커버곡 만들기

누구나 어떤 노래의 커버 버전을 들어본 적이 있을 것입니다. 이는 예술가가 등장하는 매우 인기 있는 창의적인 방법입니다. 가장 흥미로운 점은 필요하지 않을 수도 있는 일부 유명한 곡이 해당 노래의 원본 버전이라는 것입니다. 탐색하면 노래의 커버로 판명될 수 있습니다. 그렇습니다. 잘 만들어진 표지가 원래 버전보다 더 많은 인기를 얻을 수 있는 것은 매우 흔한 일입니다.

커버는 다른 아티스트가 이미 존재하는 노래를 새롭게 해석한 것입니다. 커버는 자신의 음악적 재능을 드러내는 데 도움이 될 수 있으며 청중에게 추가 콘텐츠를 제공하는 숙련된 아티스트 경력에도 도움이 됩니다.

종종 이미 유명한 노래에 대한 특이한 해석을 들을 수 있으며 그 중 일부는 매우 유명해집니다. 다른 곡들에 비해 커버 수가 엄청나게 많은 곡들이 있어요. 공식적으로는 작가 자신을 제외한 모든 연주자의 거의 모든 노래 연주가 대략적으로 커버의 정의로 요약될 수 있지만 실제로는 모든 것이 그렇지 않습니다. 좋은 표지가 무엇인지, 어떤 요소로 구성되어 있는지 함께 이해하고, 만드는 방법에 대한 몇 가지 팁을 공유해 봅시다.

원칙적으로 노래의 멜로디와 가사는 변하지 않고, 편곡, 악기, 그에 따라 전체적인 사운드가 변합니다. 물론 신인 연주자의 목소리 음색과 노래 방식도 큰 변화를 가져온다. 그건 그렇고, 노래뿐만 아니라 악기 작품에 대한 표지도 있습니다. 이러한 경우 멜로디는 변경되지 않고 편곡과 악기가 변경됩니다. 좋은 커버 버전의 노래를 만드는 데 적용되는 기본 원리와 동일한 법칙은 기악에도 적용됩니다. 그러나 목소리는 예술적 표현과 감정 전달의 매우 강력한 수단이고 개별 사례마다 고유한 악기이기도 하기 때문입니다. , 보컬이 포함된 곡의 커버에 대해 주로 이야기하겠습니다. 먼저 노래가 구성하는 가장 중요한 요소가 무엇인지 파악하세요.

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노래 요소

노래 요소에 약간의 조명을 추가합니다. 모든 노래는 몇 가지 필수 요소로 구성됩니다. D.Gibson은 그의 저서 'The Art of Mixing'에서 노래의 요소 목록을 제공하고 각 요소에 대한 정의를 제공합니다. 우리는 이 정확한 목록을 사용하여 노래 표지를 만드는 맥락에서 검토할 것입니다. 따라서 D.Gibson에 따르면 노래의 가장 중요한 부분은 다음과 같습니다.

• 노래의 컨셉
• 멜로디
• 율
• 조화
• 가사
• 준비
• 수단
• 노래 구조
• 성능
• 녹음 및 녹음 장비의 품질
• 혼합

원곡에서는 이 모든 요소를 ​​제작자가 할 수 있는 최선의 방식으로 실행하는 것이 중요하므로 이 접근 방식은 커버 버전에도 효과적입니다.

믹싱 부분이나 장비의 품질, 녹음 오디오 자체의 품질 측면은 큰 의미를 갖습니다. 예술적 부분 외에도 그 과정에서 주의와 전문적인 접근이 필요한 엄청난 양의 기술적 작업도 포함되어 있습니다. 종종 노래의 저자가 아닌 사람이 처리하고 믹싱한 후에 좋은 믹스가 나오는 경우가 있는데, 이는 작곡의 "신선한" 청취를 유지하는 데 도움이 되기 때문에 아티스트들 사이에서 인기 있는 관행입니다. 그러나 트랙의 최종 믹싱을 직접 만들고 싶다면 이 임무가 며칠 동안 지연될 수 있으며, 이를 통해 "신선하게" 들을 수 있고 최종 버전을 위한 여유가 생길 수도 있습니다.

표지 제작 과정의 최신 기술 요소는 DAW입니다. 다양한 디지털 오디오 워크스테이션 중에서 선택의 폭이 넓습니다. 대부분의 DAW에는 다양한 악기와 도구가 있기 때문에 DAW의 편리성과 처리 능력은 작업 속도를 높이고 창의성을 발휘할 수 있는 기회를 제공합니다. Amped studio는 보컬 녹음, 편곡, 악기 다중화, 다양한 효과 등 어떤 것도 필요하지 않고 편리하며 대부분의 고정 DAW가 갖고 있는 일련의 기능을 갖춘 온라인 DAW입니다. 지금 바로 커버곡 만들기를 시작해 보세요.

곡의 구조는 원곡과 다를 수 있습니다. 때로는 노래의 커버 버전에서 일부 후렴구가 없다는 것을 알 수 있거나 추가 대사나 다른 노래의 인용문을 찾을 수 있습니다.

가사와 멜로디는 그대로 유지됩니다. 멜로디는 상대방의 목소리 음색과 테시투라에 따라 노래하기 편리한 키로 조옮김될 수 있습니다.

커버 버전의 리듬은

노래 스타일은 변경될 수 있습니다. 예를 들어, "Heavy Metall" 스타일의 팝송 커버 버전을 만들거나 "힙합" 트랙을 라운지 버전으로, 클래식 합창 노래를 "더빙 테크노"로, "Grange" 노래를 "Ethnic"으로 변환합니다. ” 스타일 – 어떠한 제한도 없으며 단지 아티스트의 창의적인 목표일 뿐입니다. 작곡의 스타일은 드럼과 베이스 부분에 따라 결정되는 경우가 많기 때문에 이 부분에 주의를 기울이는 것이 필수적입니다.

리듬섹션, 대위법, 형상화 등 편곡의 모든 요소는 취향과 작업에 따라 변경될 수 있습니다. 원곡에서 사용된 서브 보이스 및 대위법(메인 멜로디 아님)의 멜로디 변형은 물론, 멜로디와 리듬을 보완하는 새로운 파트의 추가도 허용됩니다.

커버 버전의 템포는 원곡의 템포와 다를 수 있으며 트랙 스타일과 리듬에 직접적으로 영향을 받습니다.

조화 는 때때로 분쟁의 대상이 됩니다. 원래의 조화를 그대로 유지하거나 변경합니다. 화성이 바뀌는 경우도 있고, 원곡 그대로 완전히 유지되는 경우도 있습니다.

조화가 커버의 조정이 확실히 필요한 것이지만 전체적인 변경을 적용하고 싶지 않은 경우 단순히 기능의 가치를 보존하는 것이 좋습니다. 예를 들어, 토닉의 기능은 평행 장조 또는 단조, 하위 도미넌트(음조의 IV 단계 및 3화음 및 7화음뿐만 아니라 VI 또는 II 단계에 구축된 3화음 또는 7화음)로 대체될 수 있습니다. 딸림음 - 5번째 단계뿐만 아니라 III 또는 VII 단계를 기반으로 하는 3화음과 7번째 코드도 포함됩니다.

계측은 표지 작성자의 창의적인 조작을 위한 다음 부분입니다. 풍부한 편곡 중 하나 또는 두 개의 악기로 최소한의 트랙을 만들거나 최소한의 악기 세트로 "투명한 편곡"을 인간이 가청 범위의 가능한 모든 주파수에 위치한 전체 범위의 악기를 포함하는 편곡으로 리메이크합니다.

어쨌든 악기 사용은 표지 작성자의 목표뿐 아니라 배열, 취향, 선호도에 따라 달라집니다. 도구를 변경하면 전체 개념에 큰 영향을 미칠 수 있습니다. 결국, 예를 들어 기타로 연주되는 반주는 피아노 반주와 소리가 매우 다릅니다.

연주는 노래의 커버 버전에 매우 중요하고 중요합니다. 노래에 관해 말하자면, 목소리는 감정적이고 예술적인 수단일 뿐만 아니라 의미론적, 개념적 전달을 전달하는 수단이 됩니다.

개념이 앞으로의 운명을 결정짓는 기반이 될 것이다. 이를 예를 들어 시와 같은 문학 작품의 외국어 번역과 비교할 수 있습니다. 좋은 번역은 단순히 표면 위를 걷고 일반적인 아이디어를 전달하는 것이 아니라 작품의 저자가 느꼈던 것과 동일한 감정적 깊이에 몰입하는 것을 포함합니다. 창조의 시간. 이 깊이에서 저자는 자신의 언어로, 번역자는 자신의 언어로 "출현"합니다. 노래의 커버는 어쩐지 번역을 연상시킨다. 따라서 커버 컨셉 작업을 시작하기 전에 다음 질문에 답해 보세요. 노래를 만들 당시 노래의 작성자는 어느 정도 깊이에 있었으며 그러한 상태에 대해 잘 알고 있습니까? 이러한 세부 사항에 대한 관심은 예술적 본성을 창조하고 육성하는 데 있어 중요한 단계입니다. 청중은 항상 아티스트가 노래하는 내용에 대한 거짓 공감과 실제 공감의 차이를 듣고 듣고 느끼고 알고 있습니다.

노래 선택

물론 커버 버전의 경우 대부분의 경우 아티스트가 눈길을 끌 수 있고 흥미로운 노래를 선택하는 것이 일반적입니다. 따라서 커버를 만들기로 결정했다면 소름이 돋을 만큼 신나고, 느껴지고, 공감하고, 자신만의 방식으로 연주하고 싶은 노래를 선택하세요. 가장 기발한 아이디어와 실험에 기회를 주세요.

결국 우리는 모든 사람이 독특하다고 말해야합니다. 어떤 노래나 단순한 악기 트랙의 아름다움은 다른 아티스트처럼 노래하거나 악기를 연주하는 방식을 복사하는 것이 아니라 자신의 감정, 표현 및 깊이를 찾는 데 있습니다. 기술적 측면은 종종 아이디어를 따르는 것입니다.