 있습니다. 드럼 필, 후크 또는 작은 하모닉 시프트가 종종 각 섹션 내에 추가되어 흥미를 더하고 노래의 매력을 유지합니다.

개발은 음악을 만드는 기본 원칙 중 하나입니다 . 많은 노래가 반복적인 부분으로 구성되어 있는 것은 사실이지만 그렇다고 해서 단조로워야 한다는 의미는 아닙니다. 두 번째 절과 후렴구를 포함한 각 부분은 여전히 ​​흥미를 유지하기 위해 이전 부분에서 약간의 진화나 변형을 가져야 합니다. 이는 새로운 요소를 추가하거나 변경하여 달성할 수 있습니다. 실제로 청취자의 참여를 유지하기 위해 매 비트마다 새로운 것을 소개하는 것이 이상적입니다.

구절과 관련하여 음악에 어떻게 다양성을 만들 수 있습니까? 두 번째 절에 대위법이 있는 멜로디 악기를 추가하고, 타악기, 백킹 보컬 또는 두 번째 기타를 포함하고, 베이스를 두껍게 하고, 하이햇을 약간 조정하고, 기타 아르페지오를 변경하고, 필 패드를 삽입하거나 베이스를 연주할 수 있습니다. 추가 채우기. 이러한 기술은 코러스에도 적용될 수 있습니다.

이 모든 트릭을 한 번에 사용할 필요는 없습니다. 흥미로운 음악을 창조하는 데는 무한한 가능성이 있으며, 새로운 것을 발명하는 것이 창의성의 본질입니다. 아이디어가 독창적이고 혁신적일수록 좋습니다. 하지만 노래를 듣는 사람의 마음에 쏙쏙 들어오게 하려면 반복도 필수적입니다.

음악을 만드는 과정에는 검증된 기술을 사용하는 것과 새로운 기술을 실험하는 것 사이의 균형이 필요합니다. 여기에는 기대치를 조성한 다음 이를 전복하여 청취자의 참여를 유지하는 것이 포함됩니다. 반복은 듣는 사람을 끌어들이는 최면 효과를 만들어내지만, 그 패턴에서 벗어나면 듣는 사람을 놀라게 하고 흥분시킬 수 있습니다. 궁극적으로 반복과 변형을 주의 깊게 사용하여 청취자의 경험을 제어하는 ​​것이 중요합니다.

계측 및 배치 . 역동적인 관점에서 악기와 악기군을 동시적인 측면에서 고려하여 음악을 만드는 방법을 탐구했습니다. 모든 노래에는 작곡 전반에 걸쳐 연주되는 고유한 악기 세트가 있으며, 노래의 핵심을 변경해서는 안 됩니다. 그렇지 않으면 소리가 분리될 수 있습니다. 그렇다면 이 코어는 무엇으로 구성되어 있을까요?

노래의 악기 구성은 다음과 같은 몇 가지 주요 구성 요소로 나눌 수 있습니다.

• 보컬이나 리드 신디사이저가 될 수 있으며 노래의 중심 역할을 하는 주요 악기입니다.
• 음악의 기본 그루브와 펄스를 제공하는 드럼과 베이스로 구성된 리듬 섹션.;
• 리듬 기타, 피아노, 오르간 또는 화성 및 리듬 지원을 제공하는 기타 악기를 포함할 수 있는 지원 악기
• 두 번째 솔로 악기(리드 기타, 메인 악기와 상호 작용하는 신디 리드, 드롭 또는 기타 섹션에 사용되는 다른 멜로디 악기)
• 패드, 효과, 타악기 및 음악에 질감과 분위기를 추가하는 기타 요소가 포함된 필러.

유쾌하고 응집력 있는 음악을 쓰기 위해서는 모든 부분이 동일한 조로 구성되어야 하며 불협화음을 피해야 합니다. 두 악기가 삼중음이나 7도와 같은 불협화음 간격을 동시에 연주하면 귀에 불쾌감을 줄 수 있습니다. 그러나 특정 스타일과 맥락에서 단일 악기로 연주하는 경우 이러한 간격은 훌륭하게 들릴 수 있습니다. 또한 리듬의 혼란도 피해야 합니다.

음악을 만드는 것은 작곡가의 상상력에 의해서만 제한되는 악기 라인을 함께 엮는 것을 포함합니다. 악기 간의 대화와 공통 멜로디, 유니슨 연주는 특히 기타와 베이스 사이의 일반적인 기술입니다. 명확한 비트를 만들기 위해서는 베이스 기타가 보컬 멜로디를 부분적으로 반복하고 드럼이 리듬을 주도하는 등 모든 요소를 ​​리듬에 맞게 조정해야 합니다.

음악을 쓸 때 스타일 규범을 고수하는 것이 중요하지만 항상 실험의 여지가 있습니다. 예를 들어, 펑크 베이스는 당김음을 사용하는 것으로 알려져 있으며, 메탈에서는 코드 대신 반복되는 리프가 노래의 패턴을 형성합니다.

효과적인 작곡을 위해서는 음악이론을 이해하는 것이 필수적이지만, 실무적인 맥락에서 배우는 것이 중요합니다. "실신", "약한 박동", "셉티마", "대위법"과 같은 기술 용어는 설명이 필요할 수 있지만 의도적인 연습을 통해 이러한 용어를 숙달하는 것이 지식을 유지하는 열쇠입니다.

노래는 어떻게 만들어지나요?

오늘날에도 작곡은 여전히 ​​어려운 일입니다. 보통 사람에게 있어서 프로세스의 가장 마법적이고 복잡하며 중요한 측면은 구성 자체입니다. 이는 독립적으로 음악을 제작하지 않는 작가의 경우에도 마찬가지입니다. 그러나 실제로는 노래가 폭넓은 청중에게 공개되기 전에 여러 단계의 개선 과정을 거칩니다. 대략적인 아이디어를 다듬는 데는 여러 단계가 필요합니다.

• 작곡;
• 준비;
• 녹음;
• 편집;
• 혼입;
• 마스터링.

이상적인 시나리오에서는 음악을 만드는 과정에 다양한 역할이 관여합니다. 작가는 음악을 쓰고, 편곡자는 편곡을 담당하고, 녹음 엔지니어는 녹음을 담당하고, 보조 사운드 엔지니어는 편집을 담당하고, 믹스 엔지니어는 믹싱을 담당합니다. , 그리고 마지막으로 마스터링 엔지니어가 최종 손질을 합니다. 하지만 실제로는 작가가 직접 편곡하는 경우가 많고, 사운드 엔지니어 한 명만이 녹음, 편집, 믹싱을 담당하는 경우도 있습니다.

작곡 . 음악 작품을 창작한 사람을 작가라고 합니다. 저자는 보컬 멜로디를 만들고 피아노나 기타의 기본 반주를 만드는 일을 담당합니다. 이 단계에서는 다른 사람이 가사를 맡을 수도 있다. 노래의 기초가 확립되면 작성자는 일반적으로 추가 개선을 위해 경험이 풍부한 편곡자에게 초안을 보냅니다.

편곡 . 실제로 음악을 만들 때 가장 마법 같은 부분은 편곡 단계에서 발생합니다. 편곡자는 악기 선택, 하모니 완성, 음악적 아이디어 개발, 전환 및 후크 생성을 담당합니다. 편곡이 완료된 후에야 비로소 음악이 진정으로 영광스럽게 살아나게 됩니다.

녹음 . 최소한 편곡이 끝나면 깨끗한 보컬을 녹음해야 합니다. 라이브 악기로 음악을 작곡한 경우 드럼, 기타, 바이올린, 트럼펫, 그랜드 피아노 및 편곡자가 노래에 포함시킨 기타 악기도 녹음해야 합니다. 이를 위해서는 음악가와 녹음 스튜디오가 모두 필요합니다.

편집 . MIDI 파트를 양자화하는 것은 간단한 과정이지만 마이크 트랙을 다루는 것은 어려울 수 있습니다. 보컬 녹음만 작업하는 경우에도 테이크를 신중하게 선택하고, 타이밍과 볼륨을 조정하고, 피치 문제를 수정하고, 클릭, 팝, 배경음과 같은 원치 않는 소음을 제거해야 합니다.

믹싱 . 모든 트랙이 완벽하게 다듬어지면 사운드 엔지니어가 작업을 시작합니다. 볼륨 레벨을 조정하고 이퀄라이저, 압축기, 새츄레이터 및 리버브를 활용하여 트랙을 처리합니다. 이는 시간이 많이 걸리는 과정이기도 하며 때로는 믹싱이 음악을 작곡하는 것만큼 어려울 수도 있습니다.

마스터링 . 사운드 엔지니어가 여러 트랙 작업을 마치면 마스터링 엔지니어는 완성된 믹스라는 단일 파일을 받습니다. 그들의 임무는 최고급 모니터, 고품질 장비 및 이상적으로 음향 처리된 공간을 사용하여 사운드를 완벽하게 만드는 것입니다.

프로모션 . 이 단계는 음악을 쓰는 과정 자체를 포함하지는 않지만 똑같이 중요합니다. 광고, 프로모션 캠페인, 스트리밍 플랫폼에서의 노래 출시를 위해 일정한 예산을 할당하는 것이 필수적입니다. 적절한 홍보가 없으면 잠재적인 슈퍼 히트조차도 눈에 띄지 않을 수 있습니다. 그러므로 음악 작업을 할 때 이 점을 염두에 두는 것이 필수적이다.

기억해야 할 몇 가지 팁

1. 이론이 당신을 방해하도록 두지 마십시오 . 자신이 충분히 알지 못하거나 필요한 기술이 없다는 생각에 사로잡히지 않는다면 음악 쓰기를 시작하는 것은 간단합니다. 필요한 경우에만 이론을 사용하고 더 많은 지식이 필요하다고 느낄 때 참조하십시오.
2. 좋아하는 노래를 분석해 보세요 . 작곡 능력을 향상시키는 가장 좋은 방법은 히트곡을 분석하는 것입니다. 성공적인 노래 뒤에 숨은 논리를 이해하면 프로처럼 작곡하는 법을 배울 수 있습니다. 인기 있는 트랙을 분류하고 이를 복제하면서 흥미로운 솔루션을 기록해 보세요. 자신의 자료를 작업할 때 성공적인 노래를 참조하는 것도 도움이 될 수 있습니다.
3. 독창성을 위해 노력하십시오 . 많은 사람들은 성공적인 음악 창작자가 몇 가지 보편적인 규칙을 따른다고 믿습니다. 그러나 몇 가지 시대를 초월한 히트작을 살펴보면 각각 고유한 풍미가 있다는 것을 알게 될 것입니다. 그러므로 독창성으로 청중을 사로잡을 무언가를 실험하고 생각해내는 것을 두려워하지 마십시오.
4. 추세를 관찰하십시오 . 인기를 끌 수 있는 음악을 만들기 위해 오늘날 청중의 선호도를 조사해 보세요. 자신의 음악 스타일에 충실하는 것도 중요하지만 오늘날 시장의 청취자들에게 공감을 불러일으키는 것이 무엇인지 찾는 데서 영감을 얻을 수도 있습니다.
5. 쉽게 음악을 작성합니다 . 너무 오랫동안 음악 편곡에 얽매이지 마세요. 신속하게 완료하고 진행 중에 막히지 않도록 노력하세요. 많은 음악가들이 미완성 데모를 완벽하게 만들기 위해 애쓰는 데 어려움을 겪습니다. 완벽주의보다 완성도를 우선시해야 할 때를 아는 것이 중요합니다.

가장 중요한 조언은 조치를 취하라는 것입니다. 음악 이론을 완벽하게 이해하고 값비싼 장비나 플러그인을 구입하기를 기다리지 마십시오. 연습과 경험은 어떤 이론적 지식이나 도구보다 더 많은 것을 가르쳐 줄 것입니다.

스튜디오 모니터가 없으면 헤드폰을 사용하세요. 소프트웨어를 구입할 여유가 없다면 무료 시퀀서를 사용하세요. 이제 컴퓨터를 켜기만 하면 온라인으로 음악 제작을 결국에는 원하는 장비를 얻게 되지만, 그 동안에는 기술을 개발하기 위해 가지고 있는 장비를 사용하는 데 집중하세요. 꿈에 그리던 장비를 얻을 때쯤이면 이미 훌륭한 프로듀서가 되었을 수도 있습니다. 그것은 모두 당신에게 달려 있습니다.