음악 관리

뮤직 매니저가 되려면 어떻게 해야 하나요?

"거리 밖에서" 뮤직 매니저라는 직업에 뛰어들 수는 없습니다. 음악 업계와의 인맥, 음악에 대한 깊은 이해, 청중 선호도에 대한 지식이 필요합니다. 경험이 없다면 신예 아티스트부터 시작해 보세요. 많은 경우 친구나 지인, 다른 뮤지션이 추천하는 사람을 매니저로 고용합니다. 또 다른 방법은 전문가로부터 배워서 관계를 구축하고, 필요한 지식을 얻고, 아티스트를 알아가는 것입니다. 이를 통해 나중에 업계에서 정규직으로 취업할 수 있습니다.

아티스트 팀은 어떻게 구성되나요?

아티스트의 개인 매니저는 뮤지션 자신과 소통하고 팀 전체의 작업을 조율하는 핵심 인물이다. 작업을 직접 수행하든, 다른 사람에게 위임하든 상관없이 그의 주요 역할은 아티스트와 다른 모든 팀원을 연결하는 것입니다.

프로듀서는 음악 자료를 담당합니다. 아티스트의 규모에 따라 여러 명의 프로듀서가 있을 수 있으며, 각 프로듀서는 트랙 마무리, 편곡, 앨범 내 노래 배치 및 기타 측면을 담당합니다. 러시아에서는 프로듀서가 재료를 믹싱하는 사운드 엔지니어인 경우가 많습니다.

마케팅 관리자는 홍보 자료 보내기, 미디어 작업, 활동 조직, 소셜 네트워크 유지 및 청중과의 상호 작용 등 모든 디지털 플랫폼에 참여합니다. 그의 임무는 음악을 홍보하고 아티스트의 인기를 높이는 것입니다.

표적학자는 소셜 네트워크에 광고하는 일을 담당합니다. 그는 대상 청중을 정의하고, 광고 캠페인의 효과를 분석하고, 음악을 홍보하는 최선의 방법을 결정합니다.

콘서트 디렉터는 쇼를 조직하고 투어 전략을 개발하며 콘서트의 수익성을 보장합니다.

변호사는 팀에 없어서는 안 될 구성원입니다. 그는 레이블과의 계약을 확인하고, 콘서트를 위한 문서 작성을 돕고, 저작권 문제를 이해하고, 법적 문제에 대한 조언을 제공하는데, 이는 발생할 수 있는 문제를 예방하는 데 특히 중요합니다.

회계사는 세금 및 재무보고를 담당합니다.

뮤지션에게 매니지먼트가 필요한 이유는 무엇일까?

아티스트 관리는 기능과 역할에 따라 다양한 전문가가 참여하는 복잡한 프로세스입니다. 아티스트의 요구 사항이 증가함에 따라 이러한 요구 사항을 충족할 수 있는 새로운 사람들이 그의 팀에 추가됩니다. 음악가가 이제 막 경력을 시작하는 경우 개인 관리자가 모든 역할을 직접 수행하거나 아티스트가 자체 관리에 참여할 수 있습니다.

매니저는 아티스트와 외부 세계 사이의 중개자 역할을 하며 아티스트의 음악, 이미지, 콘서트 리소스를 관리합니다.

음악 자원에는 노래 창작, 음반 녹음 및 제작이 포함됩니다. 관리자는 아이디어부터 트랙의 완성된 마스터 사본까지 모든 단계에서 이 리소스를 사용하여 작업합니다.

이미지 리소스는 팬층, 아티스트의 공개 이미지, 미디어에서 그에 대한 관심에 관한 것입니다. 매니저는 이 리소스를 개발하여 음악가의 인기를 높이는 데 기여합니다.

콘서트 리소스는 단독 콘서트부터 프로모션 이벤트까지 다양한 행사의 공연과 연관되어 있습니다.

모든 아티스트에게 매니저가 있나요?

전부는 아닙니다. 야심 찬 아티스트는 주요 임무가 음악을 쓰고 연주하는 것이기 때문에 모든 것을 스스로 수행하는 경우가 많습니다. 음악을 제품으로 바꾸고 시장에 출시하려면 관리자가 필요합니다. 아티스트와 관객, 그리고 음악산업의 세계를 연결해주는 사람입니다. 음악가는 일반적으로 이러한 모든 작업을 수행할 시간이 충분하지 않습니다.

관리자에게 필요한 자질은 무엇입니까?

아티스트 매니저는 다양한 업무를 처리할 수 있는 제너럴리스트여야 합니다. 계약서를 확인하고, 사운드에 대한 피드백을 제공하고, 브랜드와 팬 모두와 소통할 수 있어야 합니다. 전문 변호사일 필요는 없지만 법적 뉘앙스를 이해하고 전문가의 업무를 감독하는 것이 중요합니다.

독립성은 관리자의 핵심 자질입니다. 음악가는 자신의 매니저가 정확히 무엇을 해야 하는지 알지 못하는 경우가 많으므로 여기서는 주도권 부족과 수동성이 용납되지 않습니다. 또한 매니저는 음악 산업에 정통하고 스트리밍 문제, 저작권, 프로모션 및 기타 작업 측면을 이해해야 합니다. 다른 전문가에게 업무를 위임한다면 그는 그 업무를 아주 세세한 부분까지 이해해야 합니다.

한 명의 관리자인가, 아니면 팀인가?

대부분의 초보 아티스트에게는 모든 책임을 맡는 관리자가 한 명 있습니다. 뮤지션의 인기가 높아짐에 따라 멤버 각자가 자신의 역할을 맡은 팀을 갖게 될 수도 있습니다. 예를 들어, 이미 많은 청중을 보유하고 있는 성공적인 공연자들은 별도의 투어 매니저를 두는 경우가 많습니다. 메이저 레이블과 계약한 아티스트의 경우 일반적으로 레이블과 개인 관리자가 함께 작업하는 하이브리드 관리 옵션이 사용됩니다.

아티스트의 포지셔닝을 파악하는 것이 왜 중요한가요?

명확한 아티스트 포지셔닝이 성공의 기초입니다. 예술가는 자신이 어떤 청중에게 연설하고 있는지 이해하고 명확한 메시지를 전달해야 합니다. 포지셔닝은 그들의 성격과 일치해야 합니다. 겸손한 사람을 대담한 록스타로 만들려고 시도할 수는 없습니다. 이는 부자연스러워 보일 것입니다.

릴리스에도 동일하게 적용됩니다. 매니저는 앞으로 나올 싱글이나 앨범의 분위기를 평가하고, 아티스트가 청취자들에게 전달하고 싶은 것이 무엇인지 이해하고, 시각적 요소가 음악과 얼마나 일치하는지 확인해야 합니다. 엄청난 양의 새로운 음악이 나오는 상황에서는 제품의 경쟁력을 높이는 것이 중요합니다. 관리자는 아티스트를 군중 속에서 돋보이게 만드는 방법을 찾아야 합니다. 이는 특이한 포지셔닝, 소셜 네트워크에서의 창의적인 솔루션 또는 관심을 끌 수 있는 밝은 이미지일 수 있습니다. 잘 발달된 포지셔닝은 음악 산업의 치열한 경쟁에도 불구하고 음악가가 자신의 틈새 시장을 찾고 청중의 관심을 유지하는 데 도움이 됩니다.

아티스트의 음악으로 돈을 벌 수 있는지 어떻게 알 수 있나요?

어렵다. 물론 한 트랙에서 아티스트가 상업적으로 성공할 수 있는지 판단하는 매니저도 있지만, 그러기 위해서는 많은 경험이 필요하고, 시장과 관객에 대한 좋은 이해도 필요하다. 대부분의 경우 작업 과정에서 이해가 이루어집니다. 이 기간 동안 그녀는 관객 증가의 역학, 아티스트에게 제공될 공연 수수료, 콘서트 티켓 판매 수 및 광고주의 관심을 살펴보라고 조언합니다. 관객이 늘지 않고, 광고주들이 꺼리고, 티켓이 잘 팔리지 않는다면 프로모션 전략을 수정하거나 아티스트와 헤어져야 합니다.

관리자가 음악 리소스를 활용하는 방법

많은 아티스트가 독립적으로 음악 리소스를 사용하여 작업하며 관리자가 이 프로세스에 참여하는 것을 원하지 않습니다. 때때로 매니저의 역할은 스튜디오를 예약하거나 노래 비트를 구매하는 것뿐이지만, 매니저가 창작 과정에 더 적극적으로 참여하는 상황도 있습니다. 마감일을 정하고, 편안한 조건을 조성하며, 격려와 합리적인 비판 사이의 균형을 찾습니다. 아티스트의 음악 자원을 다룰 때 관리자는 클라이언트가 얼마나 독립적인지, 어떤 종류의 도움이 필요한지 이해하는 것이 중요합니다. 아티스트와의 개인적인 작업은 때때로 심리학자의 작업과 유사합니다. 음악을 쓰는 것은 직업 윤리를 유지하는 것이 중요한 첫 번째 과정입니다. 소재 작업을 할 때 작가는 가장 취약한 상태에 있다. 음악가에게 영감을 주고 도와주어야 합니다. 아티스트에게 편안함을 선사하는 것은 매우 중요합니다. 당신은 항상 그들의 편이라는 것을 기억하십시오. 그들이 완전히 틀렸더라도 대화는 지원으로 시작되어야 합니다. 동시에 자신의 소진을 방지하는 것이 중요합니다. 관리자는 작업 일정과 상호 작용 규칙을 도입해야 합니다.

좋아요, 그럼 얼마나 벌 수 있나요?

아티스트에게 매니저가 한 명 있는 경우 일반적으로 그는 뮤지션 수수료의 일부(보통 10-20%)를 받고 일합니다. 공연자에게 팀이 있으면 수익 창출 방식이 더 복잡해질 수 있습니다. 어떤 경우에는 아티스트의 수수료가 아무리 크더라도 뮤지션의 전체 팀에 나누어집니다. 다른 경우에는 일부 직원은 고정된 비율을 받고 일부는 소득의 일부를 받습니다. 예를 들어 투어매니저는 콘서트 수입의 일부를 받고, 언론사 에이전트(미디어 및 광고주와의 소통을 담당하는 사람)는 급여를 받는다.

좋아요, 어디서 일을 시작할까요?

관리자의 첫 번째 임무 중 하나는 소셜 네트워크, 미디어, 스트리밍 서비스 등 가능한 많은 플랫폼에 아티스트의 음악을 배포하는 것입니다. 추천 시스템을 통해 아티스트의 음악을 홍보하고 주요 재생 목록에 포함시켜 음악가가 새로운 청중을 확보하는 데 도움을 줄 수 있습니다. 스트리밍 파트너와 협력하기로 합의하고 자신의 아티스트를 홍보해야 하는 이유를 설명하는 것이 바로 매니저의 몫입니다.

프로모션 릴리스 작업을 구성하는 방법

다가오는 출시에 대한 프로모션 준비는 출시일 훨씬 이전에 시작되어야 합니다. 이를 통해 미디어는 자료에 익숙해지고 관리자는 음악 서비스와 접촉하고 다양한 플랫폼에 필요한 모든 정보를 준비할 수 있는 기회를 얻을 수 있습니다. 각 유통업체에는 프로모션 신청에 대한 자체 요구 사항이 있으므로 지연을 방지하려면 미리 해당 요구 사항을 숙지하는 것이 중요합니다. 프로모션 캠페인 과정에서 타겟 광고 및 광고 시드와 같은 도구가 사용되어 타겟 고객에게 다가가는 데 도움이 됩니다.

비록 전통적인 미디어가 청취자에게 미치는 영향력이 더 이상 예전만큼 크지는 않지만 언론, 블로그, TV 채널, 라디오를 무시해서는 안 됩니다. 예를 들어, 라디오 방송국에서는 특히 댄스나 팝 음악 장르의 트랙에 대해 Shazam의 수를 크게 늘릴 수 있습니다. 각 리소스는 고유한 이점을 제공할 수 있으므로 이를 최대한 활용하는 것이 중요합니다. 더욱이 미디어는 작가 스스로 형성하기 어려운 이미지를 만들어 낼 수 있다.

아티스트는 Instagram, TikTok, YouTube 등 모든 플랫폼을 포괄하는 콘텐츠 계획을 가지고 있어야 합니다. 커버 콘테스트 등 소셜 네트워크를 통한 팬 활동을 진행해 관객들의 관심을 유지하는 것도 중요하다. 팬층과 지속적인 상호 작용이 없으면 점차 줄어들 수 있습니다. 예술가가 더 유명할수록 창의성을 발휘할 기회가 더 많아집니다. 월드스타라면 대규모 프로모션과 특별 프로젝트를 감당할 수 있지만, 음악가 지망생 역시 이런 방향으로 발전해야 한다. 큰 명성이 없더라도 틈새 특별 프로젝트에 참여하고, 주제별 편집을 녹음하고, 흥미로운 DJ와 함께 라이브 버전이나 리믹스를 만들 수 있습니다.

콘서트를 조직하는 방법은 무엇입니까?

신진 아티스트의 매니저가 독립적으로 콘서트를 조직하는 기술을 습득하는 것이 중요합니다. 이 프로세스에는 네 가지 주요 단계가 포함됩니다.

1. 행사의 목적과 청중을 정의합니다. 잠재 시청자가 누구인지 이해하면 올바른 홍보 전략을 더 잘 준비하고 선택하는 데 도움이 됩니다.
2. 장소 선택. 장소는 행사 규모와 관객의 기대에 부합해야 합니다.
3. 견적을 계산하고 티켓 가격을 결정합니다. 이 단계에는 아티스트와 관객 모두에게 이익이 되는 모든 비용을 계산하고 티켓 가격을 설정하는 단계가 포함됩니다.
4. 홍보 캠페인을 실시합니다. 여기에는 소셜 네트워크에 대한 공지, 미디어 뉴스, 포스터 및 전단지 인쇄가 포함됩니다.

콘서트를 조직할 때 무엇을 찾아야 할까요?

스트리밍 시대를 맞이하여 콘서트 산업은 많은 변화를 겪었습니다. 음악은 쉽게 접근할 수 있고 프로모션은 거의 즉각적으로 이루어지지만 이것이 콘서트에서의 성공을 보장하지는 않습니다. 예를 들어, 트랙이 입소문을 낼 수 있지만 이것이 아티스트가 라이브 공연에서 많은 청중을 모을 수 있다는 것을 의미하지는 않습니다. 반대로 스트리밍에서 그다지 인기가 없는 록 밴드는 대규모 홀을 유치할 수 있는 반면, 수백만 곡의 연극을 보유한 댄스 및 랩 히트작가는 라이브 쇼에서 소수의 청중만 모을 수 있습니다.

콘서트 광고는 음반 광고와 동일한 원칙을 기반으로 합니다. 관리자가 효과적으로 광고 캠페인을 설정하고 티켓 판매를 보장할 수 있는 신뢰할 수 있는 계약자를 찾는 것이 중요합니다. 콘서트는 또한 상품을 판매할 수 있는 좋은 기회를 제공하며 관리자는 사전에 현장에서 상품 배송 및 판매를 준비해야 합니다. 투어를 계획할 때 관리자는 모든 세부 사항을 고려해야 합니다. 물류를 고려하고, 투어 일정을 만들고, 가구 및 기술 라이더를 신중하게 작성하고, 아티스트의 편안함과 비용 간의 균형을 유지하고, 티켓 시스템을 연구하고 구축합니다. 티켓 판매 과정.

콘서트와 음반 배포 – 그게 전부인가요?

물론 그렇지 않습니다. 음악 매니저의 업무는 콘서트를 조직하고 음반을 배포하는 데만 국한되지 않습니다. 활동의 중요한 부분은 브랜드와의 협력, 후원 프로젝트 참여 및 협업입니다. 오늘날 브랜드들은 협력할 아티스트를 적극적으로 찾고 있으며, 이들에게 홍보대사가 되거나 다양한 플랫폼의 페스티벌이나 특별 프로젝트에 참여할 것을 제안하고 있습니다. 돈을 버는 또 다른 방법은 영화, 텔레비전 또는 광고에 사용할 트랙을 판매하는 것을 포함하여 음악 라이센스를 얻는 것입니다. 이 경우 관리자는 음반 출판사 및 변호사와 효과적으로 협력할 수 있어야 합니다.

아티스트와 어떻게 소통하나요?

예술가와의 소통은 전문성의 원칙에 기초해야 합니다. 발생할 수 있는 갈등을 피하기 위해서는 개인 관계와 업무 관계를 명확하게 구분하고 책임을 구체적으로 정의하는 것이 중요합니다. 예술가는 정서적 민감도가 높은 사람이기 때문에 그들과 함께 작업하는 것이 어려울 수 있습니다. 많은 전문 경영자들이 “훌륭한 아티스트는 감정 공장이다”라고 말하듯, 그들과의 교류에는 필연적으로 어려움이 따르게 마련이다. 그러므로 관리자의 중요한 임무 중 하나는 자신의 정서적 안정과 객관성을 유지하는 것이다. 전문가들은 “머리가 항상 조금 더 시원해야 한다”고 말합니다. 아티스트와 적절하게 구축된 관계는 이별 시 관리자가 재정적으로나 평판적으로 아티스트의 이익을 보호하는 데도 도움이 됩니다.

관리자는 왜 법적 문제를 이해해야 합니까?

첫째, 매니저는 아티스트가 합법적으로 제대로 등록되었는지 확인해야 합니다. 음악가가 개인으로 남아 있으면 계약 및 과세에 많은 문제가 발생할 수 있습니다. 따라서 아티스트를 자영업자 또는 개인사업자(IE)로 등록하는 것이 좋습니다.

법률상의 문제를 피하기 위해 재무 기록을 유지하고 세금 납부를 모니터링하는 것도 관리자의 책임입니다. 아티스트가 상당한 수입을 올릴 때까지는 세금 신고를 연기할 수 있지만, 수입이 늘어나기 시작하면 이 문제가 우선순위가 됩니다.
또한 관리자는 트랙 라이선스를 제어해야 합니다. 노래를 작곡한 아티스트는 해당 노래의 저자이자 음반의 소유자입니다. 트랙으로 수익을 창출하려면 적절한 계약 체결을 통해 해당 트랙 사용 권한을 음반사 또는 배포자에게 양도해야 합니다. 매니저는 아티스트의 권리를 보호하고 트랙에 대한 권리를 영원히 양도하거나 불리한 조건으로 결론을 내리는 것을 방지하기 위해 그러한 계약의 모든 미묘한 차이를 이해해야 합니다.

아티스트와의 협력 조건을 명시하는 것이 중요한 이유

관리자가 저지르는 가장 흔한 실수 중 하나는 작업에 대해 아티스트와 공식적인 계약이 없다는 것입니다. 이는 언제든지 협력 조건에 관한 갈등이나 오해가 발생할 수 있기 때문에 심각한 문제로 이어질 수 있습니다. 이러한 상황을 방지하려면 모든 계약을 법적으로 확보해야 합니다. 계약서에 명확하게 명시된 조건은 성공적인 협력을 위한 견고한 기반을 마련하고 관계의 명확성을 보장하는 데 도움이 됩니다.

매니저와 아티스트의 국제 협력 기준은 수입의 10~20% 수준이다. 슈퍼스타의 경우 이 비율은 일반적으로 약 10%인 반면, 초보자의 경우 20%입니다. 이 비율이 총 수익(아티스트의 모든 수입) 또는 순이익에서 계산되는 금액을 고려하는 것이 중요합니다. 관리자가 들어오는 모든 돈의 일정 비율을 받는 경우 아티스트가 부담하는 비용을 이해하는 것이 중요합니다. 어떤 경우에는 수입이 미미하고 비용이 상당할 수 있으므로 보다 유연한 조건에 동의하는 것이 합리적입니다. 예를 들어, 관리자는 소득의 공정한 분배를 보장하기 위해 아티스트 총 수입의 15%, 순이익의 50%를 초과할 수 없습니다.

관리자가 업계 변화에 적응하는 것이 중요한 이유

최근 몇 년 동안 아티스트 팀의 역할이 크게 바뀌었는데, 이는 음악 학교나 전통적인 교과서에서 가르치는 것이 아닙니다. 업계는 매우 역동적이어서 모든 것이 6개월마다 변경됩니다. 몇 년 전에는 관련성이 있었던 정보가 오늘날에는 시대에 뒤떨어지고 효과적이지 않을 수 있습니다. 관리자가 지속적으로 지식을 업데이트하고 최신 동향을 따르는 것이 중요합니다.

기술적 변화는 음악을 녹음하는 과정에도 큰 영향을 미쳤습니다. 오늘날 음질은 더 이상 스튜디오 장비 비용에 좌우되지 않습니다. 집에서 성공적인 앨범을 만드는 아티스트가 많아지면서 매니저는 녹음 조건이 아닌 아티스트의 재능을 드러내는 데 집중하게 된다.

음악을 발표하는 과정도 극적으로 바뀌었습니다. 많은 독립 레이블과 애그리게이터의 출현으로 인해 배포에 대한 접근성이 더욱 높아졌습니다. 점점 더 많은 틈새 아티스트가 다양한 장르의 청취자를 찾고 있습니다. 음반사는 더 이상 새로운 스타를 홍보하는 데 막대한 돈을 투자하지 않고 소셜 미디어 분석에 중점을 둡니다. 이러한 상황에서는 아티스트가 레이블의 도움을 기다리기보다는 독립적으로 작업을 시작하는 것이 더 좋습니다. 업계 진출 연령 기준도 변경됐다. 이전의 젊은 아티스트들이 종종 스타가 되었다면, 오늘날에는 30~35세 이후에도 자신의 자금으로 첫 번째 히트곡을 발표하며 성공적인 뮤지션이 됩니다.

릴리스의 수익 창출에도 큰 변화가 있었습니다. 오늘날 아티스트는 음악 판매 및 스트리밍뿐만 아니라 소셜 네트워크 계정, YouTube 동영상 및 기타 디지털 플랫폼에서도 로열티를 받습니다. 수입과 인기를 높이려면 사용 가능한 모든 플랫폼에 콘텐츠를 최대한 많이 배포하는 것이 중요합니다.

소셜 네트워크는 예술가와 청중 사이의 상호 작용 메커니즘을 근본적으로 변화시켰습니다. 이제 뮤지션은 무능한 존재가 아니라 매일매일 팬들과 소통하고, 피드백을 받고, 자신에 대해 이야기할 수 있는 존재가 됐다. 그러나 이는 또한 음악가가 평범한 사람으로 인식되기 시작하면서 새로운 도전을 야기하며, 이는 팬층과의 작업을 복잡하게 만들 수 있습니다.

디지털 시대에는 회계와 문서 관리도 변화하고 있습니다. 세금 계산과 재무 보고를 단순화하는 온라인 서비스가 점점 더 많이 등장하고 있습니다. 그러나 법률이 항상 이러한 변화를 따라가지 못하는 경우가 많아 많은 양의 문서를 처리해야 하는 경우가 많습니다.

배우는 데 얼마나 걸리나요?

음악 산업에서 학습하는 것은 지속적인 과정입니다. 업계는 새로운 유통 플랫폼, 장소, 축제가 등장하면서 끊임없이 변화하고 있습니다. 다른 직업과 마찬가지로 지속적으로 학습하고 적응할 준비를 갖추는 것이 중요합니다.