멜로디의 종류

음악은 멜로디로 구성됩니다. 7개의 표준 음표가 있지만 수억 개의 모티프 중 하나도 반복되지 않습니다. 이것이 어떻게 가능한지? 그것은 멜로디의 특징과 유형에 관한 것입니다. 사실 그것은 음악이나 트랙에 담긴 멜로디적인 느낌입니다. 각 사람은 독특하고 자신의 방식으로 느낍니다. 그래서 음악적 표현력이 천차만별이다.

누구나 자신만의 멜로디를 작곡할 수 있습니다. 누군가를 반복하지 않고 멜로디를 비슷하게 만들면 동기가 독특해질 것입니다. 이러한 창의성은 예외 없이 모든 사람이 사용할 수 있습니다. 전문가인지 아마추어인지는 중요하지 않습니다.

음악은 무엇으로 만들어지나요?

음악 – 음조로 구성된 특정한 소리 순서입니다. 악기와 현대 기술 수단을 사용하여 음을 연주합니다. 음악은 시간(속도)과 공간(고도)이라는 두 가지 일반적인 특성으로 구성됩니다.

각 트랙마다 소리가 다릅니다. 왜 그런지 궁금해하셨나요?

음악을 듣는 과정에서 발생하는 정서적 접촉의 모든 문제. 그 영향은 크다. 물리학의 관점에서 보면 소리 자극입니다. 그러나 멜로디 트랙에 짜증을내는 것이 얼마나 좋은지.

학교에서 우리는 음악이 음표로 구성되어 있다고 배웠습니다. 그리고 실제로 그렇습니다. Guido Aretinus로 간주되는 고층 사운드의 창시자 – XI 세기에 살았던 이탈리아 수도사. 그는 또한 악보와 종이에 그래픽 지정 방법을 발명했습니다.

실제로는 더 많은 메모가 있습니다. 단 하나의 피치(옥타브)에만 7개가 있습니다. 이것은 불협화음이 없는 소리의 집합입니다. 간단히 말해서, 특정 그룹의 음표는 선율적이고 조화로운 소리를 재생합니다.

멜로디란 무엇입니까?

이야기는 문장, 단어, 문자로 구성됩니다. 노래는 멜로디, 옥타브, 사운드로 구성됩니다.

멜로디는 조화롭고 조화롭게 결합된 일련의 소리입니다. 음악에서 가장 중요한 요소는 형식이다. 기억에 남는 노래를 흥얼거리더라도 어쨌든 멜로디가 연주됩니다. 머리에서 '버릴' 수 없는 모티브는 끈질긴 멜로디라인이자 기억에 남는 요소다.

머리 속에서 회전하는 히트곡이 갑자기 나타난다고 생각한다면, 그렇지 않습니다. 작곡가와 프로듀서는 이러한 트랙을 신중하게 고려합니다. 단순하고 경쾌하며 잘 기억되고 기억에서 재생되는 멜로디 때문입니다.

노래가 있고 멜로디가 있습니다. 차이점은 무엇입니까?

우리는 이것이 서로 다른 정의라는 것을 트랙의 예를 사용하여 보여주려고 노력합니다. 멜로디는 원칙적으로 음악 작곡의 일부입니다. 노래 뼈대 전체를 매달아 놓은 일종의 막대. 노래 전반에 걸쳐 드럼, 보컬, 베이스, 다양한 악기, 이펙트, 샘플러가 있습니다. 모두 일제히 소리가 납니다. 이 모든 요소가 서로 연결되어 있는 멜로디 덕분입니다.

멜로디는 음악적 표현의 완성도, 멜로디 전환의 완성도 측면에서 단순한 톤 세트와 다릅니다. 짧은 음악 프레이즈를 더하면 더 길어집니다. 문구 자체는 두 가지 미터법 단위로 지속되는 두 가지 주제의 구성입니다.

구조적으로 멜로디는 여러 요소로 구성됩니다.

1. 피치(특정 사운드 세트의 조합 – 대부분 소량)
2. 범위(가장 낮은 톤과 가장 높은 톤 사이의 거리)
3. 윤곽(연속적인 멜로디 요소의 형태: 프레이즈, 호);
4. 간격(반음으로 측정, 특정 키의 첫 번째 음표까지의 거리 – 강장제).

음악의 장르, 리듬, 하모니, 역동성, 사운드 및 기타 특성은 멜로디의 유형에 따라 다릅니다. 가수나 음악가가 특정 키로 엄격하게 멜로디를 연주할 수 있다는 말을 들어보셨을 것입니다. 범위가 좁을수록 재현이 더 쉽다고 믿어집니다. 그러나 비표준적이고 독창적이며 복잡한 멜로디로 인해 청취자에게는 더 넓은 범위가 잠재적으로 더 흥미로울 수 있습니다.

다양한 멜로디 유형

많은 음악 장르가 있습니다. 그러나 여러 유형의 멜로디를 모두 구별할 수 있습니다. 다른 말로, 우리는 그러한 동기를 멜로디 악장이라고 부를 수 있습니다. 전문가들은 소위 단일 사운드 스트림을 정의합니다. 멜로디 라인에는 특정한 유사점이 있습니다. 영적 및 정서적 움직임과 유사하게 기복이 있으며 높은 소리와 낮은 소리 사이를 이동합니다. 이러한 방향은 선율적인 움직임입니다. 다음은 몇 가지 주요 내용입니다.

수평 이동

프레데리크 쇼팽(Frederic Chopin)은 멜로디의 수평적 움직임을 대표하는 가장 유명한 사람 중 한 명으로 간주됩니다. 멜로디 라인의 특징은 코드가 자주 바뀌면서 반복되는 사운드입니다. 따라서 끊임없는 단조로움을 피하기 위해 소리를 다양화할 수 있습니다. 수평적인 움직임이 있는 멜로디를 분석하면 날카로운 전환과 전개가 없다는 것이 주요 특징이 될 것입니다. 우리는 민요에서 이러한 모티브를 자주 발견할 수 있다.

물결치는 멜로디

부드러운 움직임과 대조적으로 기복이 심한 사운드와 톤 점프의 조합이 돋보입니다. 멜로디는 위아래로 특정한 진보적인 움직임을 따릅니다. 날카로운 파손이 없습니다. 따라서 이러한 음파는 모티브에서 구별될 수 있다. 음악가들은 이 기법 덕분에 작곡의 차분하고 체계적인 발전을 이룰 수 있습니다. 이는 전문 프로덕션, 팝 음악, 민속 음악에서 볼 수 있는 매우 인기 있는 멜로디 악장입니다. Ludwig van Beethoven은 고전 중에서 구별될 수 있습니다.

상승 운동

상승하는 움직임의 멜로디는 높은 소리가 많이 존재하는 것이 특징입니다. 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach)에는 그러한 작품이 많이 있습니다. 작곡가는 이 기술을 사용하여 정서적 긴장과 고양을 달성합니다. 그러나 그러한 상승 움직임이 모두 에너지와 직접적으로 관련된 것은 아닙니다. 오히려 작곡의 전반적인 감정 상태에 관한 것입니다.

하강 운동

반대로 하강하는 멜로디에서는 감정의 방출이 나타나고 긴장감이 감소합니다. 이러한 유형의 멜로디를 사용하는 작곡가의 임무는 듣는 사람에게 균형감과 평온함을 불러일으키는 것입니다. 특히 중간 레지스터의 경우. 작곡가들은 낮은 음역으로 작업할 때 주의합니다. 과도한 열정으로 인해 무겁고 슬픈(심지어 슬픈) 배경을 쉽게 얻을 수 있기 때문입니다. 단순함과 편리함을 위해 하강 움직임이 있는 노래가 보컬 파트에 사용되는 경우가 많습니다.

점프가 있는 멜로디

점프하는 움직임이 있는 멜로디는 감정적인 배경과 사운드 면에서 활력이 넘치는 작곡이다. 대부분 빠르게 진행되는 노래와 멜로디 모티프입니다. 점프는 좁고 넓습니다. 첫 번째 경우에는 기기 수가 상대적으로 적고 단조롭습니다. 와이드 점프는 다양한 범위의 악기 음악을 사용합니다. 표트르 일리치 차이콥스키에는 리드미컬한 멜로디와 움직임이 충분합니다.

시퀀스가 있는 멜로디

시퀀스는 다양한 규모의 테마에서 음악적 요소를 반복하는 것입니다. 이러한 반복은 작곡의 논리적이고 계획적이며 일관된 플레이를 위해 수행됩니다. 이 멜로디에서는 위에서 설명한 다른 유형의 일부 차용도 사용할 수 있습니다. 순차적인 멜로디 움직임을 지닌 작곡은 루트비히 판 베토벤(Ludwig van Beethoven)과 다른 작곡가들에게서 발견됩니다.

멜로디 악장에 관계없이 모든 멜로디는 정점이 있다는 특징이 있습니다. 이것은 사운드 주파수 증가, 역학 강화, 음조 전환 사용, 파도, 오름차순 및 내림차순 억양과 같은 특정 기능이 특징 인 개발의 가장 높은 지점입니다.

모드: 마이너, 메이저

모드는 안정적이고 불안정한 사운드를 상호 연결하는 시스템입니다. 가장 일반적인 모드는 마이너 모드와 메이저 모드입니다. 특징, 구조, 다양한 특성 측면에서 미성년자는 전공과 심각하게 다릅니다. 첫 번째는 더 차분하고 균형 잡힌 사운드가 특징입니다. 종종 그들은 청취자에게 슬픔, 슬픔, 낭만적 인 분위기의 감정을 불러 일으키기 위해 그것에 의지합니다. 반대로 Major는 명랑하고 즐겁고 삶을 긍정하는 소리와 관련이 있습니다.

다양한 유형의 멜로디에서 모드는 소위 사운드 스케일과 단계를 조절하는 데 사용됩니다. 토닉이라고 불리는 시리즈의 첫 번째 단계가 가장 중요합니다. 마이너 모드와 메이저 모드는 세상에서 가장 흔한 모드이기 때문에 연주자에게는 마이너 모드와 메이저 모드를 이해하고 분류하는 것이 중요합니다. 그러나 문제는 이 두 가지 모드에만 국한되지 않습니다. 펜타토닉, 재즈 즉흥 연주, 교회 및 기타 여러 모드가 눈에 띕니다. 그것들은 특정 문화적 전통, 특정 지역의 음악적 특징에 특징적이고 내재되어 있습니다. 작곡가는 다양한 목적으로 인위적으로 만들 수 있습니다.

조화와 질감

동일한 기타로 여러 사운드를 연주하는 경우 짧은 멜로디 코드가 나올지 전혀 확신할 수 없습니다. 멜로디가 얼마나 조화로운지를 결정하는 것은 코드 진행과 사운드 조합(시퀀스 포함)입니다. 음악가들은 음악원에서 공부하는 별도의 학문 분야(하모니)도 있습니다.

외부 청취자에게 음악적 조화는 음악이 얼마나 선율적이고 아름답게 들리는가를 의미합니다. 건축학적으로 조화를 이루고 톤이 적절하며 감정적인 색상 사운드가 일관됩니다. 그러한 유포니는 질감이다. 모드, 사운드, 톤 및 코드의 음악 영역에서의 일종의 순서입니다.

레지스터와 음색

단순화된 형태로 등록하는 것은 음악 범위로 간주됩니다. 예를 들어, 이와 관련하여 가장 표현력이 뛰어난 악기 중 하나는 피아노입니다. 세 가지 주요 레지스터 클래스를 제공합니다.

• 낮은;
• 가운데;
• 높은.

저음역에서는 소리가 약간 뭉개지고 특징적이고 다소 무거운 톤이 나타납니다. 여기에는 베이스 악기(및 베이스 보컬)가 포함됩니다. 인간의 보컬을 중간 음역과 연관시키는 것이 관례입니다. 대부분의 음악 작품에 편리하고 많은 사람(바리톤)의 특징이라고 여겨집니다. 고음역(테너)은 해당 음색의 사운드 색상(경쾌함, 가벼움)이 특징입니다. 소수의 악기만이 모든 레지스터를 결합합니다. 따라서 피아노는 오랫동안 음악을 창조하는 작곡가들의 변함없는 동반자였습니다.

리듬 패턴과 템포

리듬은 음악의 템포와 관련이 있습니다. 즉, 소리의 속도는 특정 지속 시간의 시퀀스 비율입니다. 음악 장르(및 유형)는 주로 리듬과 연관되어 있습니다. 리드미컬하고 높을수록 디스코, 하우스, 테크노와 같은 장르의 경향이 커집니다. 가장 많이 측정되는 리듬은 왈츠에서 발견됩니다. 행진에는 강한 악센트가 있습니다. 두 경우 모두 리듬이 명확하고 일관됩니다. 반대로 재즈 작곡에서는 리듬이 암시적이고 다양합니다. 빠른, 중간, 중간 템포가 있습니다.

스트로크

스트로크는 소리의 변형입니다. 악기의 특징인 사운드 추출 옵션입니다. 음을 연주하는 방법은 셀 수 없습니다. 넓은 의미에서 소리를 추출하고 조성(모드)이 적용되는 모든 것을 멜로디로 접어 넣을 수 있습니다. 그래서 악기가 너무 많아요. 스트로크는 분류에 따라 현악기, 현악기, 관악기, 피아노로 구분됩니다. 그러나 이 일반적인 분류는 많은 도구를 대표하지 않습니다.

역학

멜로디의 강약은 소리의 강도와 크기를 나타냅니다. 특정 이미지를 전달해야 할 때 그것 없이는 할 수 없습니다. 서정적인 순간에는 역동성이 필요하지 않습니다. 반대로 행진에서는 최고 수준의 표현력을 얻습니다.

멜로디 쓰기에 대한 제안

멜로디는 사람이 만들어내는 독특한 소리입니다. 그것은 멜로디 모드와 톤의 예술적 시퀀스입니다. 모든 사람은 자신의 재량에 따라 진정한 걸작이 될 멜로디 사운드 시퀀스를 만들 수 있습니다.

주요 멜로디 유형을 연구한 후 멜로디 작성에 대한 몇 가지 일반적이고 구체적인 팁에 주의를 기울이십시오.

1. 끊임없이 새로운 지식과 음악적 경험을 습득하십시오.
2. 멈추지 마; 계속해서 쓰고 연습하세요.
3. 실험하는 것을 두려워하지 마세요.
4. 특정 장르의 특성을 고려하십시오. 다양한 장르의 대표자들과 협업
5. 특정 음악적 요소에만 자신을 제한하지 마십시오. 많은 작품이 최대한 대조됩니다.
6. 마음에서 우러나오는 멜로디를 만들어 보세요. 누구를 기쁘게 하려고 하지 마십시오. 당신 자신에게도;
7. 큰 부품보다 짧은 스케치를 만들고 수정하는 것이 더 좋습니다.
8. 즉석에서 더 많은 것을 만들어 보세요. 그러한 영적 충동으로부터 의미 있는 구성이 탄생합니다.
9. 오직 나쁜 작곡가만이 자신의 악기를 비난합니다.
10. 중요한 것은 무엇을 사용하는가가 아니라 어떻게 사용하는가입니다.