나만의 노래를 만드는 방법

음악, 노래, 악기 연주에 관심이 있다면 "곡을 어떻게 쓰는가?"라고 생각해 본 적이 있을 것입니다. 작곡은 감정적으로 마음을 열고, 영감을 얻고, 자기 표현을 위한 개인적인 길을 찾는 훌륭한 방법입니다. 이것이 바로 많은 심리학자들이 모든 사람에게 창의적인 활동을 권장하는 이유입니다. 창의적인 활동은 자신을 표현하고, 감정을 표현하고, 안도감을 경험할 수 있는 자유를 제공합니다.

좋은 노래 아이디어는 언제든 떠오를 수 있으니 준비해둘 만하다. 작은 노트와 펜을 가방에 넣거나 집이나 직장에서 쉽게 꺼낼 수 있는 곳에 보관하세요. 외출 중에 아이디어가 떠오른다면 그것이 종이에 적힌 제목일지라도 저장할 수 있는 방법이 있습니다. 때로는 단 하나의 단어라도 향후 히트작의 기반이 될 수 있으므로 창의적인 불꽃을 포착할 기회를 놓치지 마십시오.

자신만의 노래를 만들고 싶을 때 도움이 되는 또 다른 습관은 휴대폰에서 녹음기를 빠르게 여는 방법을 배우는 것입니다. 때로는 글을 쓰는 것보다 멜로디를 흥얼거리거나 가사를 통해 말하는 것이 더 쉬울 때도 있습니다. 이렇게 하면 나중에 아이디어로 다시 돌아와 시간이 더 있을 때 이를 토대로 발전시킬 수 있습니다.

도구를 설정하고 나면 영감을 찾는 것이 전부입니다. 우리 모두는 마음에 흔적을 남기는 좋아하는 예술가와 작곡가가 있습니다. 그들의 노래로 재생 목록을 만드세요. 감정의 불꽃을 생생하게 유지하고 창의력을 발휘하는 데 도움이 될 것입니다.

노래 쓰기를 시작하는 방법

노래를 만드는 것은 시작과 과정, 끝이 분명한 여행처럼 느껴질 수 있습니다. 어디서 시작할지 결정하는 것이 첫 번째 주요 선택이며, 이에 따라 나머지 프로세스가 전개되는 방식이 결정됩니다.

일부 음악가는 제목, 가사 또는 테마로 시작하는 것을 선호하는 반면, 다른 음악가는 코드, 멜로디 또는 리듬으로 시작하는 것을 선호합니다. 보편적인 "올바른" 방법은 없습니다. 중요한 것은 자신에게 가장 적합한 접근 방식을 찾는 것입니다. 한 노래에는 한 가지 방법이 효과가 있을 수 있지만 다른 노래에는 완전히 다른 접근 방식이 더 나을 수도 있습니다. 더 많이 실험할수록 더 많은 아이디어를 발견할 수 있습니다.

다른 기술과 마찬가지로 작곡에도 정기적인 연습이 필요합니다. 더 자주 쓸수록 기술이 더 빨리 발전하고 시간이 지남에 따라 자랑스러워하는 노래로 컬렉션이 늘어날 것입니다. 몇 가지 실제 "보석"을 찾으려면 수십 개의 노래를 만들어야 하는 경우가 많습니다. 경험이 풍부한 많은 작곡가들은 수년에 걸쳐 축적된 수백 개의 작곡으로 가득 찬 아카이브를 보유하고 있습니다. 작곡에 대해 진지하게 생각하고 있다면 시작하기 가장 좋은 시기는 바로 지금입니다.

물론, “그냥 시작하라”는 조언은 실제보다 쉽게 ​​들리며, 어디서부터 시작해야 하는지에 대한 질문은 여전히 ​​어렵게 느껴질 수 있습니다. 자연, 해변, 번화한 도시 거리 등 쉽게 영감을 얻을 수 있는 공간을 찾아보세요. 아이디어가 갑자기 떠오르는 경우도 있으므로 준비하는 것이 중요합니다. 떠오르는 생각이나 대사를 적어두기 위해 작은 노트를 편리하게 보관하세요.

많은 작곡가들은 가사, 프레이즈, 멜로디, 코드 진행 등 마음에 떠오르는 모든 것을 포착하려고 노력한다고 말합니다. 관심을 불러일으키는 아이디어를 모두 적어두면 아이디어를 더 발전시킬 준비가 되었을 때 다시 검토할 수 있습니다.

노래 구조 이해

구조를 이해하는 것이 잘 만들어진 노래를 만드는 열쇠입니다. 구조는 모든 요소를 ​​하나로 묶고 청취자가 음악을 경험하는 방식을 형성하는 기초 역할을 합니다. 노래를 구성하는 데 단일한 공식은 없지만, 트랙을 완전하고 응집력 있게 만드는 데 도움이 되는 몇 가지 인기 있는 형식이 있습니다. 팝, 록, 컨트리 또는 기타 장르를 작곡할 때 이러한 형식을 아는 것은 중요합니다.

절-코러스-절-코러스-브릿지-코러스

종종 ABABCB로 표기되는 이 구조는 대중음악에서 가장 일반적인 구조 중 하나입니다. 여기서 A는 벌스, B는 코러스, C는 브릿지를 의미합니다. 구절은 일반적으로 노래의 스토리, 감정 또는 메시지를 설정하는 반면, 코러스는 기억에 남는 반복 가능한 방식으로 중심 고리 또는 주요 아이디어를 전달합니다. 그런 다음 브릿지는 새로운 것을 가져와 반복을 끊고 마지막 코러스로 부드럽게 돌아와 강력한 마무리를 선사합니다.

많은 히트곡이 이 구조를 사용하는 이유는 친숙하고 듣기에 만족스러울 뿐만 아니라 창의적인 변형의 여지도 남기기 때문입니다. 절과 후렴이 교대로 반복되는 패턴은 기대감을 고조시켜 듣는 이로 하여금 반복의 리듬을 즐기며 멜로디에 몰입되는 느낌을 준다.

절-코러스-절-코러스

이 형식(ABAB)은 브리지가 없는 이전 구조의 간단한 버전입니다. 여기에서는 절과 코러스가 번갈아 가며 간단하고 따라하기 쉬운 리듬을 만들어냅니다. 이 구조는 짧은 노래에 이상적이며, 특히 추가 변주 없이 멜로디를 전달할 수 있을 만큼 코러스가 강한 경우에 적합합니다. 많은 팝 및 인디 노래가 이 구조를 따르는데, 이는 불필요한 추가 요소 없이 노래가 요점으로 바로 이동할 수 있도록 하기 때문입니다. 눈길을 끄는 후크가 있는 이 형식은 코러스를 더욱 빛나게 할 수 있습니다.

구절-절-브리지-절(AABA)

특히 재즈와 초기 록에서 널리 사용되는 이 구조는 두 개의 절이 반복되고 그 뒤에 브릿지, 마지막 절이 이어집니다. 발라드나 부드러운 노래에 잘 어울리며 음악에 편안하고 클래식한 느낌을 더해줍니다. 반복되는 절은 노래의 주요 주제를 강화하여 기억에 남도록 만들고, 브리지는 멜로디나 가사에 짧은 변화를 주어 마지막 절로 돌아가기 전에 상쾌한 전환을 만듭니다.

대체 노래 구조

위에 언급된 노래 구조는 가장 인기 있는 곡이지만, 그 구조를 엄격하게 고수할 필요는 없습니다. 일부 노래는 메인 코러스 전에 긴장감을 조성하기 위해 프리 코러스를 추가하는 반면, 다른 노래는 기억에 남는 마무리를 남기는 아웃트로로 마무리됩니다. 첫 음부터 분위기를 조성하는 인트로로 시작하여 청취자를 트랙의 분위기에 몰입시킬 수도 있습니다.

다양한 구조 요소를 혼합하고 일치시켜 비전에 가장 적합한 설정을 만들 수 있습니다. 구조가 청취자를 안내하므로 친숙함과 독창성 사이의 균형을 찾는 것이 중요하다는 점을 기억하십시오.

결국 구조는 단지 로드맵일 뿐이며 이를 탐색하는 방법을 결정하는 사람은 바로 당신입니다. 전통적인 ABABCB 형식을 선택하든 좀 더 실험적인 형식을 선택하든 명확한 구조를 염두에 두는 것은 노래를 매력적이고 기억에 남게 만드는 데 도움이 됩니다. 시작할 때 기본 사항에 익숙해지려면 전통적인 공식을 고수하는 것이 도움이 됩니다. 그런 다음 자신감이 생기면 요소를 혼합하고 신선하고 예상치 못한 것을 추가하여 실험해 볼 수 있습니다.

자신만의 노래를 만드는 방법: 주요 단계

1. 음악 만들기

1.1. 노래 장르를 선택하세요

각 음악 장르에는 노래의 분위기와 주제를 설정할 수 있는 고유한 특성이 있습니다. 예를 들어, 컨트리 노래에는 슬라이드 기타와 상실 또는 어려움 극복에 관한 가사가 포함되는 반면, 록 노래에는 파워 코드를 사용하고 반항과 자유라는 주제에 초점을 맞출 수 있습니다.

1.2. 노래에 맞는 리듬과 템포를 선택하세요

리듬과 템포는 분위기를 설정하는 데 매우 중요합니다. 빠른 템포는 테크노나 펑크 록과 같은 에너지 넘치는 장르에 잘 맞는 반면, 느린 리듬은 팝이나 컨트리와 같은 감정적이거나 우울한 스타일에 더 적합합니다. 클래식 록에서 흔히 볼 수 있는 적당한 템포는 빠르거나 느린 범주에 속하지 않는 노래에 적합할 수 있습니다.

• 예를 들어, 펑크 록은 종종 4/4박자의 빠르고 추진력 있는 리듬을 가지고 있으며 각 비트는 1초 동안 지속됩니다.
• 레게는 당김음 리듬을 사용하여 편안하고 독특한 사운드를 만들어냅니다.
• 노래에 가장 적합한 것을 찾으려면 목표로 삼는 장르의 일반적인 리듬과 박자표를 살펴보세요.

1.3. 피아노나 기타에서 기본 멜로디 만들기

비록 이 악기들이 마지막 트랙에 끝나지 않더라도 멜로디를 스케치하는 데에는 아주 좋습니다. G, A, C, D, E, F와 같은 일반적인 키로 작업해 보세요. 노래의 주제를 생각하고 적절한 분위기를 전달하는 키를 선택하세요.

1.4. 메이저 및 마이너 스케일 실험

선택한 키에 스케일을 사용하면 노래의 감성적인 톤에 맞는 멜로디를 찾는 ​​데 도움이 될 수 있습니다. 장조는 일반적으로 더 밝고 밝아 보이는 반면, 단조는 좀 더 감정적이거나 우울한 느낌을 줍니다.

• 예를 들어, D 단조는 가장 슬픈 조로 여겨지는 반면 C 장조는 즐거운 소리를 냅니다.
• 노래 테마에 따라 장조와 단조를 전환하여 작곡에 깊이와 다양한 감정을 추가할 수 있습니다.

1.5. 기본 기타 기술 배우기

능력을 확장하고 싶다면 기타의 기초를 배우는 것이 멜로디를 만드는 데 큰 도움이 될 수 있습니다. 전문가가 될 필요는 없지만 몇 가지 기본적인 코드와 멜로디를 만드는 방법을 아는 것은 큰 도움이 될 수 있습니다. 현지 교사로부터 수업을 듣거나 온라인에서 무료 튜토리얼을 찾아 시작할 수 있습니다.

1.6. 도움이 필요하면 공동 작가를 데려오세요

실현하기 어려운 아이디어가 있다면 친구나 공동 작가와 함께 작업하는 것이 훌륭한 솔루션이 될 수 있습니다. 노래의 주제, 분위기, 가사에 대해 이야기하고 이러한 아이디어를 함께 음악으로 변환하는 데 도움을 주세요. 도움을 줄 수 있는 사람이 없다면 온라인 음악 포럼이나 구인 게시판을 통해 파트너를 찾는 것이 좋습니다.

1.7. 노래 제작을 위한 음악 소프트웨어를 사용해 보세요

악기를 연주하지 않는다면 음악 소프트웨어가 훌륭한 대안이 될 수 있습니다. 이러한 프로그램은 혼합하고 사용자 정의할 수 있는 드럼 비트, 베이스라인, 코드 및 멜로디의 광범위한 라이브러리를 제공합니다. 이러한 도구를 실험해 보면 다양한 효과와 필터를 사용하여 자신만의 노래를 만들 수 있습니다.

• 많은 프로그램을 통해 신디사이저, 기타 효과 및 기타 다양한 도구를 사용할 수 있습니다.
• 추가 플러그인을 구입하여 사운드 라이브러리를 확장하고 음악에 새로운 질감을 추가할 수도 있습니다.

2. 노래에 가사 추가하기

2.1. 노래 제목을 선택하세요

노래 아이디어 개발을 시작하는 흥미로운 방법 중 하나는 잠재적인 제목을 브레인스토밍하는 것입니다. 때로는 영화, 책, 심지어 대화에서 우연히 듣는 문구가 눈길을 끄는 제목에 대한 아이디어를 촉발할 수 있습니다. 나중에 다시 볼 수 있도록 이 문구를 노트북이나 휴대전화에 적어 두세요. 멜로디와 가사가 끝날 때까지 노래 이름을 지정할 수도 있습니다. 여기에는 옳고 그름의 접근 방식이 없습니다. 가장 자연스럽게 느껴지는 방식을 따르세요.

2.2. 노래에 대한 코러스 만들기

코러스는 노래를 기억에 남게 만드는 중심 요소이며 종종 노래의 제목이 됩니다. 마음에 드는 무언가에 도달할 때까지 다양한 프레이즈와 멜로디를 가지고 놀아보세요. 가능한 제목 목록이 이미 있다면 노래를 불러 어떤 제목이 합창으로 잘 어울리는지 확인하세요. 다양한 멜로디를 시험해 보고 원하는 분위기를 가장 잘 포착하는 멜로디를 찾으세요.

2.3. 후크 주변에 코러스 만들기

일부 노래에서는 메인 후크 프레이즈가 전체 코러스가 되는 반면, 다른 노래에서는 코러스의 일부일 뿐이며 종종 시작이나 끝 부분에 위치합니다. 코러스는 일반적으로 노래의 주요 주제를 폭넓게 요약합니다. 구절보다 덜 상세해야 하며, 청취자가 구체적인 내용으로 압도당하지 않고 아이디어와 연결할 수 있는 공간을 남겨야 합니다.

2.4. 합창 주제를 확장하는 구절 쓰기

구절은 합창에 소개된 주제를 보완하고 구축하여 세부 사항과 이미지를 추가합니다. 그들은 노래를 더욱 감성적이고 의미 있게 만드는 생생한 예와 구체적인 내용을 사용하여 아이디어를 더 깊이 파고듭니다.

3. 노래 마무리

3.1. 브리지를 추가할지 결정하세요.

브릿지는 노래에서 한 번만 등장하는 섹션으로 메인 테마에 새로운 차원을 더해줍니다. 새로운 가사를 도입하거나, 키를 변경하거나, 동일한 키 내에서 다른 코드를 사용하여 다양성을 추가할 수 있습니다.

• 새로운 세부사항을 추가하지 않고 코러스처럼 일반적인 가사를 브리지에 유지하세요.
• 악기 솔로용 브리지를 사용하여 특정 악기의 기술을 선보일 수도 있습니다.

3.2. 최종 노래 구조 정하기

오늘날 가장 인기 있는 노래 구조는 Verse/Chorus/Verse/Chorus/Bridge/Chorus입니다. 그러나 귀하의 비전에 맞게 자유롭게 조정하십시오. 구조가 적절하다고 느껴질 때까지 섹션 재배치, 부분 반복, 사물 이동 등을 실험해 보세요.

3.3. 더 풍부한 사운드를 위해 추가 악기 추가

가사와 멜로디가 완성되면 드럼, 베이스 기타, 키보드와 같은 악기로 사운드를 풍부하게 만들어 보세요. 이러한 추가는 노래에 깊이와 에너지를 줄 수 있습니다. 모든 악기가 동일한 키와 박자표로 연주되는지 확인하십시오.

• 추가 악기를 연주하지 않는 경우 기본 트랙을 녹음하고 음악 소프트웨어를 사용하여 추가 사운드를 추가하세요.
• YouTube에서 악기 트랙을 찾고 제작자에게 연락하여 작품 사용에 대해 논의할 수도 있습니다.

3.4. 노래가 탄탄해질 때까지 연습하세요

노래를 여러 부분으로 나누고 각 부분을 개별적으로 연습하세요. 그런 다음 이를 결합하고 전환 작업을 수행하여 주저 없이 전체 곡을 원활하게 연주할 수 있습니다.

3.5. 노래 녹음

노래를 외우고 나면 녹음할 차례입니다. 휴대폰, 디지털 녹음기, 노트북 소프트웨어를 사용하세요. 녹음 내용을 실수로 잃어버리지 않도록 반드시 녹음 백업을 저장하거나 클라우드에 업로드하세요.

• 더 나은 시청 경험을 위해 iPhone 또는 Android를 수평으로 들고 노래를 연주하는 자신의 모습을 비디오로 촬영할 수도 있습니다.

창의력을 높이는 작곡 기법

1. 독창적인 아이디어를 알아차리는 기술을 개발합니다 . 생각이 떠오르는 대로 기록할 수 있도록 노래 아이디어 전용 노트를 항상 가지고 다니세요. 이렇게 하면 영감이 떠오를 때 항상 손에 닿을 수 있습니다.
2. 마음이 맞는 협력자를 찾으세요 . 함께 작업하고 싶은 음악가와 작곡가의 목록을 만드세요. 아이디어를 교환하고 함께 새로운 노래를 작업하기 위한 회의를 준비하세요.
3. 평소의 글쓰기 과정을 바꿔보세요 . 후렴부터 시작하거나 가사를 역순으로 써보세요. 이러한 작은 변화는 창작 과정에 대한 새로운 관점을 제공할 수 있습니다.
4. 다른 예술 형식에서 영감을 얻으세요 . 박물관을 방문하고, 클래식 음악을 듣고, 단편 소설을 읽어보세요. 다른 예술 형태를 통해 경험하는 감정은 노래로 표현할 수 있는 감정에 영감을 줄 수 있습니다.
5. 의미 있는 사람에 대한 노래를 써 보세요 . 가까운 친구, 가족, 역사적 인물, 유명인 또는 애완동물에 집중하세요. 가능하다면 그 사람을 위해 노래를 부르고 그들의 반응에 주의를 기울이십시오.
6. 좋아하는 랩 노래에 대한 새 가사를 작성하세요 . 좋아하는 트랙의 악기를 가져와 자신만의 가사를 쓰고, 다양한 단어가 분위기와 의미를 어떻게 바꿀 수 있는지 살펴보세요.
7. 자유연상을 사용하세요 . 단어 몇 개를 선택하고, 타이머를 설정하고, 몇 분 안에 각 단어에 대해 최대한 많은 내용을 쓰세요. 그런 다음 이러한 아이디어를 어떻게 노래로 엮을 수 있는지 살펴보세요.
8. 멜로디와 코드 진행을 별도로 작성하는 연습을 해보세요 . 이를 통해 각 요소에 개별적으로 집중할 수 있으므로 나중에 이들을 결합하여 응집력 있는 사운드를 만드는 것이 더 쉬워집니다.
9. 저작권 보호의 기본 사항을 알아보세요 . 지적재산권법을 이해하면 음악을 보호하고 출판하고 라이선스를 취득하는 데 도움이 됩니다. 책을 읽고, 강좌를 수강하고, ASCAP, BMI, SESAC와 같은 조직을 탐색해 보세요.

협업의 힘

작곡은 매우 개인적인 것일 수 있지만, 솔로 여행일 필요는 없습니다. 다른 작곡가와 함께 작업하면 새로운 아이디어와 관점을 제공하여 창의적인 지평을 열 수 있습니다. 협업은 아티스트로서 성장하고, 새로운 기술을 배우고, 예상치 못한 방식으로 영감을 얻을 수 있는 기회를 제공합니다. 다른 사람들과 협력하는 것은, 특히 일반적으로 혼자 글을 쓰는 경우, 결코 고려하지 않았던 길로 이끌 수 있습니다.

협업의 이점

공동 작곡의 가장 귀중한 측면 중 하나는 서로에게서 배울 수 있는 기회입니다. 모든 작곡가는 스타일, 노래 구조 및 선호하는 코드에 대해 고유한 접근 방식을 제공하며 공동 작업을 하면 다른 사람의 창작 과정을 맨 앞줄에서 볼 수 있습니다. 어쩌면 당신의 공동 작가는 멜로디에 집중하고 당신은 가사에 더 관심이 있을 수도 있고, 공동 작가는 다른 장르에서 작업할 수도 있습니다. 이러한 강점을 결합하면 둘 중 하나만 만들 수 있는 것보다 더 큰 결과를 얻을 수 있습니다.

협업은 또한 당신을 편안한 영역 너머로 밀어냅니다. 특정 장르나 테마를 고수하는 경향이 있다면, 신선한 관점이 새로운 것을 시도하도록 격려할 수 있습니다. 공동 작가는 당신이 결코 생각하지 못했던 아이디어를 테이블에 가져올 수 있으며, 이 새로운 접근 방식은 창의적인 여정의 전환점이 될 수 있습니다.

협업적 창의성의 취약성

자신의 창작 과정을 다른 사람과 공유하는 것이 항상 쉬운 것은 아닙니다. 미완성인 아이디어, 가사, 멜로디를 그대로 드러내려면 용기가 필요합니다. 당신의 아이디어가 "충분히 좋지" 않거나 평가를 받을까 봐 걱정할 수도 있습니다. 그러나 취약성은 창의적인 과정의 필수적인 부분입니다. 이를 수용하면 실제로 장기적으로 더 강력한 작곡가가 될 수 있습니다.

같은 방에서 함께 글을 쓰는 것은 긴장될 수도 있지만 흥미로운 돌파구로 이어질 수도 있습니다. 실시간으로 아이디어를 공유하고, 서로의 제안을 토대로 구축하고, 모든 블록을 함께 해결하고 있습니다. 때로는 이런 종류의 실시간 상호 작용이 바로 노래에 생기를 불어넣는 데 필요한 것입니다.

원격 협업

대면 작업이 적합하지 않다면 원격 협업이 훌륭한 대안입니다. 스스로 노래를 시작한 다음 공동 작가에게 보내 마무리하거나 향상시킬 수 있습니다. 가사를 수정하거나, 새로운 멜로디를 추가하거나, 작곡을 재구성하여 더 깊이를 더할 수도 있습니다. 이 접근 방식을 사용하면 즉석에서 아이디어를 생각해내야 한다는 부담 없이 원하는 속도로 작업할 수 있습니다. 원격 협업을 통해 양 당사자는 보다 편안한 환경에서 최고의 작품을 창작할 수 있는 자유를 누리면서도 창의적인 강점을 결합할 수 있습니다.

작곡가의 블록을 극복하는 방법

모든 작곡가는 아무리 노력해도 아이디어가 떠오르지 않는 어느 시점에서 창작의 어려움에 직면합니다. 굴러다니다가 갑자기 벽에 부딪히면 특히 좌절감을 느낄 수 있습니다. 하지만 창의적인 블록은 완전히 정상적이며 좋은 소식은 이를 극복하고 아이디어를 다시 흐르게 할 수 있는 방법이 있다는 것입니다.

작곡가 블록이란 무엇입니까?

작가의 블록은 최선을 다해도 새로운 아이디어가 떠오르지 않거나 노래가 진전되지 않는 순간입니다. 기타를 치거나 컴퓨터 앞에 앉아 있어도 영감이 사라진 것 같은 느낌이 듭니다. 정신적 피로부터 완벽주의, 스트레스, 외부 요인까지 다양한 원인이 있을 수 있습니다. 종종, "좋은" 것을 창조해야 한다는 압박감으로 인해 우리는 아무것도 창조하지 못하게 될 수 있습니다.

작가의 장벽을 극복하는 열쇠는 상황을 뒤흔들고 다른 각도에서 창의성에 접근하는 것입니다. 프로세스를 새로 고치고 영감을 불러일으킬 수 있는 5가지 기술은 다음과 같습니다.

1. 무료 글쓰기

자유로운 글쓰기는 장벽을 깨는 간단하면서도 효과적인 연습입니다. 타이머를 10~15분으로 설정하고 운율, 구조, 의미에 대해 걱정하지 않고 떠오르는 것을 무엇이든 적으세요. 목표는 완벽한 가사를 만드는 것이 아니라 창의적인 흐름을 시작하는 것입니다. 이 자유 작문 세션에서 나중에 노래에 적용할 수 있는 몇 가지 아이디어를 찾을 수도 있습니다.

2. 환경을 바꾸세요

때로는 동일한 루틴에 갇혀 있기 때문에 창의적인 블록이 발생합니다. 평소 글쓰기 장소를 바꿔보세요. 항상 집에서 일한다면 공원이나 커피숍, 심지어 집에 있는 다른 방으로 가보세요. 풍경의 변화는 새로운 아이디어를 불러일으키는 신선한 인상을 가져올 수 있습니다. 뭔가 다른 것을 보는 것만으로도 새로운 관점에서 오래된 개념을 보는 데 도움이 될 수 있습니다.

3. 특정 프롬프트 사용

시작하는 데 어려움을 겪고 있다면 구체적인 메시지가 창작 과정을 진행하는 데 도움이 될 수 있습니다. 그것은 “기쁨”이나 “실망”과 같은 감정일 수도 있고, “깨진 거울”이나 “11월의 비”와 같은 대상일 수도 있습니다. 프롬프트가 구체적일수록 더 좋습니다. 영감이 떠오를 때까지 기다리기보다는 집중할 수 있는 실질적인 무언가를 제공하기 때문입니다. 초점을 좁히면 시작하기가 더 쉬워지고 거기서부터 노래의 나머지 부분이 구체화되기 시작할 수 있습니다.

4. 공동 작가와 협력

너무 오랫동안 자신의 생각에 갇혀 있었다면 다른 작곡가와 함께 작업하는 것이 판도를 바꿀 수 있습니다. 때로는 신선한 관점만이 아이디어를 이끌어내는 데 필요한 전부이기도 합니다. 공동 작가는 노래의 새로운 방향을 촉발하는 가사, 멜로디 또는 개념을 가져올 수 있습니다. 당신의 아이디어를 다른 사람과 이야기하는 것만으로도 그 아이디어를 새로운 시각으로 보는 데 도움이 될 수 있습니다. 또한 다른 사람과 함께 일하면 동기를 부여할 수 있는 책임감이 추가됩니다.

5. 무작위 단어 생성기 사용

무작위 단어는 창의력을 자극하는 좋은 방법이 될 수 있습니다. 온라인에서 몇 가지 무작위 단어를 생성하고 이를 포함하는 한 줄이나 구절을 작성해 보세요. 이는 고정관념에서 벗어나 생각하게 만들고 예상치 못한 아이디어나 은유로 이어질 수 있습니다. 때로는 특이한 단어 하나만으로도 창의성을 새로운 방향으로 끌어올리기에 충분하여 가사를 새로운 각도에서 볼 수 있습니다.

인공 지능을 사용하여 노래를 작성하는 방법

인공 지능은 이미 음악이 만들어지는 방식을 변화시키고 있으며 앞으로는 훨씬 더 큰 역할을 할 가능성이 높습니다. AI는 영감과 창작 과정을 위한 강력한 도구가 되었습니다. 프로그램은 코드 진행을 생성하고, 가사를 제안하고, 심지어 작곡가가 시작하는 데 도움이 되는 전체 멜로디를 만들 수도 있습니다. 정체감을 느끼거나 새로운 아이디어를 탐구하려는 사람들을 위해 AI는 기반으로 삼을 대략적인 아이디어를 신속하게 제공할 수 있는 추가 "공동 작성자" 역할을 합니다.

그러나 모든 기술이 그렇듯이 단점도 있습니다. 가장 큰 우려 중 하나는 AI가 작곡 과정에서 감정적 깊이를 일부 제거할 수 있다는 것입니다. 사람이 쓴 노래에는 개인적인 경험이 담겨 있으며, 그 마법의 일부는 가사와 멜로디를 통해 흐르는 감정과 이야기에서 비롯됩니다. 아티스트가 음악을 만들기 위해 AI에 너무 많이 의존하기 시작하면 노래가 지나치게 정형화되어 고유한 인간적 터치를 잃을 위험이 있습니다.

또 다른 우려는 AI가 음악 산업을 어떻게 재편성하여 작곡가가 두각을 나타내기 어렵게 만들 수 있는지입니다. AI가 곡을 빠르고 효율적으로 제작할 수 있게 된다면, 라인 하나하나에 정성을 다하는 아티스트들에게는 무엇이 남을까요? 궁극적으로 다른 도구와 마찬가지로 AI도 현명하게 사용하면 작곡 과정을 향상시킬 수 있습니다. 핵심은 음악을 정말 특별하게 만드는 인간적 요소를 대체하지 않도록 하는 것입니다.