음악의 반대 포인트

음악 이론의 반대 포인트는 조화롭게 얽혀 있지만 독립적 인 리듬과 멜로디 정체성을 유지하는 다중 동시 음악 라인 (Voices)을 제작하는 기술입니다. 이 용어 자체는 라틴어 문구“Punctus contra punctum”에서 비롯되며, 이는“포인트에 대한 포인트”또는“메모에 대한 메모”로 변환됩니다. 이것은 반대 포인트의 본질을 캡슐화합니다 : 서로 소리를 지르지 만 타이밍이나 멜로디에 맞지 않는 다른 목소리로 개별 음표의 상호 작용.

John Rahn이 설명했듯이 Counterpoint는 단순히 몇 가지 예쁜 멜로디를 작성하는 것 이상의 정교한 과정입니다. 여기에는 각 음성이 스스로 서서 조화로운 폴리 포닉 전체에 원활하게 기여하는 복잡한 구성을 만드는 것이 포함됩니다. 각 라인은 그 자체로 음악적으로 표현되어야하며, 다른 목소리가 모두 함께 소리를 내면 다른 목소리의 구조를 향상시키고 강조해야합니다.

카운터 포인트는 특히 르네상스와 바로크 시대에 유럽 클래식 음악에서 특히 중요한 장소를 보유하고 있습니다. 이 시대에는 카운터 포인트 기술이 정점에 도달하여 복잡한 다중 음성 작품을 제작하기위한 기반 역할을했습니다. 서양 교육학에서, 카운터 포인트는 모방 적 반대 지점 및 자유 대구와 같은 다른 종의 시스템을 통해 가르칩니다.

모방 반대 지점은 변형이 있거나없는 다른 목소리에 걸쳐 핵심 멜로디 아이디어의 반복에 중점을 둡니다. 이것은 주제별 인식을 만듭니다. 각 반복은 신선한 뉘앙스를 추가합니다. 반면에 무료 반대 포인트는 작곡가에게 하모니, 화음, 색채 및 불협화음으로 작업 할 때 더 창의적인 여유를 부여합니다. 이것은 더 복잡하고 풍부한 질감의 사운드로 이어지는데, 전통적인 하모니는 더 실험적이고 때로는 놀라운 음파 조합을 위해 교환됩니다.

일반적인 원칙

"카운터 포인트"라는 용어는 뮤지컬 작품 내의 개별 음성과 전체 구성 자체를 참조 할 수 있습니다. 반대 포인트의 주요 초점은 목소리 사이의 멜로디 상호 작용이며, 그 결과 조화는 이차적 인 측면으로 간주됩니다. 각 목소리는 독립성을 유지하여 복잡하고 다층 음악 질감에 기여해야합니다.

카운터 포인트에 대한 현대 해석은 전통 음악 이론을 초월하여 게리 노 마잘 (Guerino Mazzola)의 작품을 통해 수학적 기초를 얻었습니다. 그의 모델은 심리적 인식보다는 공식적인 원칙을 사용하여 금지 된 평행 5 분의 1과 불협화음 네 번째의 특성을 설명합니다. 나중에 Octavio Agustin 은이 모델을 마이크로 날 음악에 적합하여 적용 가능성을 넓혔습니다. 이 분야의 또 다른 주요 연구원은 러시아 작곡가이자 이론가 Sergei Taneyev였습니다. Spinoza의 철학에서 영감을 얻은 그는 대수 절차를 기반으로 반대 포인트를 분석하기위한 시스템을 개발했으며, 이로 인해 전환 할 수없는 반대 포인트를 포함한 광범위한 복잡한 다형 현상에 대한 설명이 가능했습니다.

반대 포인트의 주요 원칙은 목소리의 기능적 독립성입니다. 이것이 잃어버린 경우, 반대하는 글쓰기의 특징이없는 영향이 발생합니다. 예를 들어, 오르간 음악에서 특정 레지스터는 단일 키 스트로크로 간격 조합을 활성화하여 평행 음성 움직임으로 이어질 수 있습니다. 결과적으로, 개별 라인은 독립적 인 것으로 인식되고 새로운 음색 색조로 합병되는 것을 중단합니다. 오케스트라 배열에서도 비슷한 효과가 있습니다. Ravel의 "Boléro"에서 플루트, 뿔 및 Celesta의 평행 소리는 전기 장기 음색을 연상시키는 음파 팔레트를 만듭니다. 그러나 전통적인 반대 포인트에서, 그러한 현상은 폴리 포닉 텍스처를 흐리게하여 개별적인 목소리를 구별 할 수 없게함으로써 바람직하지 않은 것으로 간주됩니다.

반대 지점의 규칙

카운터 포인트는 단지 몇 개의 멜로디를 함께 던지는 것이 아닙니다. 그것은 각 부분이 독립적으로 유지되는 동안 다른 부분과 상호 작용하여 조화롭고 표현적인 질감을 만들어내는 음악 작문의 특정 기술입니다. 작곡가는 명확한 원칙을 따르기 위해 목소리의 독립성과 고조파 혼합 사이의 균형을 달성합니다. 선이 서로 익사하지 않고 서로를 보완하여 소리의 명확성을 유지하는 것이 중요합니다. 불만과 자음에 대한 제어는 부 자연스러운 음성 혼합을 방지하고 음악 구조의 투명성을 보존하기 때문에 중요한 역할을합니다.

개념의 개발

Counterpoint는 라운드, 캐논 및 Fugue와 같은 다양한 음악적 형태로 표현을 발견했습니다. 라운드에서, 멜로디는 각 후속의 각각의 점진적으로 진입하여 여러 목소리로 수행되어 연속 운동의 효과를 만듭니다. 캐논은 거울 반사 및 리듬 변화를 포함하여 테마의 변형을 허용 함으로써이 원칙을 복잡하게 만듭니다. 그러나 Fugue는 테마가 다른 목소리로 개발되고 변형되어 풍부하고 다층 구성을 만듭니다.

유명한 예

특정 멜로디는 서로 조화를 이루는 동안 독립성을 유지하는 방식으로 결합 될 수 있습니다. 예를 들어, "Frère Jacques"는 "Three Blind Mice"와 동시에 수행 할 수 있으며 자연스러운 반대 사운드를 만듭니다. 현대 음악에는 단일 고조파 체계를 기반으로 한 작곡이있어 함께 수행 할 수 있습니다. 흥미로운 예는“My Way”와“Life on Mars”의 오버레이입니다. 클래식 음악에서, 복잡한 반대 포인트의 가장 인상적인 예 중 하나는 Johann Sebastian Bach의 두 번째 볼륨에서 G-Sharp Minor의 Fugue입니다. 그것에서, 각각의 새로운 목소리는 테마에 뉘앙스를 추가하여 인식을 바꾸고 풍부한 고조파 구조를 만듭니다.

피아니스트 András Schiff는 Johann Sebastian Bach의 반대 지점은 Mozart와 Beethoven과 같은 작곡가의 작품에 큰 영향을 미쳤다고 지적했다. 눈에 띄는 예는 베토벤의 피아노 소나타의 개막식 개발 섹션에서 찾을 수 있습니다. 여기서, 작곡가는 복잡한 폴리 포닉 기술을 사용하여 주요 테마 중 하나에 표현적인 반대 지점을 추가하여 음악적 형태의 깊이와 다층 특성을 강조합니다.

베토벤 후반의 반대자 마스터리의 또 다른 예는 심포니 9 번에 나타납니다. 유명한“Ode to Joy”테마 사운드가 멜로디를 가지고있는 반면,베이스 라인은 예상치 못한 발전을 이루는 반면, 최종 운동의 116-123 조. 즉흥적 인 효과 생성. 동시에, 바순은 추가적인 반대 지점을 수행하며, 이는 주요 테마의 자발적인 장식과 같은 느낌이 듭니다. 이러한 독립적 인 목소리의 조합은 음악에 자연적인 흐름과 활기찬 상호 작용을 빌려줍니다.

Richard Wagner의 오페라 "Die Meistersinger von Nürnberg"의 전주곡에서 오페라에서 나온 세 가지 별개의 테마가 짜여져 있습니다. Gordon Jacob 은이 기술을 Virtuoso Contrapuntal Mastery의 대표적인 예라고 생각하지만 Donald Tovey는이 경우 테마의 조합이 고전적으로 조화로운 반대 지점을 형성하지 않는다고 강조합니다. 대신, Wagner는 병치를 사용하여 전통적인 다성 구조를 구성하기보다는 극적인 효과를 만듭니다.

"목성"으로 알려진 심포니 No. 41의 최종 운동은 5 voice 대회의 놀라운 예를 보여줍니다. 이 섹션에서 Mozart는 다섯 가지 독특한 멜로디를 결합하여 복잡하면서도 응집력있는 뮤지컬 패브릭을 만듭니다. 각 목소리는 개성을 유지하면서 다른 사람들과 동시에 상호 작용하여 풍부하고 표현적인 다목적 대화를 형성합니다.

종의 반대 포인트는 학생들이 여러 단계를 진행하는 교육 시스템으로 개발되어 점차 복잡한 반대 기법을 점차적으로 마스터했습니다. 이 방법은 고정 된 멜로디 (Cantus Firmus)를 중심으로 한 반면, 학생은 엄격한 상호 작용 규칙에 따라 추가 목소리를 만듭니다. 구성에 부과 된 한계로 인해이 방법을 "엄격한"대응책이라고합니다. 이 접근법의 숙달을 통해 학생은 규칙이 덜 단단하고 Cantus Firmus의 사용이 필요하지 않은 자유로운 대응점으로 점차 전환 할 수 있습니다.

순차적 인 반대점을 통한 학습의 개념은 16 세기로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 가장 초기의 설명은 Giovanni Maria Lanfranco의 논문 Scintille di Musica (1533)에 나타나며,이 아이디어는 이탈리아 이론가 Gioseffo Zarlino의 작품에서 크게 개발되었습니다. 1619 년, Lodovico Zacconi는 Prattica di Musica 에서이 접근법을 체계화하여 대응 지점을 가르치기위한 최초의 구조화 시스템을 제안했습니다. 나중에 저자와는 달리, 그는 자신의 방법론에 뒤집을 수있는 반대 포인트와 같은 기술을 포함시켜 고조파 명확성을 잃지 않고 상단 및 하부 음성의 교환을 허용했습니다.

1725 년, Johann Joseph Fux는 그의 근본적인 작업 Gradus ad parnassum에서 5 종의 반대 지점을 공식화했습니다.

첫 번째 종 : 참고 사항에 대한 참고 - 두 번째 음성의 각 음표는 Cantus Firmus의 하나의 메모와 동시에 소리를냅니다.
두 번째 종 : 하나에 대한 두 개의 메모 - 추가 음성의 두 메모는 Cantus Firmus의 각 메모에 해당합니다.
세 번째 종 : 하나에 대한 4 개의 노트 - 운동이 더욱 활성화되어 리듬 복잡성을 추가합니다.
네 번째 종 : 현탁액 및 준비된 불협화음 - 방사 및 해상도가 나타나서 부드러운 고조파 전이를 만듭니다.
다섯 번째 종 : Florid Counterpoint - 모든 원리를 결합하여 복잡한 폴리 포닉 텍스처를 만듭니다.

Fux의 방법은 시스템에 약간의 조정을했지만 일반적으로 그의 원칙을 따랐던 후속 세대의 이론가들을위한 기초가되었습니다. 멜로디 운동에 관한 많은 규칙은 Solfège에서 빌려 왔으며 결국 일반적인 실습 기간의 고조파 요구 사항에 적응했습니다. 이를 통해 선형 멜로디 운동을 고조파 기능과 통합 할 수 있으며,베이스 및 기타 폴리 포닉 기술의 추가 개발을위한 토대를 마련했습니다.

반대 지점에서 이끄는 멜로디와 음성의 기본 규칙

반대쪽에는 멜로디의 구성과 목소리의 상호 작용을 조절하는 엄격한 원칙이 있습니다. 이 규칙은 균형 잡힌 사운드를 만들어 불협화음과 부 자연스러운 멜로디 운동을 피하는 데 도움이됩니다.

멜로디 구조

다음 규칙은 각각의 반대 지점에서 멜로디 글쓰기에 적용됩니다.

최종 노트에 대한 접근 : 최종 메모는 단계별로 접근해야합니다. 사소한 모드 (Dorian, Hypodorian, Aeolian 및 Hypoaeolian)에서는 주요 톤을 높여야하지만 Phrygian 및 Hypophrygian 모드에서는 이루어지지 않아야합니다. 예를 들어, D의 Dorian 모드에서, 케이던스는 c를 C로 올리는 것을 요구한다;
허용 간격 : Unison, 4, 5, 옥타브, 메이저 및 마이너 초, 메이저 및 작은 3 분의 1 및 오름차순 미성년 6 분의 1 (하강 운동이 뒤 따릅니다);
도약 : 두 번의 도약이 같은 방향으로 발생하면 두 번째 도약이 첫 번째보다 작아야합니다. 첫 번째와 세 번째 노트는 불협화음을 형성해서는 안됩니다. 세 노트는 모두 동일한 트라이어드에 속해야하며, 불가능한 경우 범위가 하나의 옥타브를 초과해서는 안됩니다. 두 개 이상의 연속 도약을 피해야합니다.
큰 도약 후 : 단계별로 반대 방향으로 움직임을 계속하는 것이 좋습니다.
트리톤 및 일곱 번째 : 3 개의 음표 (예 : F – A – B ♮) 내의 트리톤과 비슷한 구조의 7 번째는 피해야합니다.
절정 : 각 부분에는 멜로디 라인의 가장 높은 지점 인 Climax가 있어야합니다. 그것은 일반적으로 문구의 한가운데에 위치하고 강한 비트로 떨어집니다.
일곱 번째 : 운동이 같은 방향으로 계속되면 일곱 번째는 한 줄 내에서 강조해서는 안됩니다.

음성 선도

다음 규칙은 목소리가 상호 작용할 때 적용됩니다.

시작 및 마감 : 카운터 포인트는 완벽한 자음으로 시작하고 끝나야합니다.
반대 동작 : 반대 동작이 우세해야합니다.
완벽한 자음에 대한 접근 : 완벽한 자음은 비스듬하거나 반대되는 움직임으로 접근해야합니다.
불완전한 자음에 대한 접근 : 모든 유형의 운동에 의해 불완전한 자음에 접근 할 수 있습니다.
목소리 사이의 거리 : 두 인접한 부품의 차이는 음악적으로 필요한 경우가 아니라면 10 분의 1을 초과해서는 안됩니다.
음성 구조 순서 : 카운터 포인트 작업은베이스 라인으로 시작해야하며 상단 음성을 추가해야합니다.

첫 번째 종의 반대 지점

첫 번째 종의 반대 포인트에서, 추가 된 음성의 각 메모는 Cantus Firmus의 하나의 음표와 동시에 소리를냅니다. 전체 음표 만 사용하므로 모든 음성은 리듬 독립없이 동기화됩니다. 이것은 첫 번째 종을 가장 리드미컬하게 단단하게 만듭니다.

이 반대 지점의 멜로디 운동은 계단과 도약으로 나뉩니다. 단계는 반 단계 또는 전체 단계만으로 이동하는 반면, 도약은 3 분의 1 또는 네 번째 간격입니다. 음표 사이의 거리는 5 위 이상이면 큰 도약으로 간주되며, 멜로디 한 매끄러움을 유지하기 위해 신중하게 사용해야합니다.

Fux는 Palestrina의 스타일에 대한 그의 연구에서 First Species 대회의 구성을 지배하는 몇 가지 규칙을 공식화했습니다. 여기에는 음성 간의 간격 관계에 대한 권장 사항, 고조파 조합의 순도 유지 및 멜로디 운동의 적절한 사용이 포함됩니다. 이 원칙들은 후기 이론가들에 의해 채택되었으며 엄격한 반대 지점을 가르치기위한 토대로 남아 있습니다.

1. 첫 번째 종의 대조 지점은 고조파 순도와 선의 독립성을 유지하기 위해 음성을 선도하는 규칙에 대한 엄격한 준수를 요구합니다. 모든 목소리는 동기화되어 구조가 특히 투명하고 부품 간의 멜로디 관계를 강조합니다.
2. 카운터 포인트의 시작과 끝은 추가 된 목소리가 Cantus firmus 아래에있는 경우를 제외하고는 일제, 옥타브 또는 다섯 번째에 떨어야합니다. 그러한 상황에서는 단일 또는 옥타브 만 허용됩니다.
3. 조화는 조각의 시작과 끝에서 독점적으로 허용됩니다. 그것의 사용은 나머지 반대 지점에서 금지된다.
3. 조화는 조각의 시작과 끝에서 독점적으로 허용됩니다. 그것의 사용은 나머지 반대 지점에서 금지된다.
5. Parally Fourt는 또한 Palestrina의 관행에서 발견되는 경우, 특히베이스 라인을 포함하지 않는 경우에도 사용되는 사례가 발견되지만 바람직하지 않은 것으로 간주됩니다.
6. 동일한 간격을 연속 3 번 이상 반복해서는 안됩니다.
7. 병렬 3/3 또는 6 분의 1은 허용되지만 연속 3 번 이하는 아닙니다.
8. 두 개의 인접한 목소리 사이의 범위의 차이는이 한계를 초과하지 않는 한, 탁월한 표현에 의해 정당화되지 않는 한, 10 번째 목소리를 초과해서는 안된다.
9. 두 목소리는 선의 독립성을 훼손하기 때문에 동시에 같은 방향으로 도약해서는 안된다.
반대로 음성의 움직임은 가능할 때마다 사용해야합니다.

초, 일곱 번째, 증강 및 감소 간격 및 완벽한 네 번째 (대부분의 경우)와 같은 불신 간격은 두 목소리 사이에서 발생해서는 안됩니다.

두 번째 종의 반대 포인트

두 번째 종의 반대 포인트에서, Cantus Firmus의 각 메모에는 추가 된 목소리에 두 개의 짧은 음이 동반됩니다.

두 번째 종의 반대 포인트에서 추가 된 목소리는 Cantus Firmus보다 두 배 빠르게 이동하여보다 표현적인 멜로디 상호 작용을 만듭니다. 첫 번째 종의 기본 원리가 유지되는 반면, 리듬 구조와 관련된 새로운 요구 사항 및 불협화음 사용이 추가됩니다.

약한 비트에서 시작 : 약한 비트에서 멜로디를 시작하는 것이 허용되며, 첫 번째 음표 앞에 추가 목소리가 반쯤 남아 있습니다.
자음과 불협화음 : 완벽한 (옥타브, 다섯 번째, 단일) 및 불완전한 (3, 6) 모두에게 강한 비트에 허용됩니다. 불협화음은 약한 비트에서만 가능하며 통과 톤의 형태로만 가능하며, 이는 인접한 음표를 단계별로 부드럽게 연결해야합니다.
연합 : 첫 번째 종에서와 같이, 문구의 시작 또는 끝에 또는 그들이 약한 비트에 빠지는 경우를 제외하고는 미결제가 나타나지 않아야합니다.
연속 5 분의 1과 옥타브 : 강한 비트의 연속 5 분의 1과 옥타브에는 특별한주의가 필요합니다. 목소리의 독립성을 파괴하기 때문에 반복적 인 움직임에 사용해서는 안됩니다. 이를 피하기 위해, 한 목소리가 도약으로 이동하는 반면, 다른 목소리는 단계적으로 또는 반대 방향으로 움직이는 것이 좋습니다.

Contrabunto del Tercer Tipo

세 번째 종의 반대 포인트에서, Cantus Firmus의 각 메모에는 추가 된 목소리에 3 ~ 4 개의 짧은 음이 동반됩니다. 이것은 이전 종에 비해보다 활성적이고 유동적 인 멜로디 발달을 만듭니다. 이 종에는 새로운 수치가 나타납니다.이 종은 나중에 다섯 번째 종에 사용 된 다음 종의 대응 지점의 엄격한 한계를 넘어 확장됩니다. 이 수치에는 Nota Cambiata, 이중 이웃 색조 및 이중 통과 톤이 포함됩니다.

이중 인접 톤은 특정 불협화음을 허용하는 4 노트 그림입니다. 첫 번째 노트에서 준비가 이루어지며 해결책은 네 번째에 발생합니다. 다음 측정의 다섯 번째 음표 또는 강한 비트는 그림의 마지막 두 음표와 같은 방향으로 움직임을 계속하는 것이 중요합니다.

이중 통과 톤은 두 번의 연속 불협화음 통과 톤을 허용합니다. 이 그림은 한 방향으로 단계적으로 이동하는 네 개의 음표로 구성됩니다. 불협화음은 두 번째 및 세 번째 또는 세 번째 및 네 번째 노트에서 발생합니다. 네 번째 전환의 간격은 5 분의 1로 감소 한 후 다음 음표는 여섯 번째로 해결됩니다.

네 번째 종의 반대 포인트

네 번째 종의 반대 포인트는 일시 중단 된 음표를 사용하여 구별되는데, 이는 한 목소리로 고정되어 있으며 다른 목소리는 계속 움직입니다. 이로 인해 불협화음이 나타나고 자음으로 해결되어 긴장과 그에 따른 이완의 영향이됩니다. 이 기술은 음악에 표현력과 부드러움을 더하여 멜로디 라인에 자연스러운 리듬 펄스를 제공합니다.

이전의 반대 지점에서 동시에 입력 한 메모는, 네 번째 종은 Syncopation의 기술을 사용합니다. 한 메모는 유지되며 다음에 늦어서 일반적인 메트릭 안정성을 일시적으로 방해합니다. 불협화음은 측정의 강한 비트에서 발생하지만 약한 비트에 대한 자음으로 해결됩니다. 이것은 소리를 더 풍부하고 극적으로 만듭니다.

추가 된 음성에 다른 지속 시간의 메모가 사용되면 카운터 포인트가 확장 된 것으로 간주됩니다. 네 번째 종의 시작은 다양한 방식으로 구성 될 수 있습니다. 반 메모로 시작하는 것이 허용되지만 반 휴식으로 입력하는 것이 일반적입니다.

두 개의 중앙 음표가 Cantus Firmus와 함께 불협화음 간격 (네 번째와 5 분의 1)을 형성하는 이중 통과 톤의 예입니다.

이중 패스 톤의 예에서, Cantus Firmus와의 불신 간격 (네 번째 및 소형 5 분의 1)의 형태로 중앙 메모가 있습니다.

Cantus Firmus와 함께 표현적인 트리톤 도약이있는 상승하는 인접한 이중 그림의 예.

다섯 번째 종 (Florid Counterpoint)

Florid 대회로도 알려진 다섯 번째 종의 반대 포인트에서, 4 개의 이전 종의 요소가 결합되어 복잡하고 표현적인 음악 패브릭을 형성합니다. 제공된 예에서, 첫 번째 두 측정은 제 2 종, 세 번째 측정에서 제 3 종에 해당하며, 제 4 및 다섯 번째는 세 번째 및 장식 된 네 번째 종의 조합을 포함하며, 최종 측정은 제 1 종의 원리에 따라 구성됩니다. 다른 종의 반대 지점 사이의 균형을 유지하여 그들 중 누구도 우세하지 않아 음악적 발달의 자연과 매끄러움을 보장하는 것이 중요합니다.

음악의 평행 운동

카운터 포인트가 사용되지 않는 음악에서는 평행 모션이 사용됩니다. 이는 여러 줄이 위 또는 아래로 이동하는 음성 방식으로 동일한 간격을 유지합니다. 모든 목소리는 동시에 변경되어 동일한 상대 피치와 지속 시간에 남아 있습니다.

이 움직임의 예로는 중세 보컬 노래가 포함되며, 여기서 멜로디는 동시에, 가장 자주 네 번째와 5 번째 간격으로 따릅니다. 악기 음악에서는 Barre 기타 코드에서 평행 모션을 관찰 할 수 있습니다. 음악가가 화음을 연주하고 프렛 보드를 따라 움직일 때 손가락은 일관된 위치를 유지하고 코드의 모든 음표가 함께 움직입니다. 한 메모가 높아 지거나 낮아지면 다른 메모는 그에 따라 변경됩니다. 메모의 지속 시간도 마찬가지입니다. 모든 목소리에 대해 동일하게 유지됩니다.

반대 파생물

르네상스 이후, 유럽 음악에서 모방 적 대응점이 널리 퍼져 있었는데, 동일한 멜로디 라인의 수정 된 버전을 반복하는 여러 목소리가 지연되어 들어갑니다. 이 원칙은 판타 시아, 리커 카, 그리고 나중에 캐논과 푸가와 같은 장르에서 사용되었으며, 이는 반대 예술의 최고 형태가되었습니다. 모방 적 반대 포인트는 보컬 음악 (모트 및 광기)에서도 목소리가 복잡하고 다층 질감을 만듭니다.

모방 적 반대 포인트의 개발은 원래 멜로디의 변형을 사용하여 다수의 기술의 출현으로 이어졌습니다.

멜로디 반전 : 멜로디의 방향 변경. 원래 음성에서 간격이 상승하면 반전에서 동일한 간격 또는 해당 동등한 곳으로 이동합니다. 예를 들어, 오름차순 3 분의 1은 하강하는 메이저 또는 미성년자가됩니다.
역행 : 멜로디를 역 순서로 수행합니다. 이 경우 윤곽과 간격이 보존되지만 음표 순서는 반대 방향으로 나타납니다.
역행 반전 : 멜로디가 방향뿐만 아니라 순서대로 반전되고, 즉 역 순서로 수행되고 동시에 반대 방향으로 움직이는 두 가지 이전 기술의 조합;
확대 : 모방 음성이 느린 템포에서 멜로디를 수행하는 음표를 길게하여 리듬 패턴을 변경합니다.
감소 : 모방 음성의 음표 기간을 줄이면 원본에 비해 멜로디가 더 모바일이됩니다.

무료 반대 포인트

바로크 시대의 조화가 발전함에 따라, ContraBlatal Writing은 Cantus Firmus와의 고정 된 상호 작용 규칙과 덜 강력하게 관련되었다. 대신, 작곡가들은 목소리 사이의 관계에 초점을 맞추기 시작하여 더 자유롭고 표현적인 음악 구조를 만듭니다. 이 접근법은 자유 대책이라고 불렀습니다.

18 세기에 자유 반대 지점의 요소가 이미 사용되고 있었지만, 그 가르침은 19 세기 후반까지 널리 퍼지지 않았습니다. 켄트 케넌 (Kent Kennan)은 작곡 실습의 변화에도 불구하고 모차르트, 베토벤, 슈만 (Schumann)과 같은 작곡가는 엄격한 대응책을 계속 연구했다고 지적했다. 그러나 작곡에서 그들은 새로운 고조파 및 리듬 가능성을 통합하여 전통적인 규칙의 경계를 점차 확장했습니다.

무료 카운터 포인트는 다음과 같은 기능을 허용합니다.

모든 코드 유형의 사용 : 두 번째 역전, 일곱 번째 코드 및 아홉 번째 코드를 포함한 모든 유형의 코드 사용은 그 후 자음으로 해결된다면 허용됩니다.
색채가 허용되며, 이는 조각의 고조파 팔레트를 확장합니다.
불협화음이 나타날 수 있으며, 이는 엄격한 반대 포인트에서 허용 할 수 없었다.
Appoggiaturas : Appoggiaturas의 사용이 허용됩니다. - 스텝 동의가 아니라 도약으로 도약 노트에 도달 할 수 있습니다.

선형 반대 포인트

선형 반대 포인트는 멜로디 라인이 독립성을 유지하고 고조파 제약에 종속되지 않는 기술입니다. 수직 고조파 관계가 중요한 역할을하는 전통적인 반대 포인트와 달리, 여기서의 초점은 수평의 음성 발달에 있습니다. 이 접근법을 사용하는 작곡가는 명확한 화음을 만들기 위해 노력하지 않고 조합이 예상치 못한 고조파 효과를 생성하더라도 자유롭게 목소리를 발전시킬 수 있습니다.

이 방법은“새로운 객관성”의 지지자들에게 특히 중요해졌으며, 그는 그것을 낭만적 인 조화에 대한 대립으로 보았다. 여기서, 고조파 구조에 대한 멜로디 라인의 우위가 강조되거나, 목소리에 대한 조화의 통제가 완전히 거부된다. 결과적으로, 선형 카운터 포인트를 사용하면 각 음성이 자율성을 유지할 수있어 음악을 덜 예측하기 쉽고 유연하게 개발할 수 있습니다.

이 방법이 적용된 첫 번째 작품 중 하나는 Igor Stravinsky 's Octet (1923)이며 작곡가는 Johann Sebastian Bach와 Giovanni Palestrina의 전통에서 영감을 받았습니다. 그러나 Knud Jeppesen이 지적한 것처럼이 두 작곡가의 접근 방식은 크게 달랐습니다. Palestrina는 음악을 멜로디 라인으로 시작하여 조화로 이끌었고 Bach는 Harmonic Foundation에서 일하면서 목소리가 표현적인 자유로 발전 할 수있게했습니다.

Cunningham에 따르면, 선형 조화는 20 세기 음악에서 인기있는 기술이되었습니다. 이 접근법에서, 라인은 엄격한 제약없이 결합되어 새로운 코드와 시퀀스가 나타나며, 종종 예상치 못한 계획이 미리 계획되지 않습니다. 이 방법은 Diatonic System과 Atonal Music 내에서 적용하여 작곡가에게 실험을위한 충분한 공간을 제공 할 수 있습니다.

불협화음 반대 지점

불신의 반대 포인트는 Charles Seeger에 의해 종의 전통적인 규칙을 반전시키는 실험 방법론으로 개발되었습니다. 이 접근법에서 불협화음은 자음이 아닌 주요 역할을 수행하여 예외보다는 표준이됩니다. 예를 들어, 첫 번째 종의 반대 포인트에서 모든 간격은 불협화음이어야하며 해상도는 단계적 움직임이 아니라 도약에 의해 발생합니다. Seeger는이 방법이 음악 구조에 대한 인식을 "정화"하는 데 도움이되어 소리 사이의 근본적으로 다른 균형을 만듭니다.

불신의 반대 지점에 대한 아이디어는 간격뿐만 아니라 리듬과 같은 다른 음악 매개 변수로 확장되었습니다. 예를 들어, 전통적인 메트릭 균형 대신 의도적으로 불균형 리듬 패턴을 사용하여 불안정성을 향상시킬 수 있습니다. 이 접근법을 통해 작곡가는 친숙한 고조파 캐논에서 벗어나 새로운 형태의 음악적 표현을 탐색 할 수있었습니다.

Seeger는이 방법을 이론으로 공식화 한 최초의 사람 이었지만 실제로는 그것을 실제로 사용하는 유일한 사람은 아니 었습니다. 불협화음 카운터 포인트를 어떤 형태로도 적용한 작곡가들 중에는 Johanna Beyer, John Cage, Ruth Crawford Seeger, Vivian Fine, Carl Ruggles, Henry Cowell, Carlos Chávez, John J. Becker, Henry Brant, Lou Harrison, Wallingford Riegger 및 Wallingford Riegger가 있습니다. 프랭크 igglesworth. 1 그들의 작품은 불협화음이 해결을 요구하는 긴장의 요소가 아니라 자체 표현력과 개발 논리를 갖춘 독립적 인 음파 범주로 사용될 수있는 방법을 보여줍니다.

반대 지점의 진화

르네상스에서 낭만주의까지

카운터 포인트는 음악적 스타일과 작곡가의 접근 방식으로 바뀌면서 먼 길을 왔습니다. 르네상스에서는 각 목소리가 동등한 매끄럽고 균형 잡힌 멜로디를 만드는 데 사용되었습니다. Giovanni Palestrina와 같은 작곡가는 명확성과 고조파 평형을 위해 노력하여 교회와 합창 음악의 필수 부분이되었습니다.

바로크 시대의 출현으로 카운터 포인트는 더 복잡해졌습니다. Johann Sebastian Bach의 작품에서 그것은 최고의 개발 수준에 도달하여 음악을 쓰는 방법이 아니라 풍부한 음파 태피스트리를 만드는 수단이되었습니다. 나중에, 클래식과 낭만적 인 음악에서 작곡가는 카운터 포인트를보다 선택적으로 사용하기 시작했습니다. Mozart와 Beethoven은 음악 테마 개발의 순간에 그것을 소개했으며 Romantics는 그것을 표현 장치로 사용하여 풍부한 하모니와 넓은 선율 라인을 결합했습니다.

바로크 및 고전 : 다른 시대의 대책

바로크 음악은 반대 지점의 미덕 숙달을 보여줍니다. 이 기간 동안 푸가 및 캐논과 같은 복잡한 다성 형태가 나타 났으며, 여기서 목소리는 고조파 연결을 유지하면서 독립적으로 발전했습니다. 작곡가는 카운터 포인트를 사용하여 주제와 주제의 역동적 인 상호 작용을 만들었습니다. 이는 Bach, Handel 및 기타 바로크 마스터의 음악에서 특히 분명했습니다.

고전 시대에, 카운터 포인트는 더 명확하고 구조화 된 구성을 제공했습니다. 동성애는 우세했지만, 다성 기술은 표현력을 향상시키는 데 계속 사용되었습니다. Haydn, Mozart 및 Beethoven의 작품에서 카운터 포인트는 종종 개발과 절정에 나타 났으며 형태 내에서 긴장과 움직임을 만듭니다.

20 세기와 21 세기 음악의 반대 포인트

음악 언어의 변화에도 불구하고 카운터 포인트는 중요한 구성 도구로 남아 있습니다. 그 요소는 심포닉 음악, 재즈, 학문적 아방가르드, 심지어 일부 전자 음악 장르에서 찾을 수 있습니다. 현대 작곡가는 반대 지점을 실험하여 비 조화, 다리 리듬 및 새로운 음파 텍스처와 결합합니다.

반대 포인트의 유산

카운터 포인트는 새로운 스타일과 기술의 발전에도 불구하고 음악적 사고의 기초가되고 있습니다. 바로크 시대의 복잡한 다성적인 작품이든 20 세기의 대담한 실험 구성이든, 반대 포인트의 원칙은 풍부하고 다층 음악 구조를 만드는 데 도움이됩니다. 반대 지점을 연구하면 전통을 이해할 수있을뿐만 아니라 음악에서 새로운 표현 방법을 찾을 수 있습니다.

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